История художественной жизни Японии отмечена непрерывными поисками и чередой удивительных открытий. На разных этапах исторического развития японского искусства зарождались, развивались, достигали совершенства разнообразные жанры, отражающие долгий путь познания законов окружающего мира, соразмерности человеческого бытия и природы. Мир художественно-декоративной деятельности японской нации чрезвычайно многообразен и отмечен особой эстетикой, сочетающей простоту замыслов с поэтическим восприятием законов мироздания, стремлением жить в гармонии с вечной и одновременно непрерывно изменяющейся природой.
Восхищение красотой окружающей жизни и природы, умение восторгаться каждым ее мгновением определило особенности национального характера японцев и получило свое выражение в разнообразных видах японского искусства. Художественное освоение реальности явилось главной эстетической тенденцией, определившей развитие искусства Японии в целом, в особенности развитие жанровой живописи. Одно из наиболее уникальных явлений в истории развития японского искусства - это гравюра на дереве, получившая в японском искусстве имя укие-э.
Приемы печати с деревянных досок японцы позаимствовали у китайцев еще в XII веке и применяли их, первоначально используя черную тушь, при изготовлении черно-белых оттисков буддийских текстов. Технология производства японской гравюры представляла коллективный творческий процесс, в котором принимал участие художник, создающий базовый эскиз будущего изображения на матовой волокнистой бумаге, резчик, переносивший созданное изображение на деревянную доску продольного распила и печатник, осуществляющий печать рисунка вручную.
Причем, резчики очень часто специализировались в какой-то определенной области художественных образов: людей, животных или природы, добиваясь особой виртуозности и тонкости линий. А печатник, следуя указаниям художника, подбирал нужные оттенки, определял интенсивность цвета, четко воплощая художественный замысел мастера.
Как самостоятельный жанр изобразительного искусства японская гравюра формируется в XVII веке, когда начинает меняться социально-экономическая жизнь общества. В этот исторический период в Японии формируется новая городская среда, появляются социальные классы мелких ремесленников, торговцев, принимающих активное участие в экономической и социальной жизни страны. Явления декоративно-прикладного искусства перестают быть только привилегией аристократических кругов японского общества, а становятся достоянием широких слоев городского населения. Именно в недрах городской культуры зародился жанр укие-э, в котором впервые в истории развития японского искусства отразилась реальная действительность, явившись нескончаемым источником художественных образов.
Творчество Хисикава Моронобу
Жанровая живопись, а именно японская гравюра, возникшая на соприкосновении искусства и ремесла, прошла динамичный путь развития, запечатлевая в художественных образах картины обыденной жизни общества. Слово укие-э в переводе с японского означает «картины проплывающего мимо мира». Постепенно в этом жанре воедино слились традиции и приемы изобразительного искусства Китая с исключительно японским взглядом на окружающий мир.
Первые гравюры, завоевавшие огромную популярность у городского населения, выполнялись в черно-белом варианте, были безыскусны по композиции, цветовой гамме и доступны по цене широкому кругу городского населения. Развиваясь как особое жанровое направление японского искусства, укие-э способствовало появлению выдающихся художников, каждый из которых работал в собственной манере.
Первым мастером авторской гравюры, считающимся ее основоположником, был художник Хисикава Моронобу, начавший свою творческую жизнь с книжной графики. Он первый начал оставлять свое имя на созданных гравюрах, и именно его работы определили стиль ранней японской гравюры. Выбирая простые и доходчивые сюжеты, художник с каллиграфической точностью линий и лаконичностью выразительных средств рисовал жанровые сценки из обыденной жизни японского города и его обитателей.
С именем Хисикава Моронбу связано и становление направления, воспевающего женскую красоту. Эти работы сконцентрированы в альбоме мастера «Сто изображений женщин этого бренного мира» и являются своеобразным гимном культу женской красоты.
Творчество Судзуки Харунобу
К середине XVIII века в Японии появилась цветная гравюра и первым мастером, творившим в жанре многоцветной гравюры, был Судзуки Харунобу. Первоначально некоторые гравюрные работы для внесения разнообразной колористической гаммы начали окрашиваться вручную с помощью кисти, затем появляется новая техника двухцветной печати, при которой использовались два цвета: зеленый и розовый.
Используя новые технические приемы полихромной ксилографии, Судзуки Харунобу привнес в гравюру разнообразные оттенки красок, расширил жанровую тематику, наполнил художественный мир японской гравюры широчайшим спектром человеческих чувств и переживаний. За яркость красок, точность оттенков и тонов гравюры Судзуки Харунобу получили имя «парчовые картинки».
На каждом этапе своего исторического развития японская гравюра приобретала все новые черты в освоении окружающего мира. Появление и становление пейзажа как самостоятельной жанровой разновидности в японской гравюре связано с проникновением европейских методов создания линейной перспективы, использования игры света и тени. Слияние европейской техники живописи с японским мироощущением способствовало появлению новой концепции пейзажного рисунка.
Творчество Кацусика Хокусаи
Истинным мастером видовых пейзажных гравюр был Кацусика Хокусаи, оставивший огромное наследие в виде более тридцати тысяч гравюр и рисунков, среди которых одна из самых знаменитых серий «36 видов Фудзи» явилась наивысшей точкой творческого мастерства художника. Вся серия, состоящая из 46 листов, посвящена национальному священному символу японцев – горе Фудзи, ее величию и значимости в жизни японского общества.
В пейзажных сериях Кацусика Хокусаи философски осмысленная природа является полноправным, самостоятельным участником сюжета. Запечатлевая в своих работах хорошо знакомые картины природы, художник использует мотив Фудзи, как неизменный символ красоты, величия и неизменности окружающего мира.
В период открытия европейцами культурного пространства страны Восходящего солнца японская гравюра вместе с другими формами декоративно-прикладного искусства заняла достойное место на мировых выставках искусства, проходивших в Европе в конце ХIХ века, а затем и в собраниях коллекционеров с мировым именем.
Основоположником укиё-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу.
Изначально гравюры были чёрно-белыми - использовалась лишь тушь , с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»).
Гравюры укиё-э были доступны по цене из-за возможности их массового производства. Они предназначались в основном для городских жителей, которые не могли позволить себе потратить деньги на картины. Для укиё-э характерны картины обыденной жизни, созвучные городской литературе этого периода. На гравюрах изображались прекрасные гейши (бидзин-га ), массивные борцы сумо и популярные актёры театра кабуки (якуся-э ). Позднее стала популярной пейзажная гравюра.
Стиль укиё-э зародился на волне урбанизации конца XVI века , что привёло к появлению класса торговцев и мелких ремесленников, которые начали писать рассказы или повести и оформлять их рисунками. Подобные сборники носили название эхон (яп. 絵本 - «книга картинок» ?). Одним из примеров подобного искусства является издание 1608 года «Исэ-моногатари » («Повесть об Исэ») Хонами Коэцу. В подобных книгах широко использовались укиё-э в качестве иллюстраций. Позднее гравюры стали печатать как самостоятельные произведения - какемоно (яп. 掛け物 - свиток с картиной или изречением ?) и афиши для театра кабуки .
Вырезанная печатная форма
Для создания укиё-э требовались художник, резчик и печатник. Укиё-э изготовлялись следующим образом. Художник тушью делал на тонкой бумаге прототип гравюры, резчик приклеивал этот рисунок лицевой стороной на доску из вишни , груши или самшита и вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая таким образом первую печатную форму, но уничтожая сам рисунок. Потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения на получившийся набор форм и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.
Wikimedia Foundation . 2010 .
Синонимы :- (японское образы повседневного мира) школа японской живописи и ксилографии 17 19 вв. Наследовала традиции жанровой живописи 15 16 вв. Отличается демократизмом сюжетов, созвучных городской литературе периода Эдо (нач. 17 2 я пол. 19 вв.).… … Большой Энциклопедический словарь
Укиё-э - Укие э УКИЁ Э (японское образы повседневного мира), школа японской живописи и гравюры на дереве (17 19 вв.). Для укие э характерны портреты актеров и красавиц из “веселых кварталов”, сюжеты из обыденной жизни, созвучные городской литературе… … Иллюстрированный энциклопедический словарь
- (япон. образы повседневного мира), направление в японской живописи и ксилографии XVII XIX вв., отразившее демократические тенденции в искусстве, возникшие в связи с бурным развитием городской жизни. Распространение получили сюжеты из жизни… … Энциклопедический словарь
- (Хисикава Моронобу) , японский художник, самый известный мастер укие э (см. УКИЕ Э) раннего периода. Сын известного мастера декоративных тканей Хисикавы Китидзаэмона. Спустя… … Энциклопедический словарь
- (1753/1754 1806), японский мастер цветной ксилографии и живописец. Представитель школы укиё э.Портретные и жанровые изысканно поэтические женские образы, созданные с помощью плавной текучей линии, применения слюдяного порошка, дающего эффект… … Энциклопедический словарь
- (1760 1849), японский живописец и рисовальщик, мастер цветной ксилографии. Представитель направления укиё э. В главных графических произведениях (серии «36 видов горы Фудзи», 1823 29, «Путешествие по водопадам различных провинций», 1827 33),… … Энциклопедический словарь
- (Судзуки Харунобу) (1725?, Эдо, ныне Токио 8 июля 1770, там же), японский художник, мастер укие э (см. УКИЕ Э). О его жизни (как и о жизни большинства мастеров укие э) известно мало, но его место в истории японского искусства четко определено его … Энциклопедический словарь
- (японское образы повседневного мира), школа японской живописи и гравюры на дереве (17 19 вв.). Для укие э характерны портреты актеров и красавиц из веселых кварталов, сюжеты из обыденной жизни, созвучные городской литературе начала 17 2 й… … Современная энциклопедия
Одним из самых известных видов японского искусства является гравюра, получившая название укиё-э (浮世絵). Дословно «укиё-э» переводится как «плывущий мир», что отсылает нас к буддийской философии, в которой словом «укиё» обозначался «бренный мир». Но с появлением в эпоху Эдо «веселых кварталов» (публичных домов), понятие было переосмыслено и стало обозначать «мир мимолётных явлений». Впервые слово «укиё-э» было упомянуто писателем Асай Рёи в 1661 г.
Стиль укиё-э относится с ксилографии, печатной графике на дереве или оттиске на бумаге. Создателем укиё-э считается живописец и график Хисикава Моронобу (菱川 師宣).
Предшественниками укиё-э стали эхон (絵本) – сборники рассказов с сопровождающими их картинками. Затем гравюры обрели самостоятельность и использовались в качестве афиш к постановкам театра кабуки или свитков с изречениями какэмоно (掛け物), помещаемых в нишах токонома (床の間), своеобразных домашних святилищах.
Первоначально картины укиё-э возникли в конце 17 века. Первые гравюры были черно-белыми, так как для их создания использовалась тушь, а с 18 века картинки стали цветными, так как мастера начали раскрашивать их киноварью вручную, используя кисть. Затем появилась техника полихромной печати, получившая название нисики-э (錦絵) — «парчовые картинки».
Гравюры были очень дешёвыми, так как техника была достаточно проста и позволяла выпускать большие «тиражи», и предназначались для широких слоёв, в основном, городского населения. И лишь когда европейцы начали массово скупать картины, японцы поняли всю ценность этих произведений, и им пришлось выкупать картины производства своей же страны у иноземцев. Из-за того, что оттиском можно было создать не одну сотню одинаковых картин, можно увидеть одну и ту же работу в нескольких точках земного шара, и все они будут подлинными.
Так как основными потребителями картин были горожане, сюжеты отражали типичный образ жизни японского города: прекрасные дамы, ежедневные бытовые ситуации, сумоисты, актёры театра кабуки, сюжеты легенд. Позже стали изображаться пейзажи и военная тематика. Соответственно, картины укиё-э являются не только произведениями искусства, но и важными историческими источниками, из которых мы можем узнать многое о жизни эпохи Эдо.
Гравюры предназначались для того, чтобы любоваться ими в горизонтальном положении, поэтому их не вешали на стену, кроме какэмоно. Из-за этого некоторые произведения имеют свой «секрет». Например, кимоно героя могло быть с рисунком, который возможно было разглядеть, только когда картина лежала горизонтально или при взгляде на неё снизу, если она висела на стене.
Для создания японской гравюры требовалось три человека: художник, резчик и печатник. Качество и красота работы зависели от всех трёх мастеров. Первый тушью наносил прототип картины на прозрачную бумагу, резчик приклеивал его на деревянную дощечку из вишни, груши или самшита и вырезал области, оставшиеся белыми. Это была первая печатная форма, а рисунок фактически уничтожался. Затем делалось несколько оттисков с разными цветами (для каждого цвета или тона своя форма), и печатник, заранее обговорив с художником цветовую гамму, наносил на набор форм краску и печатал гравюру на рисовой бумаге.
Бидзин-га
(美人が) - изображение красавиц. Как понятно из названия, основным предметом изображения
этого жанра являлись прекрасные женщины. Чаще всего на гравюрах можно было увидеть обитательниц весёлого квартала Ёсивара: гейш, куртизанок и просто известных прекрасных женщин. Типичная красавица тех времён имела овальную форму лица, изогнутую шею и маленький рот. Сюжеты, в которых фигурировали красавицы, были повседневными: чайная церемония, туалет, прогулки, игры. В этом жанре возник стиль окуби-э (お首絵) — «большие головы», где изображалась крупным планом голова девушки.
Мастера: Судзуки Харунобу, Тории Киёнага, Китагава Утамаро.
Якуся-э (役者絵)- портреты популярных актёров театра. Художник должен был придерживаться определённых строгих правил в изображении: например, косые глаза, собранные в кучу, обозначали гнев; если герой закусывал платок, то это показывало безудержную страсть, а волосатость отсылала к дикости и животной необузданности. Гравюры якуся-э имеют интересную особенность: на головах героев можно заметить фиолетовое пятно. На самом деле, это пятно обозначало шапочку, символизирующую высоко выбритый лоб, как у всех мужчин Эдо, которую надевали на голову актёры, изображающие женщин (а как известно, в кабуки все роли, в том числе женские, изображали мужчины).
Мастера: Тории Киёнобу, Кацукава Сюнсё, Тосюсай Сяраку, Утагава Тоёкуни.
Сюнга (春画 «весенние картинки») - эротические гравюры.
При слове «укиё-э» у японца, прежде всего, всплывает в голове образ картины в жанре сюнга, а затем уже и всех остальных. Сюнга представляет собой жанр, в котором изображались очень откровенные интимные сцены с преувеличенными анатомическими подробностями, шокирующие европейцев, воспитанных в строгих христианских обычаях. Но шок сменился популярностью — на Западе таких изображений быть никогда не могло, и иностранцы скупали их очень активно.
Япония наблюдает за авантюрными приключениями современного искусства уже в течение века. Однако, перед тем как страна стала открываться для иностранцев, всякий творческий дух, похоже, покинул искусство живописи, которое превратилось в ремесленничество. Только в нескольких шедеврах живописи сохранялось что-то живое и человеческое.
Уже тогда налицо был упадок повествовательной назидательной «жанровой» живописи, известной под названием укиё-э - «изображение бренного мира»; это течение популярного искусства находило свое выражение как в живописи, так и в графике. Этот жанр стремился сохранять традиции чисто японской живописи (ямато-э ) и вскоре стал вытеснять аристократическую живопись школы Тоса, которую поддерживал двор, равно как и живопись «в китайском стиле» школы Кано, которая пользовалась покровительством самураев. Живопись укиё-э выполнялась на тонкой пористой бумаге или на шелке, обычно более грубом, чем шелк эпохи классической живописи, что позволяло создавать определенную рельефность поверхности с помощью красок. Последние составляли сущность живописного поиска, как в отношении эффектов перспективы, так и в объемности. Линия демонстрировала гибкость кисти и придавала силуэтам естественный и живой характер. Укиё-э, кажется, берет свое начало в школе Кано в Киото: именно она ввела в моду в конце XVI века росписи ширм, где разыгрывались сцены повседневной жизни и праздники в Киото. Произведения Иваса Матабэи (1578–1650), вдохновленные жанровой живописью, создают вторую составляющую этой школы. Начало живописи укиё-э отмечено деятельностью четырех художников школы Кано. Двое из них никогда не обращались к гравюрам: это Миягава Тёсун (1683–1753) и Нисикава Сукэнобу (1671–1751), который работал по преимуществу как иллюстратор. Его изысканный и совершенствующийся стиль проявлялся первоначально в жанре портрета (красавицы). Два других художника, Хисикава Моронобу (1618–1694) и Окумура Масанобу (1686–1764), как мы увидим, известны главным образом как создатели рисунков для гравюр.
В глазах японцев XIX века гравюра не представляла собой значительного искусства. Именно во Франции гравюры в жанре укиё-э получили невероятную популярность, после того как в 1856 году Феликс Бракмон показал Эдгару Дега произведение Хокусая. В 1868 году Манэ под влиянием японской живописи пишет портрет Эмиля Золя; в 1876 году Моне писал девушек в кимоно на декоративном панно; Ван Гог, наконец, был чрезвычайно увлечен этим неизвестным дотоле искусством и использовал японские образцы.
Гравюра (ханга), которая позволяет тиражировать произведение на основе первого листа, представляет собой «средство массовой информации», и ее развитие начиная с середины XVII века по времени точно совпадает с развитием городов, где зарождалась новая форма цивилизации. Конечно, сам способ имел китайское происхождение и был известен уже давно: в Сёсоине хранится дощечка, вырезанная в VII веке, которая предназначалась для того, чтобы наносить рисунок на ткань. В 764 году императрица Кокэн (749–759) приказала вырезать деревянные и медные доски для того, чтобы воспроизвести молитвы и буддийские изображения. Эти резные доски она пожертвовала храмам Нара. Этот эффективный способ продолжали использовать, но только в религиозных целях. Вельможи, для которых создавалось искусство, могли достаточно хорошо оплачивать художников и иллюстраторов свитков; при этом они оценивали в той же мере, что и творчество, качество материалов и презирали дешевизну гравюры. Положение изменилось, когда торговцы и ремесленники, разбогатев, составили средний класс, слишком бедный, чтобы покупать дорогостоящие произведения искусства, но достаточно состоятельный для того, чтобы иметь тягу к некоторой роскоши. Именно они образовывали в собственных интересах настоящий рынок искусства. Именно тогда художник из Эдо Хисикава Моронобу (1618–1694) придумал оригинальную идею - воспроизводить при помощи гравюры рисунки, сюжеты которых взяты из самой жизни, что было присуще традиционной манере японского искусства (ямато-э ). Он набрасывал свои рисунки в знаменитом квартале наслаждения Ёсивара: образы дорогих гейш, увеселительные компании, далекие от добродетели, актеры зарождающегося театра кабуки - резал проволокой на дощечках из мягкого дерева. Горожанам понравились эти картинки, эти жанровые сценки стали называть укиё-э рю, буддийское понятие «бренный мир» (укиё-э ) тогда часто применялось по отношению к домам свиданий и развлечениям; итак, изображение бренного мира - укиё-э. Сюжетов становилось больше, художники начинают воспроизводить и цветы, и птиц, и любые декоративные мотивы, которые нравились заказчикам. Если Моронобу, несмотря на свое влияние, не имел прямых учеников, то иначе обстояло дело с его последователем Тории Киёнобу (1664–1729), школа которого, специализировавшаяся на изображении актеров и молодых красавиц, процветает еще и в наши дни.
Первые гравюры были представлены на суд публики в виде отдельных листков и книжечек, которые в эпоху Моронобу изготавливались фальцеванием двойных листков бумаги. Японская гравюра требовала сотрудничества трех художников или ремесленников: художник, гравер, печатник. Первые оттиски выполнялись в черно-белом (суми-э или суми дзури-э ) сочетании; иногда использовался свинцовый сурик (тан-э ); но начиная с 1720 года благодаря некоторым усовершенствованиям использовали разнообразные и богатые оттенки: пурпуровым красным цветом (бени-э ) заменили свинцовый сурик, применяли также желтый, фиолетовый и зеленый цвет, стали добавлять клей в китайскую тушь (этим новшеством были обязаны Окумара Масанобу (1686–1764), что позволяло придавать большую глубину и объемность черному цвету, разграничивающему изображение. Блестящая поверхность напоминала лаки (уруси-э ).
Первые гравюры, цвета которых устанавливали кистью прямо на дощечке, старались тщательно имитировать картину. Все изменилось с 1743 года, когда практика бене дзури-э , которая использовала китайские техники ксилографии, предоставила укиё-э независимость стиля и фактуры. Отныне полученная накатами и последовательными оттисками, ставшими возможными благодаря технике маркировки, гравюра добилась за двадцать лет такой роскоши колорита, что ее сравнивали с парчой (нисики-э ): десять основных цветов позволяли достичь богатых оттенков и полутонов. Творчество знаменитого Судзуки Харунобу (1725–1770), который увековечил хрупкую привлекательность красавиц (бидзин ) своей эпохи, стало вершиной расцвета этого жизнерадостного искусства эстампа, предмета - воспоминания о приятных часах, проведенных в приятной компании. Кацукава Сюнсо (1726–1792) и Иппицусай Бунтё (1725–1794), подражавшие технике Харунобу, работавшие в одном направлении (бутай оги), создали в 1770 году жанр, вскоре ставший очень популярным, - портреты актеров (нигао-э ). Новые изменения были внесены позже Китагава Утамаро (1753–1806): он, отказавшись от классического портрета во весь рост, придавал исключительное значение изображению лица. Его открытие тотчас же заимствовал Тёсусай Сяраку (работал в 1794–1795 гг.) и использовал его для изображения мужчин - актеров театра. Хотя искусство граверов-портретистов и достигло тогда своего апогея, постепенно оно стало исчезать. Что касается укиё-э, то самому жанру в целом было суждено испытать новый взлет. Мода на него опять распространилась, в значительной степени этому способствовали романы. Их полагалось иллюстрировать, так что возникает интерес к поиску новых сюжетов. Любые явления могли стать сюжетом для гравюры, так что и в Японии, несомненно, могли бы согласиться с мыслью Себастьяна Мерсье. Он в то же самое время отметил с досадой в своих «Парижских картинах»: «…в наши дни наблюдается смешное злоупотребление гравюрой» (цит. по: Адемар Ж. Оригинальная гравюра XVIII века) . Однако среди этой столь быстро оказавшейся банальной продукции появляются два светлых пятна: пейзажи Кацусика Хокусая (1760–1849) и Андо Хиросигэ (1797–1858). К заслугам Хокусая следует отнести то, что он сумел освободить гравюру от изображения узких улочек города и его обитателей, открыв гораздо более широкие горизонты. Вдохновение к нему пришло (что любопытно) в 1798 году при виде пейзажа, выгравированного на меди голландским художником. «Тридцать шесть видов горы Фудзи», а затем «Пятьдесят три станции Токайдо» (1833) Хиросигэ представляют собой вершину японской гравюры. Смелость и нервозность линий, взвешенное неистовство цветов, всегда согласованных с пестрыми контрастами природы, воспевали тысячи видов моря и туманов, мягкость сельской местности и геометрическую правильность красоты горы Фудзи. Этот стиль, вскоре доведенный до совершенства, задохнулся и утратил остроту так же быстро, как и расцвел. С середины XIX века слишком большие тиражи с одной доски, всеобщее снижение вкуса и качества сделали гравюру простой «олеографией». Парадоксально, но именно эти посредственные и манерные произведения, случайно попавшие на Запад, оказали огромное влияние на импрессионизм и все современное искусство.
История гравюры на меди, которая прославила талант Хокусая, более древняя. Гравюры на меди нечасто использовались в эпоху Нара для потребностей буддийской веры, а затем и вовсе исчезли до XVI века. Христианские миссионеры, которые в этот период проповедовали в Японии евангельское учение, привезли с собой относительно большое количество досок на благочестивые сюжеты, как это делали буддийские проповедники в VIII столетии. В 1590 году из Европы был доставлен пресс, что позволило миссионерам Кюсю печатать с досок и обучать технике гравюры. Гравюра в западном стиле была унесена той же бурей, что обрушилась на христианство, и внимание к ней было привлечено вновь только к концу эпохи Эдо, в период, когда снова стал проявляться интерес к «голландским» наукам. Сиба Кокан (1738–1818) изучил у голландцев технику аквафорте, которую он успешно применял. Новое течение зародилось именно тогда, и с тех пор мода потребовала, чтобы офортами украшались обложки книг, переведенных с других языков; стиль этих гравюр (справедливое возвращение) во многом вдохновлялся творчеством Хокусая.
Таким образом, гравюра, популярный жанр, первоначально тяготевший к анекдотам, представляла собой один из последних взлетов (пусть он и оказался коротким) японского искусства, до того как оно стало резко противопоставляться западным произведениям, посланцам другой ментальности, использующим другие методы и другие материалы.
Гравюра составляет только незначительную форму выражения и, отрезанная от своих дальневосточных корней, становится непонятной. Качество ее основывается прежде всего на качестве линии, гравюра не допускает неловкости и ошибки. Эта особенность оказывается совершенно исключительной для всего искусства стран, пользующихся иероглифами: кисть искусно обмакивается в тушь и, в соответствии с тем, какого эффекта желает достичь художник, движется ритмично, мягко и мощно, но она не может ни остановиться, ни возвратиться назад. Если только творчество не полностью отдается на волю случая, художник или каллиграф должен очень точно мысленно представлять цель, к которой он стремится, и обладать достаточной практической сноровкой, чтобы его рука повиновалась приказаниям духа. Успех был возможен только благодаря постоянному обучению с детства, продолжительному опыту, приобретенному в течение длительного времени, и тому, что человек бескорыстно, не мечтая о славе, воспроизводил бесчисленные примеры - те, что представлены в тетрадях, предназначенных для обучения по образцам, созданным художниками или просто найденным в самой природе и окружающем мире.
Он относится к периоду от Великого пожара годов Мэйрэке до эпохи Хорэки. Укиё-э на ранних стадиях в основном представляла собой оригинальные рисунки и одноцветную ксилографию (сумидзури-э).
После середины XVII века человека, который делал оригинальные рисунки для ксилографии, называли «хансита-эси» (профессиональный рисовальщик), затем появился Моронобу Исикава, который рисовал иллюстрации для книжек с картинками и укиё-дзоси (популярные истории повседневной жизни эпохи Эдо). Знаменитая «Mikaeri Bijin zu» («Картина с оглядывающейся назад красавицей»), его самая значительная работа, является оригинальным рисунком.
Книга «Koshoku ichidai otoko» («Жизнь любящего мужчины») Сайкаку (издана в 1682 году) описывает, что укиё-э была нарисована на складывающемся веере с 12 ребрами, и это самая старая литература, в которой можно найти слово «укиё-э».
Когда началась эпоха Тории Киёнобу, появился вид сумидзури-э, окрашиваемы кистью и чернилами. Для таких гравюр в основном использовали красные пигменты, с желтовато-коричневым оттенком (красная земля) назывались «тан-э», а с оттенком бени (румянец) назывались «бени-э». Кроме того, сумидзури-э с несколькими цветами, добавленными к бени-э, назывались бенидзури-э. С того времени школа укиё-э Тории тесно связана с кабуки (традиционный театр, роли в котором исполнялись актёрами мужского пола) и используется на рекламных щитах кабуки даже сегодня.
Он относится к периоду с 1765 года, когда родилась нисики-э (печать), до приблизительно 1806 года.
В 1765 году стали модными эгоёми (календари с изображениями), особенно среди поэтов хайку, и начали организовываться вечера по обмену эгоёми. Чтобы удовлетворить спрос, Харунобу Судзуки и другие разработали «адзума-нисики», напечатанные в нескольких цветах, и культура укиё-э вступила в полный расцвет. Что касается факторов, позволяющих сделать многоцветную печать, то было указано, что «кенто» (метки приводки) были введены, чтобы отметить точки для надпечатки, и появилась плотная высококачественная японская бумага, которая выдерживала многоцветную печать. Использовали бумагу, сделанную из кодзо (бруссонетии бумажной), такую как этидзен-хосогами (тяжелая японская бумага отличного качества из провинции Этидзен), иё-масагами, нисами-утигами, и т. д. Кроме того, важную роль сыграло экономическое развитие, так как было введено разделение труда для сложных процессов между ситаэси (художники укиё-э), хориси (гравёры) и суриси (печатники).
После смерти Харунобу Судзуки, образы в бидзинга начали меняться от андрогинных, похожих на куклу, к реалистичным.
В эпоху Анъэй Сигэмаса Китао пользовался популярностью благодаря бидзинга. Реалистичное разграничение также было добавлено к якуся-э, а Сюнсё Кацукава рисовал скучные нигао-э (портреты).
Кроме того, появился Утамаро Китагава Utamaro, который рисовал много окуби-э (погрудных портретов), которые были типом бидзинга с тонкой, изящной и приятной манерой.
В 1790 году была создана система одобрения «Аратаме-ин», и к печатным изданиям были применены различные ограничения.
В 1795 году ханмото (издатель) с именем Дзюдзабуро Цутая, чьи активы были конфискованы за его нарушение запрета, представил Сяраку Тосюсай в качестве меры возрождения. Несмотря на то, что он привлёк внимание общественности уникально преувеличенными якуся-э, его популярность создала плохое впечатление из-за чрезмерного преувеличения черт, и он был побежден серией Тоёкуни Утагавы «Yakusha butai no sugatae» («Образы актёров на сцене»), которая была чрезвычайно популярна.
Впоследствии, начала зарождаться крупнейшая школа художников эси укиё-э, школа Утагава, состоящая из учеников Тоёкуни.
Он относится к периоду с 1807 года до примерно 1858 года.
После смерти Утамаро Китагавы основное направление бидзинга обратилось к чувственной, сексуальной красоте и привлекательности такой, какую изображал Кэйсай Эйсэн.
Хокусай Кацусика, один из учеников Сюнсё Кацукавы, на фоне расцвета путешествий, нарисовал «Fugaku sanju rokkei» («Тридцать шесть видов горы Фудзи»), что привело к печати «Tokaido Gojusan-tsugi» («Пятьдесят три станции Токайдо») Хиросиге Утагавы. Благодаря этим двум художникам был развит мейсо-э (пейзажный рисунок) в жанре укиё-э.
В жанре якуся-э, Кунисада Утагава, как преемник его учителя Тоёкуни Утагавы, рисовал сильные якуся-э.
В кусадзоси, муся-э начали рисовать Куниёси Утагава и другие, наряду с популярностью фантастических сказок.
В то время популярность приобрела серия «Suikoden» («Водный берег») Куниёси Утагавы, и произошёл «бум Suikoden».
«Edo sunako saisenki», изданная в 1853 году, описывала «Тоёкуни Нигао (нигао-э), Куниёси Муся (муся-э) и Хиросиге Мейшо (мейсо-э)».
Он относится к периоду с 1859 года до примерно 1912 года. Йокогама-э (йокогама укиё-э) стал модным среди людей, которые были вдохновлены курофуне («черные корабли» коммодора Мэтью Перри) и заинтересовались западными культурами. После реставрации Мэйдзи кайка-э (просветительские картины), изображающие редкую западную архитектуру и железные дороги, заменили йокогама-э.
В то время как в Японии, которая была разрушена в результате реставрации Мэйдзи, в кабуки и других развлекательных представлениях появились гротескные вещи, Ёсиику Отиаи и Йоситоси Цукиока, которые были учениками Куниёси Утагавы, нарисовали «Eimei nijuhachishuku», которая изображала кровавые сцены и назывались музан-э, а также иллюстрации к статьям в нисикиэ-симбун.
Ёситоси Цукиока, с его утончёнными рисунками, основанными на эскизах, создавал не только мудзан-э, но также много рекисига (исторические картины) и фудзокуга и стал называться «последним художником укиё-э». Поскольку он решительно поддерживал своих учеников относительно знакомства с другими жанрами изобразительного искусства, многие ученики достигли величия в качестве иллюстраторов и художников японского стиля, как например Киёката Кабураки; таким образом, традиция укиё-э перешла в другие жанры.
Кроме того, укиё-э начали рисовать некоторые художники школы Кано, в том числе Кёсай Каватабэ.
Киёсика Кобаяси создал новые пейзажные рисунки под названием косенга, в которых не использовались линии профилей.
Йсифудзи Утагава применял укиё-э на омотя-э, который теперь называются газетными приложениями, и, благодаря популярности идеи, играл активную роль как художник эси, специализирующийся на ототя-э. Его даже называли «Омотя Йосифудзи».
Укиё-э постепенно уменьшалась, теряя популярность в газетах, фотографиях, новых технологиях, таких как литография и т. д. Художники укиё-э проявили свою изобретательность в отношении фотографий, в основном зря, и были вынуждены стать иллюстраторами и т. д. История укиё-э, которая длилась с периода Эдо, почти закончилась тем, что последней гравюрой стала сенсо-э, изображающая китайско-японскую войну.
Начиная с периода Тайсё до периода Сёва, Хасуй Кавасэ и другие намеревались возродить укиё-э новыми ксилографиями, а также оставили много работ, в которых использовалась технология многоцветной печати укиё-э.
Укиё-э, первоначально появились как картины, изображающие обычаи и нравы повседневной жизни «укиё». Изображались пейзажи, портреты актёров кабуки, борцы сумо и юдзё (проститутки). Многие подпадают под категорию современных комиксов и содержат элементы карикатуры. Традиционные темы, которые должны были быть материалом для китайской живописи и картин ямато-э, иногда преобразовались для укиё-э.
Что касается сюнга (эротического искусства), изображающего любовные сцены, то рисовали их самые известные художники эси. Сюнга часто продавали в комплексных сделках. Поскольку их продажные цены были высокими, на создание тратилось много денег, и использовались сложные методы производства. Имея элемент насмешки (высмеивания) над реальной сексуальной культурой, они не обязательно были сенсационными, и отмечалось, что они не должны рассматриваться только в качестве порнографии.
Бидзинга (Bijinga): Рисунки с изображением молодых женщин.
Изображались канбан-музуме (девушки с афиши) и юдзё, которые были популярны в то время.
Якуся-э (Yakushae): Рисунки с изображением популярных актёров кабуки и т. д.
Некоторые из них были похожи на клише, а некоторые служили тираси (листовками).
Карикатура: Комично нарисованные картинки.
Включали тоба-э. Встречались юмористические сцены и персонификации. Они сдерживали элементы карикатуры, но неизменно подчёркивали развлекательный аспект.
Тоба-э (Tobae): Карикатуры, изображающие человеческие персонажи с длинными руками и ногами. Они произошли от имени Тоба Содзё (ведущего деятеля). Комиксы на раннем этапе иногда упоминаются таким образом.
Комиксы: Этехон (художественное пособие).
Рисунки, изображающие всё мироздание. Они отличались от современных комиксов. Манга Хокусая (зарисовки Хокусая) были показательным примером.
Сюнга (Shunga): Рисунки с изображением сексуальных сцен и других чувственных вещей.
Были небольшие печатные издания с секс-игрушками и персонифицированным половым органом и т. д. Они были настолько распространены в сельской местности, что под нисики-э фактически подразумевались сюнга. Они могли быть частью приданого.
Мэйсо-э (Meishoe): Рисунки, изображающие знаменитые пейзажи.
Рисунки разрешались простым людям того периода, которые не могли свободно путешествовать, чтобы увидеть желанные знаменитые достопримечательности. Они также использовались в качестве туристических брошюр.
Муса-э (Mushae): Рисунки с изображением знаменитого самурая, появляющегося в легендах, фантастических сказках и историях.
Они вошли в моду, особенно с бумом фантастических сказок. Бакуфу (японское феодальное правительство, возглавляемое сёгуном) запрещало изображать Нобунагу Ода и воинов после него.
Рекисига (Rekishiga): Рисунки, изображающие исторически известные сцены.
После реставрации Мэйдзи были произведения, изображающие последних императоров в целях содействия легитимности императорской семьи.
Омотя-э (Omochae): Рисунки для детей.
Среди них были произведения, которые нужно было наклеивать на сугороку (японские нарды) и мэнко (сотки в японском стиле), миниатюры популярных укиё-э, модные бумажные куклы, работы, называемые дзукуси-э, под которыми были собраны многие призраки, воины и так далее. Множество идей переняли для использования в детских игрушках.
Митате-э (Mitate-e): Пародии классических произведений.
Сумоу-э (Sumoue): Рисунки, изображающие сумо. Среди них были стереотипные рисунки, представляющие борцов сумо в то время.
Харимадзе-э: Работы, на которых было нанесено несколько изображений на один лист бумаги.
Сини-э: Ксилография издавалась в результате смерти знаменитости.
Некоторые из них были для знаменитых художников эси.
Кодомо-э: Рисунки, изображающие детей во время игры.
Нагасаки-э: Рисунки, изображающие иностранные культуры, которые видели в Нагасаки. Йокогама-э: Рисунки, наполненные экзотической атмосферой Йокогамы.
Намадзу-э: Рисунки, появившиеся после Больших землетрясений в Ансей.
Согласно популярному суеверию намазу (сом) приносит землетрясения.
Носо-э: Оберег, что отвести оспу.
Утива-э: Рисунки, которые приклеивались на веера.
Люди, которые рисовали укиё-э, назывались художниками укиё-э или художниками эси (эдакуми [художник]). Людьми, которые вырезали рисунки художников укиё-э на деревянных клише, были хориси (тёко [резчики]), а людьми, которые раскрашивали деревянные клише и печатали были суриси (печатники). Хотя процесс создания укиё-э представлял собой совместную работу, обычно запоминались только имена художников эси. Требовалось по крайне мере четыре стороны, включая дополнительную сторону в качестве покупателя.
«Кенто» (современные приводочные метки [печать]) были прикреплены для проверки положения бумаги и предотвращения смещения цветов в многоцветной печати. Некоторые предполагали, что они были придуманы оптовым торговцем для издания Китиэмона Уэмуры в 1744 году, но другие утверждали, что в 1765 году их использовал суриси по имени Кинроку. Также говорится, что их изобрёл Гэннай Хирага, который был связан с Харунобу Судзуки. Такие фразы, как «Kento wo tsukeru» (выбрать в качестве цели), «Kento chigai» (неточно), «Kentou hazure» (с отклонением от приводки), которые используются даже сегодня, происходят из этого «Кенто».
В эпоху Мэйдзи или позже, укиё-э получала мало внимания в Японии, и многие из работ были вывезены из страны. Следовательно, для укиё-э не было проведено законных, систематических и академических исследований как произведения изобразительного искусства, а мнения, основанные на различных источниках знаний, частично и постоянно повторялись только отдельными коллекционерами и исследователями.
Более того, как обычно, создавались подделки многих известных произведений, в том числе Харунобу Судзуки, Утамаро Китагавы и других, распространенных со времён Эдо.
С другой стороны в западных странах укиё-э открыли и высоко оценили великие мастера школы импрессионистов, чьи работы находились под влиянием укиё-э, даже были созданы их репродукции в масляных картинах. По-видимому, по крайней мере, 200,000 или более предметов укиё-э находится в хранилище в 20 или более самых престижных западных музеев; кроме того, различные лица владеют частными коллекциями, таким образом, указывая, что укиё-э является единственным иностранной формой искусства, которая коллекционируется в таких большие количествах. Многие музеи хранят более 10,000 предметов укиё-э, как например, Музей изящных искусств в Бостоне - 50,000 предметов, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина с 30,000 предметов и т. д.
Укиё-э является единственной в мире яркой цветной гравюрой на дереве; в западном изобразительном искусстве нет такого жанра, который, как считается, способствует её высокой оценке. Среди множества рассеянных укиё-е, было большое количество работ со сравнительно простыми рисунками, включая Утамаро, а укиё-э с богато окрашенными (броскими) сложными рисунками были неожиданно мало.
Поскольку внутри страны укиё-э продаётся в сетевых магазинах тех, которые распространились за границей, есть надежда, что в дальнейшем укиё-э будут рассматривать как редкую художественную работу в мире, чтобы эта высокая оценка этого вида искусства не ограничивалась Западом.
Также ценно то, что укиё-э - единственный материал в мире, который изображает различные жизни обычных людей в период средневековья.
Согласно документам периода Мэйдзи, до этого времени было около 2000 художников эси, при условии, что были включены неизвестные художники. Поскольку в то время было напечатано от 100 до 200 работ, в городах появилось огромное количество укиё-э, и, в отличие от любого другого места в мире, высококачественные произведения искусства были очень популярны среди простых людей.
Одновременно с влиянием укиё-э на японизм в западных странах, он также получил влияние из-за границы. Синтетический пигмент берлинская лазурь («беро» от Берлин), которая происходит из Германии, производящей яркий цвет и был использован Хокусаем Кацусикой и др. Также были переняты западные техники перспективы и тушёвки.
В 1865 году французский художник Бракемон показал своим друзьям «Мангу Хокусая», которая была на оберточной бумаге глиняных изделий, и в итоге это оказало большое влияние на импрессионистов. Это вызвало такую ситуацию в Европе, когда произведения укиё-э продавались по высоким ценам, которые были невообразимы для Японии в то время, так как в самой Японии укиё-э были развлечением обычных людей, и подержанные и повреждённые работы продавались по ценам настолько низким, что их использовали в качестве упаковочного материала для морских грузов.
Укиё-е даже повлияла на классическую музыку, так как Клод Дебюсси был вдохновлён «Kanagawa oki nami ura» («Большая волна в Канагаве») Хокусая и написал «La Mer» («Море») (гравюра использовалась на обложке оркестровой партитуры, опубликованной в 1905 году, и есть фотография, на которой гравюра может быть идентифицирована как украшение в рабочем кабинете).
| Стиль Укиё-э (японская живопись) |
| Школа Сидзё (японская живопись) |
| 10 самых известных шедевров японской живописи |
| Японский художник Маруяма Окё, картины (японская живопись) |
| Спальня в японском стиле |
| Японский стиль в интерьере |
| Японская живопись (древние периоды, современная), ведущие художники |
