Cuadro- la imagen en el plano de las imágenes del mundo real, transformada por la imaginación creativa del artista; destacando el sentimiento estético elemental y más popular, el sentimiento del color, en una esfera especial y convirtiéndolo en uno de los medios de desarrollo artístico del mundo.
En la pintura antigua, la proporción de los fenómenos representados no era tanto espacial como semántica. En la isla de Cham (Australia, Golfo de Carpentaria), en una antigua cueva sobre una pared blanca, los canguros son pintados con pintura negra y roja, perseguidos por treinta y dos cazadores, de los cuales el tercero en orden es el doble de alto que el descanso, ya que representa a un líder.
En aras del énfasis semántico, los artistas del antiguo Egipto también representaron la figura de un líder militar varias veces más grande que las figuras de sus guerreros. Estos fueron los primeros acentos compositivos de la pintura, que no conocía la perspectiva. En la antigüedad, la gráfica y la pintura estaban cerca no solo entre sí, sino también con la literatura. La pintura y los gráficos chinos antiguos y egipcios antiguos están relacionados por narrativa. Una imagen es una cadena de eventos, una historia desplegada en una serie de figuras. Ya en esta etapa temprana de desarrollo, la pintura expresa en el plano diferentes puntos de vista sobre el tema. Los artistas del Antiguo Egipto pintaron ambos ojos en un rostro representado de perfil, y los pintores de Melanesia del Sur representan planos ocultos a la vista directa: se dibuja un disco sobre la cabeza de una persona, que indica la parte posterior de la cabeza, o una cara doble que transmite una “mirada circular”. El artista antiguo no percibió la belleza del paisaje.
El artista antiguo conoce bien la anatomía no solo de un animal, sino también de una persona. La gimnasia, la música y las bellas artes, que sienten la belleza y la fuerza del cuerpo humano, están involucradas en la formación de un guerrero, que tiene profundas raíces socio-históricas. Los Juegos Olímpicos y las imágenes escultóricas de los héroes cumplen funciones sociales y estéticas similares: la educación de los guerreros necesarios para la democracia esclavista, los defensores de Hellas y los mineros de esclavos para su desarrollo económico.
La pintura medieval dio una imagen convencionalmente plana del mundo. La composición enfatizaba no la lejanía del objeto desde el ojo del observador, sino su significado y significado. Las mismas características son inherentes a la pintura de iconos rusa. La Edad Media aún desconoce la diferencia anatómica entre un adulto y un niño: en las pinturas, el Niño Jesús es un adulto en tallas reducidas. Las bellas artes medievales se asoman al mundo interior de una persona, penetran profundamente en su espíritu. El culto a la belleza del cuerpo desnudo está siendo reemplazado por una moda de envolver el cuerpo, cayendo al suelo de la ropa. El atuendo monástico es característico, ocultando los contornos de la figura de una persona, haciendo que su apariencia sea sin forma y sin sexo.
El Renacimiento resucita el culto al cuerpo desnudo, enfatizando no solo su belleza y poder, sino también su atractivo sensual. La alegría de ser, el goce espiritual y sensual de la vida brillan en la pintura, que exalta la belleza del cuerpo femenino, la castidad de Georgen, el esplendor de Rubens, la belleza terrenal y celestial de Tiziano, la espiritualidad griega.
La pintura en el sistema de formas de arte del Renacimiento juega un papel principal. Los artistas afirman el significado universal de la pintura, que, como la literatura, no necesita ser traducida a otro idioma, Leonardo da Vinci escribió: “... si el poeta sirve a la mente por el oído, entonces el pintor por el ojo, más digno de sentir ... La imagen es mucho más útil y hermosa, me gusta más ... Elija un poeta que describa la belleza de una mujer a su amante, y elija un pintor que la represente, y verá. donde la naturaleza inclinará al juez amoroso.
Los genios siempre aparecen en el ámbito más necesario de la práctica social. Y no es casualidad que el Renacimiento haya dado a grandes artistas como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Rubens, Tiziano.
El patetismo antiascético y antiescolástico de la época, el impulso a la riqueza de la vida, a sus alegrías espirituales y sensuales, encuentran su plena expresión precisamente en la pintura ("Primavera" de Botticelli). Los artistas transmiten la anatomía de una persona relacionada con la edad (el niño en los brazos de la Virgen Litta de Leonardo da Vinci no es un enano, sino un bebé), revelan la anatomía dinámica de una persona a diferentes ritmos y nitidez, ángulos, direcciones de movimiento (los frescos del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel).
En el Renacimiento, se desarrollaron principios detallados de composición espacial-perspectiva. La disposición de las figuras en la imagen reveló sus relaciones de vida. El Renacimiento abrió las leyes de la perspectiva, o incluso más ampliamente, la libre posesión del espacio. La idea de la perspectiva fue desarrollada por Brunelleschi y Alberti, quienes enseñaron a organizar el espacio en una pintura según los principios de una pirámide truncada formada por rayos provenientes de los objetos a nuestro ojo. El dominio del espacio está indicado no sólo por la construcción de la perspectiva (por ejemplo, en La última cena de Leonardo da Vinci), sino también por la creación de un espacio "desmaterializado".
En el siglo 19 se completa el ya trazado proceso de delimitación de pintura y gráfica. Los detalles de los gráficos son las relaciones lineales, la reproducción de la forma de los objetos, la transferencia de su iluminación, la proporción de luz y sombra. La pintura capta la correlación de los colores del mundo, en el color ya través del color expresa la esencia de los objetos, su valor estético, calibra su finalidad social, su correspondencia con el entorno. El proceso de delimitación de la pintura y la gráfica lo completan los impresionistas. No transmiten nada fuera del color, todo lo lineal les es secundario; no es un dibujo, pero las proporciones de color de los objetos representados se convierten en el principal portador del significado estético. La pintura adquiere independencia del dibujo, que antes era su objetivo principal, y se acerca a la música, alejándose de la literatura.
En el siglo veinte la naturaleza de la pintura cambia dramáticamente. Está influenciado por la fotografía, el cine, la televisión, la amplitud y variedad de impresiones de una persona moderna que percibe la realidad desde grandes alturas, a altas velocidades, desde ángulos inesperados y desde puntos de vista variables y en movimiento. El mundo intelectual y psicológico del hombre se profundiza. El advenimiento de la fotografía y su dominio del color planteó nuevos desafíos a la pintura. Una fotografía ahora puede simplemente capturar un objeto como recuerdo. En la pintura del siglo XX. el papel del principio subjetivo aumenta, la importancia de la visión personal, la percepción individual de la vida se vuelve más aguda (recuérdese "March Snow" de Grabar).
Los elementos formadores de significado de la pintura son la base plana procesada, los bordes correctos del cuadro y el marco (estos elementos estaban ausentes en el arte rupestre). En los tiempos modernos, apareció pintura que no representaba el espacio profundo y no estaba enmarcada. Su análogo era una escultura sin pedestal, suspendida o de pie en el suelo. Partes del plano pictórico, el lugar de la imagen del objeto en él, tienen un significado de signo. En el retrato de Munch, el sujeto inmerso en sí mismo se ubica ligeramente hacia un lado en el espacio vacío. Esto crea un efecto artístico y semántico de tristeza y alienación, que realza la pose de la persona retratada.
Arquitectura. Cuando una persona aprendía a hacer herramientas, su vivienda ya no era un hoyo o un nido, sino un edificio conveniente, que gradualmente adquiría una apariencia estética. La construcción se ha convertido en arquitectura.
La arquitectura es la formación de la realidad de acuerdo con las leyes de la belleza al crear edificios y estructuras diseñadas para atender las necesidades humanas en la vivienda y los espacios públicos. La arquitectura crea un mundo desarrollado utilitario-artístico cerrado, delimitado de la naturaleza, resistiendo el entorno natural y permitiendo a las personas utilizar el espacio humanizado de acuerdo con sus necesidades materiales y espirituales. La imagen arquitectónica expresa el propósito del edificio y el concepto artístico del mundo y la personalidad, la idea que una persona tiene de sí misma y la esencia de su época.
La arquitectura es arte y los edificios tienen un cierto estilo. Gracias a la arquitectura, surge una parte integral de la "segunda naturaleza": el entorno material, que es creado por el trabajo de una persona y en el que se desarrolla su vida y actividad.
La arquitectura gravita hacia el conjunto. Sus edificios encajan hábilmente en el paisaje natural (natural) o urbano (urbano). Por ejemplo, el edificio de la Universidad Estatal de Moscú encaja bien en el paisaje de las Colinas de los Gorriones, desde donde se puede ver la capital y las extensiones en retroceso de la llanura de Rusia Central. El antiguo edificio CMEA (ahora el edificio del Ayuntamiento), que parece un libro abierto, se inscribe con éxito en el paisaje urbano de Moscú.
Las formas de arquitectura se determinan: 1) naturalmente (depende de las condiciones geográficas y climáticas, de la naturaleza del paisaje, la intensidad de la luz solar, la seguridad sísmica); 2) socialmente (dependiendo de la naturaleza del sistema social, los ideales estéticos, las necesidades utilitarias y artísticas de la sociedad; la arquitectura está más estrechamente relacionada con el desarrollo de las fuerzas productivas, con el desarrollo de la tecnología que con otras artes).
La arquitectura, el arte, la ingeniería y la construcción requieren una gran concentración de esfuerzos colectivos y recursos materiales (la Catedral de San Isaac, por ejemplo, fue construida por medio millón de personas en el transcurso de cuarenta años). Las obras arquitectónicas se crean desde hace siglos. El creador del "libro de piedra" y su "lector" son las personas. Una obra de arquitectura es una enorme sinfonía de piedra, una poderosa creación del pueblo, como la Ilíada, un resultado sorprendente de la combinación de todas las fuerzas de toda una era.
Incluso en la antigüedad, la arquitectura interactuaba con la escultura monumental, la pintura, los mosaicos y los íconos. En esta síntesis domina la arquitectura. A veces la literatura en forma de cita de un texto literario entra en una relación de subordinación con la arquitectura y la escultura. Hay un caso conocido de una interacción subordinada de la música con la arquitectura: una de las pagodas birmanas está adornada con campanas que crean una nube plateada del sonido más ligero y suave alrededor de la estructura. La música de órgano estaba subordinada a las catedrales góticas.
La base de la composición arquitectónica es la estructura tridimensional, la interconexión orgánica de los elementos de un edificio o conjunto de edificios. La escala del edificio es semióticamente significativa y determina en gran medida la naturaleza de la imagen artística, su monumentalidad o intimidad. La arquitectura no reproduce visualmente la realidad, pero es expresiva. El ritmo, la proporción de volúmenes, líneas: los medios de su expresividad. Una de las estructuras artísticas modernas es la arritmia en el ritmo, la disonancia en la armonía (por ejemplo, un conjunto de edificios en la ciudad de Brasil).
La arquitectura tiene su origen en la antigüedad, en el estadio más alto de la barbarie, cuando en la construcción comienzan a operar las leyes no sólo de la necesidad, sino también de la belleza.
En el antiguo Egipto, se construyeron tumbas enormes (la altura de la pirámide de Keops en Giza es de unos 150 m), templos con muchas columnas poderosas (en el templo de Amón en Karnak, la altura de las columnas es de 20,4 m y el diámetro es 3,4 metros). Esta arquitectura se caracteriza por la claridad geométrica de las formas, la ausencia de articulaciones, la desproporción entre la escala del edificio y la persona, y una monumentalidad que desborda la personalidad. Las estructuras grandiosas se crearon no para satisfacer las necesidades materiales de la gente, sino en nombre de objetivos espirituales y religiosos y sirvieron a la causa de la organización social de los egipcios bajo el poder despótico del faraón.
En la Antigua Hélade, la arquitectura adquiere una apariencia democrática. Los edificios religiosos (por ejemplo, el templo del Partenón) afirman la belleza, la libertad y la dignidad de un ciudadano griego. Hay nuevos tipos de edificios públicos: teatros, estadios, escuelas. Los arquitectos siguen el principio humanista de la belleza formulado por Aristóteles: la belleza no es ni demasiado grande ni demasiado pequeña. El hombre actúa aquí como una medida de la belleza y la escala del edificio, que, a diferencia de los edificios del Antiguo Egipto, no suprime, sino que exalta al individuo, que correspondía a los objetivos sociales de la democracia ateniense. Los arquitectos de la antigua Grecia crearon un sistema de orden que desempeñó un papel importante en el desarrollo de la arquitectura. En la antigua Roma, las estructuras arqueadas y abovedadas de hormigón eran muy utilizadas. Aparecieron nuevos tipos de estructuras: foros, arcos triunfales, que reflejaban las ideas de estado, poder militar.
En la Edad Media, la arquitectura se convirtió en la forma de arte líder y más difundida, cuyas imágenes eran accesibles incluso para personas analfabetas. En las catedrales góticas aspirantes al cielo se expresaba el impulso religioso a Dios y el apasionado sueño terrenal de felicidad del pueblo.
La arquitectura renacentista desarrolla sobre una nueva base los principios y formas de los clásicos antiguos.
El clasicismo canonizó las técnicas compositivas de la antigüedad.
Desde finales del siglo XVI hasta mediados del XVIII, en la era de la formación de los estados nacionales, acompañada de guerras, se desarrolla el barroco (gran cantidad de decoraciones de estuco, complejidad de divisiones y relaciones espaciales, esplendor, exaltación , contraste de formas). Los edificios barrocos sirvieron para glorificar y afirmar el absolutismo (como el Palacio de Versalles) y el catolicismo (por ejemplo, la iglesia romana de Santa Maria della Vittoria).
A principios del siglo XVIII. en Francia, el estilo rococó surgió y se extendió por toda Europa (por ejemplo, el Palacio Sanssouci en Potsdam) como una expresión de los gustos de la aristocracia (decoración, ornamentación caprichosa de la forma, asimetría deliberada y complejidad de líneas sinuosas, y en el interior - ricos murales y grandes espejos que crean la impresión de ligereza e intangibilidad de las paredes).
En la segunda mitad del siglo XVIII. El rococó da paso al imperio, un estilo monumental y majestuoso basado en las tradiciones del clasicismo y el estilo de la era de los emperadores romanos. Expresa el poder militar y la grandeza soberana del poder (por ejemplo, el Arco del Triunfo de París, superando los arcos del mundo antiguo, o la columna de Vendome, repitiendo la columna de Trajano en Roma).
Los logros de la arquitectura rusa están impresos en el Kremlin, fortificaciones, palacios, edificios religiosos y civiles. La arquitectura rusa es rica en creaciones nacionales originales (el campanario de Iván el Grande, la Catedral de San Basilio, edificios de madera con sus claras soluciones de diseño y ricas formas ornamentales, como las iglesias en Kizhi). El "barroco ruso" afirmó la unidad del estado ruso, el surgimiento de la vida nacional (las creaciones de Rastrelli: el Palacio de Invierno y los conjuntos de Tsarskoe Selo).
En los siglos XVIII-XIX. se desarrollan los principios del clasicismo ruso: claridad y expresividad de la imagen arquitectónica, medios constructivos y artísticos simples. En el siglo 19 se instaura el eclecticismo.
En el siglo veinte Aparecen nuevos tipos de edificios: industriales, de transporte, edificios administrativos de gran altura y áreas residenciales. Su construcción se realiza por métodos industriales utilizando nuevos materiales y elementos prefabricados estándar. Esto cambia los criterios estéticos y abre nuevos medios expresivos en la arquitectura (en el urbanismo, por ejemplo, surge el problema de la expresividad artística de la edificación en masa).
La ornamentación, que pecó la arquitectura soviética en los años 30 y 50, obstaculizó su desarrollo. El rechazo del embellecimiento redujo el costo de la construcción, aumentó su escala y ritmo, dirigió el pensamiento creativo de los arquitectos en busca de soluciones arquitectónicas simples y expresivas adecuadas. En este sentido, la Casa de los Veteranos del Cine, un complejo de edificios en Novy Arbat en Moscú, es indicativa.
Escultura- arte espacial y visual, dominando el mundo en imágenes plásticas, que se imprimen en materiales que pueden transmitir la imagen de la vida de los fenómenos.
Las obras escultóricas están talladas en mármol, granito y otras piedras, talladas en madera, moldeadas en arcilla. Los materiales blandos se consideran temporales; cuando se trabaja con ellos, generalmente se asume una mayor fundición en otros más duraderos: hierro fundido, bronce. En nuestro tiempo se ha ampliado el número de materiales aptos para la escultura: han surgido obras de acero, hormigón y plástico.
El hombre es el sujeto principal, pero no el único, de la escultura. Los animalistas crean figuras de animales. Una escultura redonda solo puede recrear los detalles del entorno humano. Tales tipos de escultura como el bajorrelieve y el altorrelieve están cerca de la pintura y los gráficos, y la imagen del paisaje está disponible para ellos.
Esculpir siempre transmite movimiento. Incluso el reposo total se percibe en la escultura como un movimiento interno, como un estado que perdura, prolongado no sólo en el espacio, sino también en el tiempo. El escultor sólo tiene a su disposición un momento de acción, pero con el sello de todo lo que le precedió y siguió. Esto le da a la escultura una expresividad dinámica. La imagen escultórica de un muerto transmite el movimiento oculto derramado en el cuerpo, su eterno descanso y los últimos esfuerzos de la lucha, congelados para siempre. Esta es la imagen de Cristo muerto, acostado en el regazo de la Madre de Dios, en la escultura "Piedad" de Miguel Ángel. El movimiento duerme en el cuerpo de Dios Hijo, cayendo de las rodillas de la madre y, al mismo tiempo, como resistiendo esta caída sin vida.
La percepción de la escultura siempre se desarrolla de forma secuencial en el tiempo, lo que se utiliza en la composición escultórica y ayuda a transmitir el movimiento. Una vista circular, un cambio de posición, un ángulo de visión revelan sus diferentes lados en una imagen tridimensional.
La monumentalidad es una de las posibilidades de la escultura, dotándola de síntesis con la arquitectura.
En la naturaleza misma de la escultura se encuentra una amplia generalización. Pushkin señaló que una escultura pintada causa menos impresión que una escultura de un solo color; la coloración elimina su generalización.
Los medios de figuratividad y expresividad de la escultura son la luz y la sombra. Los planos y superficies de la figura esculpida, reflejando la luz y proyectando sombras, crean un juego espacial de formas que afecta estéticamente a la audiencia.
La escultura de bronce permite una nítida separación de luces y sombras, mientras que el mármol, que es permeable a los rayos de luz, le permite transmitir un sutil juego de luces y sombras. Esta característica del mármol fue utilizada por artistas antiguos; así, el delicado mármol rosado y ligeramente translúcido de la estatua de Venus de Milo transmite de manera asombrosa la ternura y la elasticidad del cuerpo de una mujer.
La escultura es una de las formas de arte más antiguas, que se remonta a la era paleolítica. En el curso del desarrollo de la sociedad antigua, sobre la base de realidades mágicas surgidas de necesidades prácticas (imágenes preartísticas sincréticas y rituales en la naturaleza), nació un sistema de signos, que luego contribuyó al reflejo artístico y figurativo del mundo. . Por ejemplo, una piedra que personificaba a un animal y servía de blanco para infligir heridas (“ensayo” de caza) es reemplazada por un peluche natural, y luego su imagen escultórica.
En el antiguo Egipto, la escultura estaba asociada con el culto a los muertos: la creencia de que el alma está viva mientras existe la imagen de una persona hizo necesario crear esculturas duraderas a partir de los materiales más resistentes (cedro del Líbano, granito, pórfido rojo, basalto). La monumentalidad, cierta simplificación de las formas y una tendencia hacia las figuras estáticas son inherentes a la escultura del antiguo Egipto.
En la antigua Grecia, la escultura alcanzó el nivel más alto. No es casualidad que Hegel asociara el período clásico (antiguo) del arte con la escultura. En la escultura antigua, siempre hay una sensación de libertad interior. El héroe está a gusto y conserva su dignidad interior, incluso el sufrimiento no se distorsiona, no desfigura su rostro, no viola la armonía de la imagen (por ejemplo, "Laocoonte").
La Edad Media desarrolló formas monumentales de escultura en síntesis con la arquitectura. La escultura gótica combinó detalles naturalistas con figuras decorativas y dinámicas que transmitían una intensa vida espiritual. También aparecen imágenes ilusorias-fantasmagóricas, alegóricas (por ejemplo, las quimeras de la catedral de Notre Dame).
Los escultores del Renacimiento crearon una galería de imágenes brillantemente individualizadas de personas activas, emprendedoras y de voluntad fuerte.
La escultura barroca (siglo XVII) era solemne, pomposa, de desfile, llena de estrambóticos juegos de luces y sombras, de masas hirvientes y arremolinadas.
La escultura del clasicismo, por el contrario, es racionalista, tranquila, majestuosa, noblemente sencilla. En el siglo XVIII. la escultura gravita hacia las características socio-psicológicas del retrato de una persona.
En el siglo 19 el realismo florece en la escultura: las imágenes adquieren versatilidad estética, concreción histórica, características cotidianas y psicológicas.
En el siglo veinte los escultores dan una interpretación generalizada, a veces simbólica, de las imágenes escultóricas. La escultura profundiza el contenido psicológico de la imagen, ampliando las posibilidades de expresar en la plástica la vida espiritual de la época.
Arquitectura (lat. architectura, de las raíces griegas αρχι y τεκτονική - constructor, construcción, arquitectura, arte de la construcción), el arte de diseñar y construir edificios y otras estructuras que crean un entorno materialmente organizado que las personas necesitan para su vida y actividades, de acuerdo con el propósito, las capacidades técnicas modernas y puntos de vista estéticos de la sociedad. Hay una diferencia esencial entre arquitectura, pintura y escultura: la arquitectura utiliza casi exclusivamente formas geométricas y sólo en la ornamentación recurre a formas orgánicas; la pintura y la escultura, por el contrario, representan principalmente formas animales y vegetales, y sólo en los accesorios recurren a formas arquitectónicas, es decir, geométricas.
En su subordinación a conocidas leyes matemáticas en el campo de las proporciones, la arquitectura se acerca más a la música, que también obedece a leyes matemáticas en el campo de las proporciones sonoras; en este sentido, la arquitectura se llama muy acertadamente música "de piedra" o "congelada". Cada obra de arte contiene dos elementos principales: una idea abstracta y su representación material, es decir, en otras palabras, esencia y forma. La combinación de estos elementos en un todo consonante es el objetivo del arte; y si se logra este objetivo, entonces el trabajo ciertamente puede llamarse elegante. En consecuencia, cualquier obra arquitectónica elegante debe, por su representación externa, revelar completamente el significado interno y el propósito del edificio. En virtud de esta ley, es imposible, por ejemplo, dar a una iglesia la apariencia externa de un teatro o dar a un edificio de un piso una fachada interior de dos pisos.
Como forma de arte, la arquitectura entra en la esfera de la cultura espiritual, forma estéticamente el entorno de una persona, expresa ideas sociales en imágenes artísticas. El desarrollo histórico de la sociedad determina las funciones y tipos de estructuras (edificios con espacio interno organizado, estructuras que forman espacios abiertos, conjuntos de estructuras y otros bienes inmuebles), sistemas estructurales técnicos y la estructura artística de las estructuras arquitectónicas. En arquitectura, artes y oficios, diseño -aquellas artes plásticas en las que es imposible singularizar el sujeto de la imagen- se sustituye la clasificación de géneros por divisiones tipológicas en función de las funciones de la obra (en arquitectura, tipos de palacio , templo, edificio residencial, etc., a su vez divididos en muchos subtipos). La organización arquitectónica del espacio de los asentamientos, la creación de ciudades, los asentamientos de cabañas suburbanas, la planificación de la arquitectura a pequeña escala, la regulación de los sistemas de asentamiento han surgido como un área especial: la planificación urbana.
En arquitectura se interconectan principios funcionales, técnicos, estéticos (utilidad, fuerza, belleza). El propósito, las funciones de una estructura arquitectónica determinan su plan y estructura volumétrico-espacial, equipo de construcción - la posibilidad, viabilidad económica y medios específicos de su creación, cerámica de construcción - materiales y productos cerámicos utilizados en la construcción. Previa cita, los materiales y productos cerámicos se dividen en los siguientes tipos: productos para paredes, productos para techos, elementos para pisos; productos para el revestimiento de fachadas, productos para el revestimiento interior de paredes, áridos para hormigón ligero, productos para aislamiento térmico, sanitarios, baldosas para suelos, ladrillos para carreteras.
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Los productos de pared incluyen ladrillos, piedras huecas y paneles hechos de ellos. Productos para techos - tejas. Elementos de suelo; los productos para el revestimiento de fachadas son ladrillos cara vista, baldosas de pequeño tamaño y otras, paneles de composición tipográfica, detalles arquitectónicos y artísticos. Productos para revestimiento de paredes internas: azulejos y piezas moldeadas para ellos (cornisas, esquinas, ventanas con figuras, cinturones). Agregados para concreto liviano: arcilla expandida, agloporita. Productos de aislamiento térmico: cerámica celular, cerámica de perlita, etc. El comienzo figurativo y estético de la arquitectura está asociado con su función social y se manifiesta en la formación de una estructura tridimensional y estructural de un edificio. Los medios expresivos de la arquitectura son la composición, la tectónica, la escala, las proporciones, el ritmo, la plasticidad de los volúmenes, la textura y el color de los materiales, la síntesis de las artes, etc. Los métodos industriales de construcción.
(latín sculptura, de sculpo - recorto, tallo), escultura, plástico, un tipo de bellas artes, cuyas obras tienen una forma tridimensional, tridimensional y están hechas de materiales sólidos o plásticos. Escultura, escultura, artes plásticas - en el sentido amplio de la palabra, el arte de crear a partir de arcilla, cera, piedra, metal, madera, hueso y otros materiales la imagen de una persona, animales y otros objetos de la naturaleza en su forma táctil, formas corporales. La escultura representa principalmente a una persona, con menos frecuencia a los animales, sus géneros principales son el retrato, el histórico, el cotidiano, el simbólico, las imágenes alegóricas, el género animal y el mitológico. Los medios artísticos y expresivos de la escultura son la construcción de una forma tridimensional, el modelado plástico (moldeado), el desarrollo de una silueta, la textura y en algunos casos también el color.
Hay escultura redonda (estatua, grupo, figurilla, busto), vista desde diferentes lados, y relieve (tipo de escultura en la que la imagen es convexa o empotrada en relación con el plano del fondo, los tipos principales son bajorrelieve y alto). alivio). La escultura monumental (monumentos, monumentos) está asociada con el entorno arquitectónico, se distingue por la importancia de las ideas, un alto grado de generalización y gran tamaño; la escultura monumental y decorativa incluye todo tipo de decoración de estructuras arquitectónicas (atlantes, cariátides, frisos, escultura de parque, fuente y frontón); la escultura de caballete tiene unas dimensiones cercanas a la naturaleza o menores, y un contenido específico de profundidad.
En cuanto al material y el método de ejecución de la imagen, la escultura, en el sentido más amplio de la palabra, se divide en varias ramas: modelado o modelado: el arte de trabajar con una sustancia blanda, como la cera y la arcilla; fundición o toreutica: el arte de hacer una estatua de metal fundido; la glíptica, o escultura en sentido estricto, es el arte de tallar una imagen en piedra, metal, madera y materia sólida en general; los géneros de la escultura pueden, además, incluir el grabado, el tallado en piedras duras y preciosas y la fabricación de sellos para monedas y medallas (arte medallero). Materiales de escultura: metal, piedra, arcilla, madera, yeso, etc. Métodos de procesamiento: modelado, tallado, fundición, forja, persecución, etc.
Arquitectura . La arquitectura de Roma es fundamentalmente diferente de la griega. Los griegos tallaron en bloques de mármol macizo, y los romanos erigieron paredes de ladrillo y hormigón, y luego, con la ayuda de ménsulas, colgaron revestimientos de mármol, fijaron columnas y perfiles. Los monumentos arquitectónicos conquistan con su poder. Diseñado para un gran número de personas: basílicas, baños, teatros, anfiteatros, circos, bibliotecas, mercados y lugares de culto: templos, altares, tumbas. Los romanos introdujeron estructuras de ingeniería (acueductos, puentes, caminos, puertos, fortalezas, canales). El centro ideológico era el templo, ubicado en medio del lado angosto de un cuadrado rectangular sobre su eje principal. Las plazas de la ciudad estaban decoradas con arcos triunfales en honor a las victorias militares, estatuas de emperadores y personajes públicos destacados del estado. Las formas arqueadas y abovedadas se han vuelto comunes en puentes y acueductos. El Coliseo (75-80 dC) es el anfiteatro más grande de Roma, destinado a peleas de gladiadores y otras competiciones.
Escultura . En el campo de la escultura monumental, los romanos se quedaron atrás de los griegos. Lo mejor fue el retrato escultórico. Se ha desarrollado desde principios del siglo I. antes de Cristo mi. Los romanos estudiaban de cerca el rostro de una persona con sus rasgos únicos. Los griegos intentaron representar el ideal, los romanos, para transmitir con precisión las características del original. Los ojos de muchas estatuas están hechos de esmalte de colores. Los romanos fueron los primeros en utilizar la escultura monumental con fines propagandísticos: instalaron estatuas ecuestres y de pie. en los foros (plazas) - monumentos a personalidades destacadas.
Cuadro . Poco ha sobrevivido. Los palacios y edificios públicos estaban decorados con pinturas murales y pinturas, historias de mitología, bocetos de paisajes. Las paredes estaban pintadas para que parecieran mármol de colores y jaspe. Un tipo común eran los mosaicos y el procesamiento, los metales preciosos y el bronce.Los artistas representaban escenas de la vida cotidiana y bodegones. Frescos que cubrían las paredes de las casas de la nobleza Pintura ornamental de interiores (siglo I aC). Los romanos pintaban muebles y utensilios domésticos. En el siglo III El arte cristiano aparece en forma de murales en las catacumbas de Roma. Según la trama, los murales están relacionados con la religión cristiana: escenas bíblicas, imágenes de Cristo y la Madre de Dios, pero en términos de forma artística están al nivel de los murales antiguos.Durante la construcción de iglesias cristianas, el desarrollo de la pintura monumental continuó. Frescos y mosaicos adornaban los ábsides, las cúpulas y las paredes de los extremos de la nave principal de las basílicas.El arte de los mosaicos estaba muy desarrollado y se usaba para decorar paredes y pisos en las casas de los romanos ricos y más tarde en las iglesias cristianas. El retrato pictórico de caballete era muy común, pero esto lo sabemos solo por fuentes literarias, ya que no se han conservado las obras de los artistas republicanos Maya, Sapolis y Dionisíades y las de otros. Los retratos encajaban en un marco redondo y parecían medallones.
Si describimos las etapas principales en la historia del arte romano antiguo, en términos generales se pueden representar de la siguiente manera. Las épocas más antiguas (siglos VII - V a. C.) y republicanas (siglo V a. C., siglo I a. C.): el período de formación del arte romano.
El apogeo del arte romano cae en los siglos I-II. ANUNCIO A partir del final del reinado de Septimio Severo comienza la crisis del arte romano.
arte románico
En el siglo X, con el cambio de milenio, apareció por primera vez en el arte un único estilo paneuropeo, el románico. Siguió siendo dominante en la Europa occidental medieval durante los siglos XI y XII. El término "estilo románico" apareció en el siglo XIX. (por analogía con el concepto de "lenguas romances") y significaba "romano". El estilo románico en el arte heredó mucho de la arquitectura bizantina. arquitectónico los edificios de esta época eran en su mayoría de piedra, con techos abovedados, y en la Edad Media tales estructuras se consideraban románicas (construidas según el método romano), en contraste con los edificios de madera. Se distribuyó más clásicamente en el arte de Alemania y Francia. Las incursiones y las batallas eran los elementos de la vida en ese momento. Esta época dura dio lugar a estados de ánimo de éxtasis militante y una necesidad constante de autodefensa. Es un castillo-fortaleza o un templo-fortaleza. El concepto artístico es simple y estricto. Tres grandes iglesias a orillas del Rin se consideran ejemplos de la arquitectura románica tardía y perfecta: las catedrales de la ciudad de Worms, Speyer y Maguncia. La decoración arquitectónica es muy restringida, el plástico es bastante pesado. Pero, al entrar en el templo, se abre todo un mundo de imágenes emocionantes que capturan el alma de la Edad Media. El arte en la Europa medieval se convirtió en el trabajo de personas de la clase baja. Introdujeron un sentimiento religioso en sus creaciones, pero no era lo mismo para los "superiores" y los "inferiores". Poco entenderemos del arte medieval si no sentimos su conexión con todo el sistema de vida de las "clases bajas". Simpatizaron con Cristo porque sufrió, la Madre de Dios fue amada porque vieron en ella a una intercesora de los hombres, en el juicio terrible vieron el ideal de un juicio terrenal sobre los opresores y engañadores.
Terrible Juicio. Tímpano de la Catedral de San Lázaro en Autun (1130-1140);
Víspera. Fragmento del relieve de las puertas de bronce de la Iglesia de St. Miguel en Gildesheim (1008-1015)
Portal Real de la Catedral de Chartres (hacia 1135-1155)
Los monumentos arquitectónicos de estilo románico se encuentran dispersos por toda Europa occidental, pero la mayoría de ellos se encuentran en Francia. Estas son la iglesia de San Martín en Tours, la iglesia de Notre Dame en Clermont, la obra maestra de la arquitectura románica: la iglesia de Notre Dame la Grande en Poitiers. En el romance francés, se han desarrollado varias escuelas locales. Entonces, la escuela de Borgoña se distinguió por la monumentalidad de la composición, la escuela de Poitou fue rica en decoración escultórica y la escuela normanda se distinguió por una decoración estricta.
Las esculturas de santos en las iglesias románicas están desprovistas de de todos los cánones, a menudo poco atractivos y rechonchos, tienen rostros sencillos y expresivos. En esto, la escultura románica se diferencia de la escultura bizantina, que creaba imágenes más refinadas y espiritualizadas. Junto a las imágenes del evangelio y las escenas de la escultura románica convivían tramas de la historia antigua y medieval, y había imágenes de personas reales. Al mismo tiempo, las composiciones escultóricas a veces estaban saturadas con los frutos de la fantasía popular; luego contenían imágenes de varias criaturas fantásticas y fuerzas del mal (por ejemplo, áspides).
Se han conservado bellos ejemplos de artes aplicadas de la época románica. Un lugar de honor entre ellos lo ocupa la famosa alfombra de 70 metros de Bayeux, que se asocia con el nombre de la reina inglesa Matilde. Las escenas bordadas en él hablan de la conquista de Inglaterra por los normandos en 1066.
Cuadro El estilo románico era exclusivamente eclesiástico en contenido y plano, negando la tridimensionalidad del espacio y las figuras. Ella, como la escultura, estaba subordinada a la arquitectura. El tipo de técnica de pintura más común era el fresco, y también comenzaron a extenderse las vidrieras (pintura a partir de piezas de vidrio coloreadas).
9. gótico -El estilo gótico sustituyó al románico, sustituyéndolo paulatinamente. El gótico se originó a mediados del siglo XII en el norte de Francia, en el siglo XIII se extendió al territorio de la Alemania moderna, Austria, la República Checa, España e Inglaterra. El gótico penetró en Italia más tarde, con gran dificultad y una fuerte transformación, lo que propició el surgimiento del "gótico italiano". A finales del siglo XIV, Europa se vio envuelta por el llamado gótico internacional. El gótico penetró en los países de Europa del Este más tarde y permaneció allí un poco más, hasta el siglo XVI.
Arquitectura. La catedral de la ciudad se convirtió en el principal tipo arquitectónico: el sistema de marcos de la arquitectura gótica (los arcos ojivales descansan sobre pilares; el empuje lateral de las bóvedas de crucería dispuestas sobre nervaduras se transmite a los contrafuertes mediante arbotantes) hizo posible crear interiores de catedrales sin precedentes. en altura y amplitud, para atravesar los muros con enormes ventanales con vitrales multicolores. La aspiración de la catedral hacia arriba se expresa mediante gigantescas torres caladas, ventanas ojivales y portales, estatuas curvas y ornamentación compleja. Los portales y las barreras de los altares estaban completamente decorados con estatuas, grupos escultóricos y ornamentos. Los portales estaban presididos por tres temas de decoración escultórica: el Juicio Final, el ciclo dedicado a María y el ciclo asociado a la patrona del templo o al santo local más venerado. En las fachadas y el techo se colocaron esculturas de animales fantásticos (quimeras, gárgolas). Todo esto tuvo un fuerte impacto emocional en los creyentes. El lirismo y la tragedia, la espiritualidad sublime y la sátira social, el grotesco fantástico y las observaciones precisas de la vida se entrelazaron orgánicamente en el arte del gótico. Las obras destacadas de la arquitectura gótica son: en Francia - Catedral de Notre Dame, catedrales en Reims, Amiens, Chartres; en Alemania - la catedral de Colonia; en Inglaterra - Abadía de Westminster (Londres), etc.
Escultura. Los principales rasgos que caracterizan a la escultura gótica se pueden resumir de la siguiente manera: en primer lugar, el dominio en los conceptos artísticos del principio abstracto es sustituido por el interés por los fenómenos del mundo real, los temas religiosos conservan su posición dominante, pero sus imágenes cambian, dotadas de características de la humanidad profunda.
Al mismo tiempo, va aumentando el protagonismo de las tramas profanas, y la trama empieza a ocupar un lugar importante, aunque no de forma inmediata.En segundo lugar, aparece la plástica redonda y juega un papel preponderante, aunque también existe el relieve.
El Juicio Final siguió siendo uno de los temas más habituales del gótico, pero el programa iconográfico se está ampliando. El interés por el hombre y la atracción por lo anecdótico de la historia encontraron expresión en la representación de escenas de la vida de los santos. Un ejemplo destacado de representación de leyendas sobre santos es el tímpano "La historia de San Esteban" que data del último cuarto del siglo XIII en el portal de la catedral de Notre Dame.
La inclusión de motivos reales también es característica de muchos pequeños relieves. Al igual que en las iglesias románicas, las imágenes de monstruos y criaturas fantásticas, las llamadas quimeras, ocupan un gran lugar en las catedrales góticas.
Cuadro. En la Edad Media, la pintura se convirtió en una de las formas de arte más importantes. Los cambios en la vida de la sociedad y las nuevas técnicas dieron a los artistas la oportunidad de crear obras realistas imbuidas de un profundo humanismo, que estaban destinadas a hacer una verdadera revolución en el arte de Europa Occidental. El estilo alegre y elegante de las artes visuales se manifestó más claramente en el retrato (pintura y lápiz) de maestros tan notables como J. Fouquet (también conocido como un destacado maestro de la miniatura), J. y F. Clouet, Cornel de Lyon. .
Desde 2800 a.C. mi. hasta el 2300 a.C. mi. en las Cícladas, treinta pequeñas islas en el mar Egeo en Grecia, nació un estilo definido como "arte cicládico". Los rasgos característicos de este estilo eran figuras predominantemente femeninas con las rodillas ligeramente dobladas, las manos dobladas debajo del pecho y la cabeza plana. Las dimensiones del arte de las Cícladas iban desde estatuas de tamaño humano hasta pequeñas figurillas, de no más de unos pocos centímetros de altura. Es razonable suponer que la idolatría era muy común.
Esculturas cicládicas en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas
ídolo cicládico
"Flautista", Museo Arqueológico Nacional. Atenas
"Violín", 2800 a. C., Museo Británico, Londres
El arte de las Cícladas se ha convertido en una fuente de inspiración para muchos artistas contemporáneos que aprecian la moderación y la sofisticación de las líneas simples y la geometría, el minimalismo. La influencia del arte cicládico se puede ver en las obras de Modigliani, especialmente en su escultura "Cabeza de mujer", así como en la obra de otros artistas, incluido Picasso.
Amedeo Modigliani, Jefe, 1910, Galería Nacional de Arte, Washington
Figurilla cicládica y Modigliani
Pablo Picasso, Mujer, 1907, Museo Picasso, París
Giorgio de Chirico, Héctor y Andrómaca
henry moore
Constantin Brancusi, Musa, 1912
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hans arp
Bárbara Hepworth
Alberto Giacometti
Hace dos semanas visité en Nueva York una exposición dedicada al futurismo italiano. Los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX son mi especial predilección. El mundo estaba cambiando rápidamente, la gente intentaba mantenerse al día con los tiempos, a veces adelantando, a veces sin seguir el ritmo del progreso, y todo este caos dio lugar a muchas decisiones y direcciones artísticas interesantes. Para entender el futurismo es necesario conocer la historia de su creación, así como recordar el contexto histórico de los países en los que se desarrolló especialmente este movimiento: Italia y Rusia de aquellos años.
Destruye lo viejo, lava los museos, las viejas experiencias y las autoridades para abrir el mundo a lo nuevo: autos, velocidad, agresividad. Para presentar de una vez los postulados básicos de este nuevo movimiento, he aquí algunas citas del Manifiesto de Marinetti, publicado en Le Figaro el 20 de febrero de 1909:
- Decimos: nuestro hermoso mundo se ha vuelto aún más hermoso, ahora tiene velocidad. Debajo del maletero de un coche de carreras, los tubos de escape serpentean y escupen fuego. Su rugido es como una ráfaga de ametralladora, y ninguna Nika de Samotracia puede compararse en belleza con ella.
- Queremos cantar de un hombre al timón de un carro que lanza una lanza de su espíritu sobre la Tierra, en su órbita.
Destruiremos museos, bibliotecas, instituciones educativas de todo tipo, lucharemos contra el moralismo, el feminismo, contra cualquier cobardía oportunista o utilitaria.
Ser futurista es ser moderno, joven y rebelde. Una metrópolis industrial, automóviles y velocidad: los seguidores del futurismo celebran la destrucción y glorifican la guerra. Buscan dar nueva vida a una cultura vieja y estática.
En Rusia, en 1912, también apareció un manifiesto que acompañaba a la primera colección de poesía Slap in the Face of Public Taste, que acompañaba al Manifiesto ruso del mismo nombre. Compara postulados:
- El pasado es apretado. La Academia y Pushkin son más incomprensibles que los jeroglíficos. Lanza a Pushkin, Dostoievski, Tolstoi, etc. y así. del barco Modernidad.
- Lávate las manos que han tocado el fango inmundo de los libros escritos por esos innumerables Leonid Andreevs. A todos estos Maxim Gorky, Kuprin, Blok, Sologub, Averchenko, Cherny, Kuzmin, Bunin, etc. y así. - Todo lo que necesitas es una cabaña en el río. Tal premio es otorgado por el destino a los sastres. ¡Desde la altura de los rascacielos miramos su insignificancia!
En mi opinión, el manifiesto ruso tiene una carga más destructiva que el italiano, y no es sorprendente: tales eran los estados de ánimo en el país antes de la revolución.
El futurismo tiene su origen en la literatura, pero muy pronto toma otras formas: pintura, política, incluso publicidad. La energía de la juventud y la velocidad desborda en estos jóvenes revolucionarios, es imposible permanecer indiferente ante la carga de energía que portan. Si te parece que piensas progresivamente, relájate: los futuristas ya han pensado en todo antes que tú.
Y con este conocimiento llego a la exposición del Futurismo italiano en el Guggenheim, 1909-1944.
En total, la exposición presenta siete temas, mostraré los fragmentos más memorables de cada uno de ellos presentados en la exposición.
Tema uno: Futurismo heroico. Esta fase duró hasta 1916. El comienzo del movimiento futurista se distingue por una atmósfera de optimismo, dinamismo y ritmo. Los futuristas buscaron transmitir la dinámica de diferentes maneras. Por ejemplo, Giacomo Balla estudió en detalle y trató de representar la dinámica universal a través de la estratificación del movimiento, por ejemplo, a través de la imagen de la dispersión de la luz (la imagen no se muestra en la exposición):
Giacommo Balla, Interpenetración iridiscente n.° 7, 1912
El vocabulario visual de Giacomo Balla consistió en combinar los principios de dinámica y sincronicidad, con el intento de transmitir una atmósfera de luz, sonido y olores.
Otros dos futuristas, Umberto Boccioni y Gino Severini, buscaron representar el efecto del movimiento a través de un objeto. Boccioni transmitió el movimiento a través de un cuerpo deportivo, combinando la figura de una persona y el paisaje circundante. Aléjate de la pantalla y verás como la imagen de abajo se convierte en la imagen de un ciclista volando a gran velocidad (la imagen no se muestra en la exposición):
Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista” 1913
Severini, mi futurista italiano favorito, crea su concepto de representar la dinámica a través del cambio de espacio en la imagen, a través de la fragmentación, conectando el espacio desplazado y desproporcionado, agregando un efecto de mosaico fragmentado a los objetos cotidianos (tomó prestada esta idea de los cubistas).
Puedo admirar esta imagen durante horas, mirando el extraño entrelazamiento del paisaje, el tren a toda velocidad y el pueblo. Aunque no te dejes llevar por esta magia de los fragmentos la primera vez, piensa cómo representarías el movimiento de un tren de alta velocidad (no un tren de alta velocidad, sino su movimiento) y compara con lo que hizo Severini :
G. Severini "Tren ambulancia corriendo por la ciudad", 1915
También quiero mencionar la foto de Carr, el funeral del anarquista Galli. El tema de la imagen era una escaramuza en el funeral de Angelo Galli, asesinado por la policía en un ataque. El gobierno temía que los anarquistas hicieran una demostración política del funeral y les prohibió entrar al cementerio. Las escaramuzas no se pudieron evitar, los anarquistas comenzaron a resistir y la policía los reprimió brutalmente. El artista estuvo presente en esta escena; y su obra está llena de vívidos recuerdos de una escena cruel y caótica: el movimiento de los cuerpos, el choque de anarquistas y policías, banderas negras ondeando en el aire. El artista escribiría más tarde en sus memorias: “Vi ante mí un ataúd cubierto de claveles rojos, balanceándose peligrosamente sobre los hombros de las personas que lo cargaban. Vi caballos inquietos, garrotes y lanzas, choques, y me parecía que en cualquier momento el cadáver caería al suelo y sería pisoteado por los caballos”…
Carlo Carrà, Funeral del anarquista Galli (Funerali dell'anarchico Galli), 1910–11
Tema dos. Palabras-en-libertad, o, como en el manifiesto ruso, “palabra-innovación”. Como ya escribí, el futurismo comenzó con la poesía y su invención clave es la forma libre de la poesía. Siguiendo a Marinetti, los futuristas liberan las palabras de su forma habitual, destruyen la sintaxis, anulan la puntuación, eliminan adjetivos y adverbios, usan verbos en forma indefinida, insertan símbolos musicales y matemáticos en la poesía, usan onomatopeyas (onomatopeya). Dichos poemas se leen como literatura, se experimentan como arte visual y se interpretan como obras dramáticas. Los futuristas los publican en una variedad de formatos y los recitan en veladas especiales (serato futurista). Marinetti introdujo la idea de la poesía sin forma, muchos futuristas inventaron sus propias interpretaciones. La “Escalera” de Mayakovsky nos es más familiar como esta parte de la obra de los futuristas, pero hubo otros: Balla con construcciones fonovisuales, Fortunato Depero y el lenguaje abstracto de los sonidos (onomalingua), la estructura circular de Carlo Carr con un torbellino de voces y sonidos
Francesco Cangiullo, Piedigrotta. Libro (Milán: Edizioni futuriste di Poesia, 1916)
Tema tres. Arquitectura. El futurismo, con su rechazo de la tradición y la extravagancia, solo podía existir dentro de la ciudad, y los futuristas se deleitaban con la ciudad moderna. Muchos arquitectos propusieron sus diseños para áreas metropolitanas, utilizando nuevos materiales y métodos industriales. Los proyectos futuristas tienen un aspecto altísimo, ligereza, modernidad, con énfasis en la velocidad y el buen funcionamiento de los sistemas de transporte (el transporte aéreo y ferroviario debe encajar perfectamente en la arquitectura urbana). Sus proyectos no estaban destinados a convertirse en realidad, a excepción de algunas estructuras futuristas erigidas para ferias temporales según bocetos de Enrico Prampolini. Compara boceto y realidad:
Enrico Prampolini, Diseño de vestíbulo, decoración y mobiliario para Aeronautica Company: Plan para la Instalación Trienal de Milán, ca. 1932-1933
El Pabellón Futurista de la exposición en el Parco Valentino de Turín (1928) fue diseñado por Enrico Prampolini.
Entonces sus ideas no estaban destinadas a hacerse realidad, pero ahora miren las ciudades modernas: ¿no es este el sueño de los futuristas?
Tema cuatro. Reconstruyendo el universo. Poesía, literatura, pintura: esto no fue suficiente. Para mover los viejos ideales y vivir en el nuevo tiempo, fue necesario cambiar cada detalle del mundo cotidiano. En 1915, Balla y Depero, ya conocidos por nosotros, escriben otro manifiesto, que me encanta especialmente por su título: "Reconstrucción del Universo". Utilizando un lenguaje habitualmente agresivo, piden la reconstrucción de todos los objetos del mundo que les rodea, exigiendo incluso juguetes futuristas. Un futurista debe estar rodeado de un ambiente futurista, ropa nueva, nuevo diseño de locales, nuevos muebles, platos y ropa. Balla y Depero crearon tales espacios en sus vidas: uno reconstruyó una casa en Roma, el otro un estudio en su ciudad natal de Roverto. La exposición contó con muchos elementos de diseño futurista: cerámica, servicios, chalecos y trajes. Ahora todo parece bastante divertido y ciertamente no corresponde a la visión futurista del diseño a la que estamos acostumbrados. Para mí, el diseño futurista es holandés y escandinavo. Pero si los futuristas no hubieran recurrido a tales minucias, ¿quién sabe si habríamos obtenido un diseño moderno (así como una arquitectura) en la forma en que se encuentra ahora?
Lo que más me sorprende aquí es la escala: desde velocidades y aviones hasta juegos de té. ¿Cómo puede coexistir tanto y tan poco en una idea? Me parece que la nacionalidad es de gran importancia aquí, la estética de la vida cotidiana es importante para los italianos, pero en el futurismo ruso todo terminó al nivel de las ideas globales, sin juegos de té.
Gerardo Dottori, juego de comedor para el hogar Cimino, principios de la década de 1930
Tema cinco. Arte meccanica, o la estética de las máquinas. Después de la Primera Guerra Mundial, nuevos artistas llegaron al futurismo, aportando nuevas cualidades, una de las cuales fue la estética de los objetos mecánicos. No puedo decir que esto sea algo fundamentalmente nuevo en el futurismo, ya que inicialmente el movimiento se basó en la glorificación del progreso y la velocidad. Los nuevos miembros del movimiento enfatizaron el interés perdurable de los futuristas por los objetos mecánicos. El poderoso tren representado en la pintura de Ivo Panadji rueda en diagonal hacia ti, lo que realza el efecto de presencia (¡hola, fanáticos de 3D!). Escuchas el silbido ensordecedor del tren, el ruidoso trabajo del motor. Panaji no pinta un cuadro, transmite una experiencia sensorial. Las técnicas artísticas utilizadas aquí transmiten movimiento, velocidad y potencia. Mire esta imagen, transmite la trayectoria del tren en fragmentos (como Severini), o, más simplemente, como en la animación, en partes:
Ivo Pannaggi, Tren a toda velocidad (Treno in corsa), 1922
Tema seis. Aeropittura o pintura inspirada en el vuelo. Volando o buceando, a veces simplemente abstracto, la pintura aérea apareció en 1930, en una etapa tardía del futurismo. Los aviones encajan perfectamente en la idea del culto a los coches en el futurismo, tanto como símbolo de progreso como encarnación de la velocidad, por lo que inmediatamente desplazan el foco hacia sí mismos, dejando atrás coches y trenes. Además, los aviones abren nuevas perspectivas sobre objetos familiares debido a nuevos ángulos de visión nunca antes vistos. La pintura aérea comienza con una simple documentación de vuelos y continúa con la representación de volar en el espacio. Representa un nuevo enfoque del mundo, que combina velocidad, tecnología, guerra y orgullo nacional. A principios de los años treinta en Italia, está claro que los sentimientos nacionalistas eran muy fuertes, y el poder y el equipo técnico del ejército italiano incitaron a los futuristas a aumentar el orgullo nacional. Parecería que los futuristas tenían todo para convertirse en arte oficial en la Italia fascista: esta es la glorificación del progreso, la adoración de la agresión y la guerra, la negación del viejo mundo y la destrucción. Un matiz interfirió: Hitler no podía soportar el "arte degenerado" (cualquier arte no clásico), y finalmente obligó a Mussolini a deshacerse del favoritismo de los futuristas.
Gerardo Dottori, Batalla aérea sobre el golfo de Nápoles o Batalla infernal sobre el paraíso del golfo, 1942
Tema siete. Foto. Los futuristas no podían ignorar la fotografía, que comenzaron a adaptar a partir de 1911. Los hermanos Bragaglia buscaron dar vida a la pintura y desarrollaron todo un método de captura del movimiento: el fotodinamismo. El movimiento de la figura en sus fotografías suele ir de derecha a izquierda, con etapas borrosas del inicio del movimiento. Después de estos experimentos, los futuristas dejaron la fotografía hasta la década de 1930, hasta que Marinetti, en colaboración con Tato, en su siguiente manifiesto (¡nadie tenía tantos manifiestos!) declaró a la fotografía una excelente herramienta para eliminar las barreras entre el arte y la vida, ya que con With con la ayuda de una cámara, uno puede tanto crear arte como explorar su función social (sin embargo, Tato usó la cámara para propósitos diametralmente opuestos, sus obras expresaron apoyo ideológico al régimen fascista).
Anton Giulio Bragaglia, Saludando (Salutando), 1911
En 1944 muere el fundador e inspirador ideológico del futurismo, Marinetti. Con su muerte, el futurismo también deja de existir. El futurismo ruso comenzó a desaparecer incluso antes, a fines de la década de 1920, con el establecimiento del poder soviético en Rusia, y finalmente sobrevivió con la muerte de Mayakovsky y la emigración de los principales autores (sin embargo, en Rusia, el futurismo fue más una corriente literaria que uno de pintura). Autores que partieron del futurismo se sumaron a otras corrientes.
¿Qué aportó el futurismo a la humanidad? La manera escandalosa y agresiva, característica del futurismo, ayudó a popularizar y glorificar el progreso. El desarrollo moderno del arte le debe mucho al futurismo: sus méritos incluyen la liberación de la poesía de la forma habitual, las representaciones poéticas, una nueva mirada a la imagen del movimiento, la fragmentación de la velocidad. La negación de la autoridad es siempre una búsqueda de una nueva, siempre una expansión de una visión familiar del mundo que nos rodea. La búsqueda de nuevos ideales y la creación de nuevas normas ayuda a la humanidad a no quedarse quieta, ayuda a desarrollarse. Y, por supuesto, el canto del "hermoso lejano", el progreso, el poder del pensamiento humano, por este deseo de un mundo ideal, gracias especiales a ellos.
