Японская живопись - это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.
Восток - это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю японские художники. Современные именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.
В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская деревья, скалы, животные и птицы - всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность - именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.
Контраст - ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.
Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).
Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.
Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.
В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.
Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов - излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку - так выглядит обычная картина 17-18 века.
Животные - тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства.
Мир фауны - ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы - журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи - все они встречаются в рисунках восточных мастеров.
Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои - японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои - своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.
Люди в японской живописи - особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.
Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.
Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного - символ истории, культуры и философии Азии.
Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные были детально прорисованы и похожи на проволоку.
Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это - символ силы и военной мощи Японии.
Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин - то, чем изобилуют такие произведения искусства.
Традиционный японский пейзаж - горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным - обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки - картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины - ещё одно замечательное качество японской культуры.
Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.
Япония - одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета - то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.
Монохромная живопись Японии - одно из уникальных явлений искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не так.Духовный мир японского художника очень богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной. ИскусствоВостока - это синтез внешнего и внутреннего, явного и неявного.
В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории
монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.
ширма "Сосны" Хасэгава Тохаку, 1593г.
То, что мы видим на монохромных картинах - это результат взаимодействия художника сосновной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.
"Пейзаж" Сэссю, 1398г.
Бумага
для японского мастера не просто подручный материал,
который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот - это «собрат», поэтому и
отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы,
к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а
мирно сосуществовать с ней. Бумага - это в прошлом дерево, которое стояло в
определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она
все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера
прежде чем начать работу, долго смотрели
на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали кживописи. Даже сейчас современные японские
художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская
живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных
фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и
фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики не продавать эту бумагу другим художникам) -
поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.
"Читая в бамбуковой роще" Сюбун, 1446г.
Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие
известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи
моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить
сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на
которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а манера написания текста соответствовала ее
фактуре.
"Мурасаки Сикибу в храме Исияма" Кёсэн
Кисть
- вторая составляющая, это продолжение руки мастера
(опять же - это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но
чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер
кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой
другой. (Из личного опыта: была на мастер-классе
китайского художника Цзян Шилуня,зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на
мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что
получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и
не знают как правильно ей пользоваться).
"Фудзи" эскиз тушью Кацусика Хокусай
Тушь - третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.
Ямамото Байцу, конец XVIII - XIX век.
Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в
них нет цвета?
Парная ширма "Сосны", Хасэгава Тохаку
Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение - всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность - это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна - они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал - в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.
Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.
В-третьих,это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.
Почему большая часть пространства бумаги не задействована?
"Пейзаж" Сюбун, середина XV века.
Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителяв изображение; во-вторых, изображение
создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот
исчезнет - это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих, на тех областях, где нет туши на первый план
выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на
деле это всегда взаимодействие двух материалов - бумаги и туши).
Сэссю, 1446г.
Почему пейзаж?
"Созерцание водопада" Гэйами, 1478г.
Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее
человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять.
Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они
всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин,
которые вписаны в окружающее их пространство и даже не всегда заметны - это все символы
мировоззрения.
"Времена года: Осень и Зима" Сэссю. "Пейзаж" Сэссю, 1481г.
В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника - это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.
Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.
Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание.
Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание. Элегантное искусство являет миру картины, представляющие собой ширмы, росписи на стенах, свитки из шелка или бумаги, веера, станковые картины и гравюры.
Японскую живопись отличает большое количество разнообразных жанров и стилей. Ведущее место в японской живописи, как и в литературе, занимает природа. Она преподносится в качестве хранителя божественного начала. Японская живопись берет свое начало в китайском искусстве, поэтому ее жанры очень схожи с жанрами Поднебесной. В наше время многие японские художники предпочитают проходить обучение именно в Китае.
Живопись в Японии имеет в своей истории развития несколько этапов. Каждый из них отличается своеобразными характеристиками и особенными чертами.
Начальным этапом развития считается временной промежуток с середины седьмого века по конец восьмого века, называемый Нара . В этот период был расписан храм Хорюдзи, он является отличным доказательством влияния на японскую культуру индийской и китайской традиции.
Следующий период развития японской живописи называется Хэйан . Он прославлен активным процветанием храмовой живописи и примерами светского искусства изображения. В этот период создаются иллюстрации к романам и повестям, призванным развлекать знатных господ.
Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни. Настроение японской живописи круто меняется. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. В этот период сделан большой шаг в сторону реалистичного изображения, а также придания картине практически военного характера. Характерные сюжеты живописи — батальные сцены из мифов и истории, религиозные сцены из буддийской традиции. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.
В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Философия дзэн-буддизма оказала значительное влияние на живопись, в результате чего популярность приобрело пейзажное искусство. Особенную элегантность получила монохромная техника. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Самый известный художник Японии того времени Тоё Ода, специализировавшийся на написании пейзажей, создал первые картины, когда путешествовал по Поднебесной. Развил направление он уже на родине.
Вышеописанная тенденция активно развивалась и дополнялась во время двух следующих периодов развития японской живописи — Монояма и Эдо . Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Художники не побоялись экспериментов и стали применять приемы, ранее использовавшиеся в живописи на свитках и ширмах, в настенной росписи. Пейзажи и массовые сцены стали дополняться психологическими историями, демонстрирующими героя в момент сильного эмоционального напряжения. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве. Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Бытописательная гравюра активно развивалась в творчестве Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро.
Который охватывает множество техник и стилей. За всю историю существования она претерпела большое количество изменений. Добавлялись новые традиции и жанры, а также оставались исконные японские принципы. Наряду с удивительной историей Японии живопись также готова представить множество уникальных и интересных фактов.
Первые стили появляются в самый древний исторический период страны, еще до н. э. Тогда искусство было довольно-таки примитивным. Сначала, в 300 году до н. э., появились различные геометрические фигуры, которые выполнялись на гончарных изделиях при помощи палочек. К более позднему времени относится такая находка археологов, как орнамент на бронзовых колоколах.
Чуть позже, уже в 300 году н. э., появляются наскальные рисунки, которые намного разнообразнее геометрического орнамента. Это уже полноценные изображения с образами. Их находили внутри склепов, и, вероятно, люди, которые нарисованы на них, являлись захороненными в этих могильниках.
В 7-м веке н. э. Япония принимает письменность, которая приходит из Китая. Примерно в это же время оттуда поступают первые картины. Тогда появляется живопись как отдельная сфера искусства.
Эдо - это далеко не первая и не последняя живописи, однако в культуру именно она принесла много нового. Во-первых, это яркость и красочность, которые добавлялись в привычную технику, выполняемую в черных и серых тонах. Наиболее выдающимся художником этого стиля считается Сотасу. Он создавал классические картины, но его персонажи были очень красочными. Позже он переключился на природу, и большинство пейзажей выполнялись на фоне из позолоты.
Во-вторых, в период Эдо появилась экзотика, жанр намбан. В нем использовались современные европейские и китайские техники, которые переплетались с традиционными японскими стилями.
И в-третьих, появляется школа Нанга. В ней художники сначала полностью имитируют или даже копируют произведения китайских мастеров. Затем появляется новое ответвление, которое получило название бунджинга.
Период Эдо сменяет Мейджи, и теперь японская живопись вынуждена выйти на новый этап развития. В это время по всему миру становились популярными такие жанры, как вестерн и ему подобные, поэтому модернизация искусства стала обычным положением вещей. Однако в Японии, стране, где все люди почитают традиции, в данное время положение вещей значительно отличалось от того, что происходило в других странах. Здесь остро вспыхивает конкуренция между европейскими и местными техниками.
Правительство на этом этапе отдает свое предпочтение молодым художникам, которые подают большие надежды на совершенствование навыков в западных стилях. Поэтому они отправляют их в школы Европы и Америки.
Но так было только в начале периода. Дело в том, что известные критики довольно-таки сильно раскритиковали западное искусство. Чтобы избежать большого ажиотажа вокруг этого вопроса, европейские стили и техники стали запрещать на выставках, их показ прекратился, как, впрочем, и популярность.
Далее наступает период Тайшо. В это время молодые художники, которые уезжали учиться в зарубежных школах, приезжают обратно на родину. Естественно, с собой они привозят новые стили японской живописи, которые очень похожи на европейские. Появляется импрессионизм и постимпрессионизм.
На данном этапе образуется множество школ, в которых возрождаются древние японские стили. Но полностью избавиться от западных тенденций не удается. Поэтому приходится совмещать несколько техник, чтобы угодить как любителям классики, так и поклонникам современной европейской живописи.
Некоторые школы финансируются государством, благодаря чему удается сохранить многие из национальных традиций. Частники же вынуждены идти на поводу у потребителей, которые хотели чего-то нового, они устали от классики.
После наступления военного времени японская живопись некоторое время оставалась в стороне от событий. Она развивалась отдельно и самостоятельно. Но вечно продолжаться так не могло.
Со временем, когда политическая ситуация в стране становится все хуже, высокие и уважаемые деятели привлекают многих художников. Некоторые из них еще в начале войны начинают творить в патриотических стилях. Остальные приступают к этому процессу только по приказу властей.
Соответственно, особо развиваться японское изобразительное искусство в период ВОВ было неспособно. Поэтому для живописи его можно назвать застойным.
Японская живопись суми-э, или суйбокуга, в переводе означает «рисование тушью». Это и определяет стиль и технику данного искусства. Оно пришло из Китая, но японцы решили назвать его по-своему. И изначально техника не имела какой-либо эстетической стороны. Ее использовали монахи для самосовершенствования во время изучения Дзен. Более того, сначала они рисовали картины, а впоследствии тренировали концентрацию при их просмотре. Монахи полагали, что совершенствованию помогают строгие линии, расплывчатые тона и тени - все то, что называется монохромностью.
Японская живопись тушью, несмотря на большое разнообразие картин и техник, является не настолько сложной, как может показаться на первый взгляд. В ее основу входят всего 4 сюжета:
Малое количество сюжетов не делает освоение техники быстрой. Некоторые мастера полагают, что учеба длится всю жизнь.
Несмотря на то что суми-э появилась давно, она востребована всегда. Более того, сегодня встретить мастеров этой школы можно не только в Японии, она распространена и далеко за ее пределами.
По окончании ВОВ искусство в Японии процветало только в крупных городах, сельчанам и деревенским жителям хватало забот. По большей части художники старались отвернуться от потерь военных времен и изобразить на холстах современную городскую жизнь со всеми ее прикрасами и особенностями. Успешно принимались европейские и американские идеи, но такое положение вещей сохранялось недолго. Многие мастера начали постепенно отходить от них в сторону японских школ.
Оставался модным всегда. Поэтому современная японская живопись может отличаться только по технике исполнения либо материалам, которые используются в процессе. Но большинство художников плохо воспринимают различные новшества.
Нельзя не отметить модные современные субкультуры, такие как аниме и похожие стили. Многие художники стараются стереть грань между классикой и тем, что востребовано сегодня. По большей части такое положение вещей обусловлено коммерцией. Классику и традиционные жанры фактически не покупают, соответственно, невыгодно работать художником в любимом жанре, нужно подстраиваться под моду.
Несомненно, японская живопись представляет собой целый кладезь изобразительного искусства. Пожалуй, рассматриваемая страна осталась единственной, которая не пошла на поводу у западных тенденций, не стала подстраиваться под моду. Несмотря на множество ударов во времена прихода новых техник, художники Японии все-таки смогли отстоять национальные традиции во многих жанрах. Вероятно, именно поэтому в современности на выставках очень высоко ценят картины, выполненные в классических стилях.
Имеет очень богатую историю; её традиция обширна, при этом уникальное положение Японии в мире в значительной степени повлияло на доминирующие стили и техники японских художников. Известный факт, что Япония была весьма изолирована в течение многих столетий, обусловлен не только географией, но также и доминирующей японской культурной склонностью к изоляции, которая обозначила историю страны. В течение столетий существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от тех, что были в остальном мире. И это даже заметно в практике японской живописи. Например, картины Нихонга являются одними из основных произведений практики японской живописи. Она основана на более чем тысячелетней традиции, а картины обычно создаются кистями на ваши (японская бумага) или егину (шёлк).
Тем не менее, японское искусство и живопись находились под влиянием иностранных художественных практик. Сначала, это было китайское искусство в XVI веке и китайская живопись и китайская традиция искусства, которая была особенно влиятельной в нескольких аспектах. По состоянию на XVII век японская живопись также находилась под влиянием западных традиций. В частности, в довоенный период, который длился с 1868 по 1945 год, на японскую живопись повлиял импрессионизм и европейский романтизм. В то же время на новые европейские художественные движения также значительно влияли японские художественные техники. В истории искусства это влияние называют «японизмом», и оно особенно существенно для импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модернизмом.
Длинная история японской живописи может рассматриваться как синтез нескольких традиций, которые создают части признанной японской эстетики. Прежде всего, буддистское искусство и методы живописи, так же как и религиозная живопись, оставили существенный след на эстетике японских картин; водно-тушевая живопись пейзажей в традиции китайской литературной живописи - другой важный элемент, признанный во многих знаменитых японских картинах; живопись животных и растений, особенно птиц и цветов - это то, что обычно связано с японскими композициями, как и пейзажи и сцены из повседневной жизни. Наконец, большое влияние на японскую живопись имели древние представления о красоте из философии и культуры Древней Японии. Ваби, что означает кратковременную и суровую красоту, саби (красота натуральной патины и старения) и югэн (глубокая грация и тонкость) по-прежнему влияют на идеалы в практике японской живописи.
Наконец, если мы концентрируем внимание на выборе десять самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть укиё-э, который является одним из самых популярных жанров искусства в Японии, даже несмотря на то, что он относится к гравюре. Он доминировал в японском искусстве с XVII - XIX век, при этом художники, принадлежащие к этому жанру создавали ксилографии и картины с такими предметами как красивые девушки, актёры Кабуки и борцы сумо, а также сцены из истории и народных сказок, сцены путешествии и пейзажи, флора и фауна и даже эротика.
Всегда сложно составлять список лучших картин из художественных традиций. Многие удивительные произведения будут исключены; однако в этом списке представлены десять самых узнаваемых японских картин в мире. В этой статье будут представлены только картины, созданные с XIX века по сегодняшний день.
Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. На протяжении веков японские художники разработали большое количество уникальных техник и стилей, которые являются самым ценным вкладом Японии в мир искусства. Одна из этих техник - суми-э. Суми-э буквально означает «чернильный рисунок», сочетающий в себе каллиграфию и рисование чернилами для создания редкой красоты композиций, нарисованных кистями. Эта красота парадоксальна - древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но подчиненная, несомненно, отражающая духовную основу искусства в дзен-буддизме. Буддийские священники завезли твёрдочернильный брикет и бамбуковую кисть в Японию из Китая в шестом веке, а за последние 14 столетий Япония разработала богатое наследие тушевой живописи.
Одна из самых узнаваемых японских картин - «Сон жены рыбака». Она была написана в 1814 году известным художником Хокусаем. Если следовать строгим определениям, эту удивительное произведение Хокусая нельзя рассматривать как живопись, так как оно является ксилографией жанра укиё-э из книги «Молодые сосны» (Kinoe no Komatsu), которая представляет собой трёхтомную книгу сюнга. В композиции изображена молодая ныряльщица ама, обвитая сексуально парой осьминогов. Этот образ был весьма влиятельным в XIX и XX веках. Работа повлияла на более поздних художников, таких как Фелисьен Ропс, Огюст Роден, Луис Окок, Фернан Кнопф и Пабло Пикассо .
Тессай Томиока - псевдоним известного японского художника и каллиграфа. Он считается последним крупным художником в традиции бунцзинга и одним из первых крупных художников стиля Нихонга. Бунцзинга была школой японской живописи, которая процветала в эпоху позднего Эдо среди художников, которые считали себя литераторами или интеллектуалами. Каждый из этих художников, включая Тессайя, разработал свой собственный стиль и технику, но все они были большими поклонниками китайского искусства и культуры.
Фудзисима Такэдзи был японским художником, известным за труд по развитию романтизма и импрессионизма в художественном движении йога (западный стиль) в конце XIX - начале XX века. В 1905 году он отправился во Францию, где на него повлияли французские движения того времени, в частности, импрессионизм, что можно увидеть в его картине «Восход солнца над Восточным морем», который была написана в 1932 году.
Китагава Утамаро был выдающимся японским художником, который родился в 1753 году и умер в 1806 году. Он, безусловно, наиболее известен серией под названием «Десять типов женских лиц. Коллекция властвующих красавиц, темы большой любви классической поэзии» (иногда называемая «Женщины в любви», содержащая отдельные гравюры «Обнажённая любовь» и «Задумчивая любовь»). Он является одним из наиболее значительных художников, принадлежащих к жанру ксилографии укиё-э.
Каванабэ Кёсай был одним из самых известных японских художников периода Эдо. Его искусство находилось под влиянием творчества Тохаку, художник школы Кано XVI века, который был единственным художником своего времени, рисовавший ширмы полностью тушью на нежном фоне из порошкового золота. Хотя Кёсай известен как карикатурист, он написал некоторые из самых известных картин в японской истории искусства XIX века. «Тигр» - одна из тех картин, для создания которой Кёсай использовал акварель и чернила.
Хироси Ёсида известен как один из самых крупных фигур стиля син-ханга (син-ханга - это художественное движение в Японии в начале XX века, в периоды Тайсё и Сёва, которое возродило традиционное искусство укиё-э, пустившее свои корни в период Эдо и Мэйдзи (XVII - XIX вв)). Он обучался традиции западной живописи маслом, которая была заимствована в Японии в период Мэйдзи.
Такаши Мураками, вероятно, самый популярный японский художник современности. Его работы продаются за астрономические цены на крупных аукционах, а творчество уже вдохновляет новые поколения художников не только в Японии, но и за её пределами. Искусство Мураками включает в себя целый ряд сред и обычно описывается как суперплоскость. Его творчество известно использованием цвета, включением мотивов из японской традиционной и популярной культуры. Содержание его картин часто описывается как «милое», «психоделическое» или «сатирическое».
Яой Кусама также является одной из самых известных японских художниц. Она творит в различных техниках, включая живопись, коллаж, скэт-скульптуру, перфоманс, энвайронментальное искусство и инсталляцию, большинство из которых демонстрируют её тематический интерес к психоделическим цветам, повторению и узору. Одной из самых известных серий этой великой художницы является серия «Тыква». Покрытая узором горошек обычная тыква ярко-жёлтого цвета представлена на фоне сети. В совокупности все такие элементы образуют визуальный язык, который безошибочно соответствует стилю художницы, и был развит и усовершенствован на протяжении десятилетий кропотливого изготовления и воспроизведения.
Тэммёя Хисаси - современный японский художник, который известен своими картинами в стиле нео-нихонга. Он участвовал в возрождении старой традиции японской живописи, которая представляет собой полную противоположность современной японской живописи. В 2000 году он также создал свой новый стиль butouha, который демонстрирует стойкое отношение к авторитетной художественной системе через его картины. «Японский дух № 14» был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретированной в японской культуре как мятежное поведение низшей аристократии во время периода Воюющих царств, чтобы лишить власти возможности добиваться идеального образа жизни, одеваясь в пышные и роскошные одежды и действуя по свободной воле, не соответствовавшее их социальному классу.
Наконец, «Большая волна в Канагаве», вероятно, самая узнаваемая японская картина, когда-либо написанная. Это на самом деле самое известное произведение искусства, созданное в Японии. На ней изображены огромные волны, угрожающие лодкам у берегов префектуры Канагава. Несмотря на то, что иногда принимаемая за цунами, волна, как предполагает название картины, скорее всего, просто имеет аномально большую высоту. Картина выполнена в традиции укиё-э.
