Фиолетова Татьяна, ученица 10 класса СОШ № 32 г. Рыбинск
Актуальность темы исследования связана с изучением особенностей японской гравюры. Пожалуй, это одно из немногих произведений искусства, увидев которые в лучших музеях мира, невозможно ошибиться по поводу происхождения которых. Японскими гравюрами можно любоваться часами, поражаясь их изяществу и совершенству линий, простоте композиции и замысловатости проработки деталей.
Муниципальное образовательное учреждение
средняя общеобразовательная школа № 32 им. академика А.А. Ухтомского
РЕФЕРАТ
на тему
«Особенности японской гравюры Укиё-э
и её влияние на европейскую живопись»
Выполнен
ученицей 10 класса
Фиолетовой Татьяной
Научный руководитель
Щербак Эллина Юрьевна
Рыбинск
2012 г.
Введение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .3
1. Непонятный термин Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4
1.1. История происхождения Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4
1.2. Процесс создания Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5
2. Жанры гравюры Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6
3. Влияние Укиё-э на европейскую живопись. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9
3.1. Влияние Укиё-э на творчество художников Америки и Западной Европы. . . . . . . . . .10
3.2. Влияние Укиё-э на творчество русских художников. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13
Заключение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
Литература. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17
Введение
Актуальность темы исследования связана с изучением особенностей японской гравюры. Пожалуй, это одно из немногих произведений искусства, увидев которые в лучших музеях мира, невозможно ошибиться по поводу происхождения которых. Японскими гравюрами можно любоваться часами, поражаясь их изяществу и совершенству линий, простоте композиции и замысловатости проработки деталей.
История Японии насчитывает уже более 8000 лет. По причине удалённости от остального мира в ней сформировалась своя, отличная от других цивилизация. Традиционная японская живопись, как и вся культура Японии, уникальна.
Возникшая в XVII веке в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр Укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов Укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзии.
Гравюры созданы великими художниками, которые довели это искусство практически до совершенства. Такие мастера как Утагава Тоёхару, Кацусика Хокусай и многие другие смогли запечатлеть на своих творениях самые прекрасные моменты этого быстротечного мира.
Знакомство с японским искусством оказалось плодотворным для европейских и русских художников не только на пути создания нового пластического языка, но и послужило обогащению визуального опыта мастеров, открыло им существование другого типа творческой фантазии, возможность принципиально новых точек зрения на привычное и повседневное.
Цель исследования: описание особенностей японской гравюры Укие-э.
Задачи исследования:
Практическая значимость. Результаты исследования могут быть использованы на уроках по искусству и мировой художественной культуре.
1. Непонятный термин Укиё-э
1.1. Происхождение Укиё-э
Укиё-э – это один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо. Он появился в первой половине XVII века, во второй половине XIX в. пришел в упадок. Расцветом Укиё-э считается XVIII век. Обычно под Укиё-э понимают популярные и широко распространенные в период Эдо жанровые произведения – живопись и, в особенности, гравюру. Термин Укиё, заимствованный из буддийской философии, означает буквально «мир скорби» – так именуется мир сансары, мир преходящих иллюзий, где удел человека – скорбь, страдания, болезни и смерть. Этот мир, с точки зрения традиционно мыслящих японцев, такой же иллюзорный и преходящий, как сновидение, и его обитатели не более реальны, чем существа из мира грез. В XVII веке представления об изменчивости и иллюзорности этого мира, будучи несколько переосмыслены, породили особого рода эстетику: непостоянство бытия воспринималось не только и не столько как источник страдания, а, скорее, как призыв к удовольствиям, которые дарует это непостоянство. Мир преходящих наслаждений также стал именоваться укиё, только записывался он уже другим иероглифом с тем же звучанием, буквально означавшим «плывущий», «проплывающий мимо». Укиё-э и означает «картинки плывущего мира». Есть и другой оттенок смысла: художники, работавшие в стиле укиё-э. были знакомы с принципами западного искусства и нередко использовали в своих произведениях знание законов перспективы, что было нетипично для традиционной японской живописи ямато-э («японская картина») или кара-э («китайская картина»). Поэтому для японских зрителей, привыкших к плоским изображениям, мир на картинках Укиё-э воспринимался как объемный, «всплывающий» на поверхности листа или, наоборот, «тонущий» в его глубине.
Стиль Укиё-э зародился на волне урбанизации конца XVI века , что привёло к появлению класса торговцев и мелких ремесленников, которые начали писать рассказы или повести и оформлять их рисунками. Подобные сборники носили название эхон («книга картинок»). Одним из примеров подобного искусства является издание 1608 года « Исэ-моногатари » («Повесть об Исэ») Хонами Коэцу . В подобных книгах широко использовались Укиё-э в качестве иллюстраций. Позднее гравюры стали печатать как самостоятельные произведения – какемоно (свиток с картиной или изречением) и афиши для театра кабуки .
В середине XVIII века была разработана технология получения многоцветных отпечатков, которые получили название нисики-э («парчовые картинки», также известны как эдо-э). После революции Мэйдзи в 1868 году и открытия границ в Японию завозились достижения западной цивилизации.
Укиё-э постепенно выходит из моды, заменяясь фотографией . В то же время гравюры в стиле Укиё-э стали очень популярны в западной Европе и Америке , их начинают массово скупать искусствоведы. Следует также отметить, что в токугавской Японии Укиё-э долгое время считался «низким» жанром; поэтому огромное количество работ было утеряно.
1.2. Процесс создания гравюры Укиё-э
В процессе создания гравюры Укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.
Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок прототип гравюры тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Резчик, наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, и вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая, таким образом, первую печатную форму, но уничтожая сам рисунок. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.
Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.
2. Жанры гравюры Укиё-э
Бидзин-га – общее название для произведений живописи и графики, изображающих женскую красоту в традиционном искусстве Японии , например – в печати с деревянных досок художественного направления укиё-э , являвшегося своего рода предшественником фотографии. Обозначение «бидзинга» может, таким образом, использоваться и для современных средств искусства, представляющих классический образ прекрасной японской женщины, как правило, одетой в кимоно .
Практически все мастера укиё-э создавали картины в жанре бидзинга, бывшие одной из центральных тем этого направления японского искусства. Среди художников, создававших бидзинга, следует упомянуть таких мастеров формы и новаторов в японской живописи, как Хисикава Моронобу , Китагава Утамаро , Судзуки Харунобу , Тоёхара Тиканобу , Тории Киёнага , Нисикава Сукэнобу , Ито Синсуй .
Якуся-э – (яп. - изображение актеров), жанр японской гравюры направления укиё-э, отражающий жизнь актеров театра Кабуки. Возник в кон. XII в. как оформление плаката, афиши, театральной программы. Ранние произведения якуся-э (конец XII – середина XIII в.), выполненные в технике ксилографии с яркой подкраской оттисков, создавали героический образ актера-исполнителя остродраматических ролей. Они привлекали захватывающей стремительностью действия и роскошью театральных одежд (гравюры Тории Киёнобу с фигурой обращенного к зрителям актера, как бы летящего в танце, жонглируя оружием). Во 2-й половине XIII века в гравюрах якуся-э появляются лирические сцены, портреты актеров в процессе работы, в артистической уборной. Высший этап развития жанра якуся-э – творчество Тёсюсая Сяраку (кон. XIII – нач. XIX в.). Он создал галерею портретов, в которых актер предстает в образе страдающего, ненавидящего, алчущего, сжигаемого страстями человека. В произведениях XIX в. усиливается тяга к декоративности, снижается интерес к внутреннему миру персонажей.
Японская театральная гравюра в процессе своего развития стала самоценным и самостоятельным искусством, расцвет которого пришелся на XVII – XIX вв.
Катё-э (яп. Катё-э, или катё-га «картины о цветах и птицах») – поджанр японской гравюры Укиё-э , ведущий свое происхождение из традиционного жанра китайской живописи, посвященного тому же предмету. Существовали мастера, специализирующиеся исключительно на этом жанре, хотя крупные мастера укиё-э, например, Хиросигэ , также иногда его использовали.
Охара Косон является одним из самых известных художников в жанре «Катё-э» двадцатого века .
Фукэй-га – пейзажная гравюра, получившая широкое распространение в первой половине XIX в. Расцвет пейзажного жанра в японской классической ксилографии связан с именами двух великих художников – Кацусика Хокусая (1760–1849) и Андо (Утагава) Хиросигэ (1797-1858).
В Японии много замечательных мест и великолепных пейзажей. Но всемирную известность приобрела гора Фудзияма – символ страны Восходящего Солнца. Японцы восхищаются Фудзиямой и считают её национальной святыней
Фудзияма великолепна во все времена года, она меняет свои краски в зависимости от погоды. Когда бы вы ни увидели этот действующий вулкан, он вызовет у вас особые чувства, не только открывающейся взору красотой, но и своим величием.
Японская легенда гласит, что боги сотворили «гору Фудзи» за одну ночь. Земля была взята неподалёку от Киото, на месте, где затем возникло самое большое в Японии естественное озеро Бива. Происходили эти события в 286 году до нашей эры.
Японцы во всём видят неповторимую красоту. Священный трепет и восхищение вызывает у жителей Японии вершина Фудзи, покрытая снегом. Вулкан имеет классическую коническую форму и поражает своим совершенством. На фоне голубого неба вырисовываются слегка усечённые и симметричные склоны Фудзиямы. Всё это приносит в душу покой, говорит об упорядоченности мироздания и гармонии в природе.
Высота Фудзи – 3776 метров. Гора возвышается над окружающей местностью и притягивает к себе взоры всей Японии. Является Фудзи и одной из святынь древней религии Японии – синтоизма. Японцы традиционно придерживаются веры предков и поэтому у них очень популярны паломничества к горе. Японцы считают, что хотя бы один раз в жизни каждый должен подняться на гору.
Муся-э – историко-героический жанр; изображение прославившихся в истории Японии самураев, сцен сражений. Традиционный жанр укиё-э.
3. Влияние Укиё-э на европейскую живопись
Примечательно, что самим японцам взглянуть на Укиё-э как на полноправные художественные произведения помогли иностранцы. После открытия Японии в 1855 г. для внешнего мира японские товары и произведения искусства в большом количестве завозятся в Европу и быстро находят в ней ценителей. Во время Всемирной выставки в Лондоне и Всемирной выставки в Париже были продемонстрированы японская цветная гравюра и различные кустарные изделия: фарфор, кимоно, ширмы, лаковые изделия.
В конце XIX в. многие дизайнеры ар нуво обратили свои взгляды на Восток, в особенности на Японию, в поисках вдохновения. После 200 лет изоляции Япония открыла двери Западу, а японские ремесла – от керамики и работ по металлу до архитектуры, живописи и графики – оказали огромное влияние на западных коллекционеров. На всемирной выставке в Париже в 1867 г. японское искусство и культура были представлены западному зрителю во всем разнообразии. Французский критик Филипп Бюрти описал новый стиль, возникший под влиянием японского искусства, который назвал японизмом.
Японизм (от франц. Japonisme) – направление в европейском искусстве XIX столетия, сложившееся под влиянием японской цветной ксилографии Укиё-э и художественных ремёсел. Мотивы, техника и подача цвета в японском искусстве отразились на творчестве художников импрессионистов. Значительное влияние японизм оказал также на искусство стиля модерн и на кубизм.
Основными чертами японизма являются природные темы (животные, насекомые, растения), двухмерные сложные узоры на поверхностях, простая цветовая гамма.
Интерес западной публики к японскому декоративному и прикладному искусству, особенно к японской гравюре, подогревали магазины, торгующие предметами искусства, музейные выставки, международные ярмарки и, безусловно, многочисленные дискуссии в прессе. Благодаря растущему вниманию к гравюре на дереве, фарфору и другим предметам искусства из Японии, в изделиях европейских мастеров росло количество природных мотивов, включая животных, насекомых и растения. Двухмерные сложные узоры, свойственные гравюре на дереве японских художников, например, Хиросигэ, впечатлили немало западных дизайнеров того времени. Их влияние можно заметить также в извилистых линиях и природных мотивах ар нуво.
3.1. Влияние Укиё-э на творчество художников Америки и
Западной Европы
Американцев Джеймс Уистлера и Мэри Кассат привлекли сдержанность линии и яркие колористические пятна гравюр и живописи Укиё-э.
Первым среди европейских художников Дж. Уистлер испытал увлечение искусством Японии. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях «Принцесса страны фарфора», «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма», «Деревня».
Экспериментирование Мэри Кассат с разнообразными методами часто приводило к неожиданным результатам. Например, черпая вдохновение у японского мастера гравера, в 1891 г. Мэри Кассат выпускает серию из десяти цветных офортов в японском стиле, которые выставляются в галерее Дюран-Рюэля, включая «Умывающаяся женщина» и «Визит».
Графический стиль иллюстратора детских книг Уолтера Крейна явился отражением его интереса к искусству японской гравюры с ее линеарностью и локальным цветовым решением. Изящество четких черных контуров и нежных цветовых сочетаний, по мнению художника, абсолютно соответствовало особенностям детского восприятия. У. Крейн старался понять, что именно привлекает детей в иллюстрациях и в искусстве в целом. Он считал, что дети предпочитают видеть точные линии, четко обозначенные формы и фигуры, а также яркие насыщенные цвета. Художник придерживался мнения, что дети не обращают особого внимания на светотень и трехмерное отображение объектов. Своими иллюстрациями он стремился поражать и всячески поощрять воображение детей, используя яркие цветовые решения и четкие рисунки.
Известно, что многие постимпрессионисты черпали вдохновение в японских гравюрах. Начиная с копирования в ранний период творчества, и заканчивая постоянными отголосками и реминисценциями в самых известных работах. Пример тому картина «Портрет папаши Танги» Ван Гога и гравюры Хиросигэ.
Андо Хиросигэ – выдающийся японский график, крупнейший представитель направления Укиё-э, мастер цветной ксилографии, разработавший новый для японского искусства тип камерного, проникнутого тонким лирическим чувством пейзажа. Многие его приемы были позже взяты на вооружение европейскими импрессионистами и постимпрессионистами, а также предвосхитили авангардистскую фотографию XX века. Для передачи пространства Хиросигэ часто изображал на первом плане резко выступающую деталь, мягко трактуя при этом дальние планы; применял также линейную перспективу. Пейзажи Хиросигэ, отмеченные изысканным лиризмом образов, обычно включают в себя изображения людей, погруженных в свои повседневные дела.
Композиционные и колористические приемы, примененные Хиросигэ в этой серии, оказали огромное влияние на таких художников, как Э. Дега, Ван Гог, Джеймс Тиссо.
В творчестве Винсента Ван Гога влияние японской графики огромно. В своих трёх картинах Ван Гог копирует японские цветные гравюры, или воспроизводит их в масляной живописи. Эти работы демонстрируют желание художника проникнуть в тайны японского искусства. На основе японской гравюры пером Ван Гог, изучив 15-томную манга (собрание эскизов) Хокусая, развил свою ритмическую «точка-тире» структуру живописи, перенесённую им затем на масляную живопись.
Однако ещё и до Ван Гога импрессионисты искали в японской цветной гравюре необходимые средства изображения. Они переняли различные формы композиции, например, отдельно стоящего изображения, как бы «обрезанного» рамкой картины объекта; фигуру, стоящую на переднем плане полотна; асимметричное построение картины; экстремально углублённые вдаль диагонали; «зарешеченность» картины при помощи деревьев. Серии цветной графики Хокусая были образцом для серийных работ Поля Сезанна и Клода Моне.
Наиболее характерный прием, воспринятый из японской гравюры и непосредственно из серии Хиросигэ «Сто знаменитых видов Эдо», состоит в неожиданных срезах предметов и фигур первого плана. Это придает фрагментированность всей картине. Он применялся французскими художниками всех направлений. Известно, что Винсент Ван Гог копировал гравюры «Сливовый сад в Камэйдо» и «Ливень у моста в Охаси» из серии «Сто видов Эдо», изучая композиционные приемы и структуру японской гравюры. Подчеркивая истоки заимствования, Ван Гог обрамляет свои композиции японскими иероглифами, скопированными им с листов других серий Хиросигэ. Он создает произведения, в которых использует приемы, свойственные японской гравюре: высокую точку зрения, явное деление на два плана, кажущуюся случайность композиционного построения, фрагментарность. В использовании европейскими художниками конца XIX – начала XX века мотивов ирисов, цветущей сливы, хризантем, водопадов, в линеарности, а также в ряде других приемов изображения можно найти прямые аналогии с японской гравюрой, с произведениями Хиросигэ. Графический язык Хиросигэ уникален – он динамичен и лиричен одновременно. Композиция, линия, цвет, ритм гравюр находятся в гармонии. Знание и владение различными техниками предполагало необходимость такого же владения и мастерства со стороны печатника и резчика. В связи с этим необходимо отметить, что японская цветная гравюра создавалась особым методом, который принципиально отличался от европейской техники.
Анри де Тулуз-Лотрек блистательно переосмыслил стиль гравюры на дереве и создал собственный стиль, свободный от западных представлений о перспективе и композиции.
Художники-графики, включая Тулуз-Лотрека, особенно увлекались Укиё-э, ее же изучал Кристофер Дрессер в ходе своего путешествия по Японии, куда он отправился на закупку товаров для лондонского магазина «Либерти». Этот магазин открылся в 1875 г., там продавались ткани, украшения и предметы искусства, импортированные с Востока, в частности из Японии. Магазин также заказывал у западных дизайнеров предметы домашнего обихода в японском стиле. С 1860-х гг. Дрессер испытывал глубокий интерес к японскому искусству и прикладывал немалые усилия к его популяризации, как в Великобритании, так и в США. Увлечение Запада японским искусством и дизайном выразилось в развитии японского стиля, ставшего важным течением в западном искусстве. Оно, в свою очередь, также оказало влияние на японских художников и зрителей.
3.2. Влияние японской гравюры на творчество русских художников
Влияние японской культурной традиции на культуру России в конце XIX – начала XX вв. – яркий пример диалога культур, когда «иная» культура творчески перерабатывается, преломляется через призму собственной культурной традиции и приводит к обогащению последней, дает толчок для ее дальнейшего плодотворного развития.
«Японизмы» в русском искусстве конца XIX – начала XX вв. могут быть представлены в творчестве Я. Добужинского гравюрами «Обводный канал в Петербурге», И. Билибина, В. Борисова-Мусатова и П. Кузнецова. Приметы «японизма» в европейском варианте можно найти и в работах К. Сомова, Е. Лансере, Л. Бакста, М. Врубеля. Увлечение японской живописью послужило толчком для изучения японской театральной традиции для новатора русского театра В.Э. Мейерхольда. Для овладения вниманием зрителей, для выражения гротеска, он использовал принципы японского театра Но.
Характер японского влияния в этой сфере может быть представлен в виде стилизации, когда художники обращались к творческим приемам японцев в изображении действительности. В этом случае заимствования сводятся к приемам изображения неба, волн, подцветке контуров рисунка, декоративным качествам японской гравюры. Среди мотивов японского происхождения более значительную роль, чем все прочие, сыграла тема воды. Изображение воды, волны было связано с идеей роста, развития, перехода из одного состояния в другое, то есть с представлением о непрерывности. Многочисленные вариации волны в гравюрах Хокусая, Хиросигэ заворожили воображение художников. Волна не только появилась в «натуральном» виде у И. Билибина, но и стала важнейшей частью орнаментальных построений, что выразилось в ритмической организации пространства особняка Рябушинского в Москве, архитектора Шехтеля.
Особенно сильно влияние японской гравюры на русскую графику этого периода. Это можно проследить на примере иллюстраций художника Ивана Яковлевича Билибина.
И.Я. Билибин разработал систему графических приемов, которые дали возможность объединять иллюстрации и оформление в одном стиле, подчинив их плоскости книжной страницы. Характерные черты билибинского стиля: красота узорного рисунка, изысканная декоративность цветовых сочетаний, тонкое зрительное воплощение мира. Художник стремился к ансамблевому решению. Плоскость книжной страницы он подчеркивал контурной линией, отсутствием освещения, колористическим единством, условным делением пространства на планы и объединением различных точек зрения в композиции.
Одной из значительных работ И. Билибина были иллюстрации к «Сказке о царе Салтане» А. С. Пушкина. Между листами серии заметны различные источники стилизации. Иллюстрация с изображением Салтана, заглядывающего в светлицу, напоминает зимние пейзажи И.Я. Билибина с натуры. Сцены приема гостей, пира насыщены мотивами русского орнамента. Лист с плывущей по морю бочкой напоминает знаменитую «Волну» Хокусая.
В иллюстрациях композиция, как правило, развертывается параллельно плоскости листа. Крупные фигуры предстают в величавых застывших позах. Условное деление пространства на планы и объединение различных точек зрения в одной композиции позволяют сохранить плоскостность. Совершенно исчезает освещение, цвет становится условнее, важную роль приобретает незакрашенная поверхность бумаги, усложняется способ обозначения контурной линии, складывается строгая система штрихов и точек.
Процесс выполнения художником графического рисунка напоминал труд гравера. Набросав на бумаге эскиз, он уточнял композицию во всех деталях на кальке, а затем переводил на ватман. После этого колонковой кистью с обрезанным концом, уподобляя ее резцу, проводил по карандашному рисунку четкий проволочный контур тушью. В зрелый период творчества И. Билибин отказался от употребления пера, к которому иногда прибегал в ранних иллюстрациях. За безукоризненную твердость линии товарищи шутливо прозвали его «Иван – твердая рука».
Творчество Виктора Борисова-Мусатова было успешным опытом самостоятельной и плодотворной интерпретации новых живописных исканий европейского и русского искусства. Художник сопоставим с японскими мастерами органическим соответствием всех элементов композиции его картин друг другу, фигур и природного фона, нарядов героинь. Молчаливые, погруженные в мечтания, и почти неподвижные фигуры женщин в картине «Изумрудное ожерелье», напоминают импрессионистов и одновременно образы японского художника Утамаро. Лица женщин у В. Мусатова в «Изумрудном ожерелье» похожи друг на друга, как и лица красавиц Утамаро. Содержательность его произведений определяется не глубиной отдельных человеческих образов, а их соотношениями в образной системе картины.
Особенное значение приобрели живописные открытия В. Борисова-Мусатова для Павла Кузнецова. Работа Павла Варфоломеевича Кузнецова «Натюрморт с японской гравюрой» – открытие японского искусства. В натюрморте Кузнецов раскрывает суть не только личного опыта восприятия японского искусства, но и историю его открытия целым поколением русских художников. Для Кузнецова «Натюрморт» и гравюра Утамаро – это и предмет изображения, и предмет живописной интерпретации. Кузнецов не делал попыток в «Натюрморте с японской гравюрой» воспроизвести приемы и методы работы японских мастеров, к которым прибегали многие его современники. Не копируя гравюры Утамаро, а стараясь проникнуть в его искусство изнутри, Кузнецов дает живописное истолкование графическому произведению. Можно сказать, что творчество двух русских художников В.Э. Борисова-Мусатова и П. Кузнецова, также было посвящено поиску новых способов выразительности средств искусства. Творчество японских мастеров оказало влияние на художественные методы и приемы этих художников, в изображении человека в неразрывной связи с природой.
Яркий пример своеобразного «японизма» Георгия Богдановича Якулова – общее оформление и афиша кафе «Питтореск» (1917 г.). Главный зал кафе, и общей композицией, и деталями оформления напоминает старый японский театр. В этом легко убедиться, взглянув на японскую гравюру конца XV века, которая изображает интерьер театра.
На афише дана в рост женская фигура европейского облика и в европейской одежде, окруженная справа и слева надписью с названием, адресом и датой открытия кафе. Сравним афишу с гравюрой японского художника XV в. Судзуки Харунобу «Гейша». Трудно сказать, знал ли он о существовании этой гравюры, которую так напоминает его афиша – и постановкой фигуры, и надписями, как бы висящими в воздухе. Но это не свидетельствует о копировании или стилизации. Речь идет о сходстве художественного мышления. Сам Якулов говорил, что ему ближе восточная – символическая система, чем европейская – реалистическая. Перед русскими художниками вставала задача сохранить все обретенное на протяжении веков богатство русской культуры, и в то же время вернуть себе непосредственность восприятия и на этой основе достигнуть нового эстетического совершенства.
Заключение
Опираясь на материалы исследования, можно отметить:
1) прием стилизации, когда художники обращались к творческим приемам японцев в изображении действительности. В этих случаях заимствования сводятся к приемам изображения неба, волн, подцветке контуров рисунка, декоративным качествам японской гравюры. Прием стилизации четко проявился в творчестве русских художников И. Билибина, А. Остроумовой-Лебедевой, М. Кассат, Я. Добужинского, У. Крейна.
2) использование японских мотивов в рамках своего собственного творчества, когда художник трансформирует японскую культуру применительно к своим задачам, интерпретируют язык японского искусства, вплетая его в ткань собственного художественного метода в творчестве В. Борисова-Мусатова, П. Кузнецова, В. Ван Гога.
Впитывая в себя западную стилизацию Востока, художники на ее основе искали и создавали свой образ Востока – образ, основанный на способности человека видеть мир непосредственно. Знакомство с японским искусством оказалось плодотворным для европейских и русских художников не только на пути создания нового пластического языка, но и послужило обогащению визуального опыта мастеров, открыло им существование другого типа творческой фантазии, возможность принципиально новых точек зрения на привычное и повседневное.
Сопоставление западных и русских мастеров с японскими графиками дает нам полное основание говорить о свободном диалоге различных культур, о соприкосновении с духовной культурой Японии в XX веке, существенно обогатившей культурный фонд, повлиявший на круг его интересов.
Литература
Кацусика Хокусай. Мост Тэммабати в провинции Сэттсу. Из серии «Выдающиеся виды прославленных мостов провинций», между 1824 и 1834
Техника гравюры на дереве известна в Японии с древнейших времен. Она пришла из Китая через Корею вместе с буддизмом в ранний период японской истории. Но своего художественного расцвета ксилография достигла в XVIII-XIX столетиях. Гравюры в стиле укиё-э - основной вид ксилографии в Японии. Основоположником укиё-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу.
Изначально гравюры были чёрно-белыми - использовалась лишь тушь, с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»). Известными художниками этого периода были Утамаро, Хокусай, Хиросигэ и Тосюсай Сяраку. Изучая европейское искусство, японские художники переняли технику изображения перспективы на рисунке, также в гравюре развились пейзаж и другие жанры. Хокусай на своих гравюрах изображал в основном пейзажи и природу. В 1831 году был издан его знаменитый сборник «Тридцать шесть видов Фудзи (Хокусай)». Почти каждый из отпечатков отличается высоким художественным качеством и профессиональным мастерством, благодаря чему японская гравюра стала значительным явлением не только национальной, но и мировой художественной культуры. Гравюры укиё-э были доступны по цене из-за возможности их массового производства. Они предназначались в основном для городских жителей, которые не могли позволить себе потратить деньги на картины.
Японский художник, известный под ником Segawa 37 , осовременил старинные гравюры, анимировав классические японские ксилографии при помощи программных пакетов Adobe Photoshop и After Effects. Статические изображения превратились в анимированные GIF, также в них привнесены элементы фантастики и современных технологий - сегвей, скоростной поезд или инопланетный космический корабль. Анимированные изображения художника участвуют в конкурсе the GIFs - Award of GIF creator 2015 , проводимом при поддержке компании Adobe.
Гравюра из серии «53 станции Токайдо» Утагавы Хиросигэ, написанная им после путешествия в 1832 году по дороге Токайдо между Эдо и Киото.
Токайдо была одной из пяти дорог, соединявших Эдо с другими частями Японии. Токайдо пролегала вдоль восточного берега Хонсю, из-за чего и получила своё название «Восточный приморский тракт». Вдоль неё были расположены 53 почтовые станции, где путникам предлагался ночлег, еда и конюшни. В 1832 году Хиросигэ преодолел Токайдо в составе официальной делегации, перевозившей лошадей для императорского двора. Лошади были символическим подарком от сёгуна, ежегодно преподносимым императору как признание его божественного статуса.
Пейзажи на протяжении путешествия произвели такое сильное впечатление на художника, что он сделал множество эскизов, как во время дороги из Эдо в Киото, так и на обратном пути. По возвращении домой он немедленно принялся за работу над первыми гравюрами. Первые работы из серии «53 станции Токайдо» печатались одновременно издательствами Хоэйдо и Сэнкакудо. Гравюры продавались по цене 12-16 медных монет за штуку, что соответствовало паре соломенных сандалий или тарелке супа. Колоссальный успех этой серии сделал Хиросигэ одним из самых значительных и признанных мастеров гравюры периода Токугавы Иэясу.
На анимации по дороге проезжает путешественник на сегвее.
Тема города Эдо (Токио) была одной из самых любимых художником, родившемся в нём. Всего на протяжении своей жизни он создал порядка 1080 листов, где бы фигурировала эта столица. В данной серии он осветил не только красоту Эдо, но включил также отсылки на историю, обычаи и легенды. Темой изображения гравюр послужили не самые известные места города, а те, которые заинтересовали мастера своей живописностью.
В жанре укиё-э обычно не принято изображать тени, но на данной гравюре они смело и в изобилии нарисованы художником, что ещё более подчёркнуто в анимации.
Моритадза - один из трёх больших театров кабуки в Эдо.
За годы своего творчества Утагава Кунисада создал от 20 до 25 тысяч «сюжетов». Наибольшее внимание Утагава уделял изображениям, связанным с театром кабуки и играющим актёрам. На долю этого жанра приходится около 60% работ Кунисады.
«Большая волна в Канагаве» является самым известным произведением Кацусики Хокусая. Копии гравюры висят в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, Британском музее в Лондоне, и ещё одна в доме Клода Моне в Живерни, Франция. На гравюре изображена огромная волна, нависшая над лодкой близ префектуры Канагава. Гора Фудзи виднеется вдалеке и является фоном к основному действию на картине.
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
№ 11. Снежное утро на реке Коисикава
Здесь изображена небольшая река, в которой много мелких камней. Поэтому местность у этой реки так и стали называть, Коисикава («коиси» - маленький камень, «кава» - река). Бывшая река Коисикава - это общий участок от моста Суйдохаси, до района горы Хакусан, как говорится в «Собрании изображений достопримечательностей Эдо», при переходе через обширную местность, от района Отова, возвышенность Сэкигути, доходит до станции Дзосигая. Хокусай изображает редкий для Эдо снегопад. В левом углу гравюры он помешает ресторанчик «рётэй», с которого открывается вид на Фудзи. Вероятно, посетители пьют «юкимисю» (сакэ для любования снегом) и любуются видом Фудзи. Возможно, это момент «юкими» (любования снегом).
На анимации посетитель ресторана сбивает лазерным лучом МиГ-29, который при падении в реку вызывает Большую волну в Канагаве .
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
«Река Тама в Бусю», или «Река Тамагава», является одной из так называемых «Шести рек Тамагава» и издавна была излюбленным мотивом изображения художников укиё-э. На переднем плане зритель видит человека с навьюченной лошадью, одиноко бредущего по берегу. Рыбачья лодка, пробивающаяся в волнах перпендикулярно диагонали берега, усиливает впечатление уходящего вдаль пространства. Колористическое решение листа способствует ощущению целостности и завершенности композиции. Три главных цветовых акцента - дерево, Фудзи и темно-синяя полоса раската у верхнего края гравюры - усиливают впечатление гармонии и уравновешенности в системе мироздания.
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
На станции Эдзири по тракту Токайдо, недалеко от порта Аомидзуко, в районе дороги, ведущей к этому порту, находилось знаменитое озеро Убакэикэ. Вероятно, это оно белеет в правой части гравюры. За изгибом дороги виднеется маленькая часовня. По существующему преданию здесь обитает «женский злой дух», привидение. Говорят, что если путешественник позовёт «Ня-ня!», то со дна озера поднимется пена. Но Хокусая больше всего интересовало состояние, настроение природы, и лист, в этом плане, является наиболее интересным. Художник изображает порыв ветра, пригнувший дерево, запутавший одежды путников, идущих по извилистой дороге. Белые листы бумаги, выхваченные из рук порывом ветра, взвились в небо, подобно стае птиц. Кажется, все вокруг вовлечено в этот круговорот. Только четкий контур Фудзи, прочерченный точной линией, остается неподвижным и еще больше подчеркивает динамичное движение переднего плана.
Художник более всего известен благодаря своим гравюрам о пригородах Токио, где изображено становление новой Японии эпохи Мэйдзи. Его называют последним мастером традиционной живописи укиё-э. Ряд его работ посвящён японо-китайской войне 1894-1895 годов и русско-японской войне 1904-1905 годов.
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
В небо поднимаются два воздушных змея с письмами пожелания счастья «котобуки», они поднялись даже выше Фудзи. Мы видим ее между двумя крышами зданий, как бы фланкируюших Фудзи. На высокой большой крыше справа три кровельщика выполняют свою опасную работу. Взгляд притягивают вывески на магазине тканей справа и на магазине ниток слева, они гласят: «Оплата наличными. Иена без запроса». Хокусай изображает известные магазины, принадлежащие Котакоси, одному из представителей семейства Мицуи. Эти магазины были открыты в 1673 году и были особенно популярны в период Токугава. Если верить надписям на гравюре, то благодаря методам торговли, которые он ввел: «наличные деньги, распродажа, фиксированные иены», сеть его магазинов процветала. Он первым позволил самураям оплату наличными (гэнкин-какэнаси), до этого существовала система кредитования, а значит и иены выставлялись «с запросом». Изображение магазина Мицуи было популярной темой среди художников укиё-э.
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
№ 7. Садзаэ-до, один из 500 храмов Раккандзи.
Это самый большой из пяти храмов в Эдо, который был построен к югу от реки Татэгава. Садзаэ-до был возведен в 1741 году и был знаменит отдельно построенной лестницей, ведущей на вершину трехъярусной пагоды. На гравюре изображены мужчина и женщина справа, которые, закончив паломничество по святым местам, в изнеможении опустились прямо на пол галереи. В противоположность им, слева изображен бритоголовый буддийский монах с «фуросики» за плечами. Он, энергично показывает пальцем на Фудзи. Гравюра отличается богато разработанной колористической гаммой. Мастерское использование полутонов черного и синего цвета, образуемых с помощью приема «итабокаси» – раската для передачи светотени, делает лист незабываемо ярким по колориту.
На анимации буддийский монах показывает пальцем на НЛО, похищающее Фудзи.
В публикации использованы статьи русской, английской и японской Википедии; тексты из книги: Мировое искусство. Кацусика Хокусай. Серии гравюр «36 видов Фудзи» и «100 видов Фудзи». - СПб., 2006.
Он относится к периоду от Великого пожара годов Мэйрэке до эпохи Хорэки. Укиё-э на ранних стадиях в основном представляла собой оригинальные рисунки и одноцветную ксилографию (сумидзури-э).
После середины XVII века человека, который делал оригинальные рисунки для ксилографии, называли «хансита-эси» (профессиональный рисовальщик), затем появился Моронобу Исикава, который рисовал иллюстрации для книжек с картинками и укиё-дзоси (популярные истории повседневной жизни эпохи Эдо). Знаменитая «Mikaeri Bijin zu» («Картина с оглядывающейся назад красавицей»), его самая значительная работа, является оригинальным рисунком.
Книга «Koshoku ichidai otoko» («Жизнь любящего мужчины») Сайкаку (издана в 1682 году) описывает, что укиё-э была нарисована на складывающемся веере с 12 ребрами, и это самая старая литература, в которой можно найти слово «укиё-э».
Когда началась эпоха Тории Киёнобу, появился вид сумидзури-э, окрашиваемы кистью и чернилами. Для таких гравюр в основном использовали красные пигменты, с желтовато-коричневым оттенком (красная земля) назывались «тан-э», а с оттенком бени (румянец) назывались «бени-э». Кроме того, сумидзури-э с несколькими цветами, добавленными к бени-э, назывались бенидзури-э. С того времени школа укиё-э Тории тесно связана с кабуки (традиционный театр, роли в котором исполнялись актёрами мужского пола) и используется на рекламных щитах кабуки даже сегодня.
Он относится к периоду с 1765 года, когда родилась нисики-э (печать), до приблизительно 1806 года.
В 1765 году стали модными эгоёми (календари с изображениями), особенно среди поэтов хайку, и начали организовываться вечера по обмену эгоёми. Чтобы удовлетворить спрос, Харунобу Судзуки и другие разработали «адзума-нисики», напечатанные в нескольких цветах, и культура укиё-э вступила в полный расцвет. Что касается факторов, позволяющих сделать многоцветную печать, то было указано, что «кенто» (метки приводки) были введены, чтобы отметить точки для надпечатки, и появилась плотная высококачественная японская бумага, которая выдерживала многоцветную печать. Использовали бумагу, сделанную из кодзо (бруссонетии бумажной), такую как этидзен-хосогами (тяжелая японская бумага отличного качества из провинции Этидзен), иё-масагами, нисами-утигами, и т. д. Кроме того, важную роль сыграло экономическое развитие, так как было введено разделение труда для сложных процессов между ситаэси (художники укиё-э), хориси (гравёры) и суриси (печатники).
После смерти Харунобу Судзуки, образы в бидзинга начали меняться от андрогинных, похожих на куклу, к реалистичным.
В эпоху Анъэй Сигэмаса Китао пользовался популярностью благодаря бидзинга. Реалистичное разграничение также было добавлено к якуся-э, а Сюнсё Кацукава рисовал скучные нигао-э (портреты).
Кроме того, появился Утамаро Китагава Utamaro, который рисовал много окуби-э (погрудных портретов), которые были типом бидзинга с тонкой, изящной и приятной манерой.
В 1790 году была создана система одобрения «Аратаме-ин», и к печатным изданиям были применены различные ограничения.
В 1795 году ханмото (издатель) с именем Дзюдзабуро Цутая, чьи активы были конфискованы за его нарушение запрета, представил Сяраку Тосюсай в качестве меры возрождения. Несмотря на то, что он привлёк внимание общественности уникально преувеличенными якуся-э, его популярность создала плохое впечатление из-за чрезмерного преувеличения черт, и он был побежден серией Тоёкуни Утагавы «Yakusha butai no sugatae» («Образы актёров на сцене»), которая была чрезвычайно популярна.
Впоследствии, начала зарождаться крупнейшая школа художников эси укиё-э, школа Утагава, состоящая из учеников Тоёкуни.
Он относится к периоду с 1807 года до примерно 1858 года.
После смерти Утамаро Китагавы основное направление бидзинга обратилось к чувственной, сексуальной красоте и привлекательности такой, какую изображал Кэйсай Эйсэн.
Хокусай Кацусика, один из учеников Сюнсё Кацукавы, на фоне расцвета путешествий, нарисовал «Fugaku sanju rokkei» («Тридцать шесть видов горы Фудзи»), что привело к печати «Tokaido Gojusan-tsugi» («Пятьдесят три станции Токайдо») Хиросиге Утагавы. Благодаря этим двум художникам был развит мейсо-э (пейзажный рисунок) в жанре укиё-э.
В жанре якуся-э, Кунисада Утагава, как преемник его учителя Тоёкуни Утагавы, рисовал сильные якуся-э.
В кусадзоси, муся-э начали рисовать Куниёси Утагава и другие, наряду с популярностью фантастических сказок.
В то время популярность приобрела серия «Suikoden» («Водный берег») Куниёси Утагавы, и произошёл «бум Suikoden».
«Edo sunako saisenki», изданная в 1853 году, описывала «Тоёкуни Нигао (нигао-э), Куниёси Муся (муся-э) и Хиросиге Мейшо (мейсо-э)».
Он относится к периоду с 1859 года до примерно 1912 года. Йокогама-э (йокогама укиё-э) стал модным среди людей, которые были вдохновлены курофуне («черные корабли» коммодора Мэтью Перри) и заинтересовались западными культурами. После реставрации Мэйдзи кайка-э (просветительские картины), изображающие редкую западную архитектуру и железные дороги, заменили йокогама-э.
В то время как в Японии, которая была разрушена в результате реставрации Мэйдзи, в кабуки и других развлекательных представлениях появились гротескные вещи, Ёсиику Отиаи и Йоситоси Цукиока, которые были учениками Куниёси Утагавы, нарисовали «Eimei nijuhachishuku», которая изображала кровавые сцены и назывались музан-э, а также иллюстрации к статьям в нисикиэ-симбун.
Ёситоси Цукиока, с его утончёнными рисунками, основанными на эскизах, создавал не только мудзан-э, но также много рекисига (исторические картины) и фудзокуга и стал называться «последним художником укиё-э». Поскольку он решительно поддерживал своих учеников относительно знакомства с другими жанрами изобразительного искусства, многие ученики достигли величия в качестве иллюстраторов и художников японского стиля, как например Киёката Кабураки; таким образом, традиция укиё-э перешла в другие жанры.
Кроме того, укиё-э начали рисовать некоторые художники школы Кано, в том числе Кёсай Каватабэ.
Киёсика Кобаяси создал новые пейзажные рисунки под названием косенга, в которых не использовались линии профилей.
Йсифудзи Утагава применял укиё-э на омотя-э, который теперь называются газетными приложениями, и, благодаря популярности идеи, играл активную роль как художник эси, специализирующийся на ототя-э. Его даже называли «Омотя Йосифудзи».
Укиё-э постепенно уменьшалась, теряя популярность в газетах, фотографиях, новых технологиях, таких как литография и т. д. Художники укиё-э проявили свою изобретательность в отношении фотографий, в основном зря, и были вынуждены стать иллюстраторами и т. д. История укиё-э, которая длилась с периода Эдо, почти закончилась тем, что последней гравюрой стала сенсо-э, изображающая китайско-японскую войну.
Начиная с периода Тайсё до периода Сёва, Хасуй Кавасэ и другие намеревались возродить укиё-э новыми ксилографиями, а также оставили много работ, в которых использовалась технология многоцветной печати укиё-э.
Укиё-э, первоначально появились как картины, изображающие обычаи и нравы повседневной жизни «укиё». Изображались пейзажи, портреты актёров кабуки, борцы сумо и юдзё (проститутки). Многие подпадают под категорию современных комиксов и содержат элементы карикатуры. Традиционные темы, которые должны были быть материалом для китайской живописи и картин ямато-э, иногда преобразовались для укиё-э.
Что касается сюнга (эротического искусства), изображающего любовные сцены, то рисовали их самые известные художники эси. Сюнга часто продавали в комплексных сделках. Поскольку их продажные цены были высокими, на создание тратилось много денег, и использовались сложные методы производства. Имея элемент насмешки (высмеивания) над реальной сексуальной культурой, они не обязательно были сенсационными, и отмечалось, что они не должны рассматриваться только в качестве порнографии.
Бидзинга (Bijinga): Рисунки с изображением молодых женщин.
Изображались канбан-музуме (девушки с афиши) и юдзё, которые были популярны в то время.
Якуся-э (Yakushae): Рисунки с изображением популярных актёров кабуки и т. д.
Некоторые из них были похожи на клише, а некоторые служили тираси (листовками).
Карикатура: Комично нарисованные картинки.
Включали тоба-э. Встречались юмористические сцены и персонификации. Они сдерживали элементы карикатуры, но неизменно подчёркивали развлекательный аспект.
Тоба-э (Tobae): Карикатуры, изображающие человеческие персонажи с длинными руками и ногами. Они произошли от имени Тоба Содзё (ведущего деятеля). Комиксы на раннем этапе иногда упоминаются таким образом.
Комиксы: Этехон (художественное пособие).
Рисунки, изображающие всё мироздание. Они отличались от современных комиксов. Манга Хокусая (зарисовки Хокусая) были показательным примером.
Сюнга (Shunga): Рисунки с изображением сексуальных сцен и других чувственных вещей.
Были небольшие печатные издания с секс-игрушками и персонифицированным половым органом и т. д. Они были настолько распространены в сельской местности, что под нисики-э фактически подразумевались сюнга. Они могли быть частью приданого.
Мэйсо-э (Meishoe): Рисунки, изображающие знаменитые пейзажи.
Рисунки разрешались простым людям того периода, которые не могли свободно путешествовать, чтобы увидеть желанные знаменитые достопримечательности. Они также использовались в качестве туристических брошюр.
Муса-э (Mushae): Рисунки с изображением знаменитого самурая, появляющегося в легендах, фантастических сказках и историях.
Они вошли в моду, особенно с бумом фантастических сказок. Бакуфу (японское феодальное правительство, возглавляемое сёгуном) запрещало изображать Нобунагу Ода и воинов после него.
Рекисига (Rekishiga): Рисунки, изображающие исторически известные сцены.
После реставрации Мэйдзи были произведения, изображающие последних императоров в целях содействия легитимности императорской семьи.
Омотя-э (Omochae): Рисунки для детей.
Среди них были произведения, которые нужно было наклеивать на сугороку (японские нарды) и мэнко (сотки в японском стиле), миниатюры популярных укиё-э, модные бумажные куклы, работы, называемые дзукуси-э, под которыми были собраны многие призраки, воины и так далее. Множество идей переняли для использования в детских игрушках.
Митате-э (Mitate-e): Пародии классических произведений.
Сумоу-э (Sumoue): Рисунки, изображающие сумо. Среди них были стереотипные рисунки, представляющие борцов сумо в то время.
Харимадзе-э: Работы, на которых было нанесено несколько изображений на один лист бумаги.
Сини-э: Ксилография издавалась в результате смерти знаменитости.
Некоторые из них были для знаменитых художников эси.
Кодомо-э: Рисунки, изображающие детей во время игры.
Нагасаки-э: Рисунки, изображающие иностранные культуры, которые видели в Нагасаки. Йокогама-э: Рисунки, наполненные экзотической атмосферой Йокогамы.
Намадзу-э: Рисунки, появившиеся после Больших землетрясений в Ансей.
Согласно популярному суеверию намазу (сом) приносит землетрясения.
Носо-э: Оберег, что отвести оспу.
Утива-э: Рисунки, которые приклеивались на веера.
Люди, которые рисовали укиё-э, назывались художниками укиё-э или художниками эси (эдакуми [художник]). Людьми, которые вырезали рисунки художников укиё-э на деревянных клише, были хориси (тёко [резчики]), а людьми, которые раскрашивали деревянные клише и печатали были суриси (печатники). Хотя процесс создания укиё-э представлял собой совместную работу, обычно запоминались только имена художников эси. Требовалось по крайне мере четыре стороны, включая дополнительную сторону в качестве покупателя.
«Кенто» (современные приводочные метки [печать]) были прикреплены для проверки положения бумаги и предотвращения смещения цветов в многоцветной печати. Некоторые предполагали, что они были придуманы оптовым торговцем для издания Китиэмона Уэмуры в 1744 году, но другие утверждали, что в 1765 году их использовал суриси по имени Кинроку. Также говорится, что их изобрёл Гэннай Хирага, который был связан с Харунобу Судзуки. Такие фразы, как «Kento wo tsukeru» (выбрать в качестве цели), «Kento chigai» (неточно), «Kentou hazure» (с отклонением от приводки), которые используются даже сегодня, происходят из этого «Кенто».
В эпоху Мэйдзи или позже, укиё-э получала мало внимания в Японии, и многие из работ были вывезены из страны. Следовательно, для укиё-э не было проведено законных, систематических и академических исследований как произведения изобразительного искусства, а мнения, основанные на различных источниках знаний, частично и постоянно повторялись только отдельными коллекционерами и исследователями.
Более того, как обычно, создавались подделки многих известных произведений, в том числе Харунобу Судзуки, Утамаро Китагавы и других, распространенных со времён Эдо.
С другой стороны в западных странах укиё-э открыли и высоко оценили великие мастера школы импрессионистов, чьи работы находились под влиянием укиё-э, даже были созданы их репродукции в масляных картинах. По-видимому, по крайней мере, 200,000 или более предметов укиё-э находится в хранилище в 20 или более самых престижных западных музеев; кроме того, различные лица владеют частными коллекциями, таким образом, указывая, что укиё-э является единственным иностранной формой искусства, которая коллекционируется в таких большие количествах. Многие музеи хранят более 10,000 предметов укиё-э, как например, Музей изящных искусств в Бостоне - 50,000 предметов, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина с 30,000 предметов и т. д.
Укиё-э является единственной в мире яркой цветной гравюрой на дереве; в западном изобразительном искусстве нет такого жанра, который, как считается, способствует её высокой оценке. Среди множества рассеянных укиё-е, было большое количество работ со сравнительно простыми рисунками, включая Утамаро, а укиё-э с богато окрашенными (броскими) сложными рисунками были неожиданно мало.
Поскольку внутри страны укиё-э продаётся в сетевых магазинах тех, которые распространились за границей, есть надежда, что в дальнейшем укиё-э будут рассматривать как редкую художественную работу в мире, чтобы эта высокая оценка этого вида искусства не ограничивалась Западом.
Также ценно то, что укиё-э - единственный материал в мире, который изображает различные жизни обычных людей в период средневековья.
Согласно документам периода Мэйдзи, до этого времени было около 2000 художников эси, при условии, что были включены неизвестные художники. Поскольку в то время было напечатано от 100 до 200 работ, в городах появилось огромное количество укиё-э, и, в отличие от любого другого места в мире, высококачественные произведения искусства были очень популярны среди простых людей.
Одновременно с влиянием укиё-э на японизм в западных странах, он также получил влияние из-за границы. Синтетический пигмент берлинская лазурь («беро» от Берлин), которая происходит из Германии, производящей яркий цвет и был использован Хокусаем Кацусикой и др. Также были переняты западные техники перспективы и тушёвки.
В 1865 году французский художник Бракемон показал своим друзьям «Мангу Хокусая», которая была на оберточной бумаге глиняных изделий, и в итоге это оказало большое влияние на импрессионистов. Это вызвало такую ситуацию в Европе, когда произведения укиё-э продавались по высоким ценам, которые были невообразимы для Японии в то время, так как в самой Японии укиё-э были развлечением обычных людей, и подержанные и повреждённые работы продавались по ценам настолько низким, что их использовали в качестве упаковочного материала для морских грузов.
Укиё-е даже повлияла на классическую музыку, так как Клод Дебюсси был вдохновлён «Kanagawa oki nami ura» («Большая волна в Канагаве») Хокусая и написал «La Mer» («Море») (гравюра использовалась на обложке оркестровой партитуры, опубликованной в 1905 году, и есть фотография, на которой гравюра может быть идентифицирована как украшение в рабочем кабинете).
| Стиль Укиё-э (японская живопись) |
| Школа Сидзё (японская живопись) |
| 10 самых известных шедевров японской живописи |
| Японский художник Маруяма Окё, картины (японская живопись) |
| Спальня в японском стиле |
| Японский стиль в интерьере |
| Японская живопись (древние периоды, современная), ведущие художники |
Опять же не обо всем сразу, а конкретно о гравюрах укиё-э
. Красивое слово, а что оно означает-то? Почитаем специальные сайты. Например, энциклопедия Японии от, А до Я
— и узнаем, что:
Техника ксилографии, или печать с деревянных досок , появилась в Японии еще в период Хэйан (794−1185) вместе с приходом буддизма. Начало ХVII в. характеризуется появлением иллюстрированных ксилографических книг, издававшихся массовыми тиражами. В этих изданиях текст и иллюстрации печатались черным цветом.
Первые станковые гравюры были также черно-белыми, потом их начали слегка подкрашивать от руки киноварью (тан-э), позднее гравюры подкрашивались тёмно-красной краской (бэни-э) или оттенялись черной плотной краской, что создавало эффект покрытия черным лаком (уруси-э).
Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название «парчовые картины» (нисики-э).
Укиё-э (что в буквальном переводе с японского обозначает «картины бренного мира») вобрало в себя философскую созерцательность и эмоциональную полноту любования полнотой бренного существования.
В техническом отношении искусство укиё-э — сложный процесс, требующий высочайшего профессионализма на всех стадиях исполнения. Конечный результат работы зависел не только от мастерства художников, рисовавших эскизы, но и от виртуозного умения граверов и печатников. Для создания многоцветного изображения требовалось награвировать от двух-трех до восьми досок. Печать выполнялась вручную, что позволяло создать живописный эффект полутонов. Доски раскрашивали от руки, лощили, задували золотым или серебряным порошком.
Японская гравюра стала синонимом изысканности и хорошего вкуса. В конце XIX века гравюры укиё-э приобрели популярность во всем мире, их коллекционировали Уистлер, Мане, Дега, Гонкур, Золя. В Петербурге первая выставка гравюр укиё-э прошла в 1898 г. Богатые коллекции таких гравюр существуют в Государственном Эрмитаже и Кунсткамере.
Слово «укиё» в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как «бренный изменчивый мир». В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений. Укиё-э — картины повседневной жизни городского сословия периода Эдо.
Возникшая в XVII в. в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзии.
В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.
Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник
делал контурный рисунок тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер
, наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, вырезал первую печатную форму. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик
изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник
, обговорив с художником
цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру. 
Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.
Основателем направления считается Моронобу Хисикава,
Китибэ (около 1618 — около 1694; по другим источникам 1625 — около 1694, 1638−1714 гг.), японский живописец и график. Жил в Эдо. Ещё крупнейшими представителями укиё-э были Кацусика Хокусай,
который известен также как основатель пейзажного жанра в японской гравюре, Андо Хиросигэ
(1797−1858 гг.) — один из крупнейших японских графиков.
Хиросигэ
родился в Эдо в семье мелкого самурая Андо Гэнэмона. Благодаря раннему обучению иероглифической письменности Токутаро (первое детское имя художника) также хорошо разбирался в свойствах бумаги, кисти и туши — основных материалов восточной живописи.
Первая картина «Гора Фудзи в снегу», сохранившаяся до наших дней (Музей Сантори, Токио), написана художником в десятилетнем возрасте. Ему было четырнадцать лет, когда он стал учеником Тоёхиро
, основателя школы Утагава
. В основе ранних работ Хиросигэ — реальные события, сценки, подсмотренные на улицах.
Второй этап творчества ознаменован появлением пейзажных гравюр. Первую выпущенную в 1825 г. серию «Восемь видов Оми», посвященную красоте озера Бива, расположенного в провинции Оми, Хиросигэ изображает, не покидая Эдо. Следующая серия «Десять видов Восточной столицы», выпущенная через два года, посвящена родному городу художника — Эдо.
Затем художник полностью сосредотачивает свое внимание на пейзажах и сериях жанра катёга («цветы и птицы»). Одним из наиболее известных является лист «Воробьи над покрытой снегом камелией» из серии в 25 гравюр.
В августе 1832 г. художник проходит всю восточно-приморскую дорогу — Токайдо. Результатом путешествия явилась выпущенная им большая серия пейзажных гравюр «Пятьдесят три станции дороги Токайдо», положившая начало расцвету его творчества.
Следующий период творчества Хиросигэ
во многом отличен от предыдущего. Он часто меняет место жительства, совершает неоднократные, довольно длительные путешествия по стране, но при этом совсем не создает больших пейзажных серий. Большую часть времени он посвящает иллюстрированию книг с сатирическими стихами. 
В последнее десятилетие своей жизни художник не расстается с любимыми темами пейзажей Токайдо и Эдо, изображая их на отдельных гравюрах, веерах, в книгах. Хиросигэ создает серию «Тридцать шесть видов горы Фудзи». В эти же годы художник обращается к изображению причудливых скал, пещер, водопадов, ущелий и переправ через них. Своей последней пейзажной серии, состоящей из трех триптихов, Хиросигэ дал старое поэтическое наименование «Снег, луна, цветы». В течение трех последних лет жизни Хиросигэ постепенно выходили гравюры его самой большой серии — «Сто видов Эдо».
Пейзажи Хиросигэ наряду с произведениями Хокусая сделали гравюру укиё-э ведущим видом искусства первой половины ХIХ в.
Много работ Хиросигэ и Хокусая, а также других разных авторов можно помотреть на сайте Ukiyoe Japanese Prints Но будьте осторожны — там 9 галерей картин по 500 в каждой. Можно засидеться надолго! 
Опять же не обо всем сразу, а конкретно о гравюрах укиё-э
. Красивое слово, а что оно означает-то? Почитаем специальные сайты. Например, энциклопедия Японии от, А до Я
— и узнаем, что:
Техника ксилографии, или печать с деревянных досок , появилась в Японии еще в период Хэйан (794−1185) вместе с приходом буддизма. Начало ХVII в. характеризуется появлением иллюстрированных ксилографических книг, издававшихся массовыми тиражами. В этих изданиях текст и иллюстрации печатались черным цветом.
Первые станковые гравюры были также черно-белыми, потом их начали слегка подкрашивать от руки киноварью (тан-э), позднее гравюры подкрашивались тёмно-красной краской (бэни-э) или оттенялись черной плотной краской, что создавало эффект покрытия черным лаком (уруси-э).
Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название «парчовые картины» (нисики-э).
Укиё-э (что в буквальном переводе с японского обозначает «картины бренного мира») вобрало в себя философскую созерцательность и эмоциональную полноту любования полнотой бренного существования.
В техническом отношении искусство укиё-э — сложный процесс, требующий высочайшего профессионализма на всех стадиях исполнения. Конечный результат работы зависел не только от мастерства художников, рисовавших эскизы, но и от виртуозного умения граверов и печатников. Для создания многоцветного изображения требовалось награвировать от двух-трех до восьми досок. Печать выполнялась вручную, что позволяло создать живописный эффект полутонов. Доски раскрашивали от руки, лощили, задували золотым или серебряным порошком.
Японская гравюра стала синонимом изысканности и хорошего вкуса. В конце XIX века гравюры укиё-э приобрели популярность во всем мире, их коллекционировали Уистлер, Мане, Дега, Гонкур, Золя. В Петербурге первая выставка гравюр укиё-э прошла в 1898 г. Богатые коллекции таких гравюр существуют в Государственном Эрмитаже и Кунсткамере.
Слово «укиё» в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как «бренный изменчивый мир». В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений. Укиё-э — картины повседневной жизни городского сословия периода Эдо.
Возникшая в XVII в. в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзии.
В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.
Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник
делал контурный рисунок тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер
, наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, вырезал первую печатную форму. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик
изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник
, обговорив с художником
цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.
Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.
Основателем направления считается Моронобу Хисикава,
Китибэ (около 1618 — около 1694; по другим источникам 1625 — около 1694, 1638−1714 гг.), японский живописец и график. Жил в Эдо. Ещё крупнейшими представителями укиё-э были Кацусика Хокусай,
который известен также как основатель пейзажного жанра в японской гравюре, Андо Хиросигэ
(1797−1858 гг.) — один из крупнейших японских графиков.
Хиросигэ
родился в Эдо в семье мелкого самурая Андо Гэнэмона. Благодаря раннему обучению иероглифической письменности Токутаро (первое детское имя художника) также хорошо разбирался в свойствах бумаги, кисти и туши — основных материалов восточной живописи.
Первая картина «Гора Фудзи в снегу», сохранившаяся до наших дней (Музей Сантори, Токио), написана художником в десятилетнем возрасте. Ему было четырнадцать лет, когда он стал учеником Тоёхиро
, основателя школы Утагава
. В основе ранних работ Хиросигэ — реальные события, сценки, подсмотренные на улицах.
Второй этап творчества ознаменован появлением пейзажных гравюр. Первую выпущенную в 1825 г. серию «Восемь видов Оми», посвященную красоте озера Бива, расположенного в провинции Оми, Хиросигэ изображает, не покидая Эдо. Следующая серия «Десять видов Восточной столицы», выпущенная через два года, посвящена родному городу художника — Эдо.
Затем художник полностью сосредотачивает свое внимание на пейзажах и сериях жанра катёга («цветы и птицы»). Одним из наиболее известных является лист «Воробьи над покрытой снегом камелией» из серии в 25 гравюр.
В августе 1832 г. художник проходит всю восточно-приморскую дорогу — Токайдо. Результатом путешествия явилась выпущенная им большая серия пейзажных гравюр «Пятьдесят три станции дороги Токайдо», положившая начало расцвету его творчества.
Следующий период творчества Хиросигэ
во многом отличен от предыдущего. Он часто меняет место жительства, совершает неоднократные, довольно длительные путешествия по стране, но при этом совсем не создает больших пейзажных серий. Большую часть времени он посвящает иллюстрированию книг с сатирическими стихами.
В последнее десятилетие своей жизни художник не расстается с любимыми темами пейзажей Токайдо и Эдо, изображая их на отдельных гравюрах, веерах, в книгах. Хиросигэ создает серию «Тридцать шесть видов горы Фудзи». В эти же годы художник обращается к изображению причудливых скал, пещер, водопадов, ущелий и переправ через них. Своей последней пейзажной серии, состоящей из трех триптихов, Хиросигэ дал старое поэтическое наименование «Снег, луна, цветы». В течение трех последних лет жизни Хиросигэ постепенно выходили гравюры его самой большой серии — «Сто видов Эдо».
Пейзажи Хиросигэ наряду с произведениями Хокусая сделали гравюру укиё-э ведущим видом искусства первой половины ХIХ в.
Много работ Хиросигэ и Хокусая, а также других разных авторов можно помотреть на сайте Ukiyoe Japanese Prints Но будьте осторожны — там 9 галерей картин по 500 в каждой. Можно засидеться надолго!
