Περιλαμβάνει ζωγράφους και γραφίστες της Ρωσικής Ομοσπονδίας, της Σοβιετικής Ένωσης και της Ρωσικής Αυτοκρατορίας, των οποίων το είδος προτεραιότητας ήταν το τοπίο. Περιεχόμενα 1 Λίστα 2 Δείτε επίσης 3 Σημειώσεις ... Wikipedia
Εδώ είναι ένας κατάλογος ζωγράφων της Ρωσικής Ομοσπονδίας, της Σοβιετικής Ένωσης και της Ρωσικής Αυτοκρατορίας του 20ου αιώνα. Τα ονόματα δίνονται με αλφαβητική σειρά. Η βάση για ένταξη στη λίστα είναι η αναγνώριση από την καλλιτεχνική κοινότητα, επιβεβαιώθηκε ... Wikipedia
Μια συλλογή από καρτ ποστάλ από Ρώσους καλλιτέχνες στην έκθεση PostCardExpo 2008 στη Μόσχα ... Wikipedia
Μπόρις Κουστόντιεφ. «Ομαδικό πορτρέτο των μελών του συλλόγου «Κόσμος της Τέχνης»». Η λίστα των καλλιτεχνών της Ασημένιας Εποχής περιλαμβάνει ζωγράφους και γραφίστες ... Wikipedia
Εδώ είναι μια λίστα με γυναίκες ζωγράφους της Ρωσικής Ομοσπονδίας, της Σοβιετικής Ένωσης και της Ρωσικής Αυτοκρατορίας. Τα ονόματα των καλλιτεχνών δίνονται με αλφαβητική σειρά. Η βάση για συμπερίληψη στη λίστα είναι η αναγνώριση από την καλλιτεχνική κοινότητα, επιβεβαιωμένη ... ... Wikipedia
Ακολουθεί ένας κατάλογος ζωγράφων μελών της Ένωσης Καλλιτεχνών του Λένινγκραντ (που ιδρύθηκε στις 2 Αυγούστου 1932 ως Περιφερειακή Ένωση Σοβιετικών Καλλιτεχνών του Λένινγκραντ· από το 1959, το παράρτημα του Λένινγκραντ της Ένωσης Καλλιτεχνών της RSFSR· από ... .. Βικιπαίδεια
Ο Βλαντιμίρ Πούτιν απονέμει στον Μητροπολίτη Κύριλλο το παράσημο της Αξίας για την Πατρίδα, 2ης τάξης. Μόσχα, Κρεμλίνο, 21 Δεκεμβρίου 2006 Κύριο άρθρο ... Wikipedia
Στις 16 Ιουλίου 1943 καθιερώθηκε ο τιμητικός τίτλος «Λαϊκός Καλλιτέχνης της RSFSR». Ο τίτλος απονεμήθηκε με Διατάγματα του Προεδρείου του Ανώτατου Σοβιέτ της RSFSR, αφού ανέλαβε καθήκοντα στις 10 Ιουλίου 1991, ο Πρόεδρος της RSFSR με Διατάγματα του Προέδρου της RSFSR. Μετά την αλλαγή ... ... Wikipedia
Κύριο άρθρο: Τάγμα Francysk Skaryna Order of Francysk Skaryna Το Τάγμα Francysk Skaryna είναι ένα από τα τάγματα της Λευκορωσίας. Ιδρύθηκε από το Ανώτατο Συμβούλιο της Δημοκρατίας της Λευκορωσίας το 1995. Βραβευμένο είτε για την ανάπτυξη της Λευκορωσικής ... Wikipedia
Αυτός είναι ένας κατάλογος των κατόχων του Τάγματος της Αξίας για την Πατρίδα, βαθμός III (μετά την ημερομηνία είναι ο αριθμός του διατάγματος του Προέδρου της Ρωσικής Ομοσπονδίας, το οποίο απονεμήθηκε) Ιππότες του Τάγματος του III βαθμού, που απονέμονται σύμφωνα με στα δημοσιευμένα διατάγματα # ... Wikipedia
Ανάμεσα σε όλους τους πιο διάσημους καλλιτέχνες, θα ήθελα να ξεχωρίσω το έργο του καλλιτέχνη Miftyakhov Marat Khaidarovich.
Τα τοπία του Μαράτ είναι εκπληκτικά και μοναδικά.
Οι εικόνες είναι διαφορετικές ρεαλιστικές και μη ρεαλιστικές, κατανοητές και ακατανόητες.
Αν δείτε ότι ένα ποτήρι είναι σχεδιασμένο στην εικόνα, τότε αυτό είναι προφανές και τι πρέπει να σκεφτείτε; Κοίταξες την εικόνα και συνειδητοποίησες ότι ήταν ένα ποτήρι, αύριο κοίταξες ξανά και ξανά και συνειδητοποίησες ότι ήταν ένα ποτήρι ... Πιθανότατα, αφού κοιτάξεις μια παρόμοια εικόνα μια φορά, δεν θέλεις πια να την ξανακοιτάξεις, αφού είναι προφανές και δεν χρειάζεται εξήγηση. Οι πίνακες του Μαράτ είναι το εντελώς αντίθετο από τέτοιους πίνακες. Ελκύουν και συναρπάζουν στο ότι απεικονίζουν εντελώς άγνωστα και ακατανόητα αντικείμενα και τοπία, δημιουργώντας φανταστικές όψεις σε συνδυασμό μεταξύ τους.
Οι πίνακες περιέχουν πολλές διαφορετικές μικρές λεπτομέρειες.
Είναι πολύ δύσκολο να δείτε ολόκληρη την εικόνα με λεπτομέρεια ταυτόχρονα, τέτοιες εικόνες πρέπει να προβληθούν πολλές φορές. Και κάθε φορά, πλησιάζοντας την εικόνα, ο θεατής μπορεί να ανακαλύψει κάτι νέο, κάτι που δεν είχε προσέξει πριν. Αυτή η ιδιότητα είναι εγγενής σε όλους τους πίνακες του Marat και προσελκύει ακόμη περισσότερο την θέασή τους. Οι εικόνες είναι κατατοπιστικές και έχουν βαθύ φιλοσοφικό νόημα.
«Θεωρώ τον Renato Guttuso τον πιο σημαντικό καλλιτέχνη της σύγχρονης Δυτικής Ευρώπης», έγραψε ο J. Berger.
Και ιδού τα λόγια του Carlo Levi «Ο Guttuso είναι ένας σπουδαίος καλλιτέχνης: και όχι μόνο στη Σικελία και στην Ιταλία. Τώρα είναι ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες στον κόσμο. Είμαι βαθιά πεπεισμένος για αυτό και είμαι χαρούμενος που μπορώ να το δηλώσω χωρίς περιορισμούς και επιφυλάξεις, με πλήρη ευθύνη».
Ο Renato Guttuso γεννήθηκε στη Σικελία στη Bagheria κοντά στο Παλέρμο στις 26 Δεκεμβρίου 1911 (σύμφωνα με άλλες πηγές - 2 Ιανουαρίου 1912), στην οικογένεια ενός τοπογράφου. Έλαβε τις πρώτες του επαγγελματικές δεξιότητες από τον λαϊκό δάσκαλο Emilio Murdolo, ο οποίος ζωγράφιζε άμαξες. Σπουδάζοντας στο Λύκειο, ο Guttuso ασχολείται επίσης με τη ζωγραφική: γνωρίζει βιβλία για την τέχνη, επισκέπτεται εργαστήρια καλλιτεχνών. Στα τέλη της δεκαετίας του '20 εμφανίζονται οι πρώτοι του πίνακες.
Στην πρώτη Quadriennale (μια τετραετής έκθεση Ιταλών καλλιτεχνών), είχε μικρή επιτυχία - δύο από τους πίνακές του τράβηξαν την προσοχή των κριτικών.
Ήδη κατά τη διάρκεια της ζωής του, το όνομα του Νταλί περιβαλλόταν από ένα φωτοστέφανο παγκόσμιας φήμης. Κανείς, εκτός από τον Πάμπλο Πικάσο, δεν μπορούσε να συγκριθεί μαζί του σε φήμη.
Ο διάσημος σκηνοθέτης Άλφρεντ Χίτσκοκ έγραψε: «Εκτιμούσα τον Νταλί για τα κομψά περιγράμματα των έργων του -φυσικά, με πολλούς τρόπους παρόμοια με τους πίνακες του Ντε Κίρικο- για τις μακριές σκιές του, την ατελείωτη αποξένωση, τη φευγαλέα γραμμή που φτάνει στο άπειρο, πρόσωπα χωρίς μορφή. Όπως ήταν φυσικό, εφηύρε πολλά ακόμη πολύ περίεργα πράγματα που δεν μπορούσαν να πραγματοποιηθούν.
Ο Νταλί είπε για τη ζωγραφική του: «Πώς θέλεις να καταλάβεις τους πίνακές μου, όταν ούτε εγώ ο ίδιος, που τους δημιούργησα, δεν τους καταλαβαίνω. Το ότι δεν καταλαβαίνω τους πίνακές μου τη στιγμή που ζωγραφίζω δεν σημαίνει ότι αυτοί οι πίνακες δεν έχουν κανένα νόημα, αντίθετα το νόημά τους είναι τόσο βαθύ, σύνθετο, συνδεδεμένο, ακούσιο που διαφεύγει της απλής λογικής ανάλυσης.
Ο Salvador Domingo Felipe Jacinto Dali y Domenech γεννήθηκε στις 11 Μαΐου 1904 στη μικρή πόλη Figueres (επαρχία της Girona), στην οικογένεια ενός δικηγόρου. Βαπτίστηκε με το ίδιο όνομα με τον αδελφό του, ο οποίος πέθανε σε ηλικία επτά ετών από μηνιγγίτιδα. Στην αυτοβιογραφία του, ο καλλιτέχνης γράφει: «Έχοντας γεννηθεί, πήρα τη θέση του λατρεμένου νεκρού, τον οποίο συνέχισαν να αγαπούν μέσα από εμένα ... Όλες οι επόμενες εκκεντρικές ενέργειές μου, όλες οι ασυνεπείς γελοιότητες μου ήταν η τραγική σταθερά της ζωής μου: Έπρεπε να αποδείξω στον εαυτό μου ότι δεν ήμουν δικός μου, ένας νεκρός αδερφός, αλλά ένας ζωντανός. Έτσι συνάντησα τον μύθο του Κάστορα και του Πόλλουξ: σκοτώνοντας τον αδελφό μου μέσα μου, κέρδισα τη δική μου αθανασία».
«Ο ρεαλισμός δεν είναι μια φόρμουλα που καθιερώθηκε μια για πάντα, ούτε δόγμα, ούτε ένας αμετάβλητος νόμος. Ο ρεαλισμός, ως μορφή αντανάκλασης της πραγματικότητας, πρέπει να βρίσκεται σε διαρκή κίνηση», λέει ο Siqueiros. Και μια ακόμη από τις δηλώσεις του: «Ο θεατής δεν είναι ένα άγαλμα που περιλαμβάνεται στη γραμμική προοπτική της εικόνας ... είναι αυτός που κινείται σε όλη την επιφάνειά της ... ένα άτομο, κοιτάζοντας τον πίνακα, συμπληρώνει τον καλλιτέχνη δούλεψε με την κίνησή του».
Στις 29 Δεκεμβρίου 1896, στην πόλη Τσιουάουα του Μεξικού, ο Don Cipriano Alfaro και η Teresa Siqueiros απέκτησαν έναν γιο, τον Jose David Alfaro Siqueiros. Στην ηλικία των έντεκα, έδειξε το χάρισμα του ζωγράφου, έτσι το 1907 το αγόρι στάλθηκε για σπουδές στο Εθνικό Προπαρασκευαστικό Σχολείο στην Πόλη του Μεξικού. Λίγο αργότερα, ο Αλφάρο αρχίζει να σπουδάζει στις τάξεις της Ακαδημίας Τέχνης του Σαν Κάρλος.
Εδώ ο Siqueiros γίνεται ένας από τους ηγέτες των φοιτητών και σηκώνει την ακαδημία για να διαμαρτυρηθεί και να απεργήσει. Ο καλλιτέχνης θυμάται: «Ποιοι ήταν οι στόχοι της απεργίας μας; Τι ζητήσαμε; Τα αιτήματά μας αφορούσαν τόσο εκπαιδευτικά όσο και πολιτικά ζητήματα. Θέλαμε να καταργήσουμε τη μούχλα ακαδημαϊκή ρουτίνα που κυριαρχούσε στο σχολείο μας. Ταυτόχρονα κάναμε κάποιες απαιτήσεις οικονομικής φύσεως... Απαιτήσαμε την κρατικοποίηση των σιδηροδρόμων. Όλο το Μεξικό μας γέλασε… Ειλικρινά μιλώντας, είμαι βαθιά πεπεισμένος ότι εκείνη την ημέρα γεννήθηκε στην ψυχή του καθενός μας ένας καλλιτέχνης-πολίτης, ένας καλλιτέχνης που ζει για τα δημόσια συμφέροντα…»
Οι καμβάδες του Plastov είναι γεμάτοι δύναμη που επιβεβαιώνει τη ζωή. Μέσα από το χρώμα και χάρη στο χρώμα, γεμίζει τους πίνακές του με ένα ζωντανό, τρεμάμενο συναίσθημα. Ο καλλιτέχνης λέει: «Μου αρέσει αυτή η ζωή. Και όταν τη βλέπεις χρόνο με το χρόνο... νομίζεις ότι πρέπει να το πεις στους ανθρώπους... Η ζωή μας είναι γεμάτη και πλούσια, υπάρχουν τόσα πολλά απίστευτα ενδιαφέροντα πράγματα σε αυτήν που ακόμη και οι συνηθισμένες καθημερινές υποθέσεις των ανθρώπων μας προσελκύουν προσοχή, τίναξε την ψυχή. Πρέπει να μπορείς να το δεις, να το παρατηρήσεις».
Ο Arkady Alexandrovich Plastov γεννήθηκε στις 31 Ιανουαρίου 1893 στο χωριό Prislonikha, στην επαρχία Simbirsk, στην οικογένεια ενός ζωγράφου του χωριού. Οι γονείς του ονειρεύονταν ότι ο γιος τους θα γινόταν ιερέας. Αφού αποφοίτησε από τρεις τάξεις ενός αγροτικού σχολείου, το 1903 ο Arkady στάλθηκε στη Θεολογική Σχολή του Simbirsk. Πέντε χρόνια αργότερα εισήλθε στη Θεολογική Σχολή του Σιμπίρσκ.
Την άνοιξη του ίδιου έτους, 1908, ήρθε σε στενή επαφή με το έργο ενός αρτέλ αγιογράφων που ανακαίνιζε την εκκλησία στην Πρισλόνιχα. «Όταν άρχισαν να τοποθετούν σκαλωσιές», γράφει ο καλλιτέχνης στην αυτοβιογραφία του, «τρίβοντας μπογιές, μαγειρεύοντας λάδι στην απότομη όχθη του ποταμού, εγώ ο ίδιος δεν ήμουν ο εαυτός μου και περπατούσα, σαν μαγεμένος, κοντά στους θαυματουργούς που έφτασαν. ” Παρακολουθώντας πώς ένας νέος, πρωτόγνωρος κόσμος εικόνων γεννήθηκε στους τοίχους μιας παλιάς, αιθάλης εκκλησίας, το αγόρι αποφάσισε σταθερά: «Να είμαι μόνο ζωγράφος και τίποτα περισσότερο».
Ο Σαγκάλ μπορεί να γίνει κατανοητός μέσω του «συναισθήματος» και όχι της «κατανόησης». "Ο ουρανός, πτήση - η κύρια κατάσταση της βούρτσας του Σαγκάλ", σημείωσε ο Αντρέι Βοζνεσένσκι.
«Περπάτησα στο φεγγάρι», είπε ο καλλιτέχνης, «όταν δεν υπήρχαν ακόμη αστροναύτες. Στους πίνακές μου, οι χαρακτήρες ήταν στον ουρανό και στον αέρα ... "
Ο Mark Zakharovich Chagall γεννήθηκε στις 7 Ιουλίου 1887 στην πόλη Vitebsk. Ήταν το μεγαλύτερο από τα δέκα παιδιά ενός μικροέμπορου. Ο πατέρας του υπηρετούσε ως εργάτης σε έναν έμπορο ρέγγας και η μητέρα του, Φέιγκα, διατηρούσε ένα μικρομάγαζο. Το 1905, ο Mark αποφοίτησε από την τετραετή εμπορική σχολή της πόλης.
Ο πρώτος δάσκαλος του Μάρκου ήταν το 1906 ο Yu.M. Peng. Στην αυτοβιογραφία του, με τίτλο «My Life», ο Chagall αφιερώνει τις ακόλουθες γραμμές στον Yuri Moiseevich: «Ο Peng είναι αγαπητός για μένα. Έτσι η τρέμουσα φιγούρα του στέκεται μπροστά στα μάτια του. Στη μνήμη μου, μένει δίπλα στον πατέρα του. Συχνά, περπατώντας νοερά στους ερημικούς δρόμους της πόλης μου, σκοντάφτω σε αυτό κάθε τόσο. Πόσες φορές ήμουν έτοιμος να τον παρακαλέσω, όρθιος στο κατώφλι του σχολείου: Δεν χρειάζομαι τη φήμη, αν μπορούσα να γίνω σαν εσένα, σεμνός κύριος, ή να κρεμάσω, αντί για τους πίνακές σου, στο δρόμο σου, το σπίτι σου, δίπλα σου. Ασε με!"
Ο διάσημος κριτικός Paul Husson έγραψε το 1922 για τον Modigliani:
«Μετά τον Γκωγκέν, ήταν αναμφίβολα ο καλύτερος ικανός να εκφράσει το συναίσθημα του τραγικού στη δουλειά του, αλλά μαζί του αυτό το συναίσθημα ήταν πιο οικείο και συνήθως στερούσε κάθε αποκλειστικότητας.
... Αυτός ο καλλιτέχνης κουβαλά μέσα του όλες τις ανείπωτες φιλοδοξίες για μια νέα εκφραστικότητα, χαρακτηριστικό μιας εποχής που λαχταρά το απόλυτο και δεν γνωρίζει τους δρόμους προς αυτό.
Ο Αμεντέο Κλεμέντε Μοντιλιάνι γεννήθηκε στις 12 Ιουλίου 1884 από Ιταλούς Εβραίους γονείς. Ο πατέρας του, Φλαμίνιο Μοντιλιάνι, μετά τη χρεοκοπία του γραφείου του «Καυσόξυλα, Άνθρακα», ήταν επικεφαλής του γραφείου ενός μεσάζοντα. Η μητέρα, Evgenia Garsen, καταγόταν από οικογένεια εμπόρων.
Ο Πικάσο είπε: «Η τέχνη είναι ένα ψέμα που μας βοηθά να κατανοήσουμε την αλήθεια».
Ο Pablo Ruiz Picasso γεννήθηκε στις 25 Οκτωβρίου 1881 στη Μάλαγα της Ισπανίας από τον καλλιτέχνη Don Jose Ruiz και τη Maria Picasso y Lopez. Με την πάροδο του χρόνου, ο καλλιτέχνης πήρε το όνομα της μητέρας του. Ο πατέρας μου ήταν ένας σεμνός δάσκαλος τέχνης, που μερικές φορές έπαιρνε παραγγελίες για εσωτερική ζωγραφική. Το αγόρι άρχισε να ζωγραφίζει πολύ νωρίς. Τα πρώτα κιόλας σκίτσα εκπλήσσουν με καλλιτεχνία, επαγγελματική ικανότητα. Η πρώτη εικόνα του νεαρού καλλιτέχνη ονομαζόταν "Picador".
Όταν ο Πάμπλο γίνεται δέκα ετών, μετακομίζει με την οικογένειά του στην Α Κορούνια. Το 1892 μπήκε στο τοπικό Καλλιτεχνικό Σχολείο, όπου ο πατέρας του δίδασκε ένα μάθημα σχεδίου και διακόσμησης.
Γ.Σ. Ο Oganov γράφει: «... Ο καλλιτέχνης επεδίωξε να αποκαλύψει τη ζωή της εικόνας μέσα από την εκφραστικότητα της φόρμας, εξ ου και την αναζήτηση της δυναμικής έντασης, του ρυθμού και του χρώματος. Φυσικά, ο θεατής δεν εντυπωσιάζεται από αυτές τις ίδιες τις αναζητήσεις, αλλά κυρίως από το αποτέλεσμα. Και αυτό το αποτέλεσμα στο Petrov-Vodkin ξεφεύγει πάντα από τα όρια των καθαρά συνθετικών-διακοσμητικών, εικονιστικών αναζητήσεων - υπάρχει πάντα η ζωή του πνεύματος σε μια συγκεκριμένη-ψυχολογική και ταυτόχρονα φιλοσοφική-γενικευμένη έκφραση. Αυτό δίνει μια κλίμακα στα έργα του και τα κάνει, παρά όλους τους εξωτερικούς, επίσημους παραλληλισμούς με την αρχαία ρωσική ή σύγχρονη δυτικοευρωπαϊκή τέχνη, πρωτότυπα, πρωτότυπα, βαθιά ανεξάρτητα έργα.
Ο Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin γεννήθηκε στον Βόλγα στη μικρή πόλη Khvalynsk στις 5 Νοεμβρίου 1878. Ήταν ο πρωτότοκος στην οικογένεια του τσαγκάρη Σεργκέι Φεντόροβιτς Βόντκιν και της συζύγου του Άννας Παντελέβνα, η νέα Πέτροβα. Όταν το αγόρι ήταν στο τρίτο έτος του, ο πατέρας του πήγε στο στρατό και τον έστειλαν να υπηρετήσει στην Αγία Πετρούπολη, στην Okhta. Σύντομα η Άννα Παντελέβνα μετακόμισε επίσης εκεί με τον μικρό της γιο. Δυόμιση χρόνια αργότερα υπήρξε μια επιστροφή στο Khvalynsk, όπου η μητέρα μπήκε στην υπηρεσία στο σπίτι των ντόπιων πλουσίων. Ο Κούζμα ζούσε μαζί της στην πτέρυγα.
I.E. Ο Ρέπιν αποκάλεσε τον Κουστόντιεφ «ήρωα της ρωσικής ζωγραφικής». "Ένας σπουδαίος Ρώσος καλλιτέχνης - και με ρωσική ψυχή", είπε γι 'αυτόν ένας άλλος διάσημος ζωγράφος, ο M.V. Νεστέροφ. Και ιδού τι Ν.Α. Sautin: «Ο Kustodiev είναι ένας καλλιτέχνης με πολύπλευρο ταλέντο. Ένας υπέροχος ζωγράφος, εισήλθε στη ρωσική τέχνη ως συγγραφέας σημαντικών έργων καθημερινού είδους, πρωτότυπων τοπίων και πορτρέτων με βαθύ περιεχόμενο. Ένας εξαιρετικός σχεδιαστής και γραφίστας, ο Kustodiev δούλεψε σε λινογράμματα και ξυλογραφίες, ερμήνευσε εικονογραφήσεις βιβλίων και θεατρικά σκίτσα. Ανέπτυξε το δικό του πρωτότυπο καλλιτεχνικό σύστημα, κατάφερε να νιώσει και να ενσαρκώσει τα αυθεντικά χαρακτηριστικά της ρωσικής ζωής.
Ο Μπόρις Μιχαήλοβιτς Κουστόντιεφ γεννήθηκε στις 7 Μαρτίου 1878 στο Αστραχάν. Ο πατέρας του, Mikhail Lukich Kustodiev, ο οποίος δίδασκε ρωσική γλώσσα, λογοτεχνία, λογική στο γυναικείο γυμνάσιο και σεμινάριο του Αστραχάν, πέθανε όταν το αγόρι δεν ήταν καν δύο ετών. Όλες οι ανησυχίες για την ανατροφή τεσσάρων παιδιών έπεσαν στους ώμους της μητέρας, Ekaterina Prokhorovna. Η μητέρα νοίκιασε ένα μικρό βοηθητικό κτίριο στο σπίτι ενός πλούσιου εμπόρου. Όπως θυμάται ο Μπόρις Μιχαήλοβιτς: «Ολόκληρος ο τρόπος μιας πλούσιας και άφθονης εμπορικής ζωής ήταν σε πλήρη θέα… Αυτοί ήταν οι ζωντανοί τύποι του Οστρόφσκι…» Δεκαετίες αργότερα, αυτές οι εντυπώσεις υλοποιούνται στους πίνακες του Κουστόντιεφ.
Ο ιδρυτής του δικού του αφηρημένου στυλ - σουπρεματισμός - Kazimir Severinovich Malevich γεννήθηκε στις 23 Φεβρουαρίου 1878 (σύμφωνα με άλλες πηγές - 1879) στο Κίεβο. Οι γονείς Severin Antonovich και Ludwig Alexandrovna ήταν Πολωνοί στην καταγωγή. Αργότερα, ο καλλιτέχνης θυμήθηκε: «Οι συνθήκες υπό τις οποίες προχώρησε η παιδική μου ζωή ήταν οι εξής: ο πατέρας μου δούλευε σε εργοστάσια ζαχαρότευτλων, τα οποία συνήθως χτίζονται σε βαθιά ερημιά, μακριά από πόλεις και κωμοπόλεις».
Γύρω στο 1890, ο πατέρας μεταφέρθηκε στο εργοστάσιο, το οποίο βρισκόταν στο χωριό Parkhomovka, κοντά στο Belopolye. Εδώ, ο Kazimir αποφοίτησε από μια πενταετή γεωργική σχολή: «Το χωριό ... ασχολούνταν με την τέχνη (τότε δεν ήξερα τέτοια λέξη) ... Παρακολουθούσα με μεγάλη συγκίνηση πώς οι χωρικοί έφτιαχναν πίνακες και τους βοηθούσα αλείψτε τα πατώματα της καλύβας με πηλό και φτιάξτε σχέδια στη σόμπα ... Όλη η ζωή των χωρικών με γοήτευσε έντονα ... Σε αυτό το φόντο, αναπτύχθηκαν μέσα μου συναισθήματα για τέχνη, για τέχνη. Τέσσερα χρόνια αργότερα, η οικογένεια μετακόμισε σε ένα εργοστάσιο στη Volchka και στη συνέχεια μετακόμισε στο Konotop.
Υπάρχουν πολλά ταλαντούχα άτομα μεταξύ των Ρώσων καλλιτεχνών. Το έργο τους εκτιμάται ιδιαίτερα σε όλο τον κόσμο και ανταγωνίζεται παγκόσμιους δασκάλους όπως ο Ρούμπενς, ο Μικελάντζελο, ο Βαν Γκογκ και ο Πικάσο. Σε αυτό το άρθρο, συγκεντρώσαμε 10 από τους πιο διάσημους Ρώσους καλλιτέχνες.
Ο Ιβάν Αϊβαζόφσκι είναι ένας από τους πιο διάσημους Ρώσους καλλιτέχνες. Γεννήθηκε στη Φεοδοσία. Από την παιδική του ηλικία, ο Aivazovsky έδειξε τις απίστευτες δημιουργικές του ικανότητες: του άρεσε να σχεδιάζει και έμαθε τον εαυτό του να παίζει βιολί.
Σε ηλικία 12 ετών, το νεαρό ταλέντο άρχισε να σπουδάζει στη Συμφερούπολη στην Ακαδημία Ζωγραφικής. Εδώ έμαθε να αντιγράφει χαρακτικά και να ζωγραφίζει από τη φύση. Ένα χρόνο αργότερα κατάφερε να μπει στην Αυτοκρατορική Ακαδημία της Αγίας Πετρούπολης, αν και δεν είχε συμπληρώσει ακόμη τα 14 του χρόνια.
Για μεγάλο χρονικό διάστημα ο καλλιτέχνης ταξίδεψε σε όλη την Ευρώπη και έζησε στην Ιταλία, όπου οι πίνακές του αναγνωρίστηκαν επίσης για την πραγματική τους αξία. Έτσι ο νεαρός καλλιτέχνης από τη Φεοδοσία έγινε ένας αρκετά διάσημος και πλούσιος άνθρωπος.
Αργότερα, ο Aivazovsky επέστρεψε στην πατρίδα του, όπου έλαβε τη στολή του Υπουργείου Ναυτικών και τον τίτλο του ακαδημαϊκού. Ο καλλιτέχνης επισκέφτηκε και την Αίγυπτο και ήταν παρών στα εγκαίνια της νέας διώρυγας του Σουέζ. Ο καλλιτέχνης περιέγραψε όλες τις εντυπώσεις του σε εικόνες. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, είχε ήδη αναπτύξει το δικό του μοναδικό στυλ και την ικανότητα να γράφει από μνήμης. Ο Aivazovsky σκιαγράφησε εν συντομία σύνθετα στοιχεία σε ένα σημειωματάριο για να τα μεταφέρει αργότερα στον καμβά. Οι πίνακες «Οδησσός», «Το ένατο κύμα» και «Η Μαύρη Θάλασσα» του έφεραν παγκόσμια φήμη.
Ο καλλιτέχνης πέρασε τα τελευταία χρόνια της ζωής του στη Feodosia, όπου έχτισε για τον εαυτό του ένα σπίτι σε ιταλικό στυλ. Λίγο αργότερα, ο Aivazovsky πρόσθεσε μια μικρή γκαλερί σε αυτό, για να μπορούν όλοι να απολαμβάνουν ελεύθερα τους εκπληκτικούς πίνακές του και να πνίγονται στον ωκεανό των χρωμάτων. Σήμερα, αυτό το αρχοντικό εξακολουθεί να λειτουργεί ως μουσείο και πολλοί επισκέπτες έρχονται καθημερινά εδώ για να δουν με τα μάτια τους τη δεξιοτεχνία του θαλάσσιου ζωγράφου, ο οποίος έζησε μια μακρά και ευτυχισμένη ζωή.
Ο Βίκτορ Βασνέτσοφ συνεχίζει τη λίστα με τους πιο διάσημους Ρώσους καλλιτέχνες. Γεννήθηκε την άνοιξη του 1848 στην οικογένεια ενός ιερέα στο μικρό χωριό Lopyal. Η λαχτάρα για ζωγραφική ξύπνησε μέσα του από πολύ νωρίς, αλλά οι γονείς του δεν μπορούσαν να του δώσουν σωστή εκπαίδευση λόγω έλλειψης χρημάτων. Ως εκ τούτου, σε ηλικία 10 ετών, ο Βίκτωρ άρχισε να σπουδάζει σε ένα δωρεάν θεολογικό σεμινάριο.
Το 1866, ουσιαστικά χωρίς χρήματα, έφυγε για την Αγία Πετρούπολη. Ο Βασνέτσοφ πέρασε εύκολα τις εισαγωγικές εξετάσεις και μπήκε στην Ακαδημία Τεχνών. Εδώ ξεκίνησε η φιλία του με τον διάσημο καλλιτέχνη Repin, με τον οποίο αργότερα πήγε στο Παρίσι. Μετά την επιστροφή του στην Αγία Πετρούπολη, ο Βασνέτσοφ αρχίζει να ζωγραφίζει τους πιο διάσημους πίνακές του: «Τρεις ήρωες», «Snow Maiden» και «God Sabaoth».
Ο καλλιτέχνης μπόρεσε να αποκαλύψει πλήρως το ταλέντο του μόνο αφού μετακόμισε στη Μόσχα. Εδώ είναι άνετος και άνετος και κάθε επόμενη εικόνα είναι καλύτερη από την προηγούμενη. Στη Μόσχα ο Βασνέτσοφ ζωγράφισε πίνακες όπως ο Αλιονούσκα, ο Ιβάν Τσαρέβιτς και ο Γκρίζος Λύκος και ο Νέστορας ο Χρονικός.
Αυτός ο διάσημος Ρώσος καλλιτέχνης γεννήθηκε το 1799. Ο πατέρας του Καρλ ήταν διάσημος ζωγράφος και καθηγητής στην Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης. Ως εκ τούτου, η μοίρα του αγοριού ήταν ένα προκαθορισμένο συμπέρασμα. Ευτυχώς, ο Karl Bryullov κατάφερε να κληρονομήσει το ταλέντο του καλλιτέχνη από τον πατέρα του.
Η μελέτη δόθηκε στον νεαρό καλλιτέχνη πολύ εύκολα. Υπήρξε πολλές φορές ανώτερος από τους υπόλοιπους μαθητές της τάξης του και αποφοίτησε από την Ακαδημία Τεχνών με άριστα. Μετά από αυτό, ο Karl πήγε να ταξιδέψει σε όλη την Ευρώπη, σταματώντας για μεγάλο χρονικό διάστημα μόνο στην Ιταλία. Ήταν εδώ που δημιούργησε το αριστούργημά του - "The Last Day of Pompeii", έχοντας περάσει περίπου έξι χρόνια γράφοντάς το.
Με την επιστροφή του στην Αγία Πετρούπολη, ο Karl Bryullov τον περίμενε η φήμη και η δόξα. Χάρηκαν που τον έβλεπαν παντού και σίγουρα θαύμασαν τους νέους του πίνακες. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο καλλιτέχνης δημιουργεί αρκετούς από τους αθάνατους πίνακές του: Horsewoman, Πολιορκία του Pskov, Narcissus και άλλοι.
Ο Ivan Shishkin είναι ένας από τους πιο διάσημους Ρώσους τοπιογράφους, ο οποίος στους πίνακές του μπορούσε να παρουσιάσει οποιοδήποτε δυσδιάκριτο τοπίο με το πιο ευνοϊκό φως. Φαίνεται ότι η ίδια η φύση παίζει στους καμβάδες αυτού του καλλιτέχνη με ζωντανά χρώματα.
Ο Ivan Shishkin γεννήθηκε το 1832 στη Yelabuga, η οποία σήμερα ανήκει στο Ταταρστάν. Ο πατέρας ήθελε ο γιος του να αναλάβει τελικά τη θέση του αξιωματούχου της πόλης, αλλά ο Ιβάν έλκεται προς το σχέδιο. Σε ηλικία 20 ετών έφυγε στη Μόσχα για να σπουδάσει ζωγραφική. Αφού αποφοίτησε επιτυχώς από τη Σχολή Τεχνών της Μόσχας, ο Σίσκιν μπήκε στην Αυτοκρατορική Ακαδημία στην Αγία Πετρούπολη.
Αργότερα, ταξίδεψε πολύ καιρό στην Ευρώπη, σκιαγραφώντας εκπληκτικά τοπία. Εκείνη την εποχή, δημιούργησε τον πίνακα «Θέα στην περιοχή του Ντίσελντορφ», που του έφερε μεγάλη φήμη. Μετά την επιστροφή στη Ρωσία, ο Shishkin συνεχίζει να δημιουργεί με διπλασιασμένη ενέργεια. Σύμφωνα με τον ίδιο, η ρωσική φύση είναι αρκετές εκατοντάδες φορές ανώτερη από τα ευρωπαϊκά τοπία.
Ο Ιβάν Σίσκιν ζωγράφισε πολλούς εκπληκτικούς πίνακες στη ζωή του: "Πρωί σε ένα πευκοδάσος", "Πρώτο χιόνι", "Πευκόδασος" και άλλα. Ακόμα και ο θάνατος πρόλαβε αυτόν τον ζωγράφο ακριβώς πίσω από το καβαλέτο.
Αυτός ο μεγάλος Ρώσος δεξιοτέχνης των τοπίων γεννήθηκε στη Λιθουανία, αλλά έζησε όλη του τη ζωή στη Ρωσία. Επανειλημμένα, η εβραϊκή του καταγωγή του προκάλεσε πολλές ταπεινώσεις, αλλά δεν τον ανάγκασε να εγκαταλείψει αυτή τη χώρα, την οποία ειδωλοποίησε και ύμνησε στους πίνακές του.
Ήδη τα πρώτα τοπία του Levitan έλαβαν υψηλούς βαθμούς από τον Perov και τον Savrasov και ο ίδιος ο Tretyakov αγόρασε ακόμη και τη ζωγραφική του "Ημέρα του φθινοπώρου στο Sokolniki". Αλλά το 1879, ο Ισαάκ Λεβιτάν, μαζί με όλους τους Εβραίους, εκδιώχθηκε από τη Μόσχα. Μόνο με τις μεγάλες προσπάθειες φίλων και δασκάλων καταφέρνει να επιστρέψει στην πόλη.
Στη δεκαετία του 1880, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε πολλούς εκπληκτικούς πίνακες που τον έκαναν πολύ διάσημο. Αυτά ήταν τα «Πεύκα», το «Φθινόπωρο» και το «Πρώτο Χιόνι». Αλλά μια άλλη ταπείνωση ανάγκασε τον συγγραφέα να εγκαταλείψει ξανά τη Μόσχα και να πάει στην Κριμαία. Στη χερσόνησο, ο καλλιτέχνης γράφει μια σειρά από εκπληκτικά έργα και βελτιώνει σημαντικά την οικονομική του κατάσταση. Αυτό του επιτρέπει να ταξιδέψει σε όλη την Ευρώπη και να εξοικειωθεί με το έργο των παγκόσμιων δασκάλων. Το αποκορύφωμα του έργου του Levitan ήταν ο πίνακας του "Above Eternal Peace".
Ο μεγάλος Ρώσος προσωπογράφος Vasily Tropinin είχε μια καταπληκτική μοίρα. Γεννήθηκε στην οικογένεια των δουλοπάροικων κόμη Μάρκοφ το 1780 και μόλις σε ηλικία 47 ετών έλαβε το δικαίωμα να είναι ελεύθερος. Ακόμα και ως παιδί, ο μικρός Βασίλι είχε κλίση στο σχέδιο, αλλά ο κόμης τον έστειλε να σπουδάσει ζαχαροπλάστης. Αργότερα, στέλνεται ακόμα στην Αυτοκρατορική Ακαδημία, όπου δείχνει το ταλέντο του σε όλη του την ομορφιά. Για τα πορτρέτα του "The Lacemaker" και "The Beggar Old Man" ο Vasily Tropinin τιμήθηκε με τον τίτλο του ακαδημαϊκού.
Ο διάσημος Ρώσος καλλιτέχνης Petrov-Vodkin κατάφερε να αφήσει πίσω του μια πλούσια κληρονομιά στην παγκόσμια ζωγραφική. Γεννήθηκε το 1878 στο Khvalynsk και στα νιάτα του επρόκειτο να γίνει σιδηροδρομικός. Ωστόσο, η μοίρα τον έκανε ζωγράφο με παγκόσμια φήμη.
Οι πίνακες αυτού του Ρώσου καλλιτέχνη πουλούσαν ήδη καλά, μόλις έγινε 12 ετών. Λίγο αργότερα, μπήκε στη Σχολή Ζωγραφικής της Μόσχας και έγινε αμέσως ένας από τους καλύτερους μαθητές. Ένα ταξίδι στην Ουκρανία βοήθησε τον Σαβρασόφ να τελειώσει το κολέγιο πριν από το χρονοδιάγραμμα και να λάβει τον τίτλο του καλλιτέχνη.
Οι πίνακες «Stone in the Forest» και «Moscow Kremlin» έκαναν αυτόν τον ζωγράφο ακαδημαϊκό σε ηλικία 24 ετών! Η βασιλική οικογένεια ενδιαφέρεται για νεαρά ταλέντα και ο ίδιος ο Tretyakov αγοράζει πολλά από τα έργα του για διεθνείς εκθέσεις. Ανάμεσά τους ήταν τα «Winter», «Rooks have came», «Thaw» και άλλα.
Ο θάνατος δύο κορών και το διαζύγιο που ακολούθησε επηρεάζουν τον Savrasov. Πίνει πολύ και σύντομα πεθαίνει σε ένα νοσοκομείο για φτωχούς.
Ο Αντρέι Ρούμπλεφ είναι ο πιο διάσημος Ρώσος αγιογράφος. Γεννήθηκε τον 15ο αιώνα και άφησε πίσω του μια μεγάλη κληρονομιά με τη μορφή των εικόνων «Τριάδα», «Ευαγγελισμός», «Βάπτιση του Κυρίου». Ο Andrei Rublev, μαζί με τον Daniil Cherny, διακόσμησαν πολλές εκκλησίες με τοιχογραφίες και επίσης ζωγράφισαν εικόνες για εικονοστάσια.
Η λίστα με τους πιο διάσημους Ρώσους καλλιτέχνες συμπληρώνεται από τον Μιχαήλ Βρούμπελ, ο οποίος κατά τη διάρκεια της ζωής του δημιούργησε πολλά αριστουργήματα σε διάφορα θέματα. Ασχολήθηκε με τη ζωγραφική του ναού του Κιέβου και αργότερα στη Μόσχα ξεκίνησε τη δημιουργία της διάσημης σειράς «δαιμονικών» πινάκων του. Η δημιουργική ρίψη αυτού του καλλιτέχνη δεν βρήκε την κατάλληλη κατανόηση μεταξύ των συγχρόνων του. Μόνο μερικές δεκαετίες μετά το θάνατο του Μιχαήλ Βρούμπελ, οι κριτικοί τέχνης του έδωσαν την τιμητική του και η Εκκλησία συμφώνησε με τις ερμηνείες του για τα βιβλικά γεγονότα.
Δυστυχώς, η προσωπική ζωή του καλλιτέχνη τον έκανε να αναπτύξει μια σοβαρή μορφή ψυχικών διαταραχών. Ο τίτλος του ακαδημαϊκού τον πρόλαβε σε ένα τρελοκομείο, από το οποίο δεν έμελλε πλέον να φύγει. Παρόλα αυτά, ο Mikhail Vrubel κατάφερε να δημιουργήσει πολλά εκπληκτικά έργα τέχνης που αξίζουν γνήσιου θαυμασμού. Ανάμεσά τους, αξίζει να επισημανθούν ιδιαίτερα οι πίνακες «Καθισμένος Δαίμονας», «Η Πριγκίπισσα των Κύκνων» και «Φάουστ».
Μετά τη νίκη της Οκτωβριανής Επανάστασης, η ζωγραφική όμως, όπως όλοι οι άλλοι τομείς της τέχνης, υπέστη σημαντικές αλλαγές. Αν οι παλαιότεροι καλλιτέχνες καθοδηγούνταν από την εσωτερική τους κοσμοθεωρία, τότε μετά την άνοδο της «λαϊκής» κυβέρνησης, ήρθε στο προσκήνιο η ιδεολογική συνιστώσα.
Καλλιτέχνες 1917 - 1921
Αμέσως, μετά τη νίκη της επανάστασης, η σοβιετική κυβέρνηση ασχολήθηκε με θέματα τέχνης, προσπαθώντας να δημιουργήσει ένα μονοπώλιο εδώ. Η σοβιετική κυβέρνηση ξεκίνησε τις δραστηριότητές της με την εθνικοποίηση συλλογών έργων ζωγραφικής και έργων τέχνης.
Τις πρώτες μέρες της επανάστασης, η πολιτική αφίσα δήλωνε δυνατά. Η αφίσα σχεδιάζεται εύκολα και γρήγορα. Ήταν απαραίτητο να κινητοποιηθούν οι στρατιώτες στο μέτωπο, για το σκοπό αυτό οι επαναστάτες καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν αυτό το είδος ζωγραφικής. Μεταξύ των καλλιτεχνών αφίσας, οι πιο διάσημοι ήταν οι: Malyutin, Alsit, Moore, Denis. Οι δημιουργίες τους ήταν μικρές, με λίγα χρώματα που χρησιμοποιήθηκαν. Συχνά χρησιμοποιήθηκαν αλληγορίες. Το έργο του Moor είναι ιδιαίτερα αξιοσημείωτο - "Έχετε εγγραφεί ως εθελοντής;", "Ένας με δίποδα, επτά με κουτάλι", αυτές οι αφίσες είναι γνωστές μέχρι σήμερα. Το στυλ του Denis V.N είναι πιο συνοπτικό. Ένα από τα πιο διάσημα έργα του είναι η Συμμορία του Ντενίκιν, που γράφτηκε το 1919.
Αυτή τη στιγμή, εμφανίστηκε ένα νέο καλλιτεχνικό είδος - ο σχεδιασμός των πόλεων. Οι καλλιτέχνες ασχολούνται με τον εορταστικό στολισμό πόλεων και πλατειών. Χρειάζονται αφίσες, πάνελ. Τέτοιοι διάσημοι καλλιτέχνες όπως ο Petrov-Vodkin, ο Lansere και άλλοι συμμετείχαν στην εορταστική διακόσμηση των πόλεων.
Στα πρώτα χρόνια της σοβιετικής εξουσίας, συνεχίστηκε η ανάπτυξη της σχολής της ζωγραφικής του καβαλέτου, που ξεκίνησε πριν από την επανάσταση. Τα στερεότυπα καταρρίπτονται. Μεταξύ των δασκάλων του εκλεκτού είδους σχηματίζονται δύο σχολές. Ένας από αυτούς συνέχισε να τηρεί τον παραδοσιακό κανόνα, σύμφωνα με τον οποίο ο καλλιτέχνης πρέπει να αντικατοπτρίζει με ακρίβεια αυτό που είδε, η δεύτερη, αντίθετα, προτιμούσε τις εικόνες. Αυτή η ομάδα περιλαμβάνει τέτοια φώτα εκείνης της εποχής όπως οι Yuon, Petrov-Vodkin, Rylov. Το έργο του Petrov-Vodkin "Petrograd Madonna" έγινε εποχικό. Το έργο του Rylov "In the Blue Space" ξεχωρίζει επίσης - αν και η εικόνα δεν έχει επαναστατικό νόημα, ξεχωρίζει με ηρεμία, προκαλεί ένα αίσθημα ηρεμίας.
Την εποχή αυτή αναπτύχθηκε και η γραφική τέχνη. Ένας από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους των γραφικών εκείνης της εποχής είναι ο Kupreyanov.
Μετά τη νίκη του εμφυλίου πολέμου, εμφανίστηκαν έργα για γλύπτες. Πρώτα απ 'όλα, αυτά ήταν μνημεία των πεσόντων ηρώων του εμφυλίου πολέμου. Ένα από τα πιο εντυπωσιακά έργα εκείνης της εποχής είναι ο πύργος του Tatlin, που συμβόλιζε το θάρρος και την αποφασιστικότητα.
Μια ενδιαφέρουσα τάση στην τέχνη εκείνης της εποχής είναι η προπαγανδιστική πορσελάνη, που είναι ένα από τα τηλεκάρτα εκείνης της εποχής. Την επίβλεψη της παραγωγής του είχε ο καλλιτέχνης Chekhonin S.V. Η εργασία πραγματοποιήθηκε στο Κρατικό Εργοστάσιο Πορσελάνης. Από τα παλιά παρέμεναν πολλά προϊόντα στα ντουλάπια. Οι καλλιτέχνες τα ζωγράφισαν με σοβιετικά σύμβολα, άλλαξαν τα χαρακτηριστικά σε κομμουνιστικά σημάδια και έβαλαν επαναστατικά συνθήματα.
Καλλιτέχνες της δεκαετίας του 20
Μετά το τέλος του Εμφυλίου, ξεκινά μια νέα περίοδος στην ανάπτυξη της ζωγραφικής. Αν και ο εσωτερικός εχθρός είχε ήδη ηττηθεί, το κράτος ήταν περικυκλωμένο από εχθρούς και δεν ήταν όλοι στην ΕΣΣΔ ευχαριστημένοι με την τρέχουσα κατάσταση. Το σοβιετικό κράτος κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου χρειαζόταν να εδραιώσει την κυριαρχία του στο μυαλό των ανθρώπων. Μία από τις μεθόδους που χρησιμοποιήθηκαν ήταν η τέχνη.
Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, η ζωγραφική αναπτύχθηκε ενεργά. Υπήρχαν διάφοροι καλλιτεχνικοί κύκλοι και σχολές. Αυτή είναι μια εποχή αναζήτησης, νέων ξεκινημάτων, νεανικού ενθουσιασμού που δημιούργησε η επανάσταση.
Μια από τις πιο γνωστές σχολές τέχνης εκείνης της εποχής ήταν το AHRR. Η συντομογραφία σημαίνει Ένωση Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας. Ξεκίνησε το 1922. Ο πυρήνας του αποτελούταν από τους Wanderers. Αυτό το σχολείο συνέχισε την παράδοση του ρεαλισμού. Το κύριο θέμα των έργων των καλλιτεχνών αυτής της ομάδας είναι η περιγραφή της ζωής και της ζωής των εργατών και των στρατιωτών του Κόκκινου Στρατού. Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες του AHRR: Brodsky, Malyutin, Cheptsov, Grekov, Ryazhsky, Arkhipov, Yakovlev. Το πιο διάσημο έργο - Brodsky "Ο Λένιν στο Smolny". Αυτή την εικόνα την είδαν, ίσως, όλοι όσοι έζησαν εκείνη την εποχή. Έγινε η βάση της Λενινιάδας. Μια άλλη εικόνα στην οποία θα ήθελα να επιστήσω την προσοχή είναι το έργο του Γκρέκοφ "Tachanka". Ο συγγραφέας μεταφέρει τέλεια τη δυναμική, την ανδρεία, την έκταση της στέπας.
OST - η κοινωνία των ζωγράφων καβαλέτου - αυτή η ομάδα καθοδηγήθηκε από μια δημιουργική αναζήτηση, μιμήθηκε τους ιμπρεσιονιστές, τα θέματα του αθλητισμού και της βιομηχανίας είναι εγγενή προς αυτήν την κατεύθυνση. Ηγετικές προσωπικότητες αυτής της σχολής: Williams, Labas, Pimenov, Shterenberg, Deineka. Το έργο του Deineka «Η άμυνα της Πετρούπολης» χαρακτηρίζει αυτή τη σχολή.
Οι Τέσσερις Τέχνες είναι μια ομάδα που τα έργα της χαρακτηρίζονται από φιλοσοφικό υπόβαθρο. Περιλαμβάνει: Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Favorsky και άλλους.
Υπήρχαν και άλλα καλλιτεχνικά σχήματα. Αυτή την εποχή αναπτύχθηκαν εθνικοί τύποι τέχνης. Υπάρχουν σχολές τέχνης στις περιοχές της τσαρικής Ρωσίας, όπου πριν από αυτό δεν υπήρχε καθόλου ζωγραφική - η περιοχή της Κεντρικής Ασίας.
Εκπρόσωποι των εθνικών σχολών ζωγραφικής που εργάστηκαν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου: Azimzade, Tansykbaev, Abilkhan, Grigoryan, Kojoyan και άλλοι.
Στην Ουκρανία, οι πιο διάσημοι δάσκαλοι αυτής της περιόδου είναι ο Carpenter, ο Petrytsky, ο Boychuk, ο Pavlenko.
Από τη δεκαετία του '20, υπήρξαν αλλαγές στη γραφική τέχνη. Αν παλαιότερα ήταν η τέχνη της εικονογράφησης βιβλίων, τώρα γίνεται μια ολοκληρωμένη κατεύθυνση ζωγραφικής. Τα γραφικά εκείνης της εποχής είναι κυρίως μικροί πίνακες με θέμα την κλασική λογοτεχνία. Το σχολείο ξυλογραφίας βιώνει και δεύτερη ζωή. Μεταξύ των καλλιτεχνών αυτού του στυλ ξεχωρίζουν τα έργα των Dobuzhinsky, Konashevich, Favorsky, Kravchenko, Kasiyan, Tychina, Andreev.
Ο Andreev δεν ήταν μόνο ένας εξαιρετικός σχεδιαστής, αλλά και ένας εξαιρετικός γλύπτης, ο οποίος έγινε διάσημος για μια σειρά από γλυπτά που αναπαράγουν τον Λένιν. Για τη γλυπτική εκείνης της περιόδου, το κύριο θέμα είναι το θέμα της επανάστασης, των ηρώων και των ηγετών. Εκείνη την εποχή, εκτός από τον Andreev, υπήρχαν και αρκετοί αξιόλογοι γλύπτες, αυτοί είναι: ο Shadr, ο οποίος έγινε διάσημος για το γλυπτό «Το λιθόστρωτο είναι το όπλο του προλεταριάτου», είναι επίσης γνωστός για τα γλυπτά του ηγέτη. Μεταξύ άλλων γλυπτών, σημειώνουμε: Lebedev, Mukhina, Matveev.
Μεταξύ των δασκάλων της εφαρμοσμένης τέχνης αυτής της περιόδου, η σχολή Palekh κατέχει την πρώτη θέση. Επαναστατικές πλοκές προστίθενται σε παραδοσιακές παραμυθένιες εικόνες για αυτήν την κατεύθυνση, που συμπλέκονται στενά σε ένα σύνολο. Την εποχή αυτή γενικά άκμασαν οι λαϊκές τέχνες, εμφανίστηκαν μαζικά διάφορες αρτέλ τεχνιτών.
Καλλιτέχνες της δεκαετίας του '30
Αυτή είναι η εποχή του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Ξεκίνησε με το ψήφισμα της Κεντρικής Επιτροπής του Συνδικαλιστικού Κομμουνιστικού Κόμματος των Μπολσεβίκων της 23ης Απριλίου 1932 «Σχετικά με την αναδιάρθρωση των λογοτεχνικών και καλλιτεχνικών οργανώσεων». Έβαλε τέλος στην πολιτιστική πολυμορφία. Όλα τα σωματεία καλλιτεχνών διαλύθηκαν, αντί για αυτά υπήρχε ένας οργανισμός, η Ένωση Σοβιετικών Καλλιτεχνών.
Οι αρχές της νέας τάσης του σοσιαλιστικού ρεαλισμού εκφράστηκαν καλύτερα από τον Μαξίμ Γκόρκι. Το:
αρχή του λαού. Οι κύριοι χαρακτήρες των έργων είναι απλοί εργάτες.
Η αρχή της ιδεολογίας. Όλα τα έργα πρέπει να φέρουν ένα συγκεκριμένο ιδεολογικό φορτίο.
Η αρχή της ιδιαιτερότητας. Δείχνεται η διαδικασία ανάπτυξης που αντιστοιχεί στην υλιστική κατανόηση της περιβάλλουσας πραγματικότητας.
Αυτή είναι η περίοδος ακμής της ζωγραφικής, οι δημιουργικοί εργαζόμενοι, δημιουργώντας στη σωστή ιδεολογική κατεύθυνση, έλαβαν πολλές παραγγελίες. Η εποχή χαρακτηρίζεται από λαχτάρα για μνημειοκρατισμό.
Εκτός από μνημειαλισμό, η ζωγραφική αυτής της εποχής είναι γεμάτη ηρωισμό. Ένας από τους πιο αξιομνημόνευτους δασκάλους εκείνης της περιόδου είναι ο B. Ioganson. Οι πίνακές του μιμούνται την τεχνική που χρησιμοποιούσαν Ρώσοι καλλιτέχνες όπως ο Σουρίκοφ. Αλλά η πλοκή είναι γεμάτη με ηρωικό περιεχόμενο, σύμφωνα με τις απαιτήσεις της εποχής. Ο τρόπος του Ioganson φαίνεται καλά στον πίνακα "Ανάκριση ενός κομμουνιστή".
Ένας άλλος διάσημος κύριος ήταν ο S. Gerasimov - έδωσε την κύρια προσοχή στο θέμα της αγροτιάς. Ο πίνακας του «Collective Farm Holiday» θεωρείται ένας ζωγραφικός πίνακας εποχής αυτής της εποχής.
A. Plastov - στα έργα του που τραγούδησε την αγροτιά, οι πίνακές του αντικατοπτρίζουν τη ζωή των απλών ανθρώπων, συχνά με φόντο τη φύση. Τα έργα του είναι κάπως λυρικά. Άλλοι διάσημοι ζωγράφοι της δεκαετίας του '30 είναι οι Pimenov, Deineka, Krymov.
Σύμφωνα με τις απαιτήσεις του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, το τοπίο της δεκαετίας του '30 αλλάζει. Αυτή την εποχή, τα τοπία συνδυάζονταν συχνά με την εμφάνιση ιστορικών χαρακτήρων. Η πιο εντυπωσιακή εικόνα αυτού του θέματος είναι το έργο του A. Rylov - «Ο Λένιν στο Razliv».
Το είδος πορτρέτου εκείνη την εποχή αναπτύχθηκε πιο ενεργά από τους δασκάλους της παλαιότερης γενιάς - Konchalovsky, Nesterov, Serova. Τα πορτρέτα του Nesterov εκτιμήθηκαν, ήξερε πώς να παρατηρεί με ακρίβεια και να μεταφέρει τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα ενός ατόμου. Ο Korin εργάστηκε επίσης στο στυλ του Nesterov, οι καμβάδες του είναι μνημειώδεις, διακρίνονται από σαφείς μορφές. Εκτός από τους αρχηγούς των κομμάτων, ενδιαφέρον για δημιουργικές προσωπικότητες έδειξαν και προσωπογράφοι.
Η μνημειακή ζωγραφική αυτής της εποχής έχει γίνει σχεδόν αναπόσπαστο στοιχείο της αρχιτεκτονικής. Εδώ μπορείτε να επισημάνετε τη ζωγραφική του εστιατορίου του σιδηροδρομικού σταθμού Kazansky και του σταθμού του μετρό Mayakovsky.
Οι εξέχοντες γλύπτες της δεκαετίας του '30 ήταν οι Mukhina, Shadr, Manizer. Εδώ βασίλευε και η μνημειακότητα. Ίσως το πιο σημαντικό δημιούργημα εκείνης της εποχής είναι το άγαλμα «Εργάτρια και συλλογική αγρότισσα».
Στο είδος των γραφικών συνέχισαν να εργάζονται μάστορες που έχουν αποκτήσει φήμη την προηγούμενη δεκαετία. Η ξυλογραφία ήταν δημοφιλής. Αυτά ήταν κυρίως εικονογραφήσεις για κλασικά έργα. Το είδος της χαρακτικής φύλλων προωθείται, ο πιο εντυπωσιακός κύριος εδώ ήταν ο Nivinsky, το αγαπημένο του θέμα είναι η Leniniad, η βιομηχανική ανάπτυξη.
Στη δεκαετία του 1930, η χαρακτική απομακρύνθηκε από την εικονογράφηση βιβλίων. Αντικαθίσταται από λιθογραφία. Σχέδιο με μαύρη ακουαρέλα, μερικές φορές με κάρβουνο. Αυτή η τεχνολογία προτιμήθηκε για μαζική παραγωγή. Οι Kukryniksy, Gerasimov, Kibrik και άλλοι εργάστηκαν σε αυτό το είδος.
Σοβιετικοί καλλιτέχνες κατά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο
Δεν αποτελεί έκπληξη, κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, το στρατιωτικό θέμα γίνεται το κύριο θέμα των έργων των καλλιτεχνών. Πολλοί καλλιτέχνες εκείνης της εποχής συμμετείχαν άμεσα στις εχθροπραξίες, κάποιοι πέθαναν.
Το καθήκον των καλλιτεχνών εκείνης της περιόδου είναι να εμπνεύσουν τους ανθρώπους σε ένα στρατιωτικό και εργασιακό κατόρθωμα. Σε αυτήν την εποχή, το είδος της αφίσας ανθεί. Έτσι, η διάσημη αφίσα του Kukryniksy "Ας καταστρέψουμε τον εχθρό" εμφανίστηκε στις 23 Ιουνίου 1941. Άλλες αφίσες "Motherland Calls" του καλλιτέχνη Toidze, "Warrior of the Red Army, save" κ.λπ.
Η ζωγραφική με καβαλέτο της εποχής του πολέμου χαρακτηρίζεται από σειριακότητα. Ο καλλιτέχνης Λ. Σοϋφέρτης, για παράδειγμα, έγραψε 2 σειρές «Sevastopol» και «Crimea». Το έργο του έχει διπλή αξία λόγω του ότι συμμετείχε άμεσα στις εχθροπραξίες, κάνοντας σκίτσα μεταξύ των μαχών.
Ένας άλλος καλλιτέχνης, ο Shmarinov, ζωγράφισε μια σειρά από σειρές με κάρβουνο και μαύρη ακουαρέλα, δίνοντας έμφαση στην τραγωδία. Ο διάσημος πίνακας του «Η μητέρα πάνω από το σώμα του δολοφονημένου». Ο Παχόμοφ έζησε και εργάστηκε στο πολιορκημένο Λένινγκραντ, έγραψε μια γραφική σειρά "Το Λένινγκραντ στις μέρες του αποκλεισμού".
Οι καλλιτέχνες της πολεμικής περιόδου: Plastov, Deineka, Gerasimov, Yuon, Korin, Bubnov και πολλοί άλλοι άφησαν επικούς πίνακες που μεταφέρουν την τραγωδία της εποχής.
Αν και ήταν πιο δύσκολο για τους γλύπτες να εργαστούν κατά τη διάρκεια του πολέμου, βλέπουμε έργα αφιερωμένα στο θέμα του πολέμου. Κυρίως πρόκειται για γλυπτά πορτρέτα ηρώων πρώτης γραμμής, στρατιωτικών ηγετών. Κατά τη διάρκεια του πολέμου εργάστηκαν: Mukhina, Tomsky, Nikoladze, Pershudchev.
Στο τέλος των εχθροπραξιών, αρχίζει η εποχή των μνημειακών μνημείων, που έχουν σχεδιαστεί για να διαιωνίσουν το κατόρθωμα του σοβιετικού λαού.
Η εφαρμοσμένη ζωγραφική αφιερώθηκε επίσης στο στρατιωτικό θέμα. Στο έργο των δασκάλων του Palekh, βλέπουμε τις πλοκές των παραμυθένιων μαχών.
Μεταπολεμικοί καλλιτέχνες
Τα πρώτα μεταπολεμικά χρόνια, όλες οι προσπάθειες είχαν ως στόχο την αποκατάσταση της οικονομίας και τη δοξασία του άθλου του σοβιετικού λαού κατά τη διάρκεια του πολέμου. Από τους πίνακες ενός χαρακτήρα μάχης, ξεχωρίζουμε τόσο σπουδαίους καμβάδες όπως το "Rest after the battle" του καλλιτέχνη Neprintsev. "Γράμμα από το μέτωπο" - Laktionova. Πρόκειται για εικόνες με μια πινελιά στίχων, που εξερευνούν τον πόλεμο ως ιστορικό φαινόμενο.
Εκείνη την εποχή, πολλά έργα αφιερώθηκαν επίσης στην ιστορία της επανάστασης. Από τους σημαντικούς καμβάδες εκείνης της εποχής ξεχωρίζουμε το έργο μιας ομάδας συγγραφέων «Ο λόγος του Λένιν στο 3ο Συνέδριο της Κομσομόλ». Ο πίνακας του Σερόφ "Περπατητές κοντά στον Λένιν", που έγινε ο δεύτερος κλασικός πίνακας από τη σειρά Leniniad. Ο πίνακας του Melikhov "Young Taras Shevchenko at Bryullov's" προσελκύει την προσοχή· οι ιστορικές λεπτομέρειες επεξεργάζονται προσεκτικά σε αυτόν τον καμβά.
Υπάρχουν εικόνες καθαρά ειρηνικών έργων. Κουρασμένοι από τις δύσκολες στιγμές του πολέμου, οι καλλιτέχνες γράφουν έργα αφιερωμένα στην ειρηνική εργασία, για παράδειγμα, τον πίνακα "Ψωμί", ζωγραφισμένο από τη Yablonskaya. Εμφανίζει απλή αγροτική εργασία. Παρόμοιος σε περιεχόμενο είναι και ο πίνακας του Plastov «Στο ρεύμα συλλογικής φάρμας». Ένας άλλος Σοβιετικός καλλιτέχνης, ο Chuikov, περιγράφει τη φύση του Κιργιστάν στους πίνακες "Morning", "The Shepherd's Daughter" κ.λπ. Οι πίνακες των Λετονών καλλιτεχνών Kalynysh και Osis, αφιερωμένοι στην αλιεία, τραβούν την προσοχή.
Η μετάβαση από τα στρατιωτικά στα ειρηνικά θέματα προκάλεσε την ανάπτυξη των έργων ζωγραφικής στο είδος του τοπίου, κυρίως αυτοί ήταν πίνακες λυρικής κατεύθυνσης. Ο καλλιτέχνης Gerasimov ζωγράφισε έναν κύκλο ζωγραφικής αφιερωμένου στο τοπίο κοντά στη Μόσχα. Ο Meshkov ζωγράφισε μια σειρά από πίνακες για τις ομορφιές των Ουραλίων. Δείχνουν τη μαγευτική ομορφιά της φύσης της Σιβηρίας. Εάν οι προηγούμενοι συγγραφείς έδειχναν την ομορφιά της άγριας φύσης, τότε ο G. Nyssky, αντίθετα, στα έργα του αντανακλούσε μια σχετικά νέα κατεύθυνση του είδους, τη φύση που μεταμορφώθηκε από τον άνθρωπο. Οι πίνακές του χαρακτηρίζονται από δυναμική, μνημειακότητα, αντίθεση. Ο Korin, ο οποίος δημιουργούσε εκείνη την εποχή, συνέχισε το αγαπημένο του είδος - ένα πορτρέτο, ζωγράφισε μια σειρά από πορτρέτα δημιουργικών ανθρώπων.
Στα μεταπολεμικά χρόνια αναπτύχθηκε η σατιρική γραφική παράσταση. Ο πιο διάσημος καλλιτέχνης αυτής της εποχής ήταν ο B. Prorokov. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, έγραψε μια σειρά από έργα επικρίνοντας τον αμερικανικό καπιταλισμό. Ο Kukryniksy, ο Soyfertis και άλλοι εργάζονται για το ίδιο θέμα.
Η γλυπτική των μεταπολεμικών χρόνων είναι αφιερωμένη στο θέμα του πολέμου. Πρόκειται για μνημειώδη γλυπτά που εμφανίζονται σε κάθε πόλη και χωριό, αφιερωμένα στους πεσόντες ήρωες. Αυτή τη στιγμή εργάστηκαν: Τόμσκι, Τσερνιάκοφσκι, Βούτσετιτς, Μικένας.
Σοβιετικοί καλλιτέχνες 1960 - 1980
Στη δεκαετία του 1960, κατά τη διάρκεια της «απόψυξης», οι καλλιτέχνες έκαναν μια προσπάθεια να απελευθερωθούν από τα κλισέ, να εμφανίσουν την πραγματικότητα πιο κοντά στην πραγματικότητα. Νέοι βλαστοί στην τέχνη προσπάθησαν να βασιστούν στις σχολές τέχνης της δεκαετίας του 1920. Η σχολή τέχνης αυτής της περιόδου ονομάστηκε «σοβαρό ύφος» για την αμεσότητα, τον ασυμβίβαστο και τονισμένο δράμα. Αυτό το στυλ δεν ήταν το μόνο, ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός παρέμεινε, ορισμένοι καλλιτέχνες προσπάθησαν να μιμηθούν τον ιμπρεσιονισμό.
Οι αδερφοί Σμόλιν ήταν εξέχοντες εκπρόσωποι του «σκληρού στυλ». Οι πιο διάσημοι πίνακές τους είναι το «Strike», «Polar explorers». Σε αυτά, το εργατικό κατόρθωμα απεικονίζεται χωρίς πομπωδία, ως καθημερινή ρουτίνα. Ένας άλλος γνωστός καλλιτέχνης που τηρούσε το «έντονο ύφος» P. Nikonov. Οι πιο διάσημοι πίνακές του - "Η καθημερινή μας ζωή", "Γεωλόγοι" περιγράφουν την καθημερινότητα των σοβιετικών εργατών. Άλλοι διάσημοι καλλιτέχνες του «σκληρού στυλ»: Korzhev, Andronov, Popkov, V. Ivanov, Gavrilov, Tkachev, Moiseenko, Zhilinsky.
Από τους εθνικούς καλλιτέχνες εκείνη την εποχή, οι πιο αξιόλογοι ήταν οι: Salakhov, Narimanbekov, Klychev, Tordia, Greku, Zarin, Iltner, Berzin, Subbi, Savickas και άλλοι.
Στην Ουκρανική ΣΣΔ είναι αξιοσημείωτο το έργο του T. Yablonskaya, το οποίο ξεφεύγει από τον ιμπρεσιονισμό και στρέφεται σε λαϊκά μοτίβα.
1960-1980 χρόνια μεγαλειώδους κατασκευής. Οι πόλεις αποκαταστάθηκαν μετά τον πόλεμο, χτίστηκαν νέες συνοικίες, έτσι ώστε το είδος της μνημειακής ζωγραφικής να ήταν εξαιρετικά διαδεδομένο εκείνη την εποχή.
Το κύριο θέμα του γλυπτού είναι η μνήμη των ηρώων και των θυμάτων του Β' Παγκοσμίου Πολέμου. Εδώ «βασίλευε» ένα μνημείο-σύνολο και ένα μνημείο. Οι πιο λαμπερές δημιουργίες σε αυτό το είδος είναι τα "Mamaev Kurgan", "Nevsky Piglet", "Khatyn".
Διάσημοι γλύπτες αυτής της εποχής: Sokolova, Pologova, Shakhovskoy, Zhilinskaya, Mitlyansky, Komov, Chernov.
Τη δεκαετία του 1960 και τα επόμενα χρόνια, η χαρακτική, η γραφική παράσταση και η λινογραφία χρησιμοποιήθηκαν ευρέως. Καλλιτέχνες δημιούργησαν σε αυτά τα είδη: Zakharov, Golitsyn, Borodin, Ilyina, Makunaite, Rzakuliev.
Όπως καταλαβαίνετε, ήταν μια μεγάλη εποχή που μας χάρισε πολλούς αξεπέραστους δασκάλους. Πίνακες της σοβιετικής περιόδου έχουν πάρει τη θέση που τους αξίζει σε πολλές συλλογές.
