Maquillaje. Cuidado del cabello. Protección de la piel

El desarrollo de una persona creativa, sus habilidades artísticas está directamente relacionado con el propósito y los objetivos de la enseñanza de la materia de arte.

Su OBJETIVO principal es familiarizar con la cultura espiritual como forma de transferir de generación en generación los valores humanos universales, con cuya percepción y reproducción se produce, en su actividad, el autodesarrollo creativo y moral de la persona, la integridad de su mundo interior se conserva. Entonces, al unirse a la cultura espiritual, una persona se une simultáneamente a su esencia natural, desarrollando sus habilidades básicas - universales: al pensamiento holístico e imaginativo; a la empatía con el mundo exterior; a la actividad creativa.

La realización de este objetivo se lleva a cabo mediante la educación estética de una persona por medio del arte y la pedagogía artística. Se basan en la educación artística y la actividad artística. Sólo en su totalidad podemos imaginar la realización de los fines de la educación estética. Estas son dos formas diferentes de desarrollar la conciencia humana, que no se reemplazan, sino que se complementan entre sí.

Los criterios para evaluar el desarrollo creativo de una persona en el campo de la educación estética se revelan de acuerdo con las tareas de formar una persona armónicamente desarrollada. Tres direcciones interrelacionadas en él: A) la preservación de la integridad moral del individuo; B) el desarrollo de su potencial creativo; C) asegurar la correlación armoniosa de las características sociales y únicas en él.

Todo esto se realiza naturalmente en la actividad artística del hombre.

El niño en su actividad cognitiva y creativa asimila, en primer lugar, su significado, asociado a una actitud emocional y valorativa ante la vida. El arte es un medio de acumulación, de concentración de esa experiencia de vida de la humanidad, que está conectada con las tareas de desarrollo del potencial moral y creativo de las personas. Por lo tanto, uno de los principales objetivos del arte es, basado en las fuerzas universales del hombre, desarrollar su ideal moral, actitudes creativas, emociones estéticas y sentimientos.

El programa de arte en la escuela prevé 4 tipos principales de trabajo: dibujo del natural, dibujo temático, dibujo decorativo, conversaciones sobre arte, que están estrechamente relacionados y se complementan entre sí para resolver las tareas establecidas por el programa.

Las tareas de las clases de arte incluyen: Desarrollar la percepción visual de los estudiantes. Desarrollar la capacidad de observar, establecer semejanzas y diferencias, clasificar objetos según su forma y textura. Cultivar habilidades estéticas y artísticas, enseñar a dibujar del natural, sobre temas, realizar ilustraciones y dibujos decorativos, desarrollar habilidades gráficas y pictóricas. Desarrollar el pensamiento mental y abstracto.

El tipo principal de dibujo es la fig. de la naturaleza un gato. conduce al desarrollo general de una persona: desarrolla la imaginación, el pensamiento mental, espacial y abstracto, el ojo, la memoria.

Curso escolar de arte. el arte tiene como objetivo:

1. Preparar a miembros de la sociedad completos y educados,

2. Educar estéticamente a los niños, desarrollar su gusto artístico.

3. Ayude a los niños a aprender sobre el mundo que los rodea, desarrollado. observación, acostumbrarse a pensar lógicamente, darse cuenta de lo que se ha visto.

4. Enseñar a utilizar el dibujo en actividades laborales y sociales

5. Dotar a los alumnos de los conocimientos básicos del dibujo realista. Inculcar habilidades y destrezas en bellas artes, familiarizarse con los métodos técnicos básicos de trabajo.

6. Desarrollar las habilidades creativas y estéticas de los estudiantes, desarrollar el pensamiento espacial, la representación figurativa y la imaginación.

7. Familiarizar a los escolares con las obras destacadas de las bellas artes rusas y mundiales. Inculcar el interés y el amor por el arte. actividades.

El tema de los métodos de enseñanza de las bellas artes está estrechamente relacionado con disciplinas especiales y psicológicas y pedagógicas. La metodología como objeto de estudio considera las características del trabajo del docente con los estudiantes. La metodología se entiende como un conjunto de métodos racionales de formación y educación. Este es un departamento especial de pedagogía, que estudia las reglas y leyes de construcción del proceso educativo. La metodología puede ser general, considera métodos de enseñanza inherentes a todas las materias y privados - métodos y técnicas utilizados en la enseñanza de cualquier materia.

La metodología de enseñanza de las bellas artes como ciencia generaliza teóricamente la experiencia práctica, ofrece métodos de enseñanza que ya se han justificado y dan los mejores resultados. El objetivo del curso es formar las bases y la conciencia profesional y pedagógica de un profesor de bellas artes. El objetivo del curso es el conocimiento de la historia, la teoría, los métodos de la investigación científica en el campo de la enseñanza de las bellas artes, la adquisición de habilidades intelectuales y prácticas para resolver los problemas de la enseñanza de las bellas artes, sentando las bases para la formación posterior de un enfoque creativo de las actividades de un profesor de bellas artes, la formación de un interés sostenible en la profesión de profesor de bellas artes. El método de enseñanza se entiende como la forma en que el docente trabaja con los estudiantes, en la que se logra la mejor asimilación del material educativo y se incrementa el rendimiento académico.

El método de enseñanza consta de métodos de enseñanza separados: - según la fuente de adquisición del conocimiento (visual, práctico, verbal, juegos) - según el método de obtención del conocimiento (reproductivo, receptivo a la información, investigación, heurístico) - según la naturaleza de la actividad (método de organización e implementación de actividades educativas y cognitivas, el método de control y autocontrol, el método de estimular y motivar el aprendizaje) - por tipo de ocupación

Los métodos de enseñanza del trabajo artístico tienen características específicas, debido a la actividad cognitiva de los estudiantes más jóvenes:

la naturaleza de los procesos técnicos y las operaciones laborales;

desarrollo del pensamiento politécnico, habilidades técnicas;

· formación de conocimientos y habilidades politécnicas generalizadoras.

La lección de labor artística y bellas artes se caracteriza por una clasificación de métodos según los métodos de actividad del profesor y de los alumnos, ya que en la enseñanza de estas materias se manifiestan con mayor claridad dos procesos interconectados: la actividad práctica independiente de los alumnos y el protagonismo. del maestro

En consecuencia, los métodos se dividen en 2 grupos:

1) Métodos de trabajo independiente de los estudiantes bajo la guía de un maestro.

2) Métodos de enseñanza, aprendizaje.

Métodos de enseñanza que están determinados por la fuente de conocimiento adquirido. incluye 3 tipos principales:

verbal;

visual;

práctico.

La formación de destrezas y habilidades está asociada a las actividades prácticas de los estudiantes. De esto se deduce que es necesario poner el tipo de actividad de los estudiantes como base para los métodos de formación de habilidades.

Por tipo de actividad estudiantil(clasificación según el tipo de actividad cognitiva por I.Ya. Lerner y M.N. Skatkin) los métodos se dividen en:

· reproductivo;

búsqueda parcial;

· problemático;

investigar;

explicativo e ilustrativo.

Todos los métodos anteriores se refieren a los métodos de organización de la actividad educativa y cognitiva (clasificación de Yu.K. Babansky).

Teniendo en cuenta el método de estimular la actividad educativa en las lecciones de trabajo artístico y bellas artes, es efectivo utilizar el método de formación del interés cognitivo. Además, no olvides usar el método de control y autocontrol.

Métodos de organización e implementación de actividades educativas y cognitivas. - un grupo de métodos de enseñanza destinados a organizar la actividad educativa y cognitiva de los estudiantes, identificado por Yu.K. Babansky e incluye todos los métodos de enseñanza existentes según otras clasificaciones en forma de subgrupos.

1. Métodos de enseñanza verbal

Los métodos verbales permiten transmitir una gran cantidad de información en el menor tiempo posible, plantear un problema a los alumnos e indicar formas de resolverlo. Con la ayuda de la palabra, el maestro puede traer a la mente de los niños imágenes vívidas del pasado, presente y futuro de la humanidad. La palabra activa la imaginación, la memoria, los sentimientos de los alumnos.

Los métodos de enseñanza verbal incluyen una historia, una conferencia, una conversación, etc. En el proceso de su aplicación, el maestro expone y explica el material educativo a través de la palabra, y los estudiantes lo aprenden activamente a través de la escucha, la memorización y la comprensión.

Historia. El método de narración implica una presentación narrativa oral del contenido del material educativo. Este método se aplica en todas las etapas de la escolaridad. En las lecciones de bellas artes, el profesor lo utiliza principalmente para comunicar nueva información (información interesante de la vida de artistas famosos), nuevos requisitos. El cuento debe cumplir con los siguientes requisitos didácticos: ser convincente, conciso, emotivo, accesible para la comprensión de los estudiantes de primaria.

Se asigna muy poco tiempo a la historia del maestro en las lecciones de trabajo artístico y bellas artes y, por lo tanto, su contenido debe limitarse a uno breve, corresponder estrictamente a los objetivos de la lección y la tarea laboral práctica. Al utilizar términos nuevos en el cuento, el docente debe pronunciarlos expresivamente y anotarlos en la pizarra.

Varios tipos de historia :

o historia de introducción;

o historia - presentación;

o historia-conclusión.

El primero tiene como objetivo preparar a los estudiantes para la percepción de nuevos materiales educativos, lo que puede llevarse a cabo por otros métodos, como la conversación. Este tipo de relato se caracteriza por una relativa brevedad, luminosidad, presentación divertida y emotiva, lo que permite despertar el interés por un tema nuevo, despertar la necesidad de su asimilación activa. Durante tal historia, se informan las tareas de las actividades de los estudiantes en la lección.

Durante la presentación de la historia, el maestro revela el contenido del nuevo tema, lleva a cabo la presentación de acuerdo con un cierto plan de desarrollo lógico, en una secuencia clara, destacando lo principal, con ilustraciones y ejemplos convincentes.

La conclusión de la historia generalmente se lleva a cabo al final de la lección. El maestro resume las ideas principales en él, saca conclusiones y generalizaciones, asigna una tarea para un mayor trabajo independiente sobre este tema.

Durante la aplicación del método de narración, tales técnicas metodológicas como: presentación de información, activación de la atención, métodos de aceleración de la memorización, métodos lógicos de comparación, comparación, resaltando lo principal.

Condiciones para un uso efectivo la historia es un pensamiento cuidadoso del plan, la elección de la secuencia más racional de divulgación del tema, la selección exitosa de ejemplos e ilustraciones, manteniendo el tono emocional de la presentación.

Conversación. La conversación es un método de enseñanza dialógico en el que el profesor, al plantear un sistema de preguntas cuidadosamente pensado, lleva a los alumnos a comprender material nuevo o comprueba su asimilación de lo que ya han estudiado.

La conversación es uno de los métodos más antiguos de trabajo didáctico. Fue utilizado magistralmente por Sócrates, en cuyo nombre se originó el concepto de “conversación socrática”.

En las lecciones de trabajo artístico y bellas artes, la historia a menudo se convierte en una conversación. La conversación tiene como objetivo obtener nuevos conocimientos y consolidarlos a través de un intercambio oral de pensamientos entre el profesor y el alumno. La conversación contribuye a la activación del pensamiento de los niños y es más convincente cuando se combina con una demostración de objetos naturales, con su imagen.

Dependiendo de las tareas específicas, el contenido del material educativo, el nivel de actividad cognitiva creativa de los estudiantes, el lugar de la conversación en el proceso didáctico, varios tipos de conversaciones .

Muy extendida en la enseñanza de las bellas artes y del trabajo artístico está conversación heurística(de la palabra "Eureka" - encuentro, abierto). En el curso de una conversación heurística, el docente, apoyándose en el conocimiento y la experiencia práctica de los estudiantes, los lleva a comprender y asimilar nuevos conocimientos, formular reglas y conclusiones.

Se utiliza para comunicar nuevos conocimientos. conversaciones informativas. Si la conversación precede al estudio de material nuevo, se llama introductorio o introductorio. El propósito de tal conversación es despertar en los estudiantes un estado de preparación para aprender cosas nuevas. La necesidad de una conversación continua puede surgir en el curso del trabajo práctico. A través de la "pregunta - respuesta" los estudiantes reciben información adicional. Fijación o final las conversaciones se aplican después de aprender material nuevo. Su propósito es discutir y evaluar el trabajo de los estudiantes.

Durante la conversación, las preguntas pueden dirigirse a un estudiante ( conversación individual) o alumnos de toda la clase ( conversación frontal).

Requisitos de la entrevista.

El éxito de las entrevistas depende en gran medida de la corrección de las preguntas. El maestro hace preguntas a toda la clase para que todos los estudiantes se preparen para la respuesta. Las preguntas deben ser cortas, claras, significativas, formuladas de tal manera que despierten el pensamiento del estudiante. No debe hacer preguntas dobles, que inciten o que lleven a adivinar la respuesta. No debe formular preguntas alternativas que requieran respuestas inequívocas como "sí" o "no".

En general, el método de conversación tiene las siguientes Beneficios : activa a los estudiantes, desarrolla su memoria y habla, abre el conocimiento de los estudiantes, tiene un gran poder educativo, es una buena herramienta de diagnóstico.

Desventajas del método de conversación : toma mucho tiempo, requiere un stock de conocimiento.

Explicación. Explicación: una interpretación verbal de patrones, propiedades esenciales del objeto en estudio, conceptos individuales, fenómenos.

En las lecciones de bellas artes y trabajos artísticos, el método de explicación se puede utilizar en la parte introductoria de la lección para familiarizarse con la ejecución de varias costuras, junto con la demostración del producto, al familiarizarse con varios métodos de trabajo con un cepillo, etc

En preparación para el trabajo, el maestro explica cómo organizar racionalmente el lugar de trabajo; al planificar, explica cómo determinar la secuencia de operaciones.

En el proceso de explicación, el maestro familiariza a los estudiantes con las propiedades de los materiales y el propósito de las herramientas, con acciones, técnicas y operaciones laborales racionales, nuevos términos técnicos (en las lecciones de trabajo artístico); con métodos de trabajo con un pincel y la secuencia de dibujar, construir objetos (en lecciones de dibujo).

Requisitos para el método de explicación. El uso del método de explicación requiere una formulación precisa y clara del problema, la esencia del problema, la pregunta; divulgación consistente de relaciones de causa y efecto, argumentación y evidencia; uso de comparación, comparación y analogía; atraer ejemplos vívidos; Impecable lógica de presentación.

Discusión. La discusión como método de enseñanza se basa en el intercambio de puntos de vista sobre un tema en particular, y estos puntos de vista reflejan las propias opiniones de los participantes o se basan en las opiniones de otros. Es recomendable utilizar este método cuando los estudiantes tienen un grado significativo de madurez e independencia de pensamiento, son capaces de argumentar, demostrar y fundamentar su punto de vista. También tiene un gran valor educativo: te enseña a ver y comprender más profundamente el problema, a defender tu posición de vida, a contar con las opiniones de los demás.

Este método es más adecuado para su uso en la escuela secundaria. Pero si los estudiantes de primaria tienen las características anteriores (clases sólidas), entonces tiene sentido comenzar a introducir este método (por ejemplo, al familiarizarse con el trabajo de los artistas, es decir, sus obras).

Instrucciones. Este método se entiende como una explicación de los métodos de las acciones laborales, su visualización precisa y ejecución segura (trabajo artístico).

Tipos de instrucción:

A la hora del evento:

Introductorio: se lleva a cabo al comienzo de la lección, incluye la formulación de una tarea laboral específica, se da una descripción de las operaciones, se lleva a cabo una explicación de los métodos de trabajo.

Actual: llevado a cabo durante las actividades prácticas, incluye una explicación de los errores cometidos, descubriendo las razones, las deficiencias en el trabajo, corrigiendo errores, explicando las técnicas correctas, realizando el autocontrol.

La final incluye el análisis del trabajo, las características de los errores cometidos en el trabajo, la calificación del trabajo de los alumnos.

· Por cobertura de alumnos: individual, grupal, presencial.

· Según la forma de presentación: oral, escrita, gráfica, mixta.

2. Métodos de enseñanza visuales

Se entiende por métodos didácticos visuales aquellos en los que la asimilación del material didáctico depende significativamente de las ayudas visuales y medios técnicos utilizados en el proceso de aprendizaje.

Los métodos visuales se utilizan junto con los métodos de enseñanza verbal y práctica.

Los métodos de enseñanza visual se pueden dividir condicionalmente en 2 grupos grandes :

· método de ilustración;

método de demostración.

Demostración(lat. demonstratio - mostrando) - un método expresado en mostrar a toda la clase en la lección varias ayudas visuales.

La demostración consiste en un conocimiento visual-sensorial de los estudiantes con fenómenos, procesos, objetos en su forma natural. Este método sirve principalmente para revelar la dinámica de los fenómenos en estudio, pero también es muy utilizado para conocer la apariencia de un objeto, su estructura interna o su ubicación en una serie de objetos homogéneos. Al demostrar objetos naturales, generalmente comienzan con su apariencia (tamaño, forma, color, partes y sus relaciones), y luego pasan a la estructura interna o propiedades individuales que se destacan y enfatizan especialmente (el funcionamiento del dispositivo, etc.). ). Demostración de obras de arte, muestras de ropa, etc. también comienza con una percepción holística. El espectáculo suele ir acompañado de un boceto esquemático de los objetos considerados. La demostración de los experimentos va acompañada de dibujos en la pizarra o muestra de diagramas que facilitan la comprensión de los principios que subyacen a la experiencia.

Este método es verdaderamente efectivo solo cuando los propios estudiantes estudian objetos, procesos y fenómenos, realizan las mediciones necesarias, establecen dependencias, debido a lo cual se lleva a cabo un proceso cognitivo activo: se comprenden las cosas, los fenómenos y no las ideas de otras personas sobre ellos.

Los objetos de la demostración son : ayudas visuales de naturaleza demostrativa, imágenes, tablas, diagramas, mapas, transparencias, películas, modelos, diseños, diagramas, grandes objetos naturales y preparaciones, etc.;

El maestro utiliza la demostración principalmente al estudiar material nuevo, así como al resumir y repetir material ya estudiado.

Condiciones para la efectividad de la demostración son: explicaciones cuidadosamente pensadas; asegurar una buena visibilidad de los objetos demostrados para todos los estudiantes; amplia participación de estos últimos en la preparación y celebración de la manifestación.

Ilustración como método de enseñanza, la interacción es utilizada por el maestro para crear en la mente de los estudiantes con la ayuda de ayudas visuales una imagen precisa, clara y clara del fenómeno que se estudia.

Ilustración de la función principal consiste en recrear figurativamente la forma, esencia del fenómeno, su estructura, conexiones, interacciones para confirmar posiciones teóricas. Ayuda a llevar a todos los analizadores y los procesos mentales de sensación, percepción y representación asociados a ellos a un estado de actividad, como resultado de lo cual surge una rica base empírica para la actividad mental generalizadora y analítica de los niños y el maestro.

Las ilustraciones se utilizan en el proceso de enseñanza de todas las materias. A modo de ilustración se utilizan objetos naturales y creados artificialmente: maquetas, maquetas, maniquíes; obras de bellas artes, fragmentos de películas, obras literarias, musicales, científicas; ayudas simbólicas tales como mapas, diagramas, gráficos, diagramas.

El resultado de aprendizaje del uso de ilustraciones se manifiesta en garantizar la claridad de la percepción inicial del tema que se estudia por parte de los estudiantes, de la cual depende todo el trabajo posterior y la calidad de asimilación del material estudiado.

Tal división de las ayudas visuales en ilustrativas o de demostración es condicional; no excluye la posibilidad de clasificar las ayudas visuales individuales como ilustrativas y demostrativas (por ejemplo, mostrar ilustraciones a través de un epidiascopio o una mira telescópica). La introducción de nuevos medios técnicos en el proceso educativo (videograbadoras, ordenadores) amplía las posibilidades de los métodos visuales de enseñanza.

En la lección de trabajo artístico, los estudiantes realizan la parte principal de los productos de acuerdo con las imágenes gráficas. Éstos incluyen:

Dibujo artístico: se utiliza una imagen real de un objeto, si el objeto en sí no se puede mostrar debido a su ausencia, tamaños pequeños o grandes; permite identificar el material y el color (utilizado en las lecciones de trabajo artístico y bellas artes);

Dibujo técnico: una imagen gráfica, que se hace arbitrariamente, a mano, utilizando herramientas de dibujo y medición; todos los elementos estructurales se transmiten con preservación aproximada de dimensiones y proporciones (utilizado en clases de arte);

Boceto: un reflejo condicional de un objeto, que se realiza sin el uso de herramientas de dibujo y medición con una conservación aproximada de dimensiones y proporciones (utilizado en las lecciones de trabajo artístico y bellas artes);

Dibujo: una representación gráfica de un objeto con la ayuda de dibujar y medir objetos en una escala determinada, con una preservación precisa de las dimensiones, utilizando métodos de proporciones paralelas, contiene datos sobre el tamaño y la forma del objeto (utilizado en clases de arte) ;

Una ficha técnica es una imagen que puede contener un dibujo de un producto, se pueden indicar herramientas, materiales y accesorios, pero siempre hay una secuencia de operaciones y métodos de trabajo (utilizados en las clases de arte).

Requisitos para el uso de métodos visuales: la visualización utilizada debe ser apropiada para la edad de los estudiantes; la visibilidad debe usarse con moderación y debe mostrarse gradualmente y solo en el momento apropiado de la lección; la observación debe organizarse de tal manera que todos los estudiantes puedan ver claramente el objeto que se está demostrando; es necesario resaltar claramente lo principal, esencial al mostrar ilustraciones; reflexionar detalladamente sobre las explicaciones dadas durante la demostración de los fenómenos; la visualización demostrada debe ser exactamente consistente con el contenido del material; Involucrar a los propios estudiantes en la búsqueda de la información deseada en una ayuda visual o un dispositivo de demostración.

Una característica de los métodos visuales de enseñanza es que implican necesariamente, en mayor o menor medida, su combinación con los métodos verbales. La estrecha relación entre la palabra y la visualización se deriva del hecho de que "la forma dialéctica de conocer la realidad objetiva implica el uso de la contemplación viva, el pensamiento abstracto y la práctica en unidad".

Hay varias formas de comunicación entre las palabras y la visualización. Y dar preferencia absoluta a algunos de ellos sería un error, ya que dependiendo de las características de los objetivos de aprendizaje, el contenido del tema, la naturaleza de las ayudas visuales disponibles, así como el nivel de preparación de los estudiantes, es necesario en cada caso elegir su combinación más racional.

El uso de métodos de enseñanza visuales en las lecciones de tecnología se reduce a un uso mínimo de métodos de enseñanza verbal.

3. Métodos prácticos de enseñanza

Los métodos prácticos de enseñanza se basan en las actividades prácticas de los estudiantes. Estos métodos forman destrezas y habilidades prácticas. Los métodos prácticos incluyen ejercicios, trabajo práctico.

Ejercicios. Los ejercicios se entienden como la realización repetida (múltiple) de una acción mental o práctica con el fin de dominarla o mejorar su calidad. Los ejercicios se utilizan en el estudio de todas las materias y en varias etapas del proceso educativo. La naturaleza y metodología de los ejercicios depende de las características de la materia, el material específico, el tema de estudio y la edad de los alumnos.

Ejercicios subdivididos según su naturaleza sobre el:

· oral;

· escrito;

· educativa y laboral;

· gráfico.

Al realizar cada uno de ellos, los estudiantes realizan un trabajo mental y práctico.

Según el grado de independencia estudiantes durante el ejercicio asignar :

· ejercicios de reproducción de lo conocido para consolidar;

· ejercicios de reproducción;

· ejercicios para aplicar los conocimientos en nuevas condiciones-ejercicios de entrenamiento

Si, al realizar acciones, el estudiante se habla a sí mismo o en voz alta, comenta las próximas operaciones, dichos ejercicios se denominan comentados. Comentar acciones ayuda al maestro a detectar errores típicos, hacer ajustes a las acciones de los estudiantes.

Características del uso de ejercicios.

ejercicios orales contribuir al desarrollo del pensamiento lógico, la memoria, el habla y la atención de los alumnos. Son dinámicos, no requieren mantenimiento de registros que consume mucho tiempo.

ejercicios escritos se utilizan para consolidar conocimientos y desarrollar habilidades en su aplicación. Su uso contribuye al desarrollo del pensamiento lógico, la cultura de la escritura, la independencia en el trabajo. Se pueden combinar ejercicios escritos con orales y gráficos.

A ejercicios gráficos incluir el trabajo de los alumnos en la elaboración de diagramas, dibujos, gráficos, carteles, stands, etc.

Los ejercicios gráficos suelen realizarse simultáneamente con los escritos.

Su uso ayuda a los estudiantes a percibir, comprender y memorizar mejor el material educativo, contribuye al desarrollo de la imaginación espacial. Las obras gráficas, según el grado de independencia de los alumnos en su realización, pueden tener un carácter reproductor, didáctico o creativo.

Los ejercicios son efectivos solo si se observan una serie de reglas.

Requisitos para el método de ejercicio: enfoque consciente de los estudiantes para su implementación; observancia de la secuencia didáctica en la realización de ejercicios: primero, ejercicios para memorizar y memorizar material educativo, luego, para reproducción, para la aplicación de lo aprendido previamente, para transferencia independiente de lo aprendido a situaciones no estándar, para aplicación creativa , que asegura la inclusión de nuevo material en el sistema de conocimientos, habilidades y destrezas ya adquiridas. También son sumamente necesarios los ejercicios de búsqueda de problemas, que forman en los alumnos la capacidad de adivinar, la intuición.

En la lección de trabajo artístico, los estudiantes, junto con el conocimiento politécnico, dominan las habilidades generales del trabajo politécnico: equipar un lugar, diseñar un producto del trabajo, planificar un proceso de trabajo y realizar operaciones tecnológicas.

Cuando se utilizan métodos prácticos, se forman habilidades y destrezas.

Accionestécnicasoperacioneshabilidadeshabilidades.

Acciones: las llevan a cabo los estudiantes a un ritmo lento con una consideración cuidadosa de cada elemento realizado.

Técnicas: requieren una mayor reflexión y mejora en el proceso de ejercicios especiales.

Las operaciones son técnicas combinadas.

Habilidades - conocimiento que se aplica en la práctica, entendido como la realización consciente de acciones específicas por parte de los estudiantes con la elección de los métodos correctos de trabajo, pero el conocimiento no puede llevarse al nivel de habilidades.

Las habilidades son acciones que se llevan hasta cierto punto al automatismo y se realizan en situaciones estándar ordinarias.

Las habilidades se desarrollan mediante ejercicios reutilizables del mismo tipo sin cambiar el tipo de actividad. Durante el trabajo, el maestro se enfoca en la formación de habilidades laborales en los niños. Las habilidades se manifiestan por las acciones de una persona en una situación desconocida. Para la formación de habilidades, se realizan varios ejercicios que le permiten transferir el método de acción a una nueva situación.

Los alumnos de primaria en las clases de arte forman tres grandes grupos de habilidades:

1. Habilidades politécnicas: medición, computación, gráfica, tecnológica.

2. Habilidades laborales generales: organización, diseño, diagnóstico, operador.

3. Habilidades laborales especiales: procesamiento de diferentes materiales de diferentes maneras.

4. La formación de habilidades está siempre asociada a actividades prácticas.

Esta es una breve descripción de los métodos de enseñanza, clasificados por fuentes de conocimiento. La principal desventaja de esta clasificación es que no refleja la naturaleza de la actividad cognitiva de los estudiantes en el aprendizaje, no refleja el grado de su independencia en el trabajo educativo. Sin embargo, es esta clasificación la más popular entre los profesores en ejercicio, los metodólogos y se utiliza en las lecciones de tecnología y bellas artes.

4. Métodos de aprendizaje reproductivo

La naturaleza reproductiva del pensamiento implica la percepción activa y la memorización de la información proporcionada por el maestro u otra fuente de información educativa. La aplicación de estos métodos es imposible sin el uso de métodos y técnicas de enseñanza verbales, visuales y prácticas, que son, por así decirlo, la base material de estos métodos. Estos métodos se basan principalmente en la transferencia de información mediante palabras, la demostración de objetos naturales, dibujos, pinturas, imágenes gráficas.

Para alcanzar un mayor nivel de conocimiento, el maestro organiza las actividades de los niños para reproducir no solo conocimientos, sino también métodos de acción.

En este caso, se debe prestar mucha atención a la instrucción con una demostración (en las clases de arte) y una explicación de la secuencia y los métodos de trabajo con un espectáculo (en las clases de arte). Al realizar tareas prácticas, reproductivas, es decir. la actividad reproductiva de los niños se expresa en forma de ejercicios. El número de reproducciones y ejercicios cuando se utiliza el método reproductivo determina la complejidad del material educativo. Se sabe que en los grados inferiores, los niños no pueden realizar los mismos ejercicios de entrenamiento. Por lo tanto, los elementos de novedad deben introducirse constantemente en los ejercicios.

En la construcción reproductiva de la historia, el maestro formula hechos, evidencia, definiciones de conceptos en una forma prefabricada, se enfoca en lo principal que debe aprenderse con especial firmeza.

Una conversación organizada reproductivamente se lleva a cabo de tal manera que el maestro se basa en los hechos ya conocidos por los estudiantes, en el conocimiento adquirido previamente, y no establece la tarea de discutir ninguna hipótesis o suposición.

Los trabajos prácticos de carácter reproductivo se distinguen por el hecho de que, en el curso de su trabajo, los estudiantes aplican los conocimientos previamente adquiridos o recién adquiridos según el modelo.

Al mismo tiempo, en el curso del trabajo práctico, los estudiantes no aumentan sus conocimientos de forma independiente. Los ejercicios reproductivos contribuyen de manera especialmente efectiva al desarrollo de habilidades y destrezas prácticas, ya que la transformación de una habilidad en una habilidad requiere acciones repetidas de acuerdo con el modelo.

Los métodos reproductivos se utilizan con especial eficacia en los casos en que el contenido del material educativo es predominantemente informativo, es una descripción de los métodos de acciones prácticas, es muy complejo o fundamentalmente nuevo para que los estudiantes puedan realizar una búsqueda independiente de conocimiento.

En general, los métodos reproductivos de enseñanza no permiten desarrollar el pensamiento de los escolares en la medida adecuada, y especialmente la independencia, la flexibilidad del pensamiento; para desarrollar las habilidades de los estudiantes en la actividad de búsqueda. Con un uso excesivo, estos métodos contribuyen a la formalización del proceso de dominio del conocimiento y, a veces, solo abarrotan. Es imposible desarrollar con éxito rasgos de personalidad como el enfoque creativo de los negocios, la independencia solo mediante métodos reproductivos. Todo esto no les permite hacer un uso activo de las tecnologías en el aula, sino que exige la utilización junto a ellas de métodos didácticos que aseguren la actividad de búsqueda activa de los escolares.

5. Métodos de enseñanza problemáticos.

El método de enseñanza de problemas prevé la formulación de ciertos problemas que se resuelven como resultado de la actividad creativa y mental de los estudiantes. Este método revela a los estudiantes la lógica del conocimiento científico; creando situaciones problema, el docente anima a los estudiantes a construir hipótesis, razonamiento; realizando experimentos y observaciones, permite refutar o aprobar las suposiciones presentadas, para sacar conclusiones razonables de forma independiente. En este caso, el docente utiliza explicaciones, conversaciones, demostraciones, observaciones y experimentos. Todo esto crea una situación problema para los estudiantes, involucra a los niños en una búsqueda científica, activa su pensamiento, los obliga a predecir y experimentar. Pero al mismo tiempo, es necesario tener en cuenta las características de edad de los niños.

La presentación de material educativo por el método de la historia problema supone que el docente, en el transcurso de la presentación, reflexiona, prueba, generaliza, analiza los hechos y dirige el pensamiento de los alumnos, haciéndolo más activo y creativo.

Uno de los métodos de aprendizaje basado en problemas es la conversación heurística y de búsqueda de problemas. En el transcurso de la misma, el docente plantea a los alumnos una serie de preguntas coherentes e interrelacionadas, cuyas respuestas deben hacer supuestos y luego tratar de probar de forma independiente su validez, logrando así algún progreso independiente en la asimilación de nuevos conocimientos. Si durante una conversación heurística, tales suposiciones generalmente se refieren solo a uno de los elementos principales de un nuevo tema, durante una conversación de búsqueda de problemas, los estudiantes resuelven toda una serie de situaciones problemáticas.

Las ayudas visuales con métodos de enseñanza problemáticos ya no se usan solo para mejorar la memorización y para establecer tareas experimentales que crean situaciones problemáticas en el aula.

Los métodos problemáticos se utilizan principalmente con el propósito de desarrollar habilidades en la actividad creativa educativa y cognitiva, contribuyen a un dominio más significativo e independiente del conocimiento.

Este método revela a los estudiantes la lógica del conocimiento científico. Los elementos de la metodología de problemas se pueden introducir en las lecciones de trabajo artístico en el 3er grado.

Entonces, al modelar barcos, el maestro demuestra experimentos que plantean ciertos problemas para los estudiantes. Se coloca un trozo de papel de aluminio en un vaso lleno de agua. Los niños observan cómo el papel de aluminio se hunde hasta el fondo.

¿Por qué se hunde el papel de aluminio? Los niños suponen que el papel de aluminio es un material pesado, por lo que se hunde. Luego, el maestro hace una caja con papel de aluminio y con cuidado la coloca boca abajo en el vaso. Los niños observan que en este caso se mantiene la misma lámina en la superficie del agua. Surge así una situación problemática. Y la primera suposición de que los materiales pesados ​​siempre se hunden no se confirma. Entonces, el punto no está en el material en sí (lámina), sino en otra cosa. El profesor se ofrece a considerar detenidamente de nuevo un trozo de papel aluminio y una caja de papel aluminio y establecer en qué se diferencian. Los estudiantes establecen que estos materiales difieren solo en la forma: una pieza de papel de aluminio tiene una forma plana y una caja de papel de aluminio tiene una forma hueca voluminosa. ¿De qué se llenan los objetos vacíos? (Por aire). Y el aire tiene poco peso.

El es ligero. ¿Cuál puede ser la conclusión? (Objetos huecos, incluso de materiales pesados, como el metal, llenos de (aire ligero, no se hunden). ¿Por qué no se hunden los grandes barcos de mar hechos de metal? (Porque son huecos) ¿Qué sucederá si se rompe una caja de aluminio? perforado con un punzón? (Se hunde.) ¿Por qué? (Porque se llenará de agua.) ¿Qué pasará con el barco si se perfora el casco y se llena de agua? (El barco se hundirá.)

Por lo tanto, el maestro, al crear situaciones problemáticas, alienta a los estudiantes a construir hipótesis, realizar experimentos y observaciones, les permite refutar o confirmar las suposiciones presentadas y sacar conclusiones razonables de forma independiente. En este caso, el docente utiliza explicaciones, conversaciones, demostraciones de objetos, observaciones y experimentos.

Todo esto crea situaciones problemáticas para los estudiantes, involucra a los niños en la investigación científica, activa su pensamiento, los obliga a predecir y experimentar. Así, la presentación problemática del material educativo acerca el proceso educativo en una escuela de educación general a la investigación científica.

El uso de métodos problemáticos en las lecciones de trabajo artístico y bellas artes es más efectivo para intensificar actividades para resolver situaciones problemáticas, actividades educativas y cognitivas de los estudiantes.

6. Método de enseñanza de búsqueda parcial

La búsqueda parcial, o método heurístico, recibió su nombre porque los estudiantes no siempre pueden resolver un problema complejo y, por lo tanto, parte del conocimiento es comunicado por el maestro y parte lo obtienen por su cuenta.

Bajo la guía de un maestro, los estudiantes razonan, resuelven situaciones cognitivas emergentes, analizan, comparan. Como resultado, desarrollan conocimiento consciente.

Para desarrollar la independencia y la iniciativa creativa, el maestro utiliza varias técnicas.

En las lecciones de trabajo en la primera etapa, los niños realizan tareas de acuerdo con mapas tecnológicos con una descripción detallada de operaciones y métodos de trabajo. Luego se hacen diagramas de flujo con datos o etapas parcialmente faltantes. Esto obliga a los niños a resolver de forma independiente algunas tareas que son factibles para ellos.

Entonces, en el proceso de actividad de búsqueda parcial, los estudiantes primero obtienen una idea sobre el producto, luego planifican la secuencia de trabajo y realizan operaciones tecnológicas para implementar proyectos en un producto terminado.

En las lecciones de bellas artes, como ejemplo del uso del método de enseñanza de búsqueda parcial, puede planificar el trabajo de tal manera que el primer paso sea tener una idea sobre el tema en sí, luego elaborar una secuencia de dibujo (colocar los pasos representados en la pizarra en la secuencia correcta, complete los espacios en blanco en los pasos de la secuencia, etc.).

7. Método de enseñanza de la investigación

El método de investigación debe considerarse como la etapa más alta de la actividad creativa de los estudiantes, en el curso de la cual encuentran soluciones a nuevos problemas para ellos. El método de investigación forma en los estudiantes conocimientos y habilidades que tienen un alto grado de transferencia y pueden ser aplicados en nuevas situaciones laborales.

El uso de este método acerca el proceso de aprendizaje a la investigación científica, donde los estudiantes se familiarizan no solo con nuevas verdades científicas, sino también con la metodología de la búsqueda científica.

Naturalmente, el contenido del método de investigación en ciencias difiere del método de investigación en enseñanza. En el primer caso, el investigador revela a la sociedad nuevos fenómenos y procesos previamente desconocidos; en el segundo, el estudiante descubre fenómenos y procesos sólo para sí mismo, que no son nuevos para la sociedad. En otras palabras, en el primer caso, los descubrimientos se hacen en el plano social, y en el segundo, en el plano psicológico.

El profesor, al plantear ante los alumnos un problema para la investigación independiente, conoce tanto el resultado como las formas de resolución y tipos de actividades que llevan al alumno a la correcta solución del problema planteado. Así, el método de investigación en la escuela no pretende hacer nuevos descubrimientos. Lo presenta el maestro para inculcar en los estudiantes los rasgos de carácter necesarios para una mayor actividad creativa.

Considere los elementos del método de investigación usando un ejemplo específico.

En la lección de obras de arte, el maestro establece la tarea para los niños: elegir papel para hacer un bote, que debe tener las siguientes características: debe estar bien pintado, ser denso, duradero, grueso. A disposición de cada alumno hay muestras de escritura, papel periódico, dibujo, papel doméstico (de consumo) y papel de calco, pinceles, tinajas de agua. En el proceso de investigación simple, de los tipos de papel disponibles, el estudiante elige para la fabricación del casco de un modelo de barco un papel que tenga todas las características enumeradas. Digamos que el primer estudiante comienza a verificar el signo de colorear. Pasando un pincel con pintura sobre muestras de escritura, papel periódico, dibujo, papel de consumo y papel de calco, el estudiante establece que escritura, dibujo, papel de consumo y papel de calco son papeles gruesos, el papel periódico es suelto. El estudiante concluye que el papel periódico no es adecuado para el casco de un barco. Al romper muestras de papel existentes, el estudiante establece que el papel de escritura y de consumo es frágil. Esto significa que estas especies no son adecuadas para la fabricación de un casco de barco.

A continuación, el estudiante examina cuidadosamente los tipos de papel restantes (papel de dibujo y papel de calco) y establece que el papel de dibujo es más grueso que el papel de calco. Por lo tanto, para la fabricación del casco de la embarcación es necesario utilizar papel de dibujo. Este papel tiene todas las características necesarias: está bien coloreado, es denso, duradero, grueso. Comprobación de los tipos de papel debe comenzar con un signo de fuerza. Tras esta comprobación, sólo quedarían a disposición del alumno dos tipos de papel: el papel de calco y el papel de dibujo. Verificar el signo de espesor hizo posible que el estudiante eligiera inmediatamente el papel de dibujo necesario para el barco de los dos tipos restantes. Cuando se utiliza el método de investigación, como muestra el ejemplo considerado de elección de papel, el estudiante no recibe una solución preparada para el problema. En el proceso de observaciones, ensayos, experimentos, investigación simple, el estudiante llega a generalizaciones y conclusiones de forma independiente. El método de investigación desarrolla activamente las habilidades creativas de los estudiantes, les presenta los elementos de la investigación científica.

El método de investigación desarrolla activamente las habilidades creativas de los estudiantes, les presenta los elementos de la investigación científica.

8. Método de enseñanza explicativo e ilustrativo

Los métodos explicativos-ilustrativos o informativos-receptivos incluyen la narración de cuentos, la explicación, el trabajo con libros de texto, la demostración de imágenes (verbales, visuales, prácticas).

El docente comunica la información terminada por diversos medios, y los alumnos la perciben y la fijan en la memoria.

Sin embargo, al utilizar este método, no se forman las habilidades y destrezas para utilizar los conocimientos adquiridos. El conocimiento se presenta en forma acabada.

Este método de enseñanza de las bellas artes y del trabajo artístico será eficaz si este método no se utiliza en su única forma. Cuando este método se combina con otros, por ejemplo, búsqueda parcial, investigación, reproducción, problematización, práctica, los estudiantes trabajarán activamente, desarrollarán el pensamiento, la atención y la memoria.

9. Métodos de trabajo independiente.

Los métodos de trabajo independiente y trabajo bajo la guía de un maestro se distinguen sobre la base de una evaluación del grado de independencia de los estudiantes en el desempeño de las actividades educativas, así como el grado de control de esta actividad por parte del maestro.

Cuando un alumno realiza sus actividades sin la orientación directa del docente, dicen que en el proceso educativo se utiliza el método de trabajo independiente. Cuando los métodos se aplican con el control activo de las acciones de los estudiantes por parte del maestro, se clasifican como métodos de trabajo educativo bajo la guía de un maestro.

El trabajo independiente se lleva a cabo tanto en las instrucciones del maestro con una gestión mediocre como en la propia iniciativa del estudiante, sin instrucciones e instrucciones del maestro.

Mediante el uso de varios tipos de trabajo independiente, los estudiantes deben desarrollar: algunos de los métodos más generales de su organización racional, la capacidad de planificar racionalmente este trabajo, establecer claramente un sistema de tareas para el próximo trabajo, destacar las principales entre ellas , elegir hábilmente formas de resolver las tareas establecidas de la manera más rápida y económica, autocontrol hábil y operativo sobre el desempeño de la tarea, la capacidad de hacer ajustes rápidamente al trabajo independiente, la capacidad de analizar los resultados generales del trabajo, comparar estos resultados con los previstos al inicio del mismo, identificar las causas de las desviaciones y esbozar formas de eliminarlas en trabajos futuros.

En las lecciones de bellas artes y obras de arte, para aumentar la eficacia del proceso de aprendizaje, así como para lograr todos los objetivos, estos métodos se utilizan casi constantemente en combinación con otros métodos enumerados anteriormente. La elección de los métodos depende del contenido del material educativo, la edad y las características individuales de los estudiantes, etc.

10. Métodos para estimular la actividad educativa de los escolares en el proceso de aprendizaje. Métodos de formación de interés cognitivo.

El interés en todas sus formas y en todas las etapas de desarrollo se caracteriza por:

· emociones positivas en relación con la actividad;

la presencia del lado cognitivo de estas emociones;

La presencia de un motivo directo procedente de la propia actividad.

En el proceso de aprendizaje, es importante garantizar la aparición de emociones positivas en relación con las actividades de aprendizaje, con su contenido, formas y métodos de ejecución. El estado emocional siempre se asocia con la experiencia de excitación emocional: respuesta, simpatía, alegría, ira, sorpresa. Es por eso que los procesos de atención, memorización, comprensión en este estado están conectados con las profundas experiencias internas del individuo, lo que hace que estos procesos avancen de manera intensa y por lo tanto más efectiva en función de las metas alcanzadas.

Uno de los métodos incluidos en el método de estimulación emocional del aprendizaje es el método de crear situaciones entretenidas en la lección: la introducción de ejemplos entretenidos, experimentos, hechos paradójicos en el proceso educativo.

Las analogías entretenidas también actúan como una técnica que forma parte de los métodos de formación de intereses en el aprendizaje, por ejemplo, cuando se considera el ala de un avión, se dibujan analogías con la forma de las alas de un pájaro, la libélula.

Las experiencias emocionales se evocan aplicando la técnica de la sorpresa.

La naturaleza inusual de los hechos presentados, la naturaleza paradójica de la experiencia demostrada en la lección, la grandiosidad de las figuras, todo esto invariablemente evoca profundas experiencias emocionales en los escolares.

Uno de los métodos de estimulación es la comparación de interpretaciones científicas y mundanas de fenómenos naturales individuales.

Para crear situaciones emocionales durante las lecciones, el arte, el brillo y la emotividad del discurso del maestro son de gran importancia. Esto revela una vez más la diferencia entre los métodos para organizar la actividad cognitiva y los métodos para estimularla.

Juegos educacionales . El juego se ha utilizado durante mucho tiempo como un medio para despertar el interés por el aprendizaje.

En el período educativo y educativo de la edad, la enseñanza y la educación deben ser el principal interés de la vida de una persona, pero para ello el alumno debe estar rodeado de una esfera favorable. Sin embargo, si todo lo que rodea al alumno lo aleja de la enseñanza en una dirección completamente opuesta, entonces todos los esfuerzos del mentor serán en vano para inspirarle respeto por la enseñanza.

Es por eso que la educación rara vez tiene éxito en esos hogares ricos y de la alta sociedad, donde el niño, escapando de un aula aburrida, se apresura a prepararse para un baile infantil o para un espectáculo en casa, donde le esperan intereses mucho más vivos, que prematuramente tomó posesión de su joven corazón.

Como podemos ver, el gran maestro ruso Konstantin Dmitrievich Ushinsky, habla sobre el hecho de que solo los niños pequeños pueden aprender jugando, pero, sin embargo, quiere interesar a los niños mayores en el aprendizaje. Pero cómo inculcar el amor por el aprendizaje si no un juego.

Los profesores lo pasan mal: al fin y al cabo, no se puede obligar a un alumno a hacer algo que no le interesa. Y el niño no podrá repetir el mismo ejercicio docenas de veces en aras de un objetivo distante, no del todo claro. Pero juega todo el día, ¡por favor! El juego es una forma natural de su existencia. Por lo tanto, es necesario enseñar de tal manera que las clases deleiten, cautiven y diviertan a los niños.

La enseñanza de las bellas artes y el trabajo artístico es imposible sin el uso de varios tipos de situaciones de juego en la lección, con la ayuda de las cuales el maestro forma habilidades y destrezas específicas en los escolares. La tarea de aprendizaje claramente limitada de la tarea permite al profesor evaluar con precisión y objetividad la calidad de la asimilación del material por parte de los estudiantes.

Para mantener la capacidad de trabajo productiva de los niños a lo largo de la lección, se deben introducir en sus actividades diversas situaciones cognitivas, juegos, actividades, ya que la asimilación del tema se facilita si se involucran diferentes analizadores.

La alternancia de todo tipo de actividades durante la lección permite utilizar de manera más racional el tiempo de estudio, aumentar la intensidad del trabajo de los escolares, garantizar la asimilación continua de lo nuevo y la consolidación del material cubierto.

Los ejercicios didácticos y los momentos de juego incluidos en el sistema de situaciones pedagógicas despiertan en los niños un especial interés por conocer el mundo que les rodea, lo que repercute positivamente en su actividad visual productiva y en su actitud hacia las clases.

Es recomendable utilizar ejercicios didácticos y situaciones de juego en aquellas lecciones donde la comprensión del material sea difícil. Los estudios han demostrado que durante las situaciones de juego, la agudeza visual en un niño aumenta significativamente.

Los juegos, los momentos de juego, los elementos fabulosos sirven como un estimulador psicológico de la actividad neuropsicológica, las capacidades potenciales de percepción. L.S. Vygotsky comentó muy sutilmente que “en el juego, un niño siempre está por encima de su comportamiento habitual; él está en el juego, por así decirlo, con la cabeza y los hombros por encima de sí mismo.

Los juegos contribuyen a la comprensión de las características de diseño de la forma de los objetos, forman la capacidad de comparar, encontrar soluciones óptimas, desarrollar el pensamiento, la atención y la imaginación.

Por ejemplo:

1. Componga imágenes de objetos individuales a partir de formas geométricas.

Utilizando las figuras geométricas representadas en la pizarra, los alumnos dibujan objetos en los álbumes (como variante de este ejercicio, tareas individuales para cada alumno).

2. Haz composiciones a partir de siluetas confeccionadas "¿De quién es mejor la composición?".

A partir de las siluetas terminadas, haz una naturaleza muerta. El juego se puede jugar como una competencia entre dos (tres) equipos. El trabajo se lleva a cabo en un tablero magnético. El juego desarrolla el pensamiento compositivo, la capacidad de encontrar soluciones óptimas.

La inclusión de momentos de juego en las lecciones le permite corregir el estado psicológico de los estudiantes. Los niños perciben los momentos psicoterapéuticos como un juego y el maestro tiene la oportunidad de cambiar el contenido y la naturaleza de las tareas de manera oportuna, según la situación.

Discusiones educativas. Los métodos para estimular y motivar el aprendizaje incluyen la creación de una situación de disputa cognitiva. La disputa provoca un mayor interés en el tema. Algunos maestros usan hábilmente este método para activar la enseñanza. En primer lugar, utilizan los hechos históricos de la lucha de diferentes puntos de vista científicos sobre un problema particular. La inclusión de los estudiantes en situaciones de disputas científicas no solo profundiza su conocimiento sobre temas relevantes, sino que involuntariamente atrae su atención hacia el tema, y ​​sobre esta base provoca un nuevo surgimiento de interés por aprender.

Los profesores también crean discusiones educativas al momento de estudiar temas educativos ordinarios en cualquier lección. Para ello, se invita específicamente a los alumnos a expresar sus opiniones sobre las causas de un determinado fenómeno, para fundamentar uno u otro punto de vista.

Crear situaciones de éxito en el aprendizaje. Uno de los métodos efectivos para estimular el interés por aprender es crear situaciones de éxito en el proceso educativo para los escolares que experimentan ciertas dificultades en el aprendizaje. Se sabe que sin experimentar la alegría del éxito es imposible contar verdaderamente con más éxitos en la superación de las dificultades educativas. También se crean situaciones de éxito diferenciando la asistencia a los escolares en la realización de tareas educativas de la misma complejidad. Las situaciones de éxito también son organizadas por el maestro fomentando acciones intermedias de los escolares, es decir, animándolo especialmente a realizar nuevos esfuerzos.

Se juega un papel importante en la creación de una situación de éxito al garantizar una atmósfera moral y psicológica favorable en el curso de la realización de ciertas tareas educativas. Un microclima favorable durante el estudio reduce la sensación de inseguridad, miedo. El estado de ansiedad es reemplazado por un estado de confianza.

Aquí hay otra cosa que es importante para llevar a los estudiantes a buenos resultados en sus estudios.

Si queremos que el trabajo del estudiante sea exitoso, para que pueda enfrentar las dificultades y en el futuro adquiera características cada vez más positivas en su trabajo, entonces para esto necesitamos imaginar qué contribuye al éxito del trabajo y qué causa falla. Ese estado de ánimo, ese estado de ánimo alegre general entre los estudiantes, esa eficiencia y calma, por así decirlo, vivacidad, que forman la base pedagógica de cualquier trabajo exitoso de la escuela, juegan un papel muy importante en el éxito. Todo lo que crea una atmósfera aburrida (desánimo, desesperanza), todo esto es un factor negativo en el trabajo exitoso de los estudiantes. En segundo lugar, el método de enseñanza del profesor es de gran importancia: por lo general, nuestro método de enseñanza en el aula, de modo que los estudiantes trabajan con el mismo método y sobre el mismo tema, a menudo conduce al hecho de que la clase está estratificada: un cierto número de estudiantes , para la que es adecuado el método propuesto por el profesor, tiene éxito, mientras que la otra parte, para la que se necesita un enfoque ligeramente diferente, se queda atrás. Algunos estudiantes tienen un ritmo de trabajo rápido, mientras que otros son lentos; algunos estudiantes captan la apariencia de las formas de trabajo, mientras que otros deben comprender todo a fondo antes de comenzar a trabajar.

Si los alumnos entienden que todo el esfuerzo del profesor va encaminado a ayudarles, entonces pueden aparecer entre ellos casos de ayuda mutua muy valiosos para el trabajo en clase, se intensificarán los casos de alumnos que acuden al profesor en busca de ayuda, el profesor aconsejará más que dar directivas y plantear una exigencia y, al final, el propio profesor aprenderá a ayudar realmente tanto a toda la clase como a cada alumno individualmente.

Cuando observamos el trabajo de un alumno, cuando nos acercamos a él con nuestras instrucciones, demandas o consejos, entonces debemos saber qué papel tan tremendo juega el despertar el interés por el trabajo del alumno, y este es el relato que debe estimular el trabajo de el estudiante, es decir Dar cuenta del trabajo del estudiante debe despertar su interés en el trabajo.

¿A quién, si no a su camarada mayor, el maestro, acudirá el estudiante en busca de ayuda? Y debemos ayudarlos a comprender mucho: en diversas situaciones de la vida, en sí mismos, en todo tipo de conflictos. Pero convertirse en un amigo así no es fácil. Para ganar la autoridad y el respeto de sus alumnos, debe comprender bien a sus hijos, ver en ellos no solo futuros maestros a quienes transmitirá su experiencia, sino, ante todo, en todos: una Persona, una Personalidad. Si logras ganarte el respeto, la autoridad entre tus alumnos, es una gran felicidad para el maestro.

Las principales fuentes de interés en las actividades educativas incluyen la creación de una situación de novedad, relevancia, acercando el contenido a los descubrimientos más importantes en ciencia, tecnología, a los logros de la cultura, el arte y la literatura modernos. Con este fin, los maestros seleccionan técnicas especiales, hechos, ilustraciones, que en este momento son de especial interés para todo el público del país. En este caso, los estudiantes son mucho más claros y profundos en la conciencia de la importancia y el significado de los temas que se estudian y, por lo tanto, los tratan con gran interés, lo que permite que se utilicen para aumentar la activación del proceso cognitivo en las lecciones de tecnología.

11. Métodos de control y autocontrol en el entrenamiento

Métodos de control oral. El control oral se realiza mediante interrogatorio individual y frontal. En una encuesta individual, el profesor plantea varias preguntas al alumno, respondiendo a las cuales muestra el nivel de asimilación del material educativo. Con una encuesta frontal, el profesor selecciona una serie de preguntas lógicamente interconectadas y las pone frente a toda la clase, solicitando una respuesta corta de uno u otro alumno.

Métodos de autocontrol. Una característica esencial de la etapa actual de mejora del control en la escuela es el desarrollo integral de las habilidades de autocontrol de los estudiantes sobre el grado de asimilación del material educativo, la capacidad de encontrar de forma independiente errores, inexactitudes y delinear formas de eliminar las lagunas detectadas. que se utiliza especialmente en las lecciones de tecnología.

Conclusiones. Todos los principales métodos de enseñanza de las bellas artes se han enumerado anteriormente. La efectividad de su uso se logrará solo con el uso integrado de estos métodos.

El maestro de primaria debe dar prioridad a métodos que hagan el trabajo activo e interesante, introducir elementos de juego y entretenimiento, problemática y creatividad.

Las posibilidades comparativas de los métodos de enseñanza permiten la edad adecuada, la fuerza mental y física, la experiencia existente del trabajo educativo, la aptitud educativa de los estudiantes, las habilidades y capacidades educativas formadas, el desarrollo de procesos de pensamiento y tipos de pensamiento, etc. utilizarlos en diferentes niveles y etapas de aprendizaje.

Siempre es importante recordar y tener en cuenta las características relacionadas con la edad del desarrollo psicológico y mental de los niños.

M.: 1999. - 368 págs.

El manual en una forma accesible habla sobre los conceptos básicos de la actividad visual. Incluye información teórica sobre materiales y técnicas, así como recomendaciones detalladas para completar tareas de dibujo, pintura, diseño, modelado y arquitectura. El material se presenta de forma sistemática, accesible y visual. El texto está acompañado de ilustraciones que aumentan el contenido de información del libro de texto, ayudan a extraer información no solo del texto, sino también visualmente. El libro también se recomienda para estudiantes de colegios pedagógicos.

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CONTENIDO
Introducción 3
Parte I. BASES TEÓRICAS Y PRÁCTICAS DE LA ENSEÑANZA DE LAS BELLAS ARTES 8
Capítulo I. FUNDAMENTOS TEÓRICOS DE LA ENSEÑANZA DEL DIBUJO 8
§ 1. Dibujo - tipo de gráficos 9
§ 2. De la historia de la figura 17
§ 3. Percepción e imagen del formulario 22
§ 4. Luz y sombra 26
§ 5. Proporciones 30
§ 6. Perspectiva 34
ESCUELA DE DIBUJO 47
§una. Consejos prácticos 48
Materiales y técnicas de artes gráficas 48
Transferencia de la factura de objetos 54
§ 2. Métodos de trabajo para dibujar objetos individuales y yeso 55
Secuencia de dibujo de cubo 57
Secuencia de extracción de bolas 58
Secuencia de dibujo del cilindro 58
Secuencia de dibujo de la pirámide 59
Secuencia para dibujar un prisma hexagonal 59
La secuencia de dibujar una jarra. Lápiz 60
§ 3. Técnica de trabajo sobre el dibujo de los pliegues de las cortinas 61
§ 4. Metodología para trabajar en el dibujo de un adorno de yeso 63
§ 5. Metodología para trabajar el dibujo de un bodegón 65
La secuencia de dibujo de un bodegón a partir de cuerpos geométricos 67
La secuencia de dibujar una naturaleza muerta a partir de artículos para el hogar 69
§ 6. Métodos de trabajo para dibujar una cabeza humana 70
Secuencia de dibujo de la cabeza de un modelo de yeso 70
Secuencia de dibujo de cabeza de modelo en vivo 72
§ 7. Metodología para trabajar el dibujo de una figura humana 74
Secuencia de dibujo de una figura humana 77
§ 8. Métodos de trabajo sobre el dibujo de la naturaleza 78
Dibujar hierbas, flores y ramas 78
Dibujar árboles 82
Pintura de paisaje 86
Secuencia de dibujo de paisaje 89
Dibujar animales y pájaros 89
Tareas prácticas 97
Capitulo dos. FUNDAMENTOS TEÓRICOS DE LA ENSEÑANZA DE LA PINTURA 98
§ 1. Pintura - el arte del color 98
§ 2. De la historia de la pintura 104
§ 3. Variedad de géneros de pintura 114
Retrato 114
Bodegón 116
Paisaje
género animal
género histórico
género de batalla
género mitológico
género doméstico
§ 4. Percepción y simbolismo del color.
§ 5. Color y síntesis de las artes.
§ 6. Fundamentos de la ciencia del color.
Sobre la naturaleza del color 137
Colores primarios, secundarios y complementarios.
Características básicas del color
color local
Contrastes de color
mezcla de colores
colorante
Tipos de armonías de color.
§ 7. Composición en la pintura.
Reglas, técnicas y medios de composición.
Ritmo
Selección del centro compositivo de la trama
ESCUELA DE PINTURA
§ I. Consejos prácticos
Materiales de arte pintoresco "y" técnicas de trabajo 163
secuencia de ejecución de un cuadro 166
& I. Técnica de trabajo sobre una imagen pintoresca de una naturaleza muerta 168
Secuencia de imágenes de bodegones. Grisalla 172
La secuencia de imágenes de un bodegón de artículos para el hogar. Acuarela
La secuencia de imágenes de un bodegón de artículos para el hogar. Gouache
§ 3. Metodología para trabajar sobre una imagen pictórica de una cabeza humana.
Secuencia de realización de un estudio pictórico de la cabeza de un modelo vivo
§ 4. Métodos de trabajo en una "imagen pintoresca de una figura humana".
Secuencia de realización de un estudio pictórico de una figura humana.
§ 5 Metodología para trabajar la representación pictórica de un paisaje (plein air)
La secuencia de la imagen del paisaje "Acuarela en húmedo 179
La secuencia de la imagen del paisaje. Acuarela 180
La secuencia de la imagen del paisaje. Gouache
Tareas prácticas
Capítulo III. FUNDAMENTOS TEÓRICOS DE LA ENSEÑANZA DE LAS ARTES POPULARES Y APLICADAS 181
KW™T I dec°Ra™vn°-arte aplicado en el sistema de valores de la cultura
§ 2. Composición en folklore y artes y oficios 192
§-3. Arte ornamental
Tipos y estructura de adornos 196
Diversidad y Unidad de Motivos Ornamentales de Diferentes Países
y pueblos 199
Estilización de formas naturales 204
§ 4. Artesanía popular 207
Pintura sobre madera 207
Khokhloma 207
Gorodets 209
Pinturas del norte de Dvina y Mezen 210
Cerámica 213
Cerámica Gzhel 213
Cerámica Skopino 215
Juguete de arcilla rusa 216
Juguete Dymkovo 216
Kargopol juguete 217
Filimonov juguete 217
Juguete de madera ruso 218
Juguete del norte ruso 219
Nizhny Novgorod "toporshchina" 220
Polkhov-Maidanskie tarararushki 221
Sergiev Posad juguete 222
Bogorodsk juguete 223
Muñecas de anidación (Sergiev Posad, Semyonov, Polkhov-Maidan) 225
Barnices artísticos rusos 226
fedoskino 227
Palekh, Mstera, Kholuy 228
Zhostovo 229
Chales pavloposad 230
§ 5. Traje popular 232
ESCUELA DE ARTES FOLKLÓRICAS Y APLICADAS 235
§ 1. Metodología para el desarrollo de la pintura decorativa 235
Pintura Khokhloma 236
Gorodets pintura 240
Pintura de Polkhov-Maidan 241
Pintura mezen 241
Zhostovo pintura 242
Pintura Gzhel 244
§ 2. Métodos de trabajo para modelar y pintar juguetes populares de arcilla 246
Juguete Dymkovo 247
Kargopol juguete 249
Filimonov juguete 249
§ 3. Metodología para trabajar una composición decorativa temática 250
Tareas prácticas 254
Capítulo IV. FUNDAMENTOS TEÓRICOS DEL DISEÑO DOCENTE 256
§ 1. Diseño: el arte de organizar un entorno estético holístico 257
§ 2. De la historia del diseño 272
§ 3. Fundamentos de la conformación 278
§ 4. Color en el diseño 283
§ 5. Composición en diseño 286
ESCUELA DE DISEÑO 288
§ 1. Metodología para trabajar en tareas en diseño gráfico 288
§ 2. Métodos de trabajo en el diseño y modelado de objetos de diseño 290
Tareas prácticas 294
Parte II METODOLOGÍA DE LA ENSEÑANZA DE LAS BELLAS ARTES EN LA ESCUELA PRIMARIA
§ 1. Condiciones pedagógicas para la enseñanza exitosa de las bellas artes en la escuela primaria 295
§ 2. Métodos de enseñanza de las bellas artes en los grados I-IV 312
Métodos de enseñanza del dibujo, la pintura, la composición en la escuela primaria.
Métodos de enseñanza popular y artes y oficios 324
Metodología para la enseñanza del diseño en la escuela primaria.
CONCLUSIÓN
Literatura 3S7

¡Las bellas artes son el mundo de la belleza! ¿Cómo se puede aprender a comprenderlo? Para ello, es necesario dominar el lenguaje de las bellas artes, comprender sus tipos y géneros.
Como sabes, las formas de arte se pueden agrupar en los siguientes grupos: plástico, temporal y sintético. Las artes plásticas son artes espaciales, las obras son de naturaleza objetiva, se crean mediante el procesamiento de materiales y existen en el espacio real.
Las artes plásticas incluyen: bellas artes (gráfica, pintura, escultura), arquitectura, artes decorativas y aplicadas, diseño, así como obras de arte popular de carácter fino y aplicado.
Todos los tipos de arte dominan el mundo en forma figurativa. Las obras de artes plásticas se perciben visualmente, ya veces táctilmente (escultura y artes y oficios). En esto se diferencian significativamente de las obras de las formas de arte temporales. Las obras musicales se perciben de oído. Se necesita una cierta cantidad de tiempo para ejecutar una sinfonía y leer un libro.
El ballet, en el que la música y el movimiento se funden a partir de la plasticidad del cuerpo humano, no debe atribuirse a las artes plásticas. El ballet se considera una forma de arte sintético.
En las artes espaciales, la plasticidad de los volúmenes, de las formas, de las líneas es fundamental, y precisamente a esto se relaciona su nombre. Artes plásticas del siglo XVIII. llamado hermoso, elegante, esto enfatiza su belleza y perfección de imágenes.
Al mismo tiempo, desde la antigüedad, las artes plásticas han estado especialmente asociadas con la producción material, el procesamiento y el diseño del mundo objetivo, el entorno que rodea a una persona, es decir, con la creación de cultura material. Así, una cosa artística se percibe como una creatividad materializada, una exploración estética del mundo.
El arte de cada época encarna sus principales ideas filosóficas. Como tipo de actividad artística, las artes plásticas ocupan un lugar importante en el desarrollo espiritual de la realidad en todas las etapas de la historia del desarrollo humano, tienen acceso a la más amplia gama de temas.
Las artes plásticas gravitan hacia la síntesis de las artes, es decir, la fusión e interacción de la arquitectura con el arte monumental, la escultura, la pintura y las artes decorativas y aplicadas; pintura con escultura (en relieves), pintura con artes y oficios (en cerámica, jarrones), etc.
Las artes plásticas, como uno de los elementos artísticos, son parte integrante de muchas artes sintéticas (teatro, artes escénicas). Hay intentos de combinar la pintura con la música.
La estructura de la imagen de las artes plásticas (caligrafía, cartel, caricatura) puede incluir material de lenguaje (palabra, letra, inscripción). En el arte del libro, la gráfica se combina con la literatura. Las artes plásticas pueden
incluso adquirir las cualidades de las artes temporales (arte cinético). Pero básicamente la estructura figurativa de una obra de arte plástica se construye con la ayuda del espacio, el volumen, la forma, el color, etc.
El mundo que nos rodea se convierte en el tema de la imagen del artista, fijado por él en imágenes plásticas. Su característica principal es que, al materializarse sobre una superficie plana u otra, nos dan una idea artística de la variedad de objetos y su ubicación en el espacio.
La maestría de la imagen plástica se revela en la selección de aquellas cualidades del mundo espacial-sujeto que permiten transmitir la expresividad característica y resaltar lo estéticamente valioso.
En este caso, podemos hablar de tres sistemas plásticos diferentes. Cabe señalar que en las artes visuales, durante mucho tiempo, existieron varios sistemas de percepción artística y visualización del mundo real simultáneamente o reemplazándose entre sí.

1. Arte primitivo. El surgimiento y desarrollo de las bellas artes en la sociedad primitiva. Métodos de enseñanza del dibujo en el antiguo Egipto

La conversión de los pueblos primitivos a un nuevo tipo de actividad para ellos, el arte, es uno de los mayores acontecimientos de la historia de la humanidad. El arte primitivo reflejó las primeras ideas del hombre sobre el mundo que lo rodea, gracias a él se conservaron y transfirieron conocimientos y habilidades, las personas se comunicaron entre sí.La Edad de Piedra (hace más de 2 millones de años hasta el VI milenio antes de Cristo), se divide en Paleolítico, Mesolítico y Neolítico. Las primeras obras de arte primitivo se crearon hace unos 30 mil años. Las esculturas más antiguas son Venus paleolíticas - figurillas femeninas primitivas. Además de las mujeres, los animales fueron representados en piedra o hueso. La gente de la Edad de Piedra dio una apariencia artística a los artículos cotidianos: herramientas de piedra y vasijas de arcilla. Más tarde, los maestros primitivos comenzaron a prestar más atención a los detalles: representaron la lana con trazos, aprendieron a usar colores adicionales) En el XII milenio antes de Cristo. mi. el arte rupestre alcanzó su apogeo. La pintura de esa época transmitía volumen, perspectiva, florecimiento de las proporciones de las figuras, movimiento. Al mismo tiempo, enorme pintoresca lienzos que cubría las bóvedas de profundas cuevas. Aún no se ha establecido el momento exacto de la creación de las pinturas rupestres. Decenas de grandes animales están representados en las paredes de las cuevas: mamuts y osos de las cavernas. Los tintes minerales mezclados con agua, grasa animal y savia vegetal hacían que el color de las pinturas rupestres fuera especialmente brillante. (Cueva de Altamira, Cueva de Lascaux)

Arte Mesolítico. En el Mesolítico o Edad de Piedra Media (XII-VIII milenio a. C.), (montañas costeras del Este de España, entre las ciudades de Barcelona y Valencia), figuras de personas representadas en rápido movimiento, composiciones multifiguras y escenas de caza con clara de huevo, sangre, miel.

Arte Neolítico (5000-3000 a.C.) Se trata, por ejemplo, de pinturas rupestres de ciervos, osos, ballenas y focas encontradas en Noruega, que alcanzan los ocho metros de longitud. Además del esquematismo, se distinguen por una ejecución descuidada. Junto a los dibujos estilizados de personas y animales, aparecen diversas formas geométricas (círculos, rectángulos, rombos y espirales, etc.), imágenes de armas y vehículos (barcos y barcos). Los primeros grabados rupestres se descubrieron en 1847-1850. en el norte de África y el desierto del Sahara (Tassilin-Ajer, Tibesti, Fezzana, etc.)

bronce (obtuvo su nombre de la aleación de metales entonces generalizada - bronce). La Edad del Bronce comenzó en Europa occidental hace unos cuatro mil años. en la Edad del Bronce se fabricaban todo tipo de artículos para el hogar, ricamente decorados con ornamentos y de alto valor artístico. En III-II milenios antes de Cristo. mi. aparecieron estructuras enormes y peculiares hechas de bloques de piedra, menhires, piedras verticales de más de dos metros de altura. (Península de Bretaña en Francia) dólmenes - varias piedras excavadas en el suelo, cubiertas con una losa de piedra, originalmente utilizadas para entierros. Numerosos menhires y dólmenes se ubicaron en lugares considerados sagrados. Especialmente famosas son las ruinas en Inglaterra cerca de la ciudad de Salisbury, las llamadas. Stonehenge (II milenio antes de Cristo). Stonehenge está construido con ciento veinte cantos rodados que pesan hasta siete toneladas cada uno y treinta metros de diámetro.

En otro Egipto, surgió y se fortaleció una escuela de arte especial, la capacitación fue sistemática. El método y sistema de educación de todos los maestros era el mismo, porque los cánones aprobados prescribían la más estricta observancia de las normas establecidas. Fueron los primeros en la historia de la cultura humana en sentar las bases para la fundamentación teórica del dibujo. La enseñanza del dibujo se basaba en la memorización de las reglas y cánones desarrollados. Aunque los cánones facilitaron el estudio de las técnicas de dibujo, encadenaron al artista, no le permitieron representar el mundo como él lo ve. Dibujo en Dr. Egipto era una asignatura de educación general, estaba estrechamente relacionada con la enseñanza de la escritura. La principal escuela del antiguo reino era la Escuela de Arquitectos y Escultores de la Corte de Memphis, ella yavl. Artístico El centro, otras escuelas se formaron a su alrededor. Incluso había un instituto donde estudiaban los jóvenes. Los maestros utilizaron tablas metódicas especiales. Los principios y métodos se basaron en la frontalidad, todos los dibujos son lineales, no hay tridimensionalidad, perspectiva, claroscuro, había proporciones de figuras de pie, sentadas y otras. Los monumentos de la cultura egipcia brindan una gran cantidad de material valioso e interesante para estudiar los métodos de enseñanza de las bellas artes: pinturas en las paredes de tumbas, palacios, templos, artículos para el hogar; dibujos para relieves y, finalmente, dibujos sobre papiros. La principal atención de los artistas egipcios se prestó a la imagen de la figura humana. La tarea del artista del Antiguo Egipto no incluía una representación real de la vida. La vida para ellos era como un fenómeno temporal, la existencia principal comenzaba después de la muerte. El artista combina en una imagen diferentes puntos de vista sobre el tema: algunas partes de la figura están representadas de perfil (cabeza, piernas), otras, de frente (ojo, hombros). Los rasgos de la pintura egipcia antigua eran, en esencia, el colorido y durante varios siglos se redujeron a llenar la silueta con un solo color, sin introducir tonos adicionales y sombras coloreadas.

2. Métodos de enseñanza de las bellas artes en la Antigua Grecia (Escuelas de Éfeso, Sición, Tebas)

Habiendo estudiado métodos de enseñanza en el Dr. Egipto, los griegos abordaron el problema de la educación y la crianza de una manera nueva. Pidieron un estudio cuidadoso de la vida terrenal, y no del más allá. en 432 antes de Cristo mi. en Sición, el escultor Policleto escribió un ensayo sobre las leyes proporcionales del cuerpo humano, estudió su movilidad interna. La estatua "Dorifor" sirvió como ayuda visual.

Polygnot abogó por la realidad de la imagen, se apropió de los medios del dibujo lineal, buscó transmitir la textura, desconociendo el claroscuro, dibujando en tamaño natural, pintura policromada. La línea jugó un papel primordial, se observó la claridad y la claridad de la imagen.

Apolodoro de Atenas y su alumno Zeus incluyeron la mezcla de colores, la gradación e introdujeron el claroscuro en la técnica pictórica. Parrasius traicionó la simetría a la pintura, fue el primero en transmitir expresiones faciales y alcanzó la primacía en los contornos.

Hacia el siglo IV a. mi. El arte griego alcanza un alto grado de desarrollo en Grecia, hubo varios conocidos. escuelas de dibujo: sición, efesia y tebana.

Tebano sh. - cuyo fundador fue Aristide, o Nicomachus, dio gran importancia a los "efectos de claroscuro, la transmisión de sensaciones e ilusiones de la vida". La escuela de Efeso, que se considera el fundador de Ephranor de Corinto y, según otras fuentes, Zeuxis, se basó en la "percepción sensual de la naturaleza y la belleza externa". Esta escuela se esforzaba por la ilusión, pero no era perfecta en el dibujo.

Sikyonskaya sh. -mantener. datos científicos de las ciencias naturales y las leyes de la naturaleza, buscaba acercar y enseñar al alumno a respetar las leyes de la estructura de la naturaleza. fundada por Eupomp, se basó en los datos científicos de las ciencias naturales y se adhirió estrictamente a las leyes de la naturaleza. Esta escuela exigía "la mayor precisión y rigor del dibujo". Tuvo una gran influencia en la metodología de la enseñanza del dibujo y en el desarrollo posterior del arte. Arte.

Los artistas aprendieron a transmitir en el plano no solo el volumen (tridimensionalidad) de los objetos, sino también los fenómenos de la perspectiva. Aprendiendo a dibujar de la naturaleza, los artistas griegos también estudiaron anatomía.

Los artistas-educadores griegos establecieron el método correcto de enseñanza del dibujo, que se basaba en dibujar de la naturaleza. (Policlet. Doríforo. Mármol. Siglo V a. C. Museo Napolitano.)

Las bellas artes del mundo antiguo, en comparación con las egipcias, se enriquecieron con nuevos principios y métodos para construir una imagen, y al mismo tiempo con nuevos métodos de enseñanza. Los artistas griegos, por primera vez en la historia del desarrollo del dibujo educativo, introdujeron el claroscuro y dieron ejemplos de construcción en perspectiva de una imagen en un plano, sentando las bases para el dibujo realista de la naturaleza.

Los artistas-educadores griegos establecieron el método correcto de enseñanza del dibujo, que se basaba en dibujar del natural. Por primera vez entre los griegos, el dibujo como materia académica recibe la dirección correcta. En este sentido, la escuela de dibujo de Sikyon merece especial atención y su cabeza actual es Pamphilus, gracias a la cual el dibujo comenzó a ser considerado como una materia de educación general y se introdujo en todas las escuelas de educación general en Grecia. El mérito de Pánfilo es que fue el primero en comprender que la tarea de enseñar a dibujar incluye no solo copiar objetos de la realidad, sino también el conocimiento de las leyes de la naturaleza. Fue el primero en comprender que el dibujo desarrolla el pensamiento espacial y la representación figurativa, que son necesarios para personas de todas las profesiones. Después de Pánfilo, todos los pensadores progresistas de Grecia comenzaron a comprender esto; se dieron cuenta de que el aprendizaje de las artes contribuye al desarrollo integral de una persona.

La era de la antigua Grecia fue la era más brillante en la historia del desarrollo de las bellas artes del mundo antiguo. El valor de las bellas artes griegas es extremadamente grande. Aquí se estableció el método de comprensión científica del arte. Los artistas-educadores griegos instaron a sus alumnos y seguidores a estudiar directamente la naturaleza, observar su belleza e indicar qué es. En su opinión, la belleza consistía en la correcta proporción proporcional de las partes, cuyo ejemplo perfecto es la figura humana. Decían que la regularidad proporcional del cuerpo humano en su unidad crea la armonía de la belleza. El principio fundamental de los sofistas era: "El hombre es la medida de todas las cosas". Esta posición formó la base de todo el arte de la Antigua Grecia.

. Métodos de enseñanza de las bellas artes en la antigua Roma

Métodos de enseñanza del dibujo en la antigua Roma

Los romanos eran muy aficionados al iso. arte, especialmente las obras de los artistas griegos. El arte del retrato está ampliamente distribuido, pero los romanos no introdujeron nada nuevo en la metodología y el sistema de enseñanza, y continuaron utilizando los logros de los artistas griegos. Además, perdieron muchas provisiones valiosas del dibujo, al no poder salvarlas. Los artistas de Roma en su mayoría copiaron las obras de los artistas de Grecia. El escenario de la enseñanza era diferente al de las escuelas griegas:

En Roma, el maestro estaba más interesado en el aspecto artesanal y técnico del asunto, más que en preparar un artista-artesano (más artesanos para decorar sus casas).

A la hora de enseñar dibujo, copiando de muestras, prevalecía la repetición mecánica de los métodos de trabajo, lo que a su vez obligó a los artistas-maestros romanos a alejarse cada vez más de los métodos de enseñanza utilizados por los artistas-maestros de Grecia.

En las técnicas de dibujo, los romanos primero comenzaron a usar sanguina (un hermoso tono marrón rojizo) como material de dibujo: es maleable en el trabajo, se fija mejor en una superficie lisa que el carbón.

El papel de la cultura antigua en el desarrollo del arte realista, en la formación y desarrollo del sistema académico de enseñanza del dibujo es especialmente grande. Todavía hoy nos inspira a buscar métodos más efectivos para enseñar bellas artes, para desarrollar científicamente métodos para enseñar dibujo.

La sociedad romana requería un gran número de artesanos para decorar locales, edificios públicos, el periodo de formación era corto. el método de enseñanza del dibujo no es científico. el dibujo se volvió condicional y esquemático.

La era del dominio romano, a primera vista, crea todas las condiciones para un mayor desarrollo de los métodos para enseñar dibujo realista. Los romanos eran muy aficionados a las bellas artes. Apreciaron especialmente las obras de los artistas griegos. Las personas ricas acumularon colecciones de pinturas y los emperadores construyeron pinacotecas (galerías) públicas. El arte del retrato es ampliamente utilizado. Las imágenes de personas de esa época se representan sin ningún tipo de adorno. Con asombrosa verdad vital, transmiten los rasgos de carácter individual de personas de las más diversas épocas, como, por ejemplo, un pintoresco retrato de Pakvius Proculus y su esposa, un niño; retratos escultóricos: Vitelino, el joven Augusto, Julio César, etc.

Muchos nobles nobles y patricios se dedicaban al dibujo y la pintura (por ejemplo, Fabius Pictor, Pedius, Julius Caesar, Nero, etc.).

Parece que todo fue creado para un mayor desarrollo de las bellas artes y su enseñanza. Sin embargo, en realidad, los romanos no aportaron nada nuevo a la metodología y sistema de enseñanza del dibujo. Solo utilizaron los logros de los artistas griegos; además, no lograron preservar muchas disposiciones valiosas del método de enseñanza del dibujo. Como lo demuestran las pinturas sobrevivientes de Pompeya y los informes de los historiadores, los artistas de Roma básicamente copiaron las creaciones de los notables artistas de Grecia. Algunas pinturas están realizadas con gran maestría, como "Bodas de Aldobrandino". Sin embargo, no pudieron alcanzar la alta habilidad profesional que poseían los famosos artistas de la antigua Grecia.

Algunas palabras sobre la técnica del dibujo. Los romanos comenzaron a utilizar la sanguina como material de dibujo. En las catacumbas se han conservado vestigios del trabajo de los artistas romanos, que utilizaban sanguina para perfilar los frescos. Quizás, en mayor medida que los griegos, adoptaron la técnica de los artistas egipcios, especialmente en la pintura (uso del temple, trabajo sobre lienzo, papiro). Los métodos de enseñanza y la naturaleza de la formación de los artistas tenían su propia diferencia con las escuelas griegas. Los artistas-maestros griegos intentaron resolver los grandes problemas del arte, llamaron a sus alumnos a dominar el arte con la ayuda de la ciencia, a luchar por las alturas del arte y condenaron a los artistas que se acercaban al arte de manera artesanal. En la era del Imperio Romano, el artista-maestro pensaba menos en los grandes problemas de la creatividad artística, estaba principalmente interesado en el aspecto artesanal y técnico del asunto.

La sociedad romana requería un gran número de artesanos para la decoración de locales residenciales y edificios públicos, por lo que el período de formación no podía retrasarse. Por lo tanto, a la hora de enseñar a dibujar, copiando de muestras, prevalecía la repetición mecánica de los métodos de trabajo, lo que a su vez obligó a los artistas romanos a alejarse cada vez más de los métodos de enseñanza profundamente meditados que utilizaban los destacados artistas-maestros de Grecia.

4. El dibujo en la Edad Media. Arte y religión

En la era de la Edad Media y el cristianismo, se olvidaron los logros del arte realista. Los artistas no conocían ninguno de los principios de construcción de una imagen en un plano, que se utilizaron en Dr. Grecia. Perecieron preciosos manuscritos: las obras teóricas de grandes artistas, así como muchas obras famosas que podrían servir como modelos. La idolatría fue objeto de la mayor persecución, todas las estatuas e imágenes fueron rotas y destruidas. Junto con las estatuas y las pinturas, los pergaminos y los registros, los dibujos y las reglas, el método de enseñanza del dibujo no era científico. La base del entrenamiento es la copia mecánica de muestras y no el dibujo de la vida.

Los pintores de los primeros siglos del cristianismo todavía utilizaban las formas artísticas de la pintura antigua. En poco tiempo, las tradiciones del arte realista se olvidaron y se perdieron, el dibujo se volvió condicional y esquemático.

Se condenó el conocimiento científico del mundo y se suprimió cualquier intento de corroborar las observaciones de la naturaleza. No se practicaba el estudio de la naturaleza y la naturaleza en el sentido académico.

Casarse el arte pictórico milenario rechazaba las tendencias realistas, ya que la naturaleza realista evocaba un sentimiento “terrenal”, todo era aprobado o rechazado por la iglesia. Casarse Los artistas centenarios no trabajaron a partir de la naturaleza, sino que, según muestras cosidas en cuadernos, eran bocetos de contorno de composiciones de varias parcelas de iglesias, figuras individuales, motivos de cortinas, etc. Se guiaron tanto por pinturas murales como por pinturas de caballete, etc.j.las relaciones industriales en esta época contribuyeron al desarrollo del trabajo artesanal y la creación de corporaciones. El dibujo lo enseñaba un maestro que no seguía un sistema estricto ni unos métodos de enseñanza claros. La mayoría de los estudiantes estudiaron por su cuenta, observando de cerca el trabajo del maestro.

Los grandes maestros de Grecia se esforzaron por una representación real de la naturaleza, los artistas de la Edad Media, obedeciendo los dogmas de la iglesia, se alejaron del mundo real hacia la creatividad abstracta y mística. En lugar de la encantadora desnudez del cuerpo humano, que inspiró y enseñó a los artistas griegos, aparecieron cortinas pesadas, estrictas y angulosas que distraían a los artistas del estudio de la anatomía. Descuidando la vida terrenal y preocupándose solo por la otra vida, los eclesiásticos consideraron que el deseo de conocimiento era la fuente del pecado. Condenaron el conocimiento científico del mundo y detuvieron cualquier intento de corroborar las observaciones de la naturaleza.

Los ideólogos de las bellas artes medievales rechazaron las tendencias realistas no porque estuvieran en contra de la interpretación real de las imágenes, sino porque una naturaleza representada de forma realista evocaba un sentimiento "terrenal" en el espectador. Una representación creíble de la forma del mundo real inspiraba alegría en el alma del espectador, y esto iba en contra de la filosofía religiosa. Cuando la interpretación real de la forma, llegando a veces a la ilusoria naturalista, correspondía a la trama religiosa, fue aceptada favorablemente por la iglesia. Conocemos muchas obras de la Edad Media que se distinguen por rasgos realistas. Se asemejan a las imágenes de la gente de esa época.

. Dibujo en el Renacimiento. Los artistas del Renacimiento y su contribución al método de enseñanza del dibujo (Cennino Cennini, Alberti, Leonardo da Vinci, A. Durer, Michelangelo. El método del corte. El método del telón)

El Renacimiento abre una nueva era no solo en la historia del desarrollo del arte, sino también en el campo de los métodos para enseñar dibujo. En este momento se reaviva el anhelo por el arte realista, por una transmisión veraz de la realidad. Los maestros del Renacimiento se están embarcando activamente en el camino de una cosmovisión realista, esforzándose por revelar las leyes de la naturaleza y establecer una conexión entre la ciencia y el arte. En su investigación, se basan en los logros de la óptica, las matemáticas y la anatomía. Las enseñanzas sobre proporciones, perspectiva y anatomía plástica están en el centro de atención de los teóricos y practicantes del arte.

Durante el Renacimiento se restauró un gran respeto por el dibujo. El dibujo debería haber sido estudiado por todos los que se dedicaban al arte.

El primer trabajo científico, "Tratado de pintura", pertenece a Cennino Cennini. la base del entrenamiento debe ser el dibujo de la naturaleza. él cree con razón que se requiere trabajo diario del estudiante para dominar el arte. al mismo tiempo, presta demasiada atención a copiar los dibujos de los maestros.

El próximo trabajo sobre dibujo es "Tres libros sobre pintura", creado por el más grande arquitecto florentino Leon Battista Alberti. Esta es la obra más notable de todo lo que se escribió sobre la teoría del dibujo en el Renacimiento. Un tratado sobre el dibujo y las reglas básicas para construir una imagen en un plano. Alberti considera el dibujo como una disciplina científica seria que tiene leyes y reglas que son tan precisas y accesibles para el estudio como las matemáticas.

La obra de Alberti tiene un valor particular desde el punto de vista pedagógico, ya que en su tratado da una serie de disposiciones metodológicas y pautas para la enseñanza del dibujo. Escribe que la eficacia de la enseñanza del arte radica, en primer lugar, en la justificación científica. Alberti presta gran atención al estudio de la anatomía. Alberti sugiere construir todo el proceso de aprendizaje sobre el dibujo del natural.

Fue el primero en hablar abiertamente sobre el significado profundo del arte, se dio cuenta de la necesidad de enriquecer el arte con la experiencia de la ciencia, de acercar la ciencia a las tareas prácticas del arte. Alberti es grande como científico y como artista humanista.

El siguiente trabajo más reciente en el campo de la teoría del dibujo es El libro de la pintura de Leonardo da Vinci. Este libro contiene una variedad de información: sobre la estructura del Universo, sobre el origen y las propiedades de las nubes, sobre escultura, sobre poesía, sobre perspectiva aérea y lineal. También hay instrucciones sobre las reglas de dibujo. Leonardo da Vinci no propone nuevos métodos y principios, básicamente repite disposiciones ya conocidas.

Leonardo da Vinci, como Alberti, cree que la base del método de enseñanza del dibujo debe ser dibujar del natural. La naturaleza hace que el estudiante observe atentamente, estudie las características estructurales del tema de la imagen, piense y reflexione, lo que a su vez aumenta la eficacia del aprendizaje y despierta el interés por el conocimiento de la vida.

Leonardo da Vinci concede gran importancia a la educación científica. El propio Leonardo se dedicó a una investigación científica seria. Entonces, al estudiar la estructura anatómica del cuerpo humano, realizó numerosas autopsias de cadáveres y fue en este asunto mucho más lejos que sus contemporáneos.

Leonardo da Vinci también da pautas metodológicas justas para dibujar un objeto de la vida. Señala que el dibujo debe comenzar por el todo, y no por las partes. Leonardo presta especial atención al dibujo de la figura humana. De interés es el método de consolidación del material cubierto por el dibujo de memoria.

Entre los artistas del Renacimiento que se ocuparon de los problemas del aprendizaje, el artista alemán Albrecht Dürer ocupa un lugar destacado. Sus trabajos teóricos son de gran valor, tanto en el campo de los métodos de enseñanza como en el campo de los problemas del arte. Los escritos de Durero contribuyeron en gran medida al desarrollo posterior de la metodología de la enseñanza del dibujo. Durero creía que en el arte no se puede confiar solo en los sentimientos y la percepción visual, sino que básicamente es necesario confiar en el conocimiento exacto; también se preocupó por cuestiones generales de pedagogía, cuestiones de enseñanza y crianza de los niños. Entre los artistas del Renacimiento, pocos pensaron en ello.

Al enseñar dibujo y las leyes de construcción de una imagen realista de objetos en un plano, Durero presentó la perspectiva en primer lugar. El propio artista pasó mucho tiempo estudiando la perspectiva. La segunda y más significativa obra de Durero, "La doctrina de las proporciones del hombre", es el fruto del trabajo de casi toda su vida. Durer resumió todos los datos conocidos sobre este tema y les dio un desarrollo científico, adjuntando una gran cantidad de dibujos, diagramas y dibujos. El artista trató de encontrar las reglas para construir la figura humana a través de pruebas geométricas y cálculos matemáticos.

Particularmente valioso para la pedagogía del arte es el método de generalización de formas desarrollado por Durero (más tarde llamado recorte).El método de recorte es el siguiente. Representar, de acuerdo con todas las reglas de la perspectiva lineal, la forma de un cuerpo geométrico simple, como un cubo, incluso para un dibujante novato, no es particularmente difícil. Es muy difícil dar una imagen en perspectiva correcta de una figura compleja, por ejemplo, una cabeza, una mano, una figura humana. Pero si generaliza la forma compleja al extremo de las formas geométricas de línea recta, entonces puede hacer frente fácilmente a la tarea. El método de poda ayuda al dibujante novato a resolver correctamente las tareas tonales del dibujo. El método de análisis y construcción de imágenes propuesto por Durero tuvo un efecto sorprendente en la enseñanza y fue utilizado y desarrollado aún más en la práctica pedagógica de los artistas-maestros.

Su trabajo en el campo de la perspectiva ayudó a los artistas a hacer frente al problema más difícil de construir una forma tridimensional de objetos en un plano. Después de todo, antes de ellos no hubo artistas que pudieran construir una imagen en perspectiva de objetos tridimensionales. Los artistas del Renacimiento, de hecho, fueron los creadores de una nueva ciencia. Demostraron la corrección y validez de sus posiciones tanto en la teoría como en la práctica. Los pintores del Renacimiento también prestaron mucha atención al estudio de la anatomía plástica. Casi todos los dibujantes estaban interesados ​​​​en las leyes de la proporción proporcional de las partes del cuerpo humano. En cada tratado se analizaban cuidadosamente las proporciones del rostro humano, así como de otras partes del cuerpo. Los maestros del Renacimiento utilizaron hábilmente los datos de sus observaciones en la práctica de las bellas artes. Sus obras asombran al espectador con un profundo conocimiento de la anatomía, la perspectiva y las leyes de la óptica. Habiendo puesto los datos de la ciencia como base de las bellas artes, los artistas del Renacimiento prestaron especial atención al dibujo. El dibujo, dijeron, contiene todas las cosas más importantes que se requieren para un trabajo creativo exitoso.

El método de dibujar de la naturaleza con la ayuda de una cortina se basa en el principio de la estricta observancia de las leyes de la perspectiva. Para que el artista pudiera observar estrictamente un nivel de visión constante y en un dibujo, un punto de fuga constante, Alberti sugirió usar un dispositivo especial: una cortina.

. El sistema académico de la educación artística en los siglos XVI - XII (Ideas pedagógicas de J. A. Comenius, D. Locke, J. J. Rousseau, Goethe)

A fines del siglo XVI, aparecieron nuevas direcciones en el campo de la educación artística y la educación estética, nuevos principios y actitudes pedagógicas. El método de enseñanza del dibujo comenzó a construirse de manera diferente.. Un siglo en la historia de los métodos para la enseñanza del dibujo debe considerarse como un período de formación del dibujo como materia académica y el desarrollo de un nuevo sistema de enseñanza pedagógico - académico. El rasgo más característico de este período es la creación de instituciones educativas especiales: academias de artes y escuelas de arte, donde se estableció seriamente la enseñanza del dibujo.

La más famosa fue la Academia de las Artes de Bolonia, fundada por los hermanos Carracci. Los estudiantes de la academia estudian a fondo la anatomía, no de los libros, sino de la disección de cadáveres. Carracci desarrolló una metodología de enseñanza detallada, considerando el dibujo como base de las bellas artes. En sus lineamientos metodológicos señalaron que el artista debe apoyarse en los datos de la ciencia, en la mente, porque la mente enriquece el sentimiento. academias se fijaron como objetivo dar una formación seria en el campo de las bellas artes. Educaron a los jóvenes sobre los ejemplos del alto arte de la antigüedad y el Renacimiento. La tradición se ha convertido en un rasgo característico de todas las academias posteriores. Estudiando el patrimonio y percibiendo la cultura artística de sus antecesores, las academias llevaron todo esto a la siguiente generación de artistas, preservando estrictamente la gran e inquebrantable base sobre la que se creó esta tradición.

Junto a las academias estatales, continuaron existiendo escuelas privadas, donde los alumnos recibían una formación profesional bastante sólida. El taller del más grande artista flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640) fue el más grande y mejor equipado con material didáctico. En el siglo XVII fue la mejor escuela de dibujo entre los talleres privados. Los alumnos de Rubens fueron artistas famosos y excelentes dibujantes. Al enseñar a dibujar, Rubens concedió especial importancia a la prueba científica de las leyes de la perspectiva, el claroscuro y la anatomía plástica.

Por primera vez después de Pánfilo, la idea de los beneficios del dibujo como materia educativa general fue expresada por el gran maestro checo Jan Amos Comenius (1592-1670) en su Gran Didáctica. Es cierto que Comenius aún no se atrevía a incluir el dibujo en el currículo escolar como materia obligatoria. Sin embargo, el valor de estos pensamientos residía en el hecho de que estaban estrechamente relacionados con cuestiones de pedagogía. El capítulo 21 de la Gran Didáctica, titulado "Método de las Artes", establece que para enseñar el arte deben observarse tres requisitos: uso correcto; dirección sensata; ejercicio frecuente.

Comenius, al considerar el dibujo como una materia de educación general, no hace grandes diferencias en los métodos y sistemas de enseñanza del arte en la educación general y las escuelas especiales. Se apoya en el sistema ya establecido de enseñanza del dibujo en las academias de artes, en métodos de enseñanza que se han justificado.

Casi simultáneamente con Comenius, el valor educativo general del dibujo comenzó a ser defendido por el profesor y filósofo inglés John Locke (1632-1704). En su libro Pensamientos sobre la educación, escribe: “Si un niño ha adquirido una letra hermosa y rápida, entonces no solo debe apoyarla con una práctica cuidadosa en la escritura, sino también mejorar su arte dibujando. Al viajar, el dibujo servirá en beneficio del joven; a menudo, con algunas características, podrá representar edificios, automóviles, ropa y otras cosas que no pueden explicarse mediante descripciones detalladas. Pero no quiero que se convierta en pintor; tomaría más tiempo del que le queda de otras actividades importantes. Sin embargo, J. Locke no da instrucciones metodológicas sobre la enseñanza del dibujo, se limita solo a discusiones generales sobre los beneficios de la enseñanza del dibujo.

El filósofo enciclopedista francés Jean Jacques Rousseau (1712-1778) habló con más detalle sobre el dibujo como materia educativa general. En su libro Emilio, Rousseau escribe que para el conocimiento de la realidad circundante son de gran importancia los órganos de los sentidos, los cuales pueden desarrollarse en un niño enseñándole a dibujar del natural. Rousseau señala con mucha razón que las lecciones de dibujo deben realizarse en medio de la naturaleza, ya que en la naturaleza el estudiante puede ver claramente los fenómenos de la perspectiva y comprender sus leyes. Además, al observar la naturaleza, el estudiante cultiva su propio gusto, aprende a amar la naturaleza, comienza a comprender su belleza. Rousseau cree que aprender a dibujar debe ocurrir exclusivamente por naturaleza. En este sentido, Rousseau mira el método de enseñanza del dibujo con más seriedad que sus predecesores. Las ideas pedagógicas de Comenius, Locke, Rousseau enriquecieron significativamente la teoría y la práctica del arte. Sus trabajos teóricos sirvieron como impulso para un mayor desarrollo de la pedagogía artística.

Durante este período, la autoridad de la academia se fortaleció no solo como institución educativa, sino también como creadora de tendencias en los gustos artísticos. Reconociendo el arte antiguo como el máximo ejemplo y apoyándose en las tradiciones del Alto Renacimiento, casi todas las academias europeas comienzan a crear una escuela ideal de bellas artes en el sentido más amplio de la palabra. El dibujo en el sistema de educación artística todavía se considera como la base de los cimientos. Pero aprender a dibujar de la naturaleza comienza con el estudio de muestras clásicas de la antigüedad. Solo un estudio serio de las esculturas griegas antiguas ayudará a un principiante a aprender las leyes de la naturaleza y el arte, solo las muestras clásicas revelarán al artista las ideas de la belleza y las leyes de la belleza, argumentaron las academias.

La posición sobre los beneficios del dibujo como materia educativa general fue expresada por el gran maestro checo ^ Ya A. Komensky en su "Gran didáctica". Es cierto que Comenius aún no se atrevía a incluir el dibujo en el currículo escolar como materia obligatoria. Pero el valor de sus pensamientos sobre el dibujo radicaba en que estaban íntimamente relacionados con cuestiones de pedagogía. De particular valor para nosotros son los pensamientos de Comenius sobre la necesidad de estudiar los métodos de enseñanza. Casi simultáneamente con Comenius, el valor educativo general del dibujo comenzó a ser defendido por el profesor de inglés y filósofo John Locke. Sin embargo, al no ser un especialista, J. Locke no pudo dar instrucciones metodológicas en la enseñanza del dibujo. Se limitó a discusiones generales sobre los beneficios de la educación.El filósofo y enciclopedista francés ^ Jacques-Jean Rousseau habló con más detalle sobre el dibujo como materia educativa general. Creía que el dibujo debía enseñarse exclusivamente de la naturaleza y que un niño no debía tener otro maestro que la propia naturaleza. Johann Wolfgang Goethe expresó muchos pensamientos valiosos sobre el método de enseñanza del dibujo. Para dominar el arte del dibujo se necesita conocimiento, conocimiento y conocimiento, dijo. Las ideas pedagógicas de Comenius, Locke, Rousseau, Goethe enriquecieron la teoría y la práctica de la enseñanza del dibujo. Sus trabajos teóricos sirvieron de impulso para un mayor desarrollo del pensamiento pedagógico en general y en el campo de los métodos de enseñanza del dibujo en particular.

. El papel de I.G. Pestalozzi en el desarrollo del dibujo como materia educativa general. Alumnos y seguidores de J. G. Pestalozzi (I. Schmidt, P. Schmidt, hermanos Dupuis)

En el siglo XVIII, la primera mitad del siglo XIX, el dibujo comenzó a ganarse un lugar firme en las escuelas secundarias. Este fue iniciado por el maestro suizo Johann Heinrich Pestalozzi (1746-1827), quien no fue accidentalmente llamado el padre de la metodología escolar por los maestros de arte. Pestalozzi considera el dibujo en la escuela como una materia educativa general. Todo conocimiento, en su opinión, proviene del número, la forma y la palabra. El primer paso hacia el conocimiento es la contemplación. Para poder pensar correctamente, es necesario considerar correctamente la naturaleza circundante. Dibujar es la forma más perfecta de adquirir esta habilidad. Un papel especial, según Pestalozzi, debería corresponder al dibujo en la escuela primaria. En su diario, que trata sobre la crianza de su hijo, el dibujo ocupa el lugar principal. Las clases diarias comienzan con el dibujo. El dibujo, argumenta Pestalozzi, debe preceder a la escritura, no solo porque facilita el proceso de dominar la inscripción de las letras, sino también porque es más fácil de digerir.

El mismo Pestalozzi, según los contemporáneos, no sabía dibujar, por lo que no da reglas claras y definidas para enseñar a dibujar, limitándose a comentarios pedagógicos generales. Pero sus instrucciones didácticas e ideas pedagógicas fueron tan importantes y vitales que sirvieron de base para el desarrollo posterior de las técnicas de dibujo en las escuelas secundarias.

Pestalozzi concede gran importancia a los métodos de enseñanza. El éxito de aprender a dibujar depende de un sistema bien construido, dice Pestalozzi. Los artistas piensan poco en los métodos de enseñanza, siguen caminos indirectos, por lo que su arte está disponible solo para la élite (especialmente los dotados). Sin embargo, a todos se les puede enseñar los conceptos básicos del dibujo, y el dibujo, que es de gran importancia educativa general, debe ocupar su lugar en la escuela junto con otras materias académicas.

Pestalozzi expuso completamente sus puntos de vista sobre el método de dibujo en el libro Cómo Gertrude enseña a sus hijos. El mérito de Pestalozzi también radica en que consideró necesario guiarse por las características de edad de los alumnos a la hora de desarrollar un sistema de formación.

Según Pestalozzi, llevar el material educativo a un sistema coherente, estableciendo una estrecha conexión entre el conocimiento y las habilidades en el dibujo definitivamente desarrollará en los estudiantes las habilidades de su aplicación consciente en el trabajo independiente.

Pestalozzi cree que el aprendizaje del dibujo debe darse desde la naturaleza, ya que la naturaleza es accesible a la observación, al tacto ya la medida. De acuerdo con esta actitud, define el mismo término "dibujo" como el establecimiento de la forma a través de líneas; el tamaño de la forma, señala, puede establecerse mediante una medición precisa. Es el dibujo de la naturaleza, según Pestalozzi, lo que desarrolla a un niño: basta con enseñarle a dibujar de la naturaleza modelos tomados de la vida real y de la naturaleza que le rodea; incluso si estos primeros contornos son imperfectos, su importancia para el desarrollo es mucho mayor que dibujar a partir de imitaciones, es decir, de dibujos confeccionados. Pestalozzi concede gran importancia a los métodos de desarrollo del ojo en el dibujo. La capacidad de medir es el ABC de la observación.

sus comentarios generales son de gran valor. El mérito de Pestalozzi radica en que fue el primero en combinar la ciencia de la enseñanza escolar con el arte, planteó la cuestión de la necesidad del desarrollo metodológico de cada posición del dibujo. Creía que para el desarrollo del ojo debería haber un método, para comprender las formas, otro, para la tecnología, un tercero. Este trabajo fue realizado por sus alumnos y seguidores.

Después de Pestalozzi, el dibujo como materia de educación general comenzó a introducirse en todas las escuelas primarias. Las ideas pedagógicas de Pestalozzi se desarrollan más. El primer trabajo de este tipo es el libro "Elementos del dibujo según las ideas de Pestalozzi", escrito por su alumno Joseph Schmidt. Al enseñar a dibujar, I. Schmidt sugiere realizar ejercicios especiales: desarrollar la mano y prepararla para dibujar, ejercicios para crear y encontrar formas hermosas, ejercicios para desarrollar la imaginación, ejercicios de dibujo geométrico de objetos, en perspectiva.

Para facilitar el trabajo de los estudiantes, I. Schmidt sugiere colocar una hoja de cartón detrás de la naturaleza, en la que se representa una cuadrícula de cuadrados. Al dibujar un modelo del natural, el estudiante siempre podía verificar la pendiente y la naturaleza del contorno (silueta) del objeto en relación con las líneas verticales y horizontales, y las celdas ayudaban a encontrar las proporciones correctamente. Después del curso inicial de dibujo, Schmidt aconseja pasar al dibujo artístico, donde el estudiante comienza a dibujar una persona, primero a partir de un modelo de yeso y luego a partir de un modelo vivo. El curso finaliza con el dibujo del natural de árboles y paisajes.

Otro alumno de Pestalozzi Ramsauer publicó un trabajo llamado "Enseñanza del dibujo", en el que primero esbozó la idea de dibujar en una pizarra. El nuevo método fue el siguiente: se representaron todo tipo de líneas en una pizarra grande en forma de ejercicios preliminares, se ofrecieron ejercicios para desarrollar el ojo: dibujar líneas en ciertos puntos, dividir líneas en partes, dibujar líneas en un cierto ángulo ( Pendiente). La siguiente etapa fue el dibujo de figuras geométricas y las formas características de la naturaleza y el arte. El maestro debe representar todo esto en la pizarra y los estudiantes deben seguir el surgimiento y desarrollo de cada forma. El curso finalizó dibujando del natural, primero objetos domésticos, luego cabezas de yeso y finalmente una cabeza viva.

Las obras del profesor de arte berlinés Peter Schmid tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la metodología escolar. Fue el primero en introducir en las escuelas de educación general y desarrolló en detalle el método de dibujo del natural, utilizando para ello diversos modelos geométricos. Schmid inició el desarrollo del llamado método geométrico. El mérito de Schmid fue que desarrolló una metodología para la enseñanza del dibujo, basada en disposiciones pedagógicas generales. Según Schmid, el dibujo no es sólo un ejercicio mecánico de la mano, también es una gimnasia de la mente, y también se ejercita la observación, el sentido general de la forma, y ​​las fantasías. La secuencia de la enseñanza del dibujo, según Schmid, debe ser la siguiente: primero, la imagen de la forma más simple, un paralelepípedo, luego la imagen de las formas curvilíneas de los objetos, y así gradualmente se lleva al estudiante a dibujar con cabezas de yeso y bustos Cada tarea condiciona a la siguiente, y la siguiente presupone a la anterior y se construye sobre ella.

Schmid consideró que copiar imágenes no solo no aportaba ningún beneficio al estudiante, sino que incluso era perjudicial. Dijo que copiar solo ayuda a la adquisición de habilidades mecánicas y no contribuye en lo más mínimo al desarrollo mental de los niños.

en la primera mitad del siglo XIX, el método de los hermanos Dupuis se generalizó en las escuelas secundarias. La metodología de enseñanza del dibujo de Dupuy se construyó de la siguiente manera: primero, los estudiantes estudian y representan los modelos más simples (alambre) sin fenómenos de perspectiva - frontalmente, luego - modelos de alambre con contracciones de perspectiva. A esto le sigue el dibujo de figuras planas, después de lo cual, tridimensional. La secuencia metódica en el dibujo de cada grupo de modelos fue la misma: primero, la imagen frontal del modelo, luego, la perspectiva.

El método de enseñanza del dibujo de los hermanos Dupuis tenía una característica más: al principio, los alumnos dibujaban en pizarras negras con tiza, y cuando adquirieron cierta habilidad en el dibujo, pasaron a trabajar en papel. Para desarrollar un sentido de la forma, Dupuis introdujo clases de modelado en arcilla.

El método de enseñanza del dibujo de los hermanos Dupuis no ha perdido su significado en la actualidad. Los artistas-educadores utilizan modelos separados desarrollados por él. Entonces, profesores de la facultad de arte y gráficos del Instituto Pedagógico Estatal de Moscú. V. I. Lenin, cuando se enseña dibujo según el método de D. N. Kardovsky, se utilizan modelos de Dupuis.

. Dibujo en Rusia del siglo XVIII. (Preisler, GA Gippius)

Hasta el siglo XVIII, el principal método de enseñanza del dibujo era el método de copia. Como tema educativo general, el dibujo en ese momento aún no había recibido un amplio desarrollo, comenzó a introducirse en las instituciones educativas solo a principios del siglo XVIII.

Fortaleciendo el poder de Rusia, las reformas de Pedro 1 provocaron un aumento general de la cultura en el país. Había una gran necesidad de personas que pudieran hacer mapas, hacer dibujos e ilustraciones para libros.

En 1711, en la imprenta de San Petersburgo, Peter I organizó una escuela secular de dibujo, donde los estudiantes no solo copiaron los originales, sino que también dibujaron del natural.

Se invita a maestros-artistas del extranjero, con quienes se concluyen contratos.

El dibujo está comenzando a introducirse ampliamente en las instituciones educativas generales. Para la correcta organización de la metodología para la enseñanza del dibujo en estas instituciones educativas, se publicó el libro de I. D. Preisler "Reglas básicas o una breve guía para dibujar arte". Fue el primer método serio. manual de dibujo en rusia. De particular interés para nosotros es el libro de Preisler desde un punto de vista metodológico. El manual describe un cierto sistema para la enseñanza del dibujo. El libro dio instrucciones no solo a los artistas novatos, sino también a los que enseñaban dibujo.

El entrenamiento según el sistema de Preisler comienza con una explicación del propósito de las líneas rectas y curvas en el dibujo, luego las formas y cuerpos geométricos y, finalmente, las reglas para su uso en la práctica. El autor, con una secuencia metódica, muestra al alumno cómo, pasando de lo simple a lo complejo, dominar el arte del dibujo.

Cualquiera que sea el objeto que Preisler sugiere para dibujar, en primer lugar trata de ayudar al estudiante a hacer frente a las dificultades de analizar la forma de un objeto y construirlo en un plano. Muestra claramente cómo construir sistemáticamente una imagen).

Como la mayoría de los maestros-artistas de esa época, Preisler pone la geometría como base para la enseñanza del dibujo. La geometría ayuda al dibujante a ver y comprender la forma de un objeto, y cuando se representa en un plano, facilita el proceso de construcción. Sin embargo, advierte Preisler, el uso de figuras geométricas debe combinarse con el conocimiento de las reglas y leyes de la perspectiva y la anatomía plástica.

Preisler concede gran importancia a la capacidad de dominar el dibujo lineal.

El manual de Preisler fue muy apreciado por sus contemporáneos, fue reimpreso varias veces tanto en el extranjero como en Rusia. No hubo un desarrollo metodológico más completo y claro del dibujo educativo en ese momento, por lo que el trabajo de Preisler en Rusia se utilizó durante mucho tiempo no solo en instituciones educativas generales, sino también en escuelas de arte especiales.

Tal evaluación del método de Preisler no puede considerarse correcta desde un punto de vista histórico. No es casualidad que su obra fuera un éxito tan grande durante todo un siglo, aunque durante este tiempo se publicaron muchos manuales y manuales de dibujo diferentes tanto en Rusia como en el extranjero. Por supuesto, hoy en día se pueden encontrar fallas en el libro de Preisler, pero en aras de la verdad histórica, se debe señalar que para su época fue la mejor guía. El conocimiento que el estudiante recibió sobre la base de estudiar el curso de Preisler lo ayudó a dibujar de la vida en el futuro, así como a dibujar de la memoria y la imaginación, que es tan importante para el artista.

Entonces, a fines del siglo XVIII, el dibujo como materia educativa general comenzó a generalizarse. En este momento, Rusia se convierte en una poderosa potencia. En relación con el desarrollo de la vida económica y social del país, ha aumentado considerablemente la necesidad de personas alfabetizadas en bellas artes, que puedan dibujar y dibujar.

Aparecen una serie de trabajos teóricos, donde se demuestra la necesidad de dominar las habilidades gráficas, se enfatiza la importancia del dibujo como materia educativa general.

En 1844, G. A. Gippius publicó la obra “Ensayos sobre la teoría del dibujo como materia de educación general”, dedicada al dibujo como materia de educación general. Este fue el primer trabajo importante sobre este tema, cubrió tanto cuestiones teóricas generales de pedagogía y bellas artes, como cuestiones de métodos de enseñanza del dibujo.

Mucho se hizo durante este período en el campo de la publicación de diversos manuales, manuales y tutoriales sobre dibujo.

El libro se divide en dos partes: teórica y práctica. La parte teórica expone las principales disposiciones de la pedagogía y las bellas artes. En la parte práctica, se revela la metodología de enseñanza.

Gippius se esfuerza por fundamentar científica y teóricamente cada posición del método de enseñanza del dibujo. De una manera nueva, considera el proceso de enseñanza en sí mismo. Los métodos de enseñanza, dice Gippius, no deben seguir un patrón determinado; diferentes métodos de enseñanza pueden lograr buenos resultados. En este sentido, Gippius anticipa la comprensión moderna de la metodología de la enseñanza como el arte de enseñar. Para aprender a dibujar correctamente, es necesario aprender a razonar y pensar, dice Gippius, y esto es necesario para todas las personas, y esto debe desarrollarse desde la infancia. Gippius da una gran cantidad de valiosos consejos metodológicos y recomendaciones en la segunda parte de su libro. La metodología de la enseñanza, según Gippius, debe basarse no solo en los datos del trabajo práctico, sino también en los datos de la ciencia y, sobre todo, de la psicología. Gippius exige mucho al profesor. El profesor no sólo debe saber y poder hacer mucho, sino también hablar a los alumnos como un actor. El trabajo de cada alumno debe estar en el campo de visión del profesor.

Gippius conecta estrechamente la provisión de clases con equipos y materiales con cuestiones de metodología.

El trabajo de G. A. Gippius fue una contribución significativa a la teoría y práctica de la enseñanza del dibujo como materia educativa general, enriqueció enormemente la metodología de enseñanza.

No encontramos un estudio tan serio y profundo de los problemas de la metodología de la enseñanza en ese período en ninguno, ni siquiera en el representante más destacado del pensamiento pedagógico. Todos ellos se limitaron a una exposición de las disposiciones teóricas generales de la pedagogía, sobre las cuales se debe construir la metodología; artistas-maestros enfocados en las reglas del dibujo. Mientras tanto, el grueso de los profesores necesitaba revelar la metodología misma de la enseñanza, y en este sentido, Gippius realizó un trabajo de gran importancia. Muchos investigadores de la historia de los métodos de enseñanza del dibujo omitieron estos puntos importantes en sus escritos.

9. La educación artística en el siglo XIX. Escuelas de dibujo. "Curso de dibujo" y ayudas visuales de A. P. Sapozhnikov

Un rasgo característico de la vida artística de Rusia en el siglo XIX es la búsqueda activa de formas y métodos de educación artística y educación de los miembros de la sociedad. En este sentido, la apertura de escuelas de arte en varias ciudades, la publicación de asociaciones y organizaciones de arte, la promoción de las artes a través de actividades de exhibición y publicación.

en 1804 la escuela chárter introduce el dibujo en todas las escuelas y gimnasios del distrito.

1706-97 hubo una escuela de dibujo creada por Peter<#"justify">El método reveló de manera clara y sencilla las disposiciones más complejas relacionadas con la construcción de una imagen tridimensional en un plano y supuso una revolución en el trabajo educativo. Dado que la mejor manera de ayudar al estudiante a construir correctamente una imagen de la forma de un objeto es simplificarla al comienzo del dibujo, para determinar el geómetra. la base de la forma del objeto, y luego pasar al refinamiento. El método de Sapozhnikov tenía mucho en común con el método de Dupuis, pero se publicó antes (Sapozhnikov, en 1834, y Dupuis, en 1842). Casi todos los métodos modernos incluyen el sistema de A. Sapozhnikov como base.

10. Visiones pedagógicas de P.P. Chistyakova

Características de la escuela de arte de dibujo P. P. Chistyakov.

P. P. Chistyakov creía que la Academia de Artes de la época de su enseñanza (1872-1892) necesitaba reformas y nuevos métodos de trabajo con los estudiantes, era necesario mejorar los métodos de enseñanza del dibujo, la pintura y la composición.

Desde 1871, Chistyakov participó activamente en la producción de dibujos en las escuelas secundarias.

El sistema de enseñanza de Chistyakov cubría varios aspectos del proceso artístico: la relación entre la naturaleza y el arte, el artista y la realidad, la psicología de la creatividad y la percepción, etc. El método de Chistyakov no solo educó a un artista-maestro, sino también a un artista-creador. Chistyakov otorgó una importancia decisiva en su sistema al dibujo, instado a penetrar en la esencia misma de las formas visibles, a recrear su convincente modelo constructivo en el espacio condicional de la hoja. La ventaja del sistema de enseñanza de Chistyakov fue la integridad, la unidad a nivel metodológico de todos sus elementos, el seguimiento lógico de una etapa a otra: del dibujo, al claroscuro, luego al color, a la composición (composición).

Otorgó gran importancia al color, viendo en el color el medio más importante de expresión figurativa, revelando el contenido de la obra.

La composición de la imagen es el resultado del entrenamiento del artista, cuando ya podía comprender los fenómenos de la vida a su alrededor, para resumir sus impresiones y conocimientos en imágenes convincentes. "Según la trama y la técnica", era la expresión favorita de Chistyakov.

Los métodos de enseñanza del dibujo de Chistyakov son comparables a los de las famosas escuelas de arte de Munich.

Durante los largos años de enseñanza, Chistyakov desarrolló un "sistema de dibujo" especial. Enseñó a ver la naturaleza tal como existe y como parece, a combinar (pero no mezclar) los principios lineales y pictóricos, a conocer y sentir el tema, independientemente de lo que se necesite representar, ya sea una hoja de papel arrugada, un yeso o una trama histórica compleja. En otras palabras, las principales disposiciones del "sistema" eran la fórmula de una "relación viva con la naturaleza", y el dibujo era una forma de conocerla.

Los métodos de Chistyakov, bastante comparables a los métodos de las famosas escuelas de arte de Munich, su capacidad para adivinar el lenguaje especial de cada talento, su actitud cuidadosa hacia cualquier talento, dieron resultados sorprendentes. La variedad de personalidades creativas de los estudiantes de maestría habla por sí sola: son V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov y otros.

Al analizar la actividad pedagógica de P. P. Chistyakov, se pueden identificar los componentes principales del sistema de su trabajo, gracias a los cuales se logró un alto nivel de calidad en la enseñanza del dibujo. Consistía en la interacción de los siguientes componentes: las metas y objetivos de la enseñanza como punto de partida para el funcionamiento del sistema pedagógico; contenido científicamente comprobado del material educativo; el uso de varios tipos y formas de clases de conducción, gracias a las cuales se organizaron las actividades de los estudiantes en la asimilación de la alfabetización artística en el dibujo; varias formas de control, con la ayuda de las cuales se evitaron posibles desviaciones de las tareas establecidas al realizar el dibujo; la superación personal en curso del propio P. P. Chistyakov, que tenía como objetivo principal mejorar el impacto positivo en los estudiantes. Además, una parte integral del sistema de trabajo de Pavel Petrovich Chistyakov se construyó relaciones con los estudiantes, que tenían una orientación de actividad humanista, dirigida a la comunicación con los pupilos, el diálogo y el respeto por el individuo. P. P. Chistyakov (1832-1919) es conocido no solo como artista, sino también como un destacado maestro, cuyos muchos años de trabajo en la Academia de las Artes determinaron en gran medida el destino de la escuela realista de pintura en Rusia a finales del siglo XIX y principios. Siglos 20. Las obras de Chistyakov ya fueron reconocidas en la época soviética y se resumieron en una serie de obras de crítica de arte. A pesar de la existencia de una serie de obras dedicadas a las actividades de Chistyakov, su sistema pedagógico es de naturaleza tan revolucionaria y no encuentra analogías en la teoría y la práctica de otras escuelas de arte nacionales. Chistyakov encontró una solución audaz y consistente a los acuciantes problemas del arte contemporáneo basada no en el rechazo, sino en el pleno uso de las tradiciones existentes, lo que le permitió crear una escuela. fundamentalmente nuevo, que trajo a colación a los más grandes maestros de la pintura rusa de finales del pasado, principios de este siglo. El sistema de Chistyakov no fue un experimento simple, aunque talentoso, de un maestro notable. Con todos sus aspectos, fue construido en la perspectiva del arte que expresaba y servía. Y esta dinamita interna contenida en él en el desarrollo posterior de la pintura nacional determinó que (sus disposiciones individuales han conservado su importancia en nuestro tiempo.! El sistema Chistyakov es científico y artístico en el sentido más amplio y profundo de estos conceptos. Este sistema se basó en una revisión completa de los métodos de enseñanza preexistentes y, al mismo tiempo, sirvió para sistematizarlos y repensarlos sobre la base de nuevas premisas ideológicas. El papel principal en el sistema de enseñanza de Chistyakov lo desempeñó el plano pictórico, que era un intermediario entre lo natural y el dibujo y ayudaba a comparar la imagen con la naturaleza. Es por eso que Chistyakov llamó a su sistema de dibujo como un todo "el sistema de verificación del dibujo". Considerando el dibujo como una materia académica seria; Chistyakov señaló que la metodología de su enseñanza debe basarse en las leyes de la ciencia y el arte. El maestro no tiene derecho a engañar al alumno con su razonamiento subjetivo, está obligado a dar un conocimiento confiable Las ideas de Chistyakov sobre la relación entre el maestro y los alumnos son de gran valor para nosotros. "Un maestro real, desarrollado y bueno con un palo de un estudiante no es un dúo, en caso de un error, falla, etc., trata de explicar cuidadosamente la esencia de hacerlo hábilmente. Llevar al estudiante por el camino verdadero. ” Al enseñar a los estudiantes a dibujar, uno debe esforzarse por intensificar su actividad cognitiva. El maestro debe dar instrucciones, prestar atención a lo principal y el estudiante debe resolver estos problemas por sí mismo. Para resolver correctamente estos problemas, el profesor necesita enseñar al alumno no solo a prestar atención al tema, sino también a ver sus aspectos característicos. En el dibujo didáctico, las cuestiones de observación y conocimiento de la naturaleza juegan un papel primordial. Al igual que la enseñanza del dibujo, Chistyakov divide la ciencia de la pintura en varias etapas. La primera etapa es el dominio de la naturaleza figurativa del color, el desarrollo de la capacidad del joven artista para determinar con precisión el tono del color y encontrar su posición espacial correcta. La segunda etapa debe enseñar al estudiante a comprender el movimiento del color en la forma como el medio principal para transmitir la naturaleza, la tercera: enseñar cómo resolver ciertos problemas plásticos de la trama con la ayuda del color. Chistyakov fue un verdadero innovador que convirtió la pedagogía en alta creatividad. Teniendo en cuenta los requisitos modernos del arte, no solo revisó puntos individuales en la educación, sino que también revolucionó por completo esta última, comenzando con la cuestión de la relación del arte con la realidad y terminando con las habilidades profesionales. Su sistema de enseñanza educó al artista en el verdadero sentido de la palabra. La maestría venía como la madurez del pintor, y no como la base artesanal de su obra, el sistema se basaba en una reflexión profundamente realista y objetiva del mundo a través del sentir del artista y su comprensión de la vida. Chistyakov fue uno de los primeros en demostrar que la imagen artística no es una sistematización por parte del pintor de lo que ve, sino una expresión de su propia experiencia.

. Dibujo en educación general e instituciones educativas especiales de Rusia en los siglos XVIII y XIX. Metodología para la enseñanza del dibujo en la Academia Imperial de las Artes

La idea de la importancia de la educación artística en las instituciones de educación primaria, secundaria y superior de diversas especializaciones no artísticas y la enseñanza sistemática de los estudiantes en bellas artes, junto con otras materias de educación general (lectura, escritura, conteo) en la pedagogía rusa. fue formulado en el siglo XVIII.

La educación artística profesional en Rusia en el siglo XVIII. se podía obtener en talleres privados (I. Argunova, P. Rokotova), en la Escuela de Dibujo, organizada por Pedro I en 1711 en la Imprenta de San Petersburgo. Desde 1758, la Academia de las Tres Más Nobles Artes se ha convertido en el centro científico y metodológico de la educación artística.

la metodología para la enseñanza del "dibujo" se inspiró en la Academia de las Artes: la asimilación de habilidades técnicas en el proceso de copia de muestras. Como originales para copiar por parte de los estudiantes en las escuelas, se utilizaron las Reglas fundamentales o una breve guía para dibujar arte de I. D. Preisler, el "Curso de dibujo" de A. P. Sapozhnikov.

Así, a finales del siglo XVIII. el dibujo como materia educativa general se ha generalizado. En relación con el rápido desarrollo de la industria y la planificación urbana, un aumento en el número de empresas industriales, ha aumentado la necesidad de personas alfabetizadas en bellas artes, capaces de dibujar y dibujar, lo que afectó la inclusión del tema "Dibujo". en los planes de estudios.

La Academia de Artes es una institución de educación superior especializada, su papel en la vida de Rusia fue principal. Inicialmente, las academias de artes eran estudios privados y comunidades creativas de maestros de arte, su objetivo era preservar y desarrollar las más altas tradiciones de arte, guiar la formación de puntos de vista estéticos, criterios y normas de creatividad artística y crear sobre esta base una escuela de arte, educación profesional.

En Rusia, la primera Academia de las Artes se formó en 1757 en San Petersburgo como la "Academia de las Tres Artes Más Nobles": pintura, escultura y arquitectura. En 1764, se estableció la Academia Imperial de las Artes con una Escuela de Educación adjunta. A lo largo de su historia, la Academia de San Petersburgo ha sido el principal centro ruso de educación artística. Los arquitectos, escultores, pintores y grabadores rusos más importantes recibieron una formación estricta y exigente en la Academia.

Desde el principio, la Academia de las Artes no solo fue una institución educativa y educativa, sino también un centro de educación artística, ya que organizaba exposiciones regularmente. Bajo ella se fundaron museos y una biblioteca científica, que aún forman parte de la estructura de la academia.

Un área importante de actividad de la Academia de las Artes en el siglo XX. fue la formación de críticos de arte y profesores de historia del arte para museos e instituciones educativas de Rusia. En 1944, el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura, creado sobre la base de la Academia Rusa de las Artes, recibió su nombre del gran pintor ruso I. E. Repin.

En el instituto, las relaciones se mantuvieron, desarrollaron y desarrollaron sobre la base de la continuidad de la tradición de la escuela de San Petersburgo. Los alumnos de la academia criaron a nuevos estudiantes talentosos y también llevaron las tradiciones educativas a las ciudades de Rusia. El papel de la Academia de Artes en el desarrollo de la educación artística rusa en la vida de Rusia fue líder.

. Estudios de las bellas artes infantiles a finales del siglo XIX - principios del XX (Concepto biogenético de las bellas artes infantiles y teoría de la educación libre. K. Ricci, Lamprecht, G. Kershensteiner)

La educación artística se considera parte de la cultura artística. El dibujo infantil es parte de lo fino. cultura, y el niño es el protagonista del proceso cultural Consideración del dibujo infantil en un aspecto histórico, como fenómeno del arte. cultura. sugiere: 1º análisis en cuanto a contenido y métodos de adelgazamiento. educación; 2do lugar del niño y su creatividad en la fina. cultura; 3-características psicológicas del desarrollo relacionado con la edad; 4 la influencia de la individualidad pedagógica: la interacción del estudiante y su mentor en el arte. El libro de Georg Kershensteiner "El desarrollo de la creatividad artística del niño", publicado en Rusia en 1914, se convirtió en el primer estudio fundamental de los dibujos de escolares de 6 a 13 años. Se presta especial atención a la expresión artística, manifestada en dibujo libre y decorativo en diferentes edades de los niños. El objetivo del estudio era estudiar el desarrollo de la capacidad de dibujo además de las influencias externas sistemáticas.

Científicos alemanes han establecido: diferenciación de los sexos en el sentido del talento artístico; diferentes actitudes de los niños de la ciudad y del campo; conexión del desarrollo intelectual con la capacidad de una imagen gráfica.

Rusia a fines del siglo XIX y principios del XX se caracterizó por un mayor interés en los métodos de enseñanza del dibujo tanto en instituciones educativas especiales como generales.

Empezó a estudiar psicología infantil. Corrado Ricci 1911 Llamó la atención sobre el hecho de que los niños eligieron a una persona como uno de los objetos centrales de la imagen. . Ricci comparó la creatividad de los niños con el arte de las eras prehistóricas y primitivas, lo que sirvió de base para la aplicación de la teoría biogenética para explicar el desarrollo de las bellas artes de los niños. La comparación de la creatividad infantil con la historia del arte condujo a la identificación de etapas de desarrollo comunes a todos los niños, desarrolladas en los estudios de Kershensteiner 1914, que luego fueron interpretadas por Lamprecht 1909 como el descubrimiento de las formas del dibujo infantil: 1ª etapa - esquemas - garabatos sin forma y primitivos. El sentido de forma y línea de la etapa 2 es una mezcla de formal y esquemático, la etapa 3 es una imagen creíble: la etapa de siluetas y contornos. Imagen plástica de 4 etapas. Kershensteiner evaluó los dibujos de los niños en términos sociales, urbanos o rurales. . Sostuvo que el desarrollo de la imagen debe pasar por las 4 etapas. Independientemente de la edad, debe superar cada paso anterior. La negación del comienzo del aprendizaje condujo a la ausencia de construcción de la imagen. Estaba en contra del método geométrico. La teoría de la educación gratuita.

Al explorar los métodos de enseñanza del dibujo a principios de siglo, se debe tener en cuenta que en ese momento el dibujo incluía: dibujo de la vida, decorativo, temático y conversaciones. Este período sería muy difícil y controvertido. La claridad y la severidad de la imagen se reducen notablemente. Aparecen varios trabajos de investigación, se está estudiando la psique del niño. Kershensteiner. Durante este período, todo se mezcla. Educación libre, disconformidad entre los partidarios del método geométrico y natural y los formalistas. los representantes de lo geométrico defienden la dirección académica, los representantes del método natural se adhieren a la teoría de la educación libre. Las clases de dibujo en la escuela comenzaron a considerarse demasiado limitadas. Algunos teóricos dicen que no hay nada que estudiar en la escuela de bellas artes, dicen que esa es la tarea de una escuela de arte. Introduciendo a los niños a las artes visuales, es necesario brindarles más oportunidades para la creatividad independiente. en este sentido, en la actividad visual, no vemos la diferencia de edad en absoluto. Todas las obras son igualmente ingenuas e indefensas en el arte, todas están unidas por el término general dibujo infantil. En muchas escuelas se rompe el estricto sistema de enseñanza, el dibujo como materia de educación general está perdiendo su conocimiento. Picasso escribió: que se nos asegura que a los niños se les debe dar libertad, pero en realidad se les obliga a hacer dibujos infantiles. Ellos lo enseñan. El arte burgués formalista tuvo su influencia en los métodos de enseñanza en las escuelas secundarias. Todo el sistema y metodología de enseñanza de este período estaba dirigido a desarrollar la individualidad de cada alumno y la inviolabilidad de su personalidad artística. No se necesita la escuela: en la escuela, el artista pierde sus cualidades naturales. . muchos en un estricto dibujo realista vieron los grilletes que limitaban las posibilidades creativas del artista. Los partidarios de la educación gratuita estaban en contra del estudio académico de la naturaleza, en contra de la escuela en general. Todos, desde los impresionistas hasta los abstraccionistas, van bajo el lema: abajo la escuela, libertad de creatividad. Las corrientes formalistas tuvieron un efecto perjudicial en la escuela de arte y en los métodos de enseñanza del dibujo. Separar la forma del contenido, negar el significado cognoscitivo del arte, lo llevó al sinsentido. Pero hubo escuelas y artistas individuales que continuaron defendiendo los principios del arte realista.

A partir de la segunda mitad del siglo XIX, la metodología escolar comienza a desarrollarse con mayor profundidad y seriedad. Es cierto que durante este período hubo muchas disputas entre los metodistas acerca de la ventaja de un método sobre otro. La estética del arte siempre ha influido en el método de enseñanza del dibujo en la escuela. A veces esta influencia también fue negativa, como, por ejemplo, la influencia del arte formalista. El descuido de los conceptos básicos del dibujo realista, la evitación del mundo real, el rechazo de la escuela: estas son las principales disposiciones del arte formalista que han causado graves daños al desarrollo de métodos para enseñar dibujo en una escuela de educación general. El dibujo como materia educativa general está perdiendo su significado. El interés por el dibujo infantil se limita únicamente al estudio de la creatividad infantil. Los críticos de arte comienzan a cantar sobre ello, los artistas imitan a los niños. Se habla de la preservación de la inmediatez infantil, ingenua de la percepción del mundo, del hecho de que la educación en general tiene un efecto nocivo en el desarrollo del niño.

a los 30 siglo 20 en. principales teóricos del arte. convertirse en padres: en Alemania-G. Kershensteiner, en América - J. Dewey, en nuestro país - A. V. Bakushinski. A pesar del diferente enfoque del problema que se resuelve y su diferente interpretación, todos están inspirados en la idea general, la idea de "educación gratuita", la afirmación de la personalidad del niño con su derecho a expresar sus sentimientos y pensamientos, la remoción del maestro de la dirección. Dominar la alfabetización gráfica, especialmente en la etapa inicial de la educación, según ellos, no es necesario para los niños. Dibujar del natural como uno de los medios para entender el mundo que nos rodea, el dibujo como base del arte va perdiendo trascendencia cada año. Algunos teóricos de la creatividad infantil empiezan a afirmar que en una escuela de educación general no se debe enseñar a los niños alfabetización gráfica, gráfica, eso es una mala tarea. escuelas, sino para promover el desarrollo estético general del niño. en los años 50 siglo 20 En muchas escuelas de países extranjeros, se rompe el estricto sistema de enseñanza, el dibujo como materia de educación general está perdiendo su importancia. El dibujo como tal desapareció por completo, por lo que desapareció la metodología para la enseñanza del dibujo en las escuelas de educación general. El tema principal de todos los simposios internacionales es la educación estética, el problema del desarrollo integral de una persona.

. Período soviético de la educación artística. La educación artística en la primera década del poder soviético. El estado de la enseñanza del dibujo y las bellas artes en la escuela soviética de los años 20 - 30 (Tendencias formalistas y realistas en la vida artística. Academia de Ciencias de Rusia. Formación del sistema de educación gráfica superior. Sistema pedagógico de D. N. Kardovsky)

Primeras experiencias La sociedad soviética de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930 sintió las deficiencias del sistema de educación artística. Debilitamiento de lazos con las tradiciones de la escuela académica de bellas artes. A principios de la década de 1920, en muchas escuelas, a los niños no se les enseñaba un dibujo correcto y realista. La dirección abstracto-esquemática de la educación no solo negó la importancia de la metodología, sino que también distorsionó las metas y objetivos de la enseñanza del dibujo en una escuela de educación general. El dibujo no sólo no proporcionaba a los niños nada para el desarrollo mental, sino que interfería esencialmente en su educación estética. En la década de 1920, los métodos de dibujo se desarrollaron en las escuelas en una variedad de áreas, pero dos de ellos fueron ampliamente utilizados: el método de desarrollo de la "creatividad libre" y el método de enseñanza "complejo".

Todas las condiciones han sido creadas en nuestro país para el desarrollo de las bellas artes y la educación artística. La abolición de las haciendas, la democratización de la escuela, la separación de la escuela de la iglesia llevaron a la reestructuración de toda la enseñanza escolar. Los trabajadores de la educación pública se dieron a la tarea de reestructurar los contenidos, formas y métodos de enseñanza. Un destacado representante de la "educación libre" y la teoría biogenética subyacente fue A. V. Bakushinsky. A fines de la década de 1920 y principios de la de 1930, los métodos formalistas comenzaron a ser objeto de críticas justas. La revisión del contenido de los programas y currículos llevó a una reestructuración de los métodos de enseñanza del dibujo en la escuela. El programa de 1931 se basó en dibujar del natural. Junto a ello, el programa asignaba un lugar al dibujo sobre temas, según la idea, al dibujo decorativo. Se dio gran importancia a las conversaciones sobre el arte. La escuela de arte se interpuso en el camino del arte realista. Se planteó la cuestión de crear una nueva academia de artes. Una línea firme en la construcción de una nueva escuela, un nuevo sistema de enseñanza requería que se prestara una seria atención a la formación del personal docente. En 1937, se abrieron el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura de Leningrado y el Instituto de Bellas Artes de Moscú. En estas instituciones educativas, el dibujo académico ocupó un lugar protagónico. La mayoría de los maestros-artistas llega a la conclusión de que el dibujo del natural debe ser la base de cualquier método de enseñanza, lo que asegura una alta formación profesional de los artistas.

Kardovsky D. N.: hizo una gran contribución a la metodología, alentó a los estudiantes a construir una forma tridimensional en un plano y analizarla. Al comienzo del dibujo, debe esforzarse por dividir toda la figura en un plano, cortar la forma, hasta que emerja una forma grande, no necesita dibujar detalles. Particularmente importante es la conexión constructiva entre las partes de las formas de los objetos. Kardovsky se opuso al esbozo sin sentido del claroscuro. Kardovsky defendió valientemente las posiciones del arte realista y protegió a la juventud de la influencia del formalismo. Gracias a sus firmes convicciones, un sistema de enseñanza del dibujo claro y metódicamente desarrollado, Kardovsky tuvo una gran cantidad de estudiantes y seguidores ardientes.

. Formación del sistema de educación superior artística y gráfica. El estado de la enseñanza del dibujo y las bellas artes en la escuela soviética de los años 40 a los 60 del siglo XX (Trabajo de investigación en el campo de la actividad visual de los niños - N. N. Volkov, L. S. Vygotsky, E. I. Ignatiev, V. I. Kirienko, V. S. Kuzin)

Después de la Gran Guerra Patria, la educación artística se reformó en nuestro país. El 5 de agosto de 1947, se adoptó una resolución del Consejo de Ministros de la URSS "Sobre la transformación de la Academia de las Artes de toda Rusia en la Academia de las Artes de la URSS". El gobierno confió a la Academia de las Artes el desarrollo constante de las bellas artes soviéticas en todas sus formas sobre la base de "la implementación constante de los principios del realismo socialista y el mayor desarrollo de las mejores tradiciones artísticas progresistas de los pueblos de la URSS, y, en particular, la escuela realista rusa". Esto atestigua la madurez de la pedagogía artística soviética, que tenía todos los datos para mejorar aún más los métodos de enseñanza de las bellas artes. Durante este período, el dibujo comenzó a ser reconocido como la base de las bellas artes. Su entrenamiento debe comenzar lo antes posible. Por regla general, el comienzo de la misma debe preceder al estudio de la pintura y la escultura. El sistema de enseñanza del dibujo debe incluir necesariamente "el dibujo regular a partir de un desnudo posado en un ambiente especialmente creado para ello, sin que persiga otro fin que el de adquirir la maestría en el dibujo", es decir, el dibujo específicamente "académico". Con el fin de agilizar el trabajo metodológico en las escuelas en la década de 1950, surgió la idea de crear libros de texto especiales sobre dibujo. Anteriormente, los libros de texto de dibujo para escuelas secundarias no se publicaban ni en Rusia ni en el extranjero. Desde 1959, se ha creado una red de facultades de arte y gráficas en los institutos pedagógicos.

N. Yu. Vergiles, N. N. Volkov, V. S. Kuzin, V. P. Zinchenko, E. I. Ignatiev y otros dedicaron sus trabajos al estudio de los problemas de percepción en el proceso de actividad visual. En estos trabajos, la percepción se define como la capacidad creativa para aislar un objeto de su entorno, comprender los detalles más significativos, los rasgos característicos del objeto, así como la detección de relaciones estructurales que conducen a la creación de una imagen clara.

. La escuela rusa y la pedagogía del arte desde la década de 1960 hasta el presente (E. I. Shorokhov, T. Ya. Shpikalova, V. S. Shcherbakov, B. M. Nemensky, M. N. Sokolnikova, Yu. A Poluyanov, B. P. Yusov)

Rusia a fines del siglo XIX y principios del XX se caracterizó por un mayor interés en los métodos de enseñanza del dibujo tanto en instituciones educativas especiales como generales. Preisler - "Reglas básicas o una breve guía para dibujar arte" se publicó en dos idiomas, alemán y ruso. Esboza un determinado sistema de enseñanza del dibujo. El libro brindó orientación a artistas y maestros. Comienza explicando el propósito de dibujar líneas rectas y curvas, luego el geom. figuras y cuerpos, las reglas para su uso en la práctica. La geometría es la base para la enseñanza del dibujo. Sin embargo, el uso de figuras geométricas debe combinarse con la aplicación de las reglas y leyes de la anatomía plástica en perspectiva. En su libro proporciona muchas ayudas visuales. Concede gran importancia al patrón lineal. En 1834, AP Sapozhnikov publicó el "Curso de dibujo", el primer libro de texto para instituciones educativas, compilado por un artista ruso. El curso de dibujo comenzó con una introducción a varias líneas, ángulos y luego formas geométricas. El valor del método de Sapozhnikov residía en el hecho de que se basaba en dibujar del natural y analizar su forma. El nuevo método propuesto por Sapozhnikov encontró una amplia aplicación, hasta la publicación de su libro, reinó la copia del original. Usé el método de simplificación de la forma en la etapa inicial del dibujo. El profesor debe explicar verbalmente los errores del alumno. G. A. Gippius publica el libro “Ensayos sobre la teoría del dibujo como tema general”, en él se concentran todas las ideas avanzadas de la pedagogía. El libro se divide en dos partes: teórica y práctica. En el libro fundamenta teóricamente cada posición de la metodología de enseñanza. La metodología no debe ser plantilla, debe basarse en datos prácticos y científicos. Chistyakov tuvo una gran influencia en el desarrollo de los métodos de enseñanza y sus ideas sobre la relación entre el maestro y los alumnos, que consistía en conocer al alumno, su carácter y preparación, encontrar un acercamiento al alumno y enseñarle a mirar correctamente la naturaleza. .

Vladimir Sergeevich Kuzin - Miembro Correspondiente de la Academia Rusa de Educación, Dr. Ped. ciencias, profesor. En su programa, el lugar principal se le da al dibujo del natural, es decir, enseñar a ver los objetos y fenómenos tal como existen. Es el jefe del grupo de autores del programa estatal de bellas artes.

Boris Mikhailovich Nemensky - artista, maestro, laureado, premio estatal, miembro correspondiente de la Academia de Ciencias Pedagógicas. Su metodología se basa en el mundo interior del niño, en sus sentimientos, emociones, percepciones. el mundo a su alrededor a través del alma del niño. En este momento, algunas escuelas están comprometidas en su programa denominado Bellas Artes y Trabajo Artístico. Métodos de enseñanza de las bellas artes en las instituciones educativas en actualmente se desarrolla muy intensamente. Muchos desarrollos interesantes en tales autores como E. I. Kubyshkina, V. S. Kuzin, T. S. Komarova, B. M. Nemensky, E. E. Rozhkova, N. N. Rostovtsev, N. M. Sokolnikova, E. V. Shorokhov, A. S. Khvorostov, T. Ya. artes populares y decorativas. Libros de texto publicados por primera vez en años en artes visuales para primaria y secundaria.

. Perspectivas para la educación artística y la educación estética de los niños.

Natalya Mikhailovna Sokolnikova es una profesora-metodóloga moderna que ha combinado en sus obras todo lo mejor de los métodos de enseñanza de las bellas artes que han aparecido en los últimos años. Igualmente presta atención al dibujo del natural y DPI, y al desarrollo emocional de los alumnos. La educación artística de los escolares es el proceso de dominar por parte de los niños un conjunto de conocimientos, habilidades y la formación de actitudes de cosmovisión en el campo del arte y la creatividad artística. La educación artística de los escolares es el proceso de desarrollar en los niños la capacidad de sentir, comprender, evaluar, amar el arte y disfrutarlo; la educación y la educación artísticas son inseparables de alentar a los niños a la actividad artística y creativa, a la creación de valores estéticos, incluidos los artísticos. La educación estética en una escuela secundaria es un proceso decidido de formación de una personalidad creativamente activa, capaz de percibir y evaluar los fenómenos estéticos hermosos, perfectos, armoniosos y otros en la vida, la naturaleza, el arte, desde el punto de vista de una comprensión del ideal que es accesible a ella, vivir y crear “según las leyes de la belleza”. El sistema de educación artística y estética en una escuela de educación general es un proceso animado, decidido y organizado de educación, desarrollo y educación artística y estética de los niños, teniendo en cuenta la edad de los estudiantes, basado en una combinación de principios metodológicos modernos. El sistema de educación estética de los estudiantes de primaria se construye teniendo en cuenta las características psicológicas y pedagógicas de los niños relacionadas con la edad. Ya sea que estemos hablando de los requisitos para un ideal moral y estético, el gusto, los juicios estéticos que deben ser característicos de un estudiante más joven, un adolescente, un joven, o sobre la naturaleza, los géneros, los criterios para evaluar la actividad creativa (incluyendo artística y creativa), cada vez que el requisito óptimo y la solución del problema deben correlacionarse con las capacidades de edad del niño. La educación estética armoniza y desarrolla todas las capacidades espirituales de una persona, necesarias en diversas áreas de la creatividad. Está íntimamente relacionado con la educación moral, ya que la belleza actúa como una especie de regulador de las relaciones humanas. Gracias a la belleza, una persona a menudo busca intuitivamente el bien.

Educación estética, familiarizar a las personas con el tesoro de la cultura y el arte mundiales, todo esto es solo una condición necesaria para lograr el objetivo principal de la educación estética: la formación de una personalidad holística, una individualidad desarrollada creativamente, que actúa de acuerdo con las leyes de la belleza.

La educación estética se lleva a cabo en todas las etapas del desarrollo de la edad del individuo. Cuanto antes entre una persona en la esfera de la influencia estética con un propósito, más razones para esperar su efectividad. . La experiencia adquirida a través de la comunicación y la actividad forma en los niños en edad preescolar una actitud estética elemental ante la realidad y el arte.

El sistema de educación estética está llamado a enseñar a ver la belleza a nuestro alrededor, en la realidad circundante. Para que este sistema influya en el niño de la manera más efectiva y logre su objetivo, B. M. Nemensky destacó su siguiente característica: "El sistema de educación estética debe ser, en primer lugar, unificado, uniendo todas las materias, todas las actividades extracurriculares, todo el social vida del estudiante, donde cada materia, cada tipo de ocupación tiene su propia tarea clara en la formación de la cultura estética y la personalidad del estudiante. Pero cada sistema tiene un núcleo, una base en la que se basa. Podemos considerar el arte como tal base en el sistema de educación estética: música, arquitectura, escultura, pintura, danza, cine, teatro y otros tipos de creatividad artística. La razón de esto nos la dieron Platón y Hegel. Según sus puntos de vista, se convirtió en un axioma que el arte es el contenido principal de la estética como ciencia, y que la belleza es el principal fenómeno estético. El arte contiene un gran potencial para el desarrollo personal.

La belleza da placer y placer, estimula la actividad laboral, hace que conocer gente sea agradable. Lo feo repele. Lo trágico enseña compasión. El cómic ayuda a combatir las carencias.

Una de las verdaderas necesidades humanas es la necesidad de belleza como un deseo humano natural de armonía, integridad, equilibrio y orden. El hecho de que esta sea precisamente la necesidad vital de una persona se evidencia en los resultados de la investigación de los antropólogos, quienes encontraron que en una determinada etapa del desarrollo del cerebro humano, simplemente necesitaba impresiones y experiencias estéticas que contribuyeran a la formación de una percepción holística en una persona, tanto del mundo como de sí mismo. Conociendo el efecto educativo, educativo y de desarrollo de las impresiones estéticas, los sabios de la antigüedad aconsejaron rodear el crecimiento de un niño con belleza y bondad, el crecimiento de un hombre joven, con belleza y desarrollo físico, el crecimiento de la juventud, con belleza y enseñando. La belleza debe estar presente en todas las etapas de la formación de la persona, contribuyendo a su desarrollo y perfeccionamiento armónicos. De hecho, la belleza, junto con la verdad y la bondad, actúa invariablemente como parte de la tríada original de valores, que representan los fundamentos fundamentales del ser.

La misma inicial y verdadera es la necesidad humana de creatividad, de autoexpresión, de afirmación de sí mismo en el mundo introduciendo en él uno nuevo creado por él. Es la posición creativa que proporciona a la persona la estabilidad de su existencia, porque le permite responder adecuada y oportunamente a todas las situaciones nuevas en el mundo en constante cambio. La creatividad es una actividad libre a la que no se puede obligar a una persona: puede crear solo debido a una necesidad interna de creatividad, un impulso interno, que actúa como un factor más eficaz, cuya presión o coerción externa.

Aquí se encuentra que muchas de las verdaderas necesidades humanas son de naturaleza estética o incluyen un componente estético necesario. En efecto, en cuanto al retorno de la persona a su verdadera naturaleza, al verdadero ser, a la realización de sus verdaderas necesidades, no queda en último lugar la cultura estética y la educación estética que la conduce (aunque sin necesidad) y la educación estética. . Una actitud estética hacia el mundo siempre ha existido como un comportamiento global, universal y puramente humano, y una evaluación estética es la más holística, como si completara la percepción de un objeto en la plenitud de su entrega y conexión con el entorno. .

El papel de la educación estética en la formación de una posición creativa es que no sólo contribuye al desarrollo de los sentimientos, a la formación de la sensibilidad humana y a su enriquecimiento, sino que ilumina, fundamenta -racional y emocionalmente- la necesidad de una actitud creativa para el mundo. Es la educación estética la que muestra el papel de los sentimientos estéticos en la formación de la imagen del mundo y desarrolla estos sentimientos.

. La metodología como ciencia. Métodos y técnicas para la enseñanza de las bellas artes en una escuela secundaria.

La metodología es a la vez una combinación de experiencia acumulada, nuevos enfoques y la búsqueda de medios de desarrollo espiritual y emocional de los estudiantes y del propio maestro. Y luego, los métodos de enseñanza son probablemente un sistema de actividad unificada del maestro y los estudiantes para dominar una cierta parte del contenido del programa. Se realiza mediante técnicas, acciones específicas del maestro y del alumno, diversas formas de su comunicación.

Bajo el método de enseñanza, nos referimos a la forma en que el maestro trabaja con los estudiantes, con la ayuda de la cual se logra una mejor asimilación del material educativo y se incrementa el rendimiento académico. La elección de los métodos de enseñanza depende de los objetivos de aprendizaje, así como de la edad de los estudiantes. El método de enseñanza (del griego "way") es el proceso de interacción entre profesores y estudiantes, como resultado de lo cual la transferencia y asimilación de se produce el conocimiento, las destrezas y las habilidades previstas por el contenido de la formación. Recepción de capacitación (recepción de enseñanza): interacción a corto plazo entre el maestro y los estudiantes, dirigida a la transferencia y asimilación de conocimientos, habilidades y habilidades específicos. De acuerdo con la tradición establecida en la pedagogía doméstica, los métodos de enseñanza se dividen en tres grupos: - Métodos para organizar e implementar actividades educativas y cognitivas: 1. Verbal, visual, práctica (Según la fuente de presentación del material educativo). 2. Reproductiva explicativa e ilustrativa, de búsqueda, investigación, problemática, etc. (según la naturaleza de la actividad educativa y cognitiva). 3. Inductivo y deductivo (según la lógica de presentación y percepción del material educativo): - Métodos para monitorear la efectividad de la actividad educativa y cognitiva: Verificaciones orales, escritas y autoevaluaciones de la efectividad del dominio de conocimientos, habilidades y capacidades; - Métodos para estimular la actividad educativa y cognitiva: Ciertos incentivos en la formación de la motivación, sentido de la responsabilidad, obligaciones, interés por dominar conocimientos, habilidades y destrezas. En la práctica de la enseñanza, existen otros enfoques para la definición de los métodos de enseñanza, que se basan en el grado de conciencia de la percepción del material educativo: pasivo, activo, interactivo, heurístico y otros. Estas definiciones requieren una mayor aclaración, ya que el proceso de aprendizaje no puede ser pasivo y no siempre es un descubrimiento (eureka) para los estudiantes. El método pasivo es una forma de interacción entre los alumnos y el profesor, en la que el profesor es el actor principal y gestor de la lección, y los alumnos actúan como oyentes pasivos, sujetos a las directivas del profesor. La comunicación entre el maestro y los estudiantes en lecciones pasivas se lleva a cabo a través de encuestas, independientes, pruebas, pruebas, etc. Desde el punto de vista de las tecnologías pedagógicas modernas y la efectividad de los estudiantes que aprenden el material educativo, el método pasivo se considera el más ineficaz. , pero, a pesar de esto, también tiene algunas ventajas. Esta es una preparación relativamente fácil para la lección por parte del maestro y la oportunidad de presentar una cantidad relativamente grande de material educativo en el marco de tiempo limitado de la lección. Dadas estas ventajas, muchos profesores prefieren el método pasivo a otros métodos. Hay que decir que en algunos casos este enfoque funciona con éxito en manos de un profesor experimentado, sobre todo si los alumnos tienen objetivos claros encaminados a un estudio exhaustivo de la materia. La lectura es el tipo más común de lección pasiva. Este tipo de lección está muy extendida en las universidades, donde estudian adultos, personas plenamente formadas y con objetivos claros para profundizar en el tema. El método activo es una forma de interacción entre los estudiantes y el maestro, en la que el maestro y los estudiantes interactúan entre sí durante la lección y los estudiantes aquí no son oyentes pasivos, sino participantes activos en la lección. Si en una lección pasiva el profesor era el actor principal y director de la lección, aquí el profesor y los alumnos están en pie de igualdad. Si los métodos pasivos implicaban un estilo autoritario de interacción, entonces los métodos activos sugieren más un estilo democrático. Muchos entre métodos activos e interactivos ponen el signo igual, sin embargo, a pesar de la generalidad, tienen diferencias. Los métodos interactivos pueden considerarse como la forma más moderna de métodos activos Método interactivo (Interactivo ("Inter" es mutuo, "actuar" es actuar) - significa interactuar, estar en una conversación, dialogar con alguien. En otras palabras, a diferencia Los métodos activos, los interactivos se centran en una interacción más amplia de los estudiantes no solo con el profesor, sino también entre ellos y en el dominio de la actividad de los estudiantes en el proceso de aprendizaje. El lugar del profesor en las lecciones interactivas se reduce a la dirección de las actividades de los estudiantes para lograr los objetivos de la lección. El maestro también desarrolla un plan de lección (por lo general, estos son ejercicios y tareas interactivos durante los cuales el estudiante estudia el material). Por lo tanto, los componentes principales de las lecciones interactivas son ejercicios interactivos y Tareas que son realizadas por los estudiantes.. Una diferencia importante entre los ejercicios interactivos y las tareas ordinarias es que al realizarlas, los estudiantes no solo y no tanto refuerzan el material ya estudiado, cuantos aprenden uno nuevo.

. Metas y objetivos de la enseñanza de las bellas artes en una escuela secundaria

El desarrollo de una persona creativa, sus habilidades artísticas está directamente relacionado con el propósito y los objetivos de la enseñanza de la materia de arte.

Su OBJETIVO principal es familiarizar con la cultura espiritual como forma de transferir de generación en generación los valores humanos universales, con cuya percepción y reproducción se produce, en su actividad, el autodesarrollo creativo y moral de la persona, la integridad de su mundo interior se conserva. Entonces, al unirse a la cultura espiritual, una persona se une simultáneamente a su esencia natural, desarrollando sus habilidades básicas - universales: al pensamiento holístico e imaginativo; a la empatía con el mundo exterior; a la actividad creativa.

La realización de este objetivo se lleva a cabo mediante la educación estética de una persona por medio del arte y la pedagogía artística. Se basan en la educación artística y la actividad artística. Sólo en su totalidad podemos imaginar la realización de los fines de la educación estética. Estas son dos formas diferentes de desarrollar la conciencia humana, que no se reemplazan, sino que se complementan entre sí.

Los criterios para evaluar el desarrollo creativo de una persona en el campo de la educación estética se revelan de acuerdo con las tareas de formar una persona armónicamente desarrollada. Tres direcciones interrelacionadas en él: A) la preservación de la integridad moral del individuo; B) el desarrollo de su potencial creativo; C) asegurar la correlación armoniosa de las características sociales y únicas en él.

Todo esto se realiza naturalmente en la actividad artística del hombre.

El niño en su actividad cognitiva y creativa asimila, en primer lugar, su significado, asociado a una actitud emocional y valorativa ante la vida. El arte es un medio de acumulación, de concentración de esa experiencia de vida de la humanidad, que está conectada con las tareas de desarrollo del potencial moral y creativo de las personas. Por lo tanto, uno de los principales objetivos del arte es, basado en las fuerzas universales del hombre, desarrollar su ideal moral, actitudes creativas, emociones estéticas y sentimientos.

El programa de arte en la escuela prevé 4 tipos principales de trabajo: dibujo del natural, dibujo temático, dibujo decorativo, conversaciones sobre arte, que están estrechamente relacionados y se complementan entre sí para resolver las tareas establecidas por el programa.

Las tareas de las clases de arte incluyen: Desarrollar la percepción visual de los estudiantes. Desarrollar la capacidad de observar, establecer semejanzas y diferencias, clasificar objetos según su forma y textura. Cultivar habilidades estéticas y artísticas, enseñar a dibujar del natural, sobre temas, realizar ilustraciones y dibujos decorativos, desarrollar habilidades gráficas y pictóricas. Desarrollar el pensamiento mental y abstracto.

El tipo principal de dibujo es la fig. de la naturaleza un gato. conduce al desarrollo general de una persona: desarrolla la imaginación, el pensamiento mental, espacial y abstracto, el ojo, la memoria.

Curso escolar de arte. el arte tiene como objetivo:

Preparar a miembros de la sociedad completos y educados,

Educar estéticamente a los niños, desarrollar su gusto artístico.

Ayude a los niños a aprender sobre el mundo que los rodea. observación, acostumbrarse a pensar lógicamente, darse cuenta de lo que se ha visto.

Enseñar a utilizar el dibujo en actividades laborales y sociales.

Dotar a los alumnos de los conocimientos básicos del dibujo realista. Inculcar habilidades y destrezas en bellas artes, familiarizarse con los métodos técnicos básicos de trabajo.

Desarrollar las habilidades creativas y estéticas de los estudiantes, desarrollar el pensamiento espacial, la representación figurativa y la imaginación.

Familiarizar a los escolares con las obras destacadas de las bellas artes rusas y mundiales. Inculcar el interés y el amor por el arte. actividades.

El tema de los métodos de enseñanza de las bellas artes está estrechamente relacionado con disciplinas especiales y psicológicas y pedagógicas. La metodología como objeto de estudio considera las características del trabajo del docente con los estudiantes. La metodología se entiende como un conjunto de métodos racionales de formación y educación. Este es un departamento especial de pedagogía, que estudia las reglas y leyes de construcción del proceso educativo. La metodología puede ser general, considera métodos de enseñanza inherentes a todas las materias y privados - métodos y técnicas utilizados en la enseñanza de cualquier materia.

La metodología de enseñanza de las bellas artes como ciencia generaliza teóricamente la experiencia práctica, ofrece métodos de enseñanza que ya se han justificado y dan los mejores resultados. El objetivo del curso es formar las bases y la conciencia profesional y pedagógica de un profesor de bellas artes. El objetivo del curso es el conocimiento de la historia, la teoría, los métodos de la investigación científica en el campo de la enseñanza de las bellas artes, la adquisición de habilidades intelectuales y prácticas para resolver los problemas de la enseñanza de las bellas artes, sentando las bases para la formación posterior de un enfoque creativo de las actividades de un profesor de bellas artes, la formación de un interés sostenible en la profesión de profesor de bellas artes. El método de enseñanza se entiende como la forma en que el docente trabaja con los estudiantes, en la que se logra la mejor asimilación del material educativo y se incrementa el rendimiento académico.

El método de enseñanza consta de métodos de enseñanza separados: - según la fuente de adquisición del conocimiento (visual, práctico, verbal, juegos) - según el método de obtención del conocimiento (reproductivo, receptivo a la información, investigación, heurístico) - según la naturaleza de la actividad (método de organización e implementación de actividades educativas y cognitivas, el método de control y autocontrol, el método de estimular y motivar el aprendizaje) - por tipo de ocupación

Clases de bellas artes de 1 a 9 grados. La tarea de las lecciones es enseñar a dibujar de la naturaleza, sobre temas, realizar ilustraciones y dibujos decorativos, desarrollar habilidades gráficas y pictóricas. El tipo principal de dibujo en bellas artes es el dibujo de la naturaleza: desarrolla el pensamiento mental y abstracto, es un método de educación visual, le enseña a pensar, realiza observaciones deliberadamente, despierta interés en el análisis de la naturaleza, lo que prepara al estudiante para más trabajo educativo.

Dibujo temático: la imagen de los fenómenos del mundo circundante y la ilustración de obras literarias juegan un papel importante en el desarrollo de la imaginación creativa. La mayoría de los dibujos sobre el tema van acompañados de bocetos y bocetos de la naturaleza. Desarrolla el pensamiento imaginativo, la imaginación, la independencia en el trabajo, la perseverancia.

DPI está estrechamente relacionado con el dibujo de la naturaleza. En las lecciones del DPI, los niños se familiarizan con los conceptos básicos del diseño artístico, estudian la creatividad ornamental de los pueblos. El dibujo decorativo desarrolla el gusto estético y artístico, desarrolla habilidades creativas. Una característica específica de DPI es el procesamiento decorativo de formas representadas de la vida. El diseño decorativo se lleva a cabo sobre la base de ciertas reglas y leyes, cumplimiento, simetría, combinaciones de colores.

Conversación sobre arte En estas lecciones, los niños se familiarizan con la vida y el trabajo de maestros destacados, desarrollan la percepción estética, el gusto artístico, reciben conocimientos básicos del arte extranjero y ruso.

) BM Nemensky "Bellas artes y trabajo artístico" (grados 1-9) Propósito: la formación de la cultura artística entre los estudiantes, como parte integral de la cultura espiritual, creada por muchas generaciones.

Contenidos y Miércoles: una introducción a la peor cultura, incluyendo el estudio de los principales tipos de arte. artes: (pintura, gráfica, escultura), DPI (arte popular, artesanía popular, arte decorativo moderno). Se introducen tareas del juego sobre el tema, conexión con la música, historia, trabajo. Para experimentar la comunicación creativa, se introducen tareas colectivas en el programa. La práctica implica un alto nivel de formación teórica del profesor. Nemensky B. M. “Bellas artes y trabajos artísticos grados 1-9. » Las tareas establecidas por él están dirigidas al desarrollo estético de los estudiantes, aumentando el interés en las bellas artes, desarrollando la imaginación y la observación, dándose cuenta de las habilidades creativas de los estudiantes, con el objetivo de estudiar la cultura tradicional rusa. Es un curso integrado holístico que incluye todos los tipos principales: pintura, gráficos, escultura, artes decorativas populares, arquitectura, diseño, entretenimiento y artes escénicas. Incluye tres tipos de finos. actividades: constructiva (arquitectura, diseño), visual (pintura, gráfica, escultura), decorativa aplicada. El núcleo semántico del programa es el papel del arte en la vida de la sociedad. Hay una conexión con la música, la literatura, la historia, el trabajo. A los efectos de la experiencia. Se proporciona comunicación para las clases colectivas. Grado 1 “Representas, decoras, construyes” una forma lúdica y figurativa de comunión. Grado 2 - "Tú y el Arte" Grado 3 "El arte que nos rodea" familiarización con la cultura de tu pueblo. Grado 4 - "Cada nación es un artista". El diseño del programa: La primera etapa es la escuela primaria, el pedestal de todo conocimiento, la segunda etapa es la conexión de la vida con tipos y géneros de arte. La tercera etapa es el arte mundial.

) V. S. Kuzin "Bellas artes" (grados 1-9)

Finalidad: desarrollo del arte en los niños. habilidades, mal gusto, imaginación creativa, pensamiento espacial, sentimientos estéticos.

Contenido y medios: dibujo del natural, de la memoria y la imaginación de objetos y fenómenos del mundo, la creación de composiciones gráficas sobre temas, conversaciones sobre arte. Arte. El lugar principal es dibujar de la naturaleza. Kuzin y Kubyshkina: desarrollaron un libro de texto sobre bellas artes, revisado de acuerdo con los estándares educativos generales modernos y el programa de bellas artes para una escuela primaria de cuatro años. La primera parte del libro de texto se llama "Aprender a dibujar": está dedicada al aspecto práctico de la enseñanza de los escolares, los conceptos básicos de las bellas artes, el dibujo del natural, el dibujo temático, la pintura, la composición, el modelado, el trabajo decorativo, la aplicación. La segunda parte del "Mundo Mágico": a partir de ella, los escolares aprenderán sobre los tipos y géneros de las bellas artes, sobre destacados artistas rusos. Los libros de texto van acompañados de libros de trabajo para los grados 1-4, así como una guía para el maestro, que brinda breves recomendaciones sobre cómo llevar a cabo una lección.

La implementación está disponible para especialistas de varios niveles prof. preparación.

) T. Ya. Shpikalova: "Bellas artes y mal trabajo" (grados 1-6)

Objetivo: desarrollo personal basado en una cultura estética holística.

Contenido y medios: el programa se integra sobre la base del art. el arte y el peor trabajo. El contenido se construye sobre la base de conceptos de valor: persona, familia, hogar, pueblo, historia, cultura, arte. Es un enfoque integral para el desarrollo de información artística basado en el conocimiento de los estudiantes en el campo de las humanidades y las ciencias naturales. Está dirigido a dominar los conceptos básicos de la imagen artística del arte popular y las bellas artes, así como las actividades artísticas y de diseño. Para implementar este programa, es deseable tener una especialización en dirección aplicada decorativa. Shpikalova T. Ya.: el objetivo principal del programa es promover la educación de una personalidad estudiantil altamente artística, educada, la formación de los cimientos de una cultura estética holística a través del desarrollo de la memoria histórica, las habilidades creativas de las inclinaciones del niño . El equipo de autores del programa combina las bellas artes y el trabajo artístico, el arte de la palabra y el canto, a partir del arte popular, en un curso integrado. La estructura del programa no es la habitual, el contenido se revela según los tipos de arte popular. El primer bloque está dedicado a las artes y oficios populares, el segundo al arte popular oral. Folk DPI incluye las siguientes secciones del curso de formación: los conceptos básicos de la imagen artística; ornamento en el arte de los pueblos del mundo, estructura y tipos; adorno popular de Rusia, estudio creativo en el proceso de imagen; trabajo artístico sobre la base del conocimiento de la gente y DPI. El arte popular oral incluye las siguientes secciones: material educativo para escuchar; material educativo para la lectura independiente; vacaciones folklóricas. Todos los apartados del programa incluyen una lista aproximada de juegos, ejercicios y trabajos creativos artísticos y didácticos. Al maestro se le brindan grandes oportunidades para la creatividad pedagógica y artística en la preparación y realización de tales formas de trabajo de lección como lecciones de tipo generalizador, lecciones - vacaciones, como formas de trabajo en equipo, lecciones de creación de formas y experimentación. El juego es considerado como una de las técnicas metodológicas punteras en la organización del trabajo creativo de los alumnos más jóvenes en el aula. SOKOLNIKOVA El contenido del programa de Bellas Artes corresponde a los siguientes objetivos: - introducir a los escolares en el mundo de las bellas artes, desarrollando su creatividad y cultura espiritual; - dominar los conocimientos primarios sobre el mundo de las artes plásticas: bellas artes, artes decorativas y aplicadas, diseño arquitectónico; sobre las formas de su existencia en el entorno cotidiano del niño; - educación de la capacidad de respuesta emocional y cultura de la percepción de las obras de arte profesional y popular; sentimientos morales y estéticos: amor a la naturaleza originaria, a su gente, a la Patria, respeto a sus tradiciones, pasado heroico, cultura plurinacional.

Los principales principios didácticos de la enseñanza de las bellas artes en la escuela (Revelar la esencia de los principios de actividad y conciencia, el principio de accesibilidad y fuerza, los principios de educación enriquecedora, el principio de carácter científico, el principio de sistematicidad y consistencia en la enseñanza Bellas Artes)

Metodología - un conjunto de métodos de formación y educación. Enseñanza de técnicas-momentos, desde el gato. se forma el método de enseñanza. A partir de un conjunto de técnicas y métodos de enseñanza unidos por una dirección común, se forma un sistema de formación. Uso adecuadamente organizado y metódicamente competente de principios didácticos y métodos de enseñanza en lecciones de arte. el arte contribuye al aumento. eficacia de la enseñanza y la crianza. proceso: Aumenta la actividad, el interés, Desarrollo del amor por el arte, Desarrolla la reproducción. , atención, imaginación, pensamiento, memoria, habla, etc. Aprendió. conocimiento, superación. en habilidades y destrezas. Forma la capacidad de aplicar los conocimientos en la práctica.

Principios didácticos importantes en relación con la metodología del maestro. fundamentos de iso. artes en la escuela

el principio del carácter científico: la conexión entre la ciencia y el sujeto

principio de visibilidad: sustentado en la percepcion visual.

El principio de conciencia y actividad de los estudiantes.

El principio de conexión entre la teoría y la práctica

El principio de la fuerza de la asimilación del conocimiento.

El principio de sistemática y consistente

El principio de la educación enriquecedora

Forma una personalidad moral, jurídica, estética, física. cultura y vida, comunicación. Educa el desarrollo del intelecto y el individuo. Habilidades cognitivas, teniendo en cuenta los intereses de los alumnos. El principio del sistema. y siga. aprendizaje: la continuidad y conexión del nuevo material con el pasado, la expansión y profundización del conocimiento. Nueva cuenta. el material recuerda lo previamente percibido, lo aclara y lo complementa, requiere una regla estricta de no pasar a un nuevo material educativo hasta que el anterior haya sido dominado y consolidado

La esencia del principio de conciencia y actividad es el uso hábil de una variedad de técnicas que contribuyen a despertar la necesidad y el interés por dominar el conocimiento, dando al proceso educativo un carácter problemático. Para el dominio consciente y activo de los conocimientos es necesario: acostumbrar a los escolares a plantear preguntas, tanto al docente, como para respuestas y resoluciones independientes; desarrollar en los estudiantes un enfoque independiente del material que se estudia, reflexionar profundamente sobre aquellas conclusiones y conceptos teóricos, cosmovisión e ideas morales y estéticas que se encuentran en su contenido. Es imposible solucionar este problema si el docente no logra incentivar y mantener la actividad cognitiva y la conciencia de los alumnos en el proceso de aprendizaje.

La esencia del principio de sistematicidad y consistencia es garantizar la asimilación consistente por parte de los estudiantes de un determinado sistema de conocimiento en diferentes campos de la ciencia, el paso sistemático de la escolarización. Asegurar el aprendizaje sistemático y consistente requiere que los estudiantes comprendan profundamente la lógica y el sistema en el contenido del conocimiento adquirido, así como un trabajo sistemático en la repetición y generalización del material estudiado. Una de las razones comunes del fracaso de los estudiantes es la falta de un sistema en su trabajo académico, su incapacidad para ser persistentes y diligentes en el aprendizaje.

El principio de fuerza refleja la peculiaridad del aprendizaje, según el cual el dominio de los conocimientos, las habilidades, la cosmovisión y las ideas morales y estéticas se logra solo cuando, por un lado, se comprenden a fondo y, por otro lado, se entienden bien. aprendido y almacenado en la memoria durante mucho tiempo. . La fuerza del aprendizaje se logra, en primer lugar, cuando los estudiantes realizan un ciclo completo de acciones educativas y cognitivas en el proceso de aprendizaje: la percepción inicial y la comprensión del material que se estudia, su posterior comprensión más profunda, trabajaron en memorizarlo, aplicando los conocimientos adquiridos en la práctica, así como en su repetición y sistematización. Para una asimilación sólida del conocimiento, la prueba y evaluación sistemática del conocimiento de los estudiantes es de gran importancia.

La esencia del principio científico es que el contenido de la educación en la escuela debe ser científico y tener una orientación ideológica. Para implementarlo, el docente necesita: revelar profunda y concluyentemente cada posición científica del material en estudio, evitando errores, inexactitudes y memorización mecánica por parte de los estudiantes de conclusiones teóricas y generalizaciones; mostrar la importancia del material estudiado para la comprensión de los acontecimientos sociopolíticos contemporáneos y su correspondencia con los intereses y aspiraciones de las personas.

La esencia del principio de accesibilidad radica en la necesidad de tener en cuenta la edad y las características individuales de los alumnos en el proceso educativo y la inadmisibilidad de su excesiva complejidad y sobrecarga, en la que el dominio de la materia objeto de estudio puede resultar abrumador.

Hacer accesible el aprendizaje significa: correctamente, teniendo en cuenta las capacidades de la edad cognitiva de los estudiantes, determinar su contenido, la cantidad de conocimientos, habilidades prácticas y habilidades que los estudiantes de cada clase necesitan dominar en cada materia académica. Determinar correctamente el grado de complejidad teórica y la profundidad de estudio del material del programa. Determinar correctamente la cantidad de tiempo de estudio destinado al estudio de cada materia académica, teniendo en cuenta su importancia y complejidad, y asegurando su asimilación profunda y duradera. Es necesario mejorar los planes de estudio y los libros de texto. El maestro debe usar material fáctico brillante en el proceso de aprendizaje, presentarlo de manera compacta e inteligible, conectarlo con la vida y conducir hábilmente a los estudiantes a conclusiones teóricas y generalizaciones. Tener en cuenta las características individuales de actividad mental y memoria de los alumnos, así como el nivel de su preparación y desarrollo.

El principio de conexión entre teoría y práctica establece que el proceso de aprendizaje estimula a los estudiantes a utilizar los conocimientos adquiridos en la resolución de problemas, analizar y transformar la realidad circundante, desarrollando sus propios puntos de vista. Para ello se utiliza un análisis de ejemplos y situaciones de la vida real. Una de las direcciones para la implementación de este principio es la participación activa de los estudiantes en actividades socialmente útiles en la escuela y más allá.

. El principio de visualización en la enseñanza de las bellas artes. Ayudas visuales para lecciones de arte. Tipos de ayudas visuales. Requisitos para las ayudas visuales

La esencia del principio de visibilidad se debe a una serie de factores: la visibilidad del aprendizaje se deriva del hecho de que actúa para los estudiantes como un medio para conocer el mundo que les rodea, por lo que este proceso es más exitoso si se basa en observación directa y estudio de objetos, fenómenos o eventos.

El proceso cognitivo requiere la inclusión de varios órganos de percepción en la adquisición del conocimiento. Según Ushinsky, el aprendizaje visual aumenta la atención de los estudiantes, contribuye a una asimilación más profunda del conocimiento.

La visibilidad del aprendizaje se basa en las peculiaridades del pensamiento de los niños, que se desarrolla de lo concreto a lo abstracto. la visualización aumenta el interés de los estudiantes por el conocimiento y facilita el proceso de aprendizaje. Muchas disposiciones teóricas complejas con el uso hábil de la visualización se vuelven accesibles y comprensibles para los estudiantes. Las ayudas visuales incluyen: objetos y fenómenos reales en su forma natural, modelos de máquinas, maniquíes, ayudas ilustrativas (pinturas, dibujos, fotografías), ayudas gráficas (diagramas, gráficos, cuadros, tablas), diversos medios técnicos (películas educativas, educación programada, ordenadores).

Funciones de visualización: ayuda a recrear la forma, esencia del fenómeno, su estructura, conexiones, interacciones para confirmar posiciones teóricas;

ayuda a poner en un estado de actividad a todos los analizadores y los procesos mentales de sensación, percepción y representación asociados con ellos, como resultado de lo cual surge una rica base empírica para la actividad mental generalizadora y analítica de los niños y el maestro;

forma la cultura visual y auditiva de los estudiantes;

da retroalimentación al maestro: al hacer preguntas, los estudiantes pueden juzgar la asimilación del material, el movimiento de los pensamientos de los estudiantes hacia la comprensión de la esencia del fenómeno.

Tipos de visualización educativa

Modelos de materiales naturales (objetos reales, maniquíes, cuerpos geométricos, maquetas de objetos, fotografías, etc.)

Imágenes gráficas condicionales (dibujos, croquis, diagramas, gráficos, mapas, planos, diagramas, etc.)

Modelos de signos, fórmulas y ecuaciones matemáticas y químicas y otros modelos interpretados

Modelos visuales dinámicos (películas y películas de televisión, transparencias, dibujos animados, etc.)

22. La lección como principal forma de organización del proceso educativo en bellas artes en la escuela. Tipos de lecciones. La estructura de la lección de bellas artes. Tareas didácticas y educativas de la lección. Requisitos modernos para la preparación y realización de lecciones de bellas artes.

Cla ?ssno-uro ?sistema ?mi estudio ? niya: lo que prevalece en la educación moderna y la organización ubicua del proceso de aprendizaje, en el que, para realizar sesiones de capacitación, los estudiantes de la misma edad se agrupan en pequeños equipos (clases) que conservan su composición durante un período de tiempo determinado ( generalmente un año académico), y todos los estudiantes trabajan para dominar el mismo material. La principal forma de educación es la lección. Una lección es una lección dirigida por un maestro con una composición constante de estudiantes del mismo nivel de formación, unidos en un subgrupo o equipo de clase. Las lecciones se alternan, según un horario fijo, e incluyen el trabajo frontal, de brigada e individual de los escolares utilizando diferentes métodos de enseñanza. La duración de la lección en los talleres es de dos horas académicas (45 minutos cada uno).La educación, basada en el plan de estudios y el plan de organización de la educación "una clase - un año", surgió a principios del siglo XVI en Europa. Por ejemplo, la escuela urbana del reformador Johann Agricola (plan de estudios de Eisleben) (1527), desarrollada por el humanista y educador Philipp Melanchthon, el sistema de organización de las escuelas y universidades alemanas (Carta Sajona) (1528), el Gimnasio de Estrasburgo Johann Sturm (1537) , plan de estudios de Württemberg del reformador de Suabia John Brenz (1559), etc. El maestro checo Jan Amos Comenius, resumiendo la experiencia de las escuelas, colegios y universidades progresistas en Europa, desarrolló un sistema de clase-lección-asignatura contenido en su teoría del universal universal. educación y crianza. El sistema de clase-lección es actualmente parte de la educación tradicional. Habiendo cumplido su misión histórica, este sistema comienza a perder efectividad en las condiciones socioculturales y económicas modernas. Deben reconocerse las principales desventajas del sistema clase-lección-materia: la incapacidad de tener en cuenta los muchos factores sociales que afectan al niño, la imposibilidad del autodesarrollo creativo del niño, la incapacidad de absorber información e innovaciones tecnológicas, la incapacidad mantenerse al día con el ritmo de los cambios en la sociedad, y otros. La modernización más drástica del sistema de aulas (Brown, Trump, Parkhurst y otros) se basó en una selección diferente de contenidos. El rechazo más radical al sistema de súbditos, llevado a cabo por los reformadores (Kilpatrick, Linke, Decrol, etc. ), se reducía a una diferente diferenciación de contenidos. Así, no resolvieron en esencia el problema y, en el mejor de los casos, mejoraron el sistema clase-lección-asignatura en determinadas condiciones sociopolíticas y económicas. Tipos y estructura de las lecciones. La estructura de la lección es un conjunto de elementos de la lección que asegura su integridad y la preservación de las características principales de la lección en varias opciones. Elementos estructurales de la lección. I. Organización del comienzo de la lección (2 minutos). Para interesar a los niños, llame su atención sobre la lección, informe el tema y el propósito de la lección. II. Revisión de tareas (3 minutos). el nivel de material aprendido del tema anterior y preparación para la percepción de nueva información. tercero Parte principal. Aprendiendo material nuevo (20 minutos). Presentación científica, emocionante y accesible de material nuevo con la participación de los estudiantes. IV. Consolidación primaria de conocimientos (5 minutos). Puede usar tareas especiales después de explicar el nuevo material. Llevar a cabo una conversación para desarrollar habilidades y aplicar conocimientos. V. Resumen de la lección (2 minutos). Averigüe qué aprendieron los niños en la lección, qué aprendieron de nuevo y argumente la evaluación del conocimiento de los estudiantes. VI. Información sobre la tarea (3 minutos). Reportar la tarea y explicar cómo completarla. Tipos. La clasificación más común y utilizada en la práctica fue introducida por B. P. Esipov e identificó los siguientes tipos de lecciones: 1. Aprendiendo material nuevo. 2. Una lección de consolidación de conocimientos y desarrollo de habilidades y destrezas. 3. Lección de generalización y sistematización del conocimiento. 4. Lección de control y corrección de conocimientos, destrezas y habilidades de los alumnos. 5. Lección combinada o mixta. Tipo 1: Aprender material nuevo. Tipo de lección: - conferencia, - lección con elementos de conversación, - conferencia con elementos de presentación, lección, conferencia, excursión, trabajo de investigación. El propósito de la lección: el estudio de nuevos conocimientos y su consolidación primaria. Tipo 2: Lección para consolidar conocimientos y desarrollar habilidades y destrezas. Tipo de lección: - taller, - excursión - trabajo de laboratorio - juego de negocios, - lección de debate. El propósito de la lección: consolidación secundaria de los conocimientos adquiridos, desarrollo de habilidades y destrezas para su aplicación. Tipo 3: Lección de generalización y sistematización del conocimiento. Tipo de lección: - seminarios, conferencias, lección generalizada, lección de entrevista, lección de discusión, disputa. El propósito de la lección: Generalización del conocimiento de los estudiantes en el sistema. Comprobación y evaluación de los conocimientos de los alumnos. Este tipo de lección se utiliza cuando se repiten grandes secciones del material estudiado. Tipo 4: Lección de control y corrección de conocimientos, destrezas y habilidades de los alumnos. Tipo de lección: examen - prueba, Propósito de la lección: Determinar el nivel de conocimiento, habilidades y capacidades de los estudiantes e identificar la calidad del conocimiento de los estudiantes, reflejo de sus propias actividades. Tipo 5: Lección combinada o mixta. Tipo de lección: - práctica - conferencia - seminario - conferencia de control - conferencia, Propósito de la lección: Desarrollo de habilidades para la aplicación independiente del conocimiento en un complejo y transferirlos a nuevas condiciones. Estructura de la lección. I. Organizar el comienzo de la lección (2). Interesar, llamar la atención sobre la lección, comunicar el tema y el propósito de la lección. II. Comprobar hasta h (3). Un cierto nivel de material aprendido del tema anterior y preparar a los estudiantes para la percepción de nueva información (dependiendo de la forma de educación, puede no estar presente). tercero Parte principal. Aprendiendo material nuevo (20). Presentación científica, emocionante y accesible de material nuevo con la participación de los estudiantes. IV. Consolidación primaria del conocimiento (5). Puede usar tareas especiales después de explicar el nuevo material. Llevar a cabo una conversación para desarrollar habilidades y aplicar conocimientos. V. Resumen de la lección (2 minutos). Averigüe qué aprendieron los niños en la lección, qué aprendieron de nuevo y argumente la evaluación del conocimiento de los estudiantes. VI. Información sobre la tarea (3 minutos). Reportar la tarea y explicar cómo completarla.

. Tipos de actividad visual y su significado en el desarrollo mental, moral, estético, físico de los escolares. (Dibujo, modelado, aplicación, diseño)

Actividades principales:

Imagen en plano y en volumen (de la naturaleza, de la memoria y de la representación);

trabajos decorativos y constructivos;

solicitud;

modelado volumétrico-espacial;

diseño y actividad constructiva;

fotografía artística y filmación de video;

percepción de los fenómenos de la realidad y obras de arte;

discusión sobre el trabajo de los compañeros, los resultados de la creatividad colectiva y el trabajo individual en el aula;

estudio del patrimonio artístico;

selección de material ilustrativo de los temas estudiados;

escuchar obras musicales y literarias (folclóricas, clásicas, modernas).

La educación mental se centra en el desarrollo de las capacidades intelectuales de una persona, el interés por conocer el mundo que le rodea y por sí mismo.

asume:

desarrollo de la voluntad, la memoria y el pensamiento como principales condiciones de los procesos cognitivos y educativos;

formación de una cultura del trabajo educativo e intelectual;

estimular el interés por trabajar con libros y nuevas tecnologías de la información;

así como el desarrollo de cualidades personales: independencia, amplitud de miras, la capacidad de ser creativo.

Las tareas de la educación mental se resuelven mediante entrenamiento y educación, entrenamientos y ejercicios psicológicos especiales, conversaciones sobre científicos, estadistas de diferentes países, concursos y concursos, participación en el proceso de búsqueda creativa, investigación y experimentación.

La ética es la base teórica de la educación moral.

Las principales tareas de la educación ética son:

acumulación de experiencia moral y conocimiento sobre las reglas del comportamiento social (en la familia, en la calle, en la escuela y otros lugares públicos);

el uso razonable del tiempo libre y el desarrollo de las cualidades morales del individuo, como una actitud atenta y afectuosa hacia las personas; honestidad, tolerancia, modestia y delicadeza; organización, disciplina y responsabilidad, sentido del deber y el honor, respeto a la dignidad humana, cultura de diligencia y trabajo, respeto al patrimonio nacional.

En el proceso de educación moral, se utilizan ampliamente métodos como la persuasión y el ejemplo personal, el consejo, los deseos y la retroalimentación de aprobación, una evaluación positiva de las acciones y hechos, el reconocimiento público de los logros y méritos de una persona. También es recomendable realizar conversaciones y debates éticos sobre ejemplos de obras de arte y situaciones prácticas. Al mismo tiempo, el espectro de la educación moral implica tanto la censura pública como la posibilidad de castigos disciplinarios y diferidos.

El propósito de la educación estética es el desarrollo de una actitud estética hacia la realidad. La actitud estética implica la capacidad de percepción emocional de la belleza. Puede manifestarse no solo en relación con la naturaleza o una obra de arte. Por ejemplo, I. Kant creía que contemplando una obra de arte creada por la mano de un genio humano, nos sumamos a lo "bello". Sin embargo, sólo un océano embravecido o una erupción volcánica percibimos como "sublimes", que el hombre no puede crear. (Kant I. Crítica de la capacidad de juicio. M. 1994.) Gracias a la capacidad de percibir lo bello, una persona está obligada a llevar lo estético a su vida personal y a la vida de los demás, a la vida cotidiana, actividades profesionales y el panorama social. Al mismo tiempo, la educación estética debería protegernos de caer en el "esteticismo puro". En el proceso de educación estética se utilizan obras artísticas y literarias: música, arte, cine, teatro, folklore. Este proceso implica la participación en la creatividad artística, musical, literaria, organizando conferencias, conversaciones, reuniones y noches de conciertos con artistas y músicos, visitando museos y exposiciones de arte, estudiando la arquitectura de la ciudad. La organización estética del trabajo, el diseño atractivo de las aulas, auditorios e instituciones educativas, el gusto artístico, manifestado en el estilo de vestimenta de los alumnos, estudiantes y profesores, es de importancia educativa. Esto también se aplica al paisaje social de la vida cotidiana. La limpieza de las entradas, el paisajismo de las calles, el diseño original de las tiendas y oficinas pueden servir como ejemplos.

Las tareas principales de la educación física son: el desarrollo físico adecuado, el entrenamiento de las habilidades motoras y el aparato vestibular, diversos procedimientos para endurecer el cuerpo, así como la educación de la voluntad y el carácter, destinados a aumentar la capacidad de trabajo de una persona. La organización de la educación física se lleva a cabo a través de ejercicios físicos en el hogar, en la escuela, en la universidad, en las secciones deportivas. Asume la presencia de control sobre el régimen de estudios, trabajo y descanso (gimnasia y juegos al aire libre, excursiones y competiciones deportivas) y prevención médica y médica de enfermedades de la generación más joven. Para la crianza de una persona físicamente sana, es extremadamente importante observar los elementos de la rutina diaria: sueño prolongado, nutrición rica en calorías, una combinación reflexiva de varias actividades.

. Patrones de la manifestación de las habilidades creativas de los escolares en las lecciones de bellas artes. Fundamentos del trabajo de investigación en el campo de la actividad visual de los niños.

La creatividad de los estudiantes se entiende como una solución independiente de las nuevas tareas que se les asignan. En las clases de dibujo, se establecen todos los requisitos previos para el desarrollo de la creatividad. Su manifestación puede asociarse no solo a la solución de un problema de imagen complejo, como en una composición temática, sino también a la tarea monosilábica más simple, resuelta en un boceto de la naturaleza, de la memoria y la representación. Llevar al niño a la independencia de resolver un nuevo problema, a los descubrimientos es mi trabajo.

El trabajo sistemático en las artes visuales desarrolla cualidades personales tales como el pensamiento espacial, un agudo sentido del color, la vigilancia del ojo, forma las cualidades del intelecto de una persona, que son importantes, en última instancia, no solo para crear un dibujo, boceto o modelo de un objeto, sino también para cualquier especialidad que el alumno elija posteriormente. Estas cualidades incluyen, en primer lugar, la representación figurativa y el pensamiento lógico, son la condición para la creatividad en cualquier actividad humana. Estas cualidades ya se manifiestan en los niños en edad escolar primaria en sus artes visuales, las cuales se convierten en una necesidad para el desarrollo de la personalidad. En mayor medida, estas clases contribuyen a la manifestación de la individualidad del alumno, lo que crea condiciones especialmente favorables para el desarrollo de las capacidades creativas.

Al supervisar la actividad visual, debo recordar que esta no es una sesión de capacitación ordinaria, en la que simplemente aprenden algo, aprenden algo, sino una actividad artística y creativa que requiere que los niños tengan una actitud emocional positiva, el deseo de crear una imagen. , una imagen, la aplicación de este esfuerzo físico y mental. Sin esto, el éxito es imposible.

Doy gran importancia en la educación y crianza de los niños a la comunicación con la naturaleza. Es la naturaleza en toda su belleza la que inspira a las personas a crear: representar, decorar, construir.

La naturaleza dotó a los niños con la capacidad de empatizar vívida y emocionalmente con lo nuevo, de percibir el mundo de manera integral. A diferencia de los adultos, los niños no tienen las herramientas para expresar lo que sienten. Este complejo contenido ideológico y emocional del objeto al principio vive solo en el alma del niño, es "invisible", no tiene una apariencia terminada. Debe ser imaginada, es decir, debe dársele una imagen y una forma apropiadas en las que la idea se hará visible, tangible, accesible a otras personas. Para hacer esto, necesito enriquecer el arsenal de formas para que los niños se expresen, necesito darle al niño la oportunidad de aprender sobre el mundo y manipularlo.

A veces, uno se encuentra con la opinión de que un niño trabaja creativamente cuando el maestro le da total libertad para dibujar sobre temas: elegir un tema, momento, forma de imagen. Cuanto más amplia sea esta elección, más favorables se crean las condiciones para la manifestación de su iniciativa. Por ejemplo, al trabajar en una ilustración, se le indica un cuento de hadas del que puede elegir cualquier momento. O incluso más ampliamente: puede elegir cualquier cuento de hadas. Sin embargo, en estos casos no existe una tarea específica que deba estimular al niño a buscar activamente medios visuales para resolver la respuesta a la tarea visual que se le ha asignado. En otras palabras, la tarea que se le encomendó es tan amplia y ambigua que cualquier imagen puede significar que la tarea está completa. La experiencia demuestra que en estos casos los niños eligen el camino de menor resistencia. Representan lo que vieron en los dibujos de sus compañeros, en ilustraciones de libros, o lo que les dice el profesor con un dibujo en la pizarra. Pero tal ejecución del dibujo no requiere gran actividad, fuerza de voluntad, esfuerzo de memoria y otros componentes de una búsqueda genuina.

Esto significa que no todas las formas de enseñanza desarrollan habilidades creativas en los niños. La unidad de estimulación educativa y creativa debe llevarse a cabo a través de tareas que introduzcan a los estudiantes en conceptos e ideas elementales sobre la realidad y las características de la imagen en el plano, desarrollando diversas habilidades para dominar los conceptos básicos de una imagen realista. Estas tareas incluyen una variedad de ejercicios elementales. Pueden ser causados ​​por diferentes tareas educativas en el trabajo de la naturaleza, de la memoria y de la imaginación, en el trabajo decorativo. Junto con ejercicios-estudios simples a corto plazo, también incluyo tareas complejas más complejas, donde varias tareas se resuelven simultáneamente. Por otro lado, es necesaria la acotación y concreción de tareas temáticas, es decir, propongo tareas visuales específicas a los niños, que deben resolver por sí mismos. En estas condiciones, ambas líneas (la alfabetización y el desarrollo de la creatividad) se están implementando con éxito. La iniciativa del niño, su búsqueda creativa debe tener lugar en todas las tareas.

Una condición importante para el desarrollo de la imaginación creativa de los niños es el uso de diversos materiales y técnicas, así como un cambio en los tipos de actividad visual.

La construcción más efectiva del contenido de la educación es variable, porque permite el uso de un enfoque diferenciado para los estudiantes, permite que los estudiantes realicen sus habilidades de acuerdo con sus habilidades individuales.

Dominar tantas técnicas diferentes como sea posible le permite enriquecer y desarrollar el mundo interior del niño, mostrar imaginación creativa: la capacidad de crear una imagen sensual que revela el contenido interno.

Es necesario despertar en el niño un interés personal por el arte. En esto me ayudan las tareas que requieren la expresión de mi propio sentido de actitud, estado de ánimo e intención.

Las tareas creativas son de naturaleza abierta, no tienen la respuesta correcta. Hay tantas respuestas como niños. Mi papel no es solo comprender y tomar una variedad de decisiones, sino también mostrar a los niños la legitimidad de estas diferencias.

El uso de la tecnología informática permite desarrollar el interés por las bellas artes en una nueva cualidad. Para lograr los mejores resultados en el aprendizaje y desarrollo de las habilidades creativas, las tecnologías informáticas son indispensables, ya que al tener más capacidades, permiten obtener el máximo resultado al mínimo costo.

El uso de una computadora en las lecciones de arte le permite desarrollar activamente las habilidades creativas y cognitivas de cada estudiante; crea un estado de ánimo emocional que, a su vez, tiene un efecto positivo en el desarrollo de la creatividad artística.

Todos los hallazgos interesantes sobre el desarrollo de la imaginación de los niños se sistematizan para la organización de exposiciones colectivas y personales posteriores de obras infantiles.

. El docente como organizador y líder del proceso educativo en bellas artes.

Profesor de arte. desarrolla el gusto estético, el conocimiento y las habilidades artísticas, cultiva el deseo de conocimiento a la perfección para hacer que todo sea mejor y más hermoso. El maestro establece tareas educativas para el alumno, organiza sus observaciones en el proceso de construcción de una imagen de acuerdo con un determinado sistema, enseña el análisis de la naturaleza en el proceso de construcción de una imagen, indica el camino para la asimilación más rápida del material educativo, enseña para analizar, dirige la atención a las características más importantes de la estructura, supervisa cuidadosamente el trabajo del pensamiento del estudiante, guiándolo constantemente, apoyándolo. sin perder de vista su obra. Desde el primer grado, sienta las bases del conocimiento y las habilidades de una imagen realista para los estudiantes, los aleja del dibujo ingenuo y primitivo.

Después de la explicación, el maestro camina alrededor de la clase y observa el trabajo de los niños. Habiendo notado un error, llama la atención de un estudiante o varios estudiantes y explica la causa del error.

Al presentar material educativo, es necesario que todos los estudiantes comprendan el tema, mantengan la atención de los estudiantes, presenten hábilmente el tema de la lección y compliquen las tareas con el tiempo. Al enseñar a dibujar de la naturaleza, el maestro presta atención a los temas de observación, percepción y análisis de la naturaleza, ilustra las explicaciones con dibujos en la pizarra o ayudas didácticas. El dibujo pedagógico activa el trabajo, aumenta el interés: en el arte. Puede usar el método: preparación preliminar de la pizarra para la lección, delineando las dimensiones y proporciones de la imagen futura con puntos y, ya durante la lección, reproduzca rápidamente el dibujo usando estas pautas.

La planificación clara del trabajo en las lecciones garantiza la distribución de material educativo en tecnología. cuenta total. año, la intensidad de las lecciones está determinada por la cantidad de material educativo. Tal sistema permite utilizar de manera efectiva el tiempo de estudio, planificar claramente el trabajo en el programa para todo el año. Durante la lección, el maestro brinda los conceptos necesarios, revela la secuencia de presentaciones del material educativo, los métodos para usar ayudas visuales, en el resumen de la lección es necesario establecer la metodología de trabajo con la clase con tanto detalle como sea posible. posible.

. Planificación y organización de la labor docente y educativa en las bellas artes para el curso y trimestre académico. Calendario ilustrado-plan temático de lecciones de bellas artes

Las principales funciones de un profesor de bellas artes en la escuela: educativa, educativa y organizativa.

El éxito de cualquier negocio depende de su organización. La organización del proceso educativo significa la planificación de todo el material de la asignatura desde una lección hasta un año y todos los años de estudio. Para lograr conocimientos, habilidades y destrezas sistemáticos, consistentes y aceptables, es necesario planificar el trabajo con los niños a lo largo de los años. Para ello, elaboran un plan temático para el año (otro nombre es calendario-plan temático).

Formas de plan temático:

la hoja de tiempo es una tabla con secciones: clase, trimestre, número de lección, tema de la lección, tarea práctica, materiales para completar la tarea, nota;

la forma ilustrada es un mosaico de dibujos ubicados en un sistema lógico (ver Figura 1), gracias a las ilustraciones que revelan el tema de la lección, los materiales de la imagen, el nivel de dificultad de la tarea, aclara el plan temático;

la forma combinada es un sistema de tarjetas (ver Figura 2), que contienen no solo información general sobre la lección planificada, que se requiere para la planificación temática, sino parte de la información de planificación de la lección (equipo de la lección, plan de la lección, métodos de enseñanza y crianza). y técnicas).

Requisito para un plan temático de bellas artes:

Orientación moral del contenido de las clases.

Cumplimiento del material planificado con el programa.

Disponibilidad del material previsto para la edad de los niños.

Aumento constante en la complejidad de las tareas de aprendizaje, la aceptabilidad del material de las lecciones.

La presencia de conexiones entre asignaturas y entre lecciones (principio de planificación por bloques temáticos).

Cumplimiento del calendario natural y social.

Al elaborar un plan temático, tenga en cuenta lo siguiente:

) número de lecciones por año - 35;

) el número de lecciones en los trimestres: en los trimestres I y II - 8 lecciones cada uno, en el trimestre III - 12 lecciones, en el trimestre IV - 7 lecciones.

) plazos de los trimestres académicos: I trimestre: 1 de septiembre - 5 de noviembre; II trimestre: 10 de noviembre - 30 de diciembre; III trimestre: 12 de enero - 22 de marzo; IV trimestre: 1 de abril - 30 de mayo.

La creatividad del docente encuentra expresión, en primer lugar, en la lógica de construir bloques de lecciones a partir de los temas de lecciones propuestos por programas.

Por ejemplo: El bloque de bellas artes sobre el tema "Fiesta popular" puede incluir lecciones con los siguientes temas:

"Paisaje de la tierra natal" (dibujo temático).

"Características de la decoración de la vivienda nacional y vestimenta de los pueblos que viven en el territorio de la región" (una conversación con bocetos de elementos de la decoración de la casa y la vestimenta).

"Bodegón decorativo", compuesto por elementos del hogar (dibujo del natural).

"Bocetos de la figura humana en movimiento de la naturaleza".

"Fiestas festivas populares" ("Feria") (trabajo individual, grupal o colectivo en un panel temático) Los requisitos modernos para la gestión de una institución educativa requieren enfoques competentes para la organización del proceso educativo por parte del cuerpo administrativo y pedagógico. El plan de estudios es un documento normativo que determina: 1) el contenido de los conocimientos y habilidades básicos en cada materia académica; 2) la lógica y secuencia de los temas de estudio; 3) la cantidad total de tiempo para estudiar ciertos temas. Los planes de estudios se dividen en varios tipos principales: 1) programas estándar; 2) programas de trabajo; 3) programas de derechos de autor. A nivel de una institución educativa, se han desarrollado enfoques unificados para el desarrollo y diseño de programas de trabajo para docentes. Programa de trabajo de cursos de formación y disciplinas. El programa de trabajo es un documento normativo y de gestión de una institución educativa que caracteriza el sistema para organizar las actividades educativas de un maestro. Los principales documentos que determinan los requisitos para el nivel de formación de los estudiantes y el contenido mínimo de la educación son: el estándar educativo estatal (componentes federal y nacional-regional); el plan de estudios básico de las escuelas en la Federación Rusa, incluida la distribución de la contenido de la educación por áreas educativas, disciplinas académicas, programas educativos estándar (ejemplares) para cada disciplina académica del plan de estudios básico. La peculiaridad del programa de trabajo radica en el hecho de que está creado para una institución educativa específica (específica), y la individualidad radica en el hecho de que lo desarrolla un maestro para su actividad. Por lo tanto, el programa de trabajo del maestro debe mostrar cómo, teniendo en cuenta las condiciones específicas, las necesidades educativas y las características del desarrollo de los estudiantes, el maestro crea un modelo pedagógico de educación individual basado en los estándares estatales. El programa de trabajo de una asignatura es una herramienta individual del profesor que proporciona el contenido, las formas, los métodos y las técnicas más óptimos y efectivos para organizar el proceso educativo de una clase en particular con el fin de obtener un resultado que cumpla con los requisitos de la norma. Plan temático Para el docente, la planificación temática es el documento principal de la actividad. Se compila durante un cierto período de tiempo, pero más a menudo durante un año. El objetivo principal de este documento es planificar la actividad lectiva del profesor. La planificación se presenta con mayor frecuencia en forma de tabla, que tiene varios elementos obligatorios: número de lección, tema de la lección, propósito y objetivos de la lección, contenido de la lección, material adicional, tarea. El plan temático también debe indicar: - Control, laboratorio, trabajo práctico (número), lista de excursiones - Requisitos para el nivel de preparación de los estudiantes para cada tema (conocimientos, habilidades), etc. Requisitos generales para la planificación: cumplimiento de los contenido de los programas;

cumplimiento del volumen de horas incluidas en el programa, plan de estudios;

alternancia de tipos de ocupaciones;

cumplimiento de los acontecimientos de la vida de la sociedad y de los estudiantes;

cumplimiento de los principios de la didáctica. El esquema del plan debe reflejar los siguientes puntos:

§ el lugar de la lección en el sistema de clases; tema de la lección; la clase en la que se lleva a cabo; los objetivos de la educación, el desarrollo y la crianza; el tipo de lección; ayudas didácticas (incluido el software); la estructura de la lección, indicando la secuencia de sus etapas y la distribución aproximada del tiempo; el contenido del material educativo; el sistema de ejercicios y tareas para la organización de las actividades de los estudiantes; métodos de enseñanza en cada etapa de la lección; formas de organización de las actividades educativas de los estudiantes; tareas para el hogar.

Tema de la lección: Clase: Objetivos: educativo - Tipo de lección: Herramientas didácticas:

educativo: dominar el concepto ..., desarrollar habilidades ..., desarrollar habilidades de aplicación ..., generalizar y sistematizar el conocimiento sobre ...

educativo - educación de moralidad, actividad, diligencia, ...

desarrollo: el desarrollo de un estilo algorítmico de pensamiento, combinatorio ...

Tipos de lecciones:

una lección en el estudio y consolidación primaria de nuevos conocimientos una lección en la formación de habilidades

una lección sobre la aplicación de conocimientos, destrezas y habilidades una lección sobre la generalización y sistematización del conocimiento

lección de control y corrección de conocimientos, lección combinada de habilidades

. Dibujo pedagógico en las clases de bellas artes en la escuela. Tipos de dibujo pedagógico. Requisitos para la implementación de dibujos pedagógicos.

Lo principal en el dibujo pedagógico es la concisión de la imagen, su simplicidad y claridad. Los dibujos en la pizarra deben transmitir el punto principal del maestro, omitiendo todo lo incidental y secundario. En las clases de dibujo, la visualización del aprendizaje es primordial, siendo uno de los principales medios de información sobre el material que se está estudiando. Según la impresión visual recibida durante el examen, acompañada de una explicación del maestro, los estudiantes obtienen una imagen completa del material que se está estudiando, es más fácil para ellos comprender, comprender y recordar lo principal en el tema de la lección.

Métodos de enseñanza visuales

El dibujo en la pizarra ayuda a comprender lo que se ve, afecta el desarrollo mental del niño, la corrección de sus juicios.

Se necesita un boceto de un maestro en los márgenes del dibujo de un estudiante si se ve un error en el dibujo en uno o dos estudiantes y no tiene sentido desviar la atención de toda la clase.

Corregir errores en el dibujo de un estudiante por la mano del maestro es de gran importancia educativa. Al ver al maestro trabajar en su álbum, el estudiante recuerda todos los detalles de este proceso y luego trata de hacer lo que dijo el maestro.

La demostración de dibujos de artistas destacados jugará un papel importante en el aprendizaje, porque el estudiante, al mirar un dibujo hecho por la mano de un gran maestro, ve qué expresividad se puede lograr dibujando con un lápiz común. .

El principio de visibilidad requiere tal presentación del material (educativo) en la que los conceptos e ideas de los estudiantes se vuelven más claros y específicos. La atención principal en la enseñanza del dibujo de la naturaleza se dirige a la imagen correcta de la naturaleza, a la transmisión correcta de los fenómenos de perspectiva, las características del claroscuro y los diseños de objetos. Para facilitar estas tareas básicas, es deseable instalar modelos especiales (hechos de alambre y cartón) junto a la naturaleza, para que el pintor pueda ver claramente y comprender claramente este o aquel fenómeno, comprender el diseño de la forma del objeto, su rasgos característicos.

Las principales ayudas visuales utilizadas para extraer lecciones de la vida:

dibujos esquemáticos y tablas;

moldes de esculturas clásicas, modelos de alambre;

modelos y dispositivos especiales para demostrar perspectiva y claroscuro;

dibujos y tablas de la secuencia metódica del trabajo sobre la imagen;

reproducciones de pinturas y dibujos de maestros;

películas que revelan la técnica del trabajo con lápiz y pincel;

dispositivos especiales - "Rueda de colores" y "Círculo de tonos" para el desarrollo del sentido del color y el tono de los niños.

. La visibilidad como medio de activación de la actividad visual de los escolares

El principio de visibilidad radica en la percepción visual de un objeto en cualquier tipo de clase de dibujo: dibujo del natural, dibujo sobre temas, DPI, conversaciones sobre arte.

Dibujar de la naturaleza es un método de aprendizaje visual. Consideramos la visualización en la enseñanza del dibujo de la naturaleza como el principal medio de enseñanza.

El mejor medio de aprendizaje visual es el dibujo del maestro en la pizarra, en una hoja de papel o en los márgenes del trabajo del alumno. Ayuda a comprender lo que vio, afecta la corrección del trabajo. Lo principal es la concisión de la imagen, la simplicidad y la claridad.

La visualización es más eficaz que la explicación verbal. Ya. A. Comenius proclamó el principio de visualización como la "regla de oro de la didáctica". Las tablas metódicas revelan claramente la secuencia y las características de la ejecución del dibujo, las posibilidades de la técnica de ejecución, por qué medios lograr la expresividad emocional.

De gran importancia educativa y educativa es la demostración de ilustraciones de pinturas de artistas destacados de manuales metodológicos, en cuyos ejemplos puede mostrar claramente cómo analizar la naturaleza,

Al dibujar de la naturaleza, se presta la atención principal a su correcta transmisión. Para facilitar la tarea, es deseable instalar modelos especiales junto a la naturaleza para comprender el diseño de la forma del objeto y sus rasgos característicos. Visualización: diagramas, dibujos, tablas, modelos de yeso, modelos de alambre, plexiglás y cartón ayudan al alumno a ver correctamente la forma, la estructura, el color y la textura. La secuencia sobre la imagen debe considerarse como la revelación de tareas de aprendizaje específicas.

. Problema de aprendizaje. Métodos de aprendizaje de problemas. Tipos de lecciones

Dependiendo del propósito, de la tarea de la escuela, la enseñanza puede ser problemática o no problemática. .

Las principales funciones del aprendizaje basado en problemas. Sobre la base de la tarea de la escuela de educación general y sobre la base de las conclusiones de la comparación del tipo de educación tradicional con la basada en problemas, es posible formular las funciones principales del aprendizaje basado en problemas. Se pueden dividir en generales y especiales. Se pueden señalar las siguientes funciones generales del aprendizaje basado en problemas: la asimilación por parte de los estudiantes de un sistema de conocimientos y métodos de actividad mental y práctica, el desarrollo del intelecto de los estudiantes, es decir, su independencia cognitiva y habilidades creativas, la formación del pensamiento dialéctico de los escolares, la formación de una personalidad integralmente desarrollada. Además, el aprendizaje basado en problemas también tiene las siguientes funciones: el desarrollo de habilidades para la asimilación creativa del conocimiento (el uso de un sistema de técnicas lógicas o métodos individuales de actividad creativa), el desarrollo de habilidades para la aplicación creativa del conocimiento (la aplicación de los conocimientos adquiridos en una nueva situación) y la capacidad de resolver problemas educativos, la formación y acumulación de experiencia actividad creativa (dominio de los métodos de investigación científica, resolución de problemas prácticos y reflexión artística de la realidad), la formación de motivos de aprendizaje , necesidades sociales, morales y cognitivas.

El método de presentación del monólogo. El maestro informa los hechos en una secuencia determinada, les da la explicación necesaria, demuestra experimentos para confirmarlos. El uso de ayudas visuales y ayudas técnicas para la enseñanza se acompaña de un texto explicativo. El docente revela solo aquellas conexiones entre fenómenos y conceptos que se requieren para comprender este material, introduciéndolos en el orden de la información. La alternancia de hechos se construye en una secuencia lógica, sin embargo, en el curso de presentar la atención de los estudiantes al análisis de las relaciones de causa y efecto, no se especifica. Los hechos "a favor" y "en contra" no se dan, las conclusiones finales correctas se informan de inmediato. Si se crean situaciones problemáticas, solo para atraer la atención de los estudiantes, para interesarlos. Para crear una situación problemática, el maestro generalmente solo cambia el orden de los hechos informados, demostraciones, experimentos, muestra ayudas visuales y, como elementos de contenido adicionales, usa hechos interesantes de la historia del desarrollo del concepto en estudio o hechos que hablan de la aplicación práctica de los conocimientos adquiridos en ciencia y tecnología. El papel del alumno al utilizar este método es más bien pasivo, el nivel de independencia cognitiva necesario para trabajar con este método es bajo.

Razonamiento método de enseñanza. Si el maestro tiene como objetivo mostrar un ejemplo del estudio de la formulación y solución de un problema holístico, entonces usa el método de razonamiento. Al mismo tiempo, el material se divide en partes, el maestro para cada etapa proporciona un sistema de preguntas retóricas de naturaleza problemática para atraer a los estudiantes a un análisis mental de las situaciones problemáticas, expone las contradicciones objetivas del contenido, pero él mismo resuelve oraciones de tipo narrativo e interrogativo, no se plantean preguntas informativas (es decir, tales preguntas, cuya respuesta es necesaria para reproducir el conocimiento ya conocido, dar información sobre el conocimiento conocido), la narración se lleva a cabo en forma de conferencia. El método de reestructuración del material para el trabajo por este método difiere principalmente en que se introduce un sistema de preguntas retóricas en el contenido como un elemento estructural adicional. El orden de los hechos relatados se elige de tal manera que las contradicciones objetivas del contenido se presentan especialmente enfatizadas, convexas, despiertan el interés cognitivo de los estudiantes y el deseo de resolverlas. . Habiendo elegido el método de enseñanza del razonamiento, el maestro, en el proceso de organizar el proceso de asimilación, utiliza el método de enseñanza explicativo, cuya esencia es que "incluye la comunicación del maestro de los hechos de esta ciencia, su descripción y explicación , es decir, revela la esencia de nuevos conceptos con la ayuda de palabras, visualización y acción práctica".

Método dialógico de presentación. Si el docente se propone la tarea de involucrar a los estudiantes en la participación directa en la implementación de un método para resolver un problema con el fin de activarlos, aumentar su interés cognitivo, llamar la atención sobre lo que ya se sabe en el nuevo material, él, utilizando el misma construcción de contenidos, complementa su estructura con preguntas de información, respuestas dadas por los estudiantes. El uso del método dialógico de enseñanza proporciona un mayor nivel de actividad cognitiva de los estudiantes en el proceso de aprendizaje, ya que están directamente involucrados en la solución del problema bajo el control cruel del maestro.

Método heurístico de presentación. Se utiliza el método heurístico donde el docente tiene como objetivo enseñar a los estudiantes los elementos individuales de resolución de problemas, para organizar una búsqueda parcial de nuevos conocimientos y formas de acción. Usando el método heurístico, el maestro aplica la misma construcción de material educativo que en el método dialógico, pero complementa un poco su estructura al establecer tareas cognitivas y asignaciones para los estudiantes en cada etapa individual de la resolución de un problema educativo. Por lo tanto, la forma de implementación de este método es una combinación de conversación heurística con la solución de tareas y asignaciones problemáticas. La esencia del método heurístico es que el descubrimiento de una nueva ley, regla, etc. no lo hace el profesor con la participación de los alumnos, sino los propios alumnos bajo la guía y con la ayuda del profesor.

método de investigación. El concepto de método de investigación fue revelado más completamente por I. Ya. Lerner, quien se refirió al método de investigación como un método que organiza el proceso de asimilación “resolviendo problemas y tareas problemáticas. Su esencia es que el maestro construye un sistema metodológico de problemas y tareas problemáticas, lo adapta a una situación específica del proceso educativo, lo presenta a los estudiantes, gestionando así sus actividades de aprendizaje, y los estudiantes, resolviendo problemas, proporcionan un cambio en la estructura. y nivel de actividad mental, dominando gradualmente el procedimiento de la creatividad, y al mismo tiempo asimilan creativamente los métodos de cognición. Al realizar una lección utilizando el método de investigación, se usa nuevamente la misma construcción del material y se toman los elementos de la estructura del método heurístico y el orden de las preguntas, instrucciones y tareas. Si en el proceso de implementación del método heurístico estas preguntas, instrucciones y tareas son de carácter proactivo, es decir, se plantean antes de resolver el subproblema que conforma el contenido de esta etapa, o en el proceso de resolverlo y cumple una función orientadora en el proceso de solución, luego en el caso de utilizar el método de investigación, las preguntas se plantean al final de la etapa, luego de que la mayoría de los estudiantes hayan resuelto el subproblema.

Método de tareas programadas. El método de tareas programadas es la puesta por parte del profesor de un sistema de tareas programadas. El nivel de efectividad del ejercicio está determinado por la presencia de situaciones problemáticas y la posibilidad de formulación y solución independiente de problemas. La aplicación de las tareas programadas es la siguiente: cada tarea consta de elementos de marco individuales; un cuadro contiene parte del material estudiado, formulado en forma de preguntas y respuestas, o en forma de presentación de nuevas tareas, o en forma de ejercicios. Como resultado del trabajo realizado, podemos concluir que en esta etapa del desarrollo humano, el aprendizaje basado en problemas es simplemente necesario, ya que el aprendizaje basado en problemas forma una personalidad creativa armónicamente desarrollada capaz de pensar lógicamente, encontrando soluciones en diversas situaciones problemáticas. , capaz de sistematizar y acumular conocimientos, capaz de una alta introspección, autodesarrollo y autocorrección.

educacion artistica bellas artes

30. Métodos de enseñanza de las artes plásticas en los diferentes niveles de la educación escolar (Continuidad de las instituciones educativas de preescolar y primaria, primaria y secundaria, medio y superior de secundaria)

La orientación intencional y coordinada de la actividad visual del niño, teniendo en cuenta tanto el desarrollo artístico anterior como el posterior, es una condición necesaria para una educación estética exitosa.

La observancia de la continuidad en la enseñanza de las bellas artes a los niños determina una definición clara de la cantidad de conocimientos, destrezas y habilidades que los estudiantes más jóvenes deben dominar en lecciones separadas, sobre temas separados, secciones a lo largo del año escolar en función de la cantidad de conocimientos, destrezas y habilidades. que recibieron clases de arte en el jardín de infantes o en la familia. Debe prestarse especial atención a la definición de vínculos específicos entre las principales formas de organización de la enseñanza de las bellas artes a los niños en edad preescolar y primaria.

Las escuelas y los jardines de infancia tienen metas y objetivos comunes al enseñar a los niños los conceptos básicos de la alfabetización visual. Continuidad del contenido de las clases de artes visuales en los grupos mayores de jardín de infantes y primaria:

El jardín de infancia imparte regularmente clases de dibujo, modelado, aplicación y diseño. La escuela tiene clases de arte. La escultura, aplicación y diseño en los grados primarios se realizan en las lecciones de formación laboral. El programa de bellas artes para los grados I-III señala la necesidad de armonizar las tareas y el contenido de estas lecciones. 2. Los tipos de dibujo en los grupos mayores del jardín de infantes y en los grados primarios de la escuela son los mismos. Sólo hay algunas diferencias en sus nombres.

En los programas de jardín de infancia y primaria se coordinan las destrezas y habilidades necesarias para la actividad visual del niño. 4. Un análisis de las tareas específicas de los programas de los grupos mayores del jardín de infantes nos permite concluir que un niño que ingresa a la escuela desde un jardín de infantes está completamente preparado para pasar con éxito el material educativo, para seguir elaborando composiciones creativas, ilustraciones, patrones. Está preparado para la percepción y el estudio posterior de la forma, el espacio, los patrones de la ciencia del color y la composición. Por lo tanto, las tareas previstas por los programas, las tareas ejemplares y el contenido de los conocimientos, habilidades y destrezas en bellas artes en el jardín de infantes y en los grados primarios, el desarrollo general de un niño de seis a siete años permiten garantizar la continuidad. en las bellas artes de preescolares y escolares menores. Sin embargo, esto requiere que se cumplan las siguientes condiciones:

Obligatoriedad de la consideración por parte del maestro de primaria de la formación en dibujo que el niño recibe en el jardín de infancia, teniendo en cuenta el nivel de desarrollo de sus capacidades artísticas y creativas y susceptibilidad estética. 2. La orientación del maestro de escuela primaria hacia la mayor consolidación y desarrollo de las ideas e impresiones de los niños acumuladas por ellos en edad preescolar. 3. Orientación del maestro para hacer converger los métodos de enseñanza de las bellas artes a los niños en los grados primarios con los métodos de enseñanza del dibujo a los niños en el jardín de infancia. 4. Uso generalizado en las clases primarias de diversos materiales visuales: lápices, acuarelas, gouache, crayones, sanguina, pasteles, rotuladores, tinta, papel teñido de colores. El uso de todos estos medios permitirá desarrollar con mayor éxito el gusto estético, la comprensión de la belleza, la independencia creativa y la imaginación en los niños, especialmente porque todos estos materiales se recomiendan ampliamente en los jardines de infancia y los niños los usan con placer.

Por lo tanto, la estricta observancia de las tareas educativas previstas por el programa de educación en el jardín de infantes y el programa de bellas artes en los grados primarios garantizará la continuidad en la actividad visual de los preescolares y los escolares menores, que es una condición necesaria para el desarrollo mental de los niños, la formación de su actitud emocional y estética ante la realidad. El principio de continuidad implica que las actividades educativas, especialmente en la etapa inicial, se realicen bajo la supervisión directa de la administración. Resolviendo el problema de la sucesión, el trabajo se lleva a cabo en tres direcciones:

. trabajo metodológico conjunto de docentes de primaria y de asignaturas en el nivel medio;

. trabajar con estudiantes;

. trabajar con los padres.

La continuidad entre la escuela primaria y el 5to grado sugiere las siguientes áreas:

. programas educativos;

. organización del proceso educativo;

. requisitos de uniforme para estudiantes;

. estructura de la lección.

Propongo un plan de trabajo para la continuidad entre la educación primaria y la educación general básica, que se viene aplicando con éxito en nuestra escuela desde hace varios años. El plan de trabajo se complementa con anexos.

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METODOLOGÍA DE LA ENSEÑANZA DE LAS BELLAS ARTES

Curso corto de conferencias.

Kémerovo 2015

Esta publicación es una ayuda didáctica para prepararse para el examen estatal interdisciplinario en el módulo profesional "Actividad pedagógica" e incluye un breve curso de conferencias sobre la historia de los métodos de enseñanza de bellas artes, teoría y metodología para organizar una lección de bellas artes modernas.

Está destinado a estudiantes de la dirección de formación de especialistas en las especialidades 54.02.05 "Pintura: pintura de caballete", 54.02.01 "Diseño en la cultura y el arte", 54.02.02 "DPI y artesanía popular: cerámica artística"

Compilado por: A.M. Osipov, director artístico,

profesor GOU SPO "KOHK",

E.O. Shcherbakova, metodóloga de la Institución Educativa Estatal SPO "KOHK".

Subdirector de I+D T.V. Semenets

Escuela Regional de Arte de Kemerovo, 2015

Tema 1. Fines y objetivos de la educación artística y pedagógica……………………...……....4

Tema 2. Métodos de enseñanza de las bellas artes como materia de estudio……………6

Tema 3. Métodos de enseñanza del dibujo en el Mundo Antiguo y la Edad Media………………..…………..8

Tema 4. El valor de las disposiciones metodológicas del arte del Renacimiento………………..……11

Tema 5. Modelos de educación artística de la Nueva Era en Europa Occidental………….14

Tema 6. Formación de la escuela nacional de pedagogía del arte en los siglos XVIII–XIX….…18

Tema 7. Sistema académico de educación artística en Rusia. ………………...……22

Tema 8. Métodos de enseñanza del dibujo en la escuela soviética………………………………………………25

Tema 9. Análisis del programa de B.M. Nemensky “Bellas Artes

y obra artística”……………………………………..……………………………………………….28

Tema 10. Currículos y programas………………………………………….…………………………31

Tema 11

Tema 12. La lección como principal forma de organización del proceso educativo………………..……………….36

Tema 13. Formas metódicas de completar la lección. ……………...………………………………..39

Tema 14. Las principales disposiciones metodológicas para realizar actividades visuales con preescolares 42

Tema 15

Tema 16

Tema 17

Tema 18

Tema 19. Clases-conversaciones sobre la historia de las bellas artes y la metodología para su realización...

Tema 20. El papel de los materiales visuales en el proceso de enseñanza de las bellas artes 55

Lista de literatura utilizada…………………………………………………………………………………….58

El maestro de bellas artes debe ser competente en alfabetización visual, cuyos conceptos básicos enseña, debe poder explicar metódicamente correctamente y mostrar claramente el proceso de representación de un objeto, una técnica particular, las reglas para trabajar con un lápiz o pincel. . La práctica muestra que si el maestro mismo está poco versado en bellas artes, dibuja mal, no sabe cómo conectar los patrones de perspectiva, la ciencia del color, la composición con la práctica del dibujo, entonces sus alumnos no tienen este conocimiento y habilidades.

Las visitas sistemáticas del docente a exposiciones de arte y talleres de artistas, museos, comunicación con la intelectualidad artística, lectura regular de libros y revistas sobre bellas artes, el trabajo creativo es una condición necesaria para mejorar el nivel científico, teórico y profesional del docente.

El método de enseñanza de las bellas artes como ciencia generaliza teóricamente la experiencia práctica, formula las leyes y reglas de la enseñanza, destaca la tecnología de los métodos más efectivos y los ofrece para su implementación. La metodología se basa en los datos científicos de la pedagogía, la psicología, la estética y la historia del arte.

Por supuesto, en el proceso vivo de la enseñanza, cada maestro desarrolla su propia metodología de trabajo, pero debe construirse de acuerdo con las metas y objetivos generales de la enseñanza moderna de las bellas artes, que no se desarrollaron inmediatamente, antes de que la metodología fuera a través de un difícil camino de desarrollo.

La metodología de enseñanza de las bellas artes como ciencia resume la experiencia práctica, ofrece métodos de enseñanza que ya se han justificado y dan los mejores resultados.

La metodología de la enseñanza de las bellas artes es una ciencia viva, en desarrollo, que absorbe todas las innovaciones. Pero para que las nuevas tecnologías se implementen con éxito en la práctica, es necesario conocer la experiencia histórica y las direcciones para el desarrollo de la enseñanza de las artes plásticas.

BLOQUE 2. PRINCIPIOS PEDAGÓGICOS EN DIFERENTES ESCUELAS

La era de la antigua Grecia fue la era más brillante en la historia del desarrollo de las bellas artes del mundo antiguo. El valor de las bellas artes griegas es extremadamente grande. Aquí se estableció el método de comprensión científica del arte. Los artistas-educadores griegos instaron a sus alumnos y seguidores a estudiar directamente la naturaleza, observar su belleza e indicar qué es. En su opinión, la belleza consistía en la correcta proporción proporcional de las partes, cuyo ejemplo perfecto es la figura humana. Decían que la regularidad proporcional del cuerpo humano en su unidad crea la armonía de la belleza. El principio fundamental de los sofistas era: "El hombre es la medida de todas las cosas". Esta posición formó la base de todo el arte de la Antigua Grecia.

Métodos de enseñanza del dibujo en la antigua Roma. Los romanos eran muy aficionados a las bellas artes, especialmente a las obras de los artistas griegos. El arte del retrato se está generalizando, pero los romanos no aportaron nada nuevo a la metodología y al sistema de enseñanza, y continuaron utilizando los logros de los artistas griegos. Además, perdieron muchas provisiones valiosas del dibujo, al no poder salvarlas. Los artistas de Roma en su mayoría copiaron las obras de los artistas de Grecia. El escenario de la enseñanza era diferente al de las escuelas griegas.

La sociedad romana requería un gran número de artesanos para decorar locales, edificios públicos, el periodo de formación era corto. Por lo tanto, el método de enseñanza del dibujo no era científico, el dibujo se volvió condicional y esquemático. A la hora de enseñar dibujo, copiando de muestras, prevalecía la repetición mecánica de los métodos de trabajo, lo que a su vez obligó a los artistas-maestros romanos a alejarse cada vez más de los métodos de enseñanza utilizados por los artistas-maestros de Grecia. Muchos nobles nobles y patricios se dedicaban al dibujo y la pintura (por ejemplo, Fabius Pictor, Pedius, Julius Caesar, Nero, etc.). En la técnica del dibujo, los romanos primero comenzaron a utilizar la sanguina como material de dibujo.

El papel de la cultura antigua en el desarrollo del arte realista, en la formación y desarrollo del sistema académico de enseñanza del dibujo es excelente. Todavía hoy nos inspira a buscar métodos más efectivos para enseñar bellas artes, para desarrollar científicamente métodos para enseñar dibujo.

El dibujo en la Edad Media. En la Edad Media, los logros del arte realista fueron relegados al olvido. Los artistas no conocían los principios de construcción de una imagen en un plano, que se usaban en la antigua Grecia. La base del entrenamiento es la copia mecánica de muestras y no el dibujo de la vida.

Los pintores de los primeros siglos del cristianismo todavía utilizaban las formas artísticas de la pintura antigua. En poco tiempo, las tradiciones del arte realista se olvidaron y se perdieron, el dibujo se volvió condicional y esquemático. Perecieron los manuscritos: las obras teóricas de grandes artistas, así como muchas obras famosas que podrían servir como modelos. No se practicaba el estudio de la naturaleza y la naturaleza en el sentido académico, ya que la naturaleza realista evocaba un sentimiento “terrenal”, que en esta época fue reemplazado por búsquedas espirituales. Los artistas medievales no trabajaron a partir de la naturaleza, sino de acuerdo con muestras que se cosieron en cuadernos, eran bocetos de contorno de composiciones de varios temas de la iglesia, figuras individuales, motivos de cortinas, etc. Se guiaron tanto por pinturas murales como por pinturas de caballete. El dibujo lo enseñaba un maestro que no seguía un sistema estricto ni unos métodos de enseñanza claros. La mayoría de los estudiantes estudiaron por su cuenta, observando de cerca el trabajo del maestro.

Preisler pone la geometría en la base de la enseñanza del dibujo. La geometría ayuda al dibujante a ver y comprender la forma de un objeto, y cuando se representa en un plano, facilita el proceso de construcción. Sin embargo, advierte Preisler, el uso de figuras geométricas debe combinarse con el conocimiento de las reglas y leyes de la perspectiva y la anatomía plástica.

El manual de Preisler fue muy apreciado por sus contemporáneos, fue reimpreso varias veces tanto en el extranjero como en Rusia. No hubo un desarrollo metodológico más detallado y claro sobre el dibujo educativo en ese momento, por lo que el trabajo de Preisler en Rusia se utilizó durante mucho tiempo no solo en instituciones educativas generales, sino también en escuelas de arte especiales.

Por supuesto, hoy en día se pueden encontrar fallas en el libro de Preisler, pero en aras de la verdad histórica, se debe señalar que para su época fue la mejor guía. El conocimiento que el estudiante recibió sobre la base de estudiar el curso de Preisler lo ayudó a dibujar de la vida en el futuro, así como a dibujar de la memoria y la imaginación, que es tan importante para el artista.

En 1834 la primera libro de texto de AP Sapozhnikov - una publicación fatídica para el arte ruso. El curso de dibujo de A. P. Sapozhnikov comienza con un conocimiento de varias líneas, luego te presenta los ángulos, después de lo cual domina varias formas geométricas. Antes de comenzar a dibujar objetos tridimensionales, Sapozhnikov sugiere demostrar la ley de la perspectiva a los estudiantes utilizando modelos especiales, nuevamente comenzando con líneas, luego pasando a varias superficies y, finalmente, a cuerpos geométricos. Luego viene un conocimiento de las leyes del claroscuro, también con la ayuda de mostrar modelos. Cuando se domina bien el dibujo de cuerpos geométricos simples, Sapozhnikov sugiere pasar al dibujo de cuerpos complejos: primero, se dan grupos de cuerpos geométricos, luego las tareas aumentan gradualmente en complejidad hasta dibujar cabezas de yeso. Para mostrar la construcción de la cabeza humana, el autor propone utilizar un modelo de alambre hecho especialmente por él, que debe estar siempre cerca de la cabeza de yeso, en un giro y posición similar.

El valor del método de Sapozhnikov radica en el hecho de que se basa en dibujar de la naturaleza, y esto no es solo una copia de la naturaleza, sino un análisis de la forma. Sapozhnikov se fijó como objetivo enseñar a aquellos que dibujan de la vida a pensar, analizar, razonar.

Los aspectos positivos de los métodos de enseñanza de A.P. Sapozhnikov no han perdido su importancia en nuestro tiempo, son utilizados por metodólogos domésticos. Conciso y simple de forma militar, el sistema formó la base de los métodos de la escuela soviética y se convirtió en el estatal.

Al estudiar la historia de las técnicas de dibujo, debe familiarizarse con la obra de G. A. Gippius . En 1844 publicó la obra "Ensayos sobre la teoría del dibujo como tema general". Fue el primer gran trabajo sobre la metodología de la enseñanza del dibujo en una escuela secundaria. Todas las ideas avanzadas de la pedagogía de la época se concentraron aquí. El libro se divide en dos partes: teórica y práctica. La parte teórica expone las principales disposiciones de la pedagogía y las bellas artes. En la parte práctica, se revela la metodología de enseñanza.

Gippius se esfuerza por fundamentar científica y teóricamente cada posición del método de enseñanza del dibujo. De una manera nueva, considera el proceso de enseñanza en sí mismo. Los métodos de enseñanza, dice Gippius, no deben seguir un patrón determinado; diferentes métodos de enseñanza pueden lograr buenos resultados. Para aprender a dibujar correctamente, es necesario aprender a razonar y pensar, dice Gippius, y esto es necesario para todas las personas, y esto debe desarrollarse desde la infancia. Gippius da una gran cantidad de valiosos consejos metodológicos y recomendaciones en la segunda parte de su libro. La metodología de la enseñanza, según Gippius, debe basarse no solo en los datos del trabajo práctico, sino también en los datos de la ciencia y, sobre todo, de la psicología. Gippius exige mucho al profesor. El profesor no sólo debe saber y poder hacer mucho, sino también hablar a los alumnos como un actor. El trabajo de cada alumno debe estar en el campo de visión del profesor. Gippius conecta estrechamente la provisión de clases con equipos y materiales con cuestiones de metodología.

El trabajo de G. A. Gippius fue una contribución significativa a la teoría y práctica de la enseñanza del dibujo como materia educativa general, enriqueció enormemente la metodología de enseñanza. No encontramos un estudio tan serio y profundo de los problemas de la metodología de la enseñanza en ese período en ninguno, ni siquiera en el representante más destacado del pensamiento pedagógico.

En 1804, las normas escolares introdujeron el dibujo en todas las escuelas y gimnasios del distrito. Debido a la falta de profesores en 1825 en Moscú, por iniciativa del Conde S. G. Stroganov, se fundó la Escuela de Dibujo Técnico, donde había un departamento que formaba profesores de dibujo para una escuela de educación general. En 1843, el Ministerio de Educación Pública emitió una propuesta circular para reemplazar a los profesores de dibujo, redacción y caligrafía que no tenían una educación artística especial en las escuelas del condado con estudiantes de la escuela Stroganov. Hasta 1879, esta escuela fue la única institución educativa que capacitaba especialmente a profesores de dibujo.

Desde la segunda mitad del siglo XIX, no solo los artistas-maestros destacados, sino también los maestros de escuela ordinarios comenzaron a prestar especial atención a los métodos de enseñanza. Comprendieron que sin una formación metodológica especial es imposible realizar con éxito el trabajo pedagógico.

En 1864, el dibujo fue excluido del número de materias obligatorias por la carta de instituciones educativas secundarias. En 1872 se volvió a incluir el dibujo en la oferta de materias de las escuelas reales y de la ciudad. En el mismo año, 1872, se establecieron "Clases gratuitas de dibujo dominical para el pueblo". La enseñanza en estas clases se llevó a cabo al principio bajo la supervisión del profesor de pintura V.P. Vereshchagin y el académico de arquitectura A.M. Gornostaev. Con el fin de desarrollar métodos para la enseñanza del dibujo en las escuelas de educación general, se creó una comisión especial en la Academia de las Artes. Esta comisión incluyó a artistas destacados: N.N. Ge, IN Kramskoy, P. P. Chistyakov. La comisión también participó en la elaboración de un programa para las escuelas secundarias.

Características de la escuela de arte de dibujo P. P. Chistyakov. El artista ruso y profesor de la Academia de las Artes P. P. Chistyakov creía que la Academia de las Artes de la época de su enseñanza (1872-1892) necesitaba reformas y nuevos métodos de trabajo con los estudiantes, era necesario mejorar los métodos de enseñanza del dibujo, la pintura. y composición.

El sistema de enseñanza de Chistyakov cubría varios aspectos del proceso artístico: la relación entre la naturaleza y el arte, el artista y la realidad, la psicología de la creatividad y la percepción, etc. El método de Chistyakov no solo educó a un artista-maestro, sino también a un artista-creador. Chistyakov otorgó una importancia decisiva al dibujo en su sistema, instado a penetrar en la esencia misma de las formas visibles, a recrear su convincente modelo constructivo en el espacio condicional de la hoja. .

La ventaja del sistema de enseñanza de Chistyakov fue la integridad, la unidad a nivel metodológico de todos sus elementos, el seguimiento lógico de una etapa a otra: del dibujo, al claroscuro, luego al color, a la composición (composición).

Otorgó gran importancia al color, viendo en el color el medio más importante de expresión figurativa, revelando el contenido de la obra.

La composición de la imagen es el resultado del entrenamiento del artista, cuando ya podía comprender los fenómenos de la vida a su alrededor, para resumir sus impresiones y conocimientos en imágenes convincentes. "Según la trama y la técnica", era la expresión favorita de Chistyakov.

Al analizar la actividad pedagógica de P. P. Chistyakov, se pueden identificar los componentes principales del sistema de su trabajo, gracias a los cuales se logró un alto nivel de calidad en la enseñanza del dibujo. Consistía en la interacción de los siguientes componentes:

· metas y objetivos de la enseñanza como punto de partida del sistema pedagógico;

contenido científicamente comprobado del material educativo;

El uso de varios tipos y formas de clases de conducción, gracias a las cuales se organizaron las actividades de los estudiantes para dominar la alfabetización artística en el dibujo;

varias formas de control, con la ayuda de las cuales se evitaron posibles desviaciones de las tareas establecidas al realizar el dibujo;

· la superación personal constante del propio P. P. Chistyakov, cuyo objetivo principal era mejorar el impacto positivo en los alumnos.

Además, una parte integral del sistema de trabajo de Pavel Petrovich Chistyakov se construyó relaciones con los estudiantes, dirigidas a la comunicación con los pupilos, el diálogo y el respeto por el individuo. "Un buen maestro real, desarrollado y no sopla el palo del alumno, en caso de error, fracaso, etc., trata de explicar cuidadosamente la esencia del asunto y hábilmente guiar al alumno por el camino verdadero". Al enseñar a los estudiantes a dibujar, uno debe esforzarse por intensificar su actividad cognitiva. El maestro debe dar instrucciones, prestar atención a lo principal y el estudiante debe resolver estos problemas por sí mismo. Para resolver correctamente estos problemas, el profesor necesita enseñar al alumno no solo a prestar atención al tema, sino también a ver sus aspectos característicos. Los métodos de Chistyakov, su capacidad para adivinar el lenguaje especial de cada talento, su actitud cuidadosa hacia cualquier talento dieron resultados sorprendentes. Su sistema de enseñanza educó al artista en el verdadero sentido de la palabra. La variedad de personalidades creativas de los estudiantes de maestría habla por sí sola: son V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov y otros.

Las opiniones pedagógicas de P. P. Chistyakov ya fueron reconocidas en la época soviética. Su sistema pedagógico, de carácter revolucionario, no tiene analogías en la teoría y práctica de otras escuelas de arte nacionales.

Al igual que la enseñanza del dibujo, Chistyakov divide la ciencia de la pintura en varias etapas.

Primera etapa- este es el dominio de la naturaleza figurativa del color, el desarrollo de un joven artista, la capacidad de ser preciso al determinar el tono del color y encontrar su posición espacial correcta. Segunda fase debe enseñar al estudiante a comprender el movimiento del color en la forma como el principal medio de transmisión de la naturaleza, tercera- Enseñar a resolver esos sedimentos otras tareas de trama-plástica con la ayuda del color. Chistyakov fue un verdadero innovador que convirtió la pedagogía en una gran creatividad.

Tema 7. Sistema académico de educación artística en Rusia.

· Academia Imperial de las Artes en Rusia XVIII - en la primera mitad del siglo XIX. y Escuela Educativa.

AP Losenko, A. E. Egorov, V. K. Shebuev.

Desde 1758, la "Academia de las Tres Artes Más Nobles" se ha convertido en el centro científico y metodológico de la educación artística y, a lo largo de su historia, la Academia de San Petersburgo ha sido el principal centro ruso de educación artística. Los arquitectos, escultores, pintores y grabadores rusos más importantes recibieron una formación estricta y exigente en la Academia.

Desde el principio, la Academia de las Artes no solo fue una institución educativa y educativa, sino también un centro de educación artística, ya que organizaba exposiciones regularmente. Bajo ella, se fundaron museos y una biblioteca científica. Para desarrollar un buen gusto artístico en los estudiantes y despertar el interés por las artes, el fundador y primer director en jefe I. I. Shuvalov decidió rodear a los alumnos con obras brillantes. Dona a la academia su colección de pinturas y dibujos, así como su biblioteca personal. Después de Shuvalov, la academia mantuvo esta tradición durante muchos años y trajo un gran éxito a la causa, inculcando en los estudiantes un sentido de profundo respeto por el arte y por la academia. La Academia proporcionó a los alumnos todos los materiales necesarios para el trabajo: papel de todos los grados, pinturas, lápices, lienzos, camillas, pinceles y barnices.

La materia principal en la academia era el dibujo. Para los mejores dibujos educativos, el Consejo de la Academia otorgó premios a los autores: medallas de plata pequeñas y grandes. Por iniciativa del escultor Gillet, en 1760, se organizó una clase completa en la academia, donde se prestó especial atención al estudio de la estructura anatómica del cuerpo humano. Aquí se estudia minuciosamente el esqueleto y la “figura desgarrada”, como se llamaba entonces al modelo anatómico.

Las clases de dibujo estaban estructuradas de la siguiente manera: “Las clases se dividían en matutino, de 9 a 11, y vespertino, de 5 a 7 horas, durante las clases de la mañana todos se dedicaban a su especialidad, y en la tarde todos, sin importar lo que pasaran”. clase que tenían, dibujaron con un lápiz francés. Después de un mes, los dibujos fueron expuestos en las aulas para consideración de los profesores; era como un examen. Además, todas las semanas se exhibían figuras, cabezas de yeso, en relación con las cuales se requería que los contornos de ellas se hicieran lo más fiel posible, aunque el sombreado no se completó. Para los exámenes mensuales, o exámenes, estos trabajos semanales no podían ser presentados por los estudiantes, ya que el profesor los examinaba durante la semana, pero algunos trabajos, preparados exclusivamente para el examen mensual, ya estaban expuestos en la fecha señalada sin falta.

Los alumnos de la academia se dividieron en grupos según la edad:

1er grupo - de 6 a 9 años,

2º - de 9 a 12,

3º - de 12 a 15 años,

4º - de 15 a 18 años.

1er grupo: En el primer grupo, además de las disciplinas de educación general, se practicaba el dibujo a partir de originales, yesos y del natural. El dibujo comenzó con un conocimiento de la técnica y la tecnología. El lápiz debía mantenerse más alejado del extremo pelado, lo que daba más libertad y movilidad a la mano. Los grabados de los dibujos de maestros destacados, dibujos de maestros de la academia, así como dibujos de estudiantes particularmente distinguidos sirvieron como muestras en las clases originales. Los dibujos de Grez fueron especialmente populares entre profesores y alumnos. La expresividad de las líneas en sus dibujos ayudó a los estudiantes a ver y comprender visualmente la plasticidad de las formas.

2do grupo: El segundo grupo bebió de originales, yesos y del natural. A finales de año, los alumnos comenzaron a copiar de los originales dibujos de cabezas, partes del cuerpo humano y figuras humanas desnudas (academias), primero en yeso y luego en vivo. Los adornos y las cabezas de yeso se extrajeron de la naturaleza.

3er grupo: El tercer grupo estudió perspectiva, dibujo de originales, yesos y del natural, pintura, escultura, arquitectura, arte grabado. Las figuras de yeso de Antinoo, Apolo, Germánico, Hércules, Hércules, Venus Medicea fueron pintadas de la naturaleza. Aquí, el estudiante pintó a partir de moldes de yeso hasta que tuvo las habilidades profesionales necesarias. Después de eso, podría pasar a dibujar la naturaleza viva en una clase natural.

Para memorizar completamente la figura, el estudiante tenía que dibujar el mismo escenario varias veces. Para memorizar completamente la figura, el estudiante tenía que dibujar el mismo escenario varias veces. Se sabe que K. P. Bryullov hizo cuarenta dibujos del grupo Laocoonte. La habilidad era tan grande que algunos académicos podían comenzar a dibujar desde cualquier lugar.

Cuando se enseñaba a dibujar, se daba gran importancia a la demostración personal. Las instrucciones de esa época indicaban que los profesores de la academia debían dibujar la misma naturaleza que los alumnos, para que los alumnos vieran cómo debía proceder el proceso de construcción de un dibujo y qué calidad debía alcanzar.

En uno de los documentos de archivo leemos: “Prescribir a los profesores y maestros de adjuntos que todos los adjuntos estén en sus horas designadas para dibujar la naturaleza, también para observar cómo funciona Fontebasse”. Leemos lo mismo en las instrucciones de A. I. Musin-Pushkin: artistas, de los cuales uno es fijar la naturaleza y corregir el trabajo de los estudiantes, y el otro al mismo tiempo dibujar o esculpir con ellos mismo.

Desafortunadamente, este método progresivo de formación de futuros artistas cayó en desuso en la práctica pedagógica. Si en las instituciones educativas modernas un estudiante está obligado a completar el programa del curso durante el año, independientemente del éxito, entonces en la academia del siglo XVIII, así como en la primera mitad del siglo XIX, el alumno podría pasar de una clase. a otro, por ejemplo, de figura de yeso a escala real, solo habiendo alcanzado cierto éxito. .

4to grupo: Los alumnos del cuarto grupo dibujaron la naturaleza viva desnuda y estudiaron anatomía. Luego vino la clase de maniquí y composición, además de copiar cuadros en el Hermitage.

Una gran contribución a la metodología de la enseñanza del dibujo fue hecha por artistas y profesores de la Academia de las Artes. A. P. Losenko y V. K. Shebuev.

AP Losenko comenzó a enseñar en la academia en 1769. Un excelente dibujante y un maestro maravilloso, que prestó mucha atención no solo a la práctica, sino también a la teoría del dibujo. Su brillante actividad pedagógica ganó muy pronto el reconocimiento universal. Comenzando con Losenko, la escuela académica rusa de dibujo recibió su propia dirección especial.

Losenko se dio a la tarea de dar una fundamentación científica y teórica de cada disposición del dibujo académico, y sobre todo en el dibujo de la figura humana. Para ello, comenzó a estudiar a fondo la anatomía plástica, buscar reglas y leyes de división proporcional de una figura en partes, dibujar diagramas y tablas para demostración visual a sus alumnos. Desde entonces, el método de enseñanza del dibujo se ha basado en un estudio serio de la anatomía, las proporciones de la figura humana y la perspectiva. Todo este conocimiento científico necesario para un artista, Losenko, con gran persuasión y brillante talento pedagógico, pudo transferir a sus alumnos. Al comprender la complejidad y la dificultad de combinar dos cosas diferentes: el trabajo creativo independiente y la enseñanza, Losenko no escatimó ni tiempo ni esfuerzo por la causa a la que servía. Al notar esta característica de Losenko como artista y maestro, A. N. Andreev escribió: “Pasó días y noches enteras con ellos (estudiantes), les enseñó de palabra y obra, él mismo dibujó estudios académicos y dibujos anatómicos para ellos, publicados para el liderazgo. de la academia la anatomía y proporción del cuerpo humano, que ha sido y es utilizada por toda la escuela que la siguió; comenzó las clases a gran escala, él mismo escribía en el mismo banco con sus alumnos y sus trabajos ayudaron aún más a mejorar el gusto de los alumnos de la academia.

El mérito de Losenko radica no solo en el hecho de que hizo un buen trabajo enseñando dibujo en la Academia de las Artes, sino también en el hecho de que se ocupó de su desarrollo posterior. En esto, sus obras teóricas y sus medios didácticos deberían haber jugado su papel.

A principios del siglo XIX, el dibujo como materia educativa general comenzó a generalizarse. Mucho se hizo durante este período en el campo de la publicación de diversos manuales, manuales y tutoriales sobre dibujo.

Actividades principales

La imagen en el plano y en el volumen (de la naturaleza, de la memoria y de la representación); trabajos decorativos y constructivos;

solicitud;

· modelado volumétrico-espacial;

diseño y actividad constructiva;

fotografía artística y filmación de video; percepción de los fenómenos de la realidad y obras de arte;

discusión sobre el trabajo de los compañeros, los resultados de la creatividad colectiva y el trabajo individual en el aula;

estudio del patrimonio artístico;

escuchar musica y literatura

Apoyo educativo y metodológico - kits metodológicos para el programa, incluyendo libros de texto, cuadernos de trabajo para escolares y material didáctico para docentes. Todas las publicaciones son editadas por B.M. Nemensky.

Etapa I - escuela primaria.

Grado 1 - fundamento - familiaridad con las formas de trabajo, diversos materiales artísticos, el desarrollo de la vigilancia y el dominio del material. "Representas, decoras y construyes".

Grado 2 - "Tú y el arte": presenta a los niños el mundo del arte, conectado emocionalmente con el mundo de las observaciones personales, las experiencias y los pensamientos. Formación de ideas sobre el contenido y el papel del arte.

Grado 3: "Arte a tu alrededor": introducción a los niños al mundo de la belleza circundante.

Grado 4 - "Cada nación es un artista" - la formación de una idea de la diversidad y fascinación del arte. creatividad en todos los rincones

tierra y toda nación.

II etapa - bachillerato. Fundamentos del pensamiento y conocimiento artístico. Un estudio en profundidad de varios tipos y géneros de arte en el contexto del desarrollo histórico, se fortalecen las conexiones interdisciplinarias con las lecciones de historia.

Grado 5 - Conexiones del grupo de artes decorativas con la vida. Sentirse en armonía con el material.

Grade 6 - 7 - Conexiones del grupo de artes visuales con la vida. Dominio de los patrones artísticos y figurativos del arte y su sistematización. Creatividad de los artistas.

Grado 8 - "Conexiones del grupo constructivo de artes con la vida". La arquitectura es una síntesis de todas las formas de arte.

Grado 9 - una generalización de lo aprobado. "Síntesis de las Artes Espaciales y Temporales".

III etapa. Fundamentos de la conciencia artística. División del trabajo práctico y teórico en cursos paralelos.

10-11 clases - Conexiones históricas de las artes.

SECCIÓN 3. ORGANIZACIÓN Y PLANIFICACIÓN

Realización de horquillas.

Los foreskets son bocetos compositivos de un dibujo futuro que preceden al trabajo en la hoja principal. Para hacer esto, puede usar el visor, un trozo de cartón o papel, en el que se corta un pequeño orificio rectangular. El estudiante, mirando a través del visor, debería, por así decirlo, ver el marco de la imagen futura. El tamaño del marco se establece en función del tamaño de la hoja de papel principal. Después de haber realizado varios bocetos compositivos con la ayuda del visor, el estudiante elige el que mejor satisface la tarea y comienza a trabajar en la hoja principal.

3. Etapas de trabajo en el formato..

Primera etapa comienza con la colocación compositiva de la imagen en una hoja de papel. Luego se establecen las proporciones principales y se esboza la visión general de la naturaleza. Se determina la característica plástica de las masas principales. Para que los detalles no distraigan la atención del principiante del personaje principal de la forma, se propone entrecerrar los ojos para que la forma parezca una silueta, como un punto común, y los detalles desaparezcan. La imagen comienza con ligeros trazos. Es necesario evitar la carga prematura de la hoja con puntos y líneas innecesarias. La forma está dibujada de manera muy general y esquemática. El personaje principal de la forma grande se revela. Si se trata de un grupo completo de objetos (bodegones), entonces el estudiante debe ser capaz de equipararlos (inscribirlos) a una sola figura, es decir, generalizar.

Segunda fase- identificación constructiva de la forma de los objetos mediante líneas. El diferente grosor de la línea de contraste revela la ligereza de la perspectiva, la construcción. Los objetos deben verse transparentes, vidriosos.

Tercera etapa- modelado plástico de la forma en tono y estudio detallado del dibujo.

La elaboración de detalles también requiere un cierto patrón: cada detalle debe dibujarse en conexión con otros. Al dibujar un detalle, necesitas ver el todo.

Las etapas de elaboración de los detalles del análisis activo de las formas, la identificación de la materialidad de la naturaleza y la relación de los objetos en el espacio es una etapa crucial. Usando las leyes de la perspectiva (tanto lineal como aérea), es necesario construir imágenes basadas en un análisis preciso de las relaciones entre todos los elementos de la forma. En esta etapa del trabajo, se lleva a cabo una caracterización detallada de la naturaleza: se revela la textura del modelo, se transfiere la materialidad de los objetos (yeso, tela), el dibujo se elabora cuidadosamente en relaciones tonales. Cuando se dibujan todos los detalles y se modela cuidadosamente el tono del dibujo, comienza el proceso de generalización.

cuarta etapa- resumiendo. Esta es la última y más importante etapa del trabajo en el dibujo. En esta etapa, el alumno resume el trabajo realizado: comprueba el estado general del dibujo, subordina los detalles al conjunto, afina el dibujo en el tono (subordina luces y sombras, luces, reflejos y medios tonos al tono general). En la etapa final del trabajo, es recomendable volver a la fresca

percepción inicial.

Trabajo de pintura constante.

Al comenzar a pintar, primero debe observar la naturaleza, determinando las principales relaciones tonales y de color.

boceto preliminar

buscar una composición (color, organización colorística) -

buscar una solución a la forma, proporciones, estructura estructural

busque grandes relaciones tonal-color (colores cálidos y fríos, saturados y débilmente saturados, colores claros y oscuros)

determinación final del formato y tamaño del futuro estudio

Es necesario realizar al menos tres bocetos, diferentes entre sí, para elegir la mejor opción, en base a la cual se realizará el trabajo. El boceto debe conservarse hasta el final del trabajo en el estudio principal.

2. Dibujo preparatorio para pintar.

Transferencia de la composición del boceto al lienzo principal. El dibujo para pintar debe ser preciso y definido, pero no debe ser detallado.

Trabajando en los detalles

La transición de las relaciones generales de color a esculpir la forma con color. El registro del formulario debe realizarse de manera uniforme en todo el plano de la imagen.

Generalización

La etapa de generalización y énfasis simultáneos de los momentos característicos para la unidad general del color.

El resultado de cada uno de los dos semestres debe ser al menos una composición terminada en color o gráfica, tal vez una serie de láminas en color o gráficas. La técnica de ejecución y el formato de trabajo se discute con el profesor.

Los trabajos independientes sobre composición son revisados ​​por el maestro semanalmente. El trabajo independiente (extracurricular) se puede utilizar para hacer la tarea de los niños, visitar instituciones culturales (exposiciones, galerías, museos, etc.), la participación de los niños en eventos creativos, concursos y actividades culturales y educativas de una institución educativa. La valoración marca todas las etapas del trabajo: recogida de material, boceto, cartulina, obra final. Es necesario capacitar al estudiante para profundizar en el tema de la imagen, creando condiciones para la manifestación de su individualidad creadora.

Tipos de lecciones.

La clasificación más común y utilizada en la práctica fue introducida por B.P. Esipov e identificó los siguientes tipos de lecciones:

1 tipo: Aprendiendo material nuevo.

Tipo de lección.