Самые известные имена этого периода И.С. Бах, Г.Ф. Гендель. Можно различно оценивать их произведения: оценка зависит от вкусов и направлений. Но каждый в своей области они выполнили свою миссию с равным совершенством. Сила их творчества сконцентрировала вокруг себя все существенное, что было достигнуто до тех пор европейской музыкой.
Иоганн Себастьян Бах (1685 - 1750) - один из величайших композиторов в истории музыки. За свою жизнь Бах написал более 1000 произведений. В его творчестве представлены все значимые жанры того времени, кроме оперы; он обобщил все достижения музыкального искусства данного периода.
В формировании личности и творчества Баха важную роль сыграла музыкальная культура немецкого протестантизма. Не случайно большая часть наследия композитора - духовная музыка. К самому популярному жанру XVIII в., опере, он не обращался.
Бах никогда не покидал Германии, более того, жил в основном не в столичных, а в провинциальных городах. Тем не менее, он был знаком со всеми значительными достижениями в музыке того времени. Композитор сумел соединить в своём творчестве традиции протестантского хорала с традициями европейских музыкальных школ. Произведения Баха отличаются философской глубиной, сосредоточенностью мысли, отсутствием суетности. Важнейшая особенность его музыки - удивительное чувство формы. Всё здесь предельно выверено, уравновешенно и в то же время эмоционально. Различные элементы музыкального языка работают на создание единого образа, в результате достигается гармония целого.
Творчество Баха, музыканта-универсала, обобщило достижения музыкального искусства нескольких веков на грани барокко и классицизма. Ярко национальный художник, Бах соединил традиции протестантского хорала с традициями австрийской, итальянской, французской музыкальных школ.
Для Баха, непревзойдённого мастера полифонии, характерно единство полифонического и гомофонного, вокального и инструментального мышления, чем объясняется глубокое взаимопроникновение различных жанров и стилей в его творчестве.
Ведущий жанр в вокально-инструментальном творчестве Баха - духовная кантата. Бах создал 5 годовых циклов кантат, которые различаются по принадлежности к церковному календарю, по текстовым источникам (псалмы, хоральные строфы, «свободная» поэзия), по роли хорала и т.д.
Из светских кантат наиболее известны «Крестьянская» и «Кофейная». Выработанные в кантатедраматургия, принципы нашли претворение в мессах, «Страстях». «Высокая» месса h-moll, «Страстипо Иоанну», «Страсти по Матфею» стали кульминацией многовековой истории этих жанров.
Центральное место в инструментальном творчестве Баха занимает органная музыка. Синтезируя унаследованные от своих предшественников (Д. Букстехуде, И. Пахельбеля, Г. Бёма, И.А. Рейнкена) опыт органной импровизации, разнообразные вариационные и полифонические приёмы сочиненияи современные ему принципы концертирования, Бах переосмыслил и обновил традиционные жанры органной музыки - токкату, фантазию, пассакалью, хоральную прелюдию.
Исполнитель-виртуоз, один из крупнейших в своё время знатоков клавишных инструментов, Бах создал обширную литературу для клавира. Среди клавирных сочинений важнейшее место занимает «Хорошо темперированный клавир» - первый в истории музыки опыт художественного применения разработанного на рубеже 17-18 вв. темперированного строя.
Величайший полифонист, в фугах Бах создал непревзойдённые образцы, своего рода школу контрапунктического мастерства, что нашло продолжение и завершение в «Искусстве фуги», над которым Бах работал на протяжении последних 10 лет жизни. Бах-автор одного из первых клавирных концертов - Итальянского концерта (без оркестра), полностью утвердившего самостоятельное значение клавира как концертного инструмента.
Музыка Баха для скрипки, виолончели, флейты, гобоя, инструментального ансамбля, оркестра - сонаты, сюиты, партиты, концерты - знаменует значительное расширение выразительных и технических возможностей инструментов, обнаруживает глубокое знание инструментов и универсализм в их трактовке.
Среди произведений Баха для других инструментов главное место принадлежит скрипичным сонатам, партитам и концертам. Будучи с юных лет отличным скрипачом, Бах-композитор в совершенстве постиг возможности инструмента, его «стиль», точно так же, как владел «стилем» органа и клавира. Новый в то время склад скрипичной музыки послужил ему образцом при создании не только скрипичных произведений, что уже было отмечено на примере концертов. Одновременно развитое многоголосие, выработанное в формах органной и клавирной музыки, Бах стремился перенести и в сонаты для скрипки, предъявляя к этому инструменту предельно высокие требования. «В сущности, все его произведения созданы для идеального инструмента, заимствующего от клавишных возможности полифонической игры, а от струнных - все преимущества в извлечении звука», - справедливо заключает Альберт Швейцер 6 Бранденбургских концертов для различных инструментальных составов, претворившие жанровые и композиционные принципы concerto grosso, явились важным этапом на пути к классической симфонии.
При жизни Баха была опубликована небольшая часть его произведений. Творчество Баха настолько глубоко и многогранно, что современники не смогли оценить его по достоинству. Подлинный масштаб гения Баха, оказавшего сильнейшее влияние на последующее развитие европейской музыкальной культуры, начал осознаваться лишь его смерти. Должно было пройти целое столетие, чтобы Бах получил признание как великий композитор.
С именем Георга Фридриха Генделя (1685-1759) связано развитие оперы и оратории. Уже в двенадцатилетнем возрасте Гендель писал церковные кантаты и органные пьесы. В 1702 г. он занял пост органиста протестантского собора в родном городе - Галле, но вскоре понял, что церковная музыка не его призвание. Гораздо больше композитора привлекала опера.
Как оперный композитор Гендель состоялся в Италии. Известность ему принесла постановка «Агриппины» (1709 г.) в Венеции, а опера «Ринальдо» (1711 г.), поставленная в Лондоне, сделала Генделя крупнейшим оперным композитором Европы. Он участвовал в оперных предприятиях (т.н. академиях), ставил свои оперы, а также произведения других композиторов; особенно успешной для Генделя была работа в «Королевской академии музыки» в Лондоне. Гендель создавал по несколько опер в год. В 1730-е гг. композитор ищет новые пути в музыкальном театре - усиливает роль хора и балета в операх («Ариодант», «Альчина», обе - 1735).
На оперное творчество Генделя оказала влияние музыкальная драматургия Р. Кайзера. Художник Просвещения, Гендель обобщил достижения музыкального барокко и проложил пути к музыкальному классицизму. Не порывая окончательно с канонами оперы-сериа, путём контрастного сопоставления драматургических пластов Гендель добивался напряжённого развития действия.
Он работал и в жанре итальянской оперы-сериа. Музыка необыкновенной красоты производила огромное впечатление на слушателей. Всего мастер создал более сорока сочинений этого жанра. Однако оперу-сериа в Англии принимали далеко не все. Не случайно огромный успех имела «Опера нищего» (1728 г.; музыка Иоганна Кристофа Пепуша, либретто Джона Гея), которая пародировала итальянские оперы, мешавшие, как полагали некоторые, развитию национального театра.
Итальянскую оперу-сериа он подвел к порогу реформы. Ее начнет осуществлять Глюк только спустя двадцать с лишком лет, когда сложатся для того необходимые исторические условия. Сам же Гендель продолжит свои искания в жанре оратории.
Произведениям Генделя свойственны монументально-героический стиль, оптимистическое, жизнеутверждающее начало, объединяющее в единое гармоническое целое героику, эпику, лирику, трагедийность, пасторальность. Впитав и творчески переосмыслив влияние итальянской, французской, английской музыки, Гендель оставался по истокам творчества и образу мышления немецким музыкантом.
В 40х гг., после провала оперы «Дейдамия» (1741 г.), Гендель больше не обращался к этому виду музыкального искусства и посвятил всё своё время оратории - высшее творческое достижение Г.Ф. Генделя.
Новые сочинения композитора были горячо приняты публикой. Гендель создал тридцать две оратории. В оратории, не связанной жёсткими жанровыми ограничениями, Гендель продолжил искания в области музыкальной драмы, в сюжетном и композиционном.
Этот поворот не останется без последствий и на дальнейшем пути композитора. Создавая подлинно героические оратории, он будет обращаться к темам и образам, связанным с идеей жертвы, жертвенности в судьбе человека, непреодолимой роковой обреченности героя или героини. Да и все, чего достиг Гендель за многие годы в оперном искусстве, все лучшее, что он нашел здесь, не пройдет мимо оратории. Среди популярнейших сочинений Генделя - оратории «Израиль в Египте» (1739), «Мессия» (1742), которая после успешной премьеры в Дублине встретила резкую критику духовенства. Успеху поздних ораторий, в т.ч. «Иуды Маккавея» (1747), способствовало участие Генделя в борьбе против попытки реставрации династии Стюартов. На материале библейских сказаний и их преломления в английской поэзии Гендель раскрыл картины народных бедствий и страданий, величие борьбы народа против гнёта поработителей. Гендель явился создателем нового типа вокально-инструментальных произведений, которые сочетают в себе масштабность (мощные хоры) и строгую архитектоничность. Оратории Генделя поражают мощью звучания хора, виртуозным использованием полифонии, мягкими и гибкими, выразительными мелодиями арий. Хор призван подчёркивать монументальность события, его огромную значимость для человечества, а арии - силу чувств героя.
В жанре оратории, как ни в одном другом, Гендель мог свободно распоряжаться хоровыми массами, вовлекая хор в эпическое повествование или драматическое действие. Он и не думал подражать итальянским образцам оратории, которая в его время тяготела к оперным формам гораздо более, чем к хоровой монументальности. Подобно Баху Гендель, видимо, всегда испытывал глубокий творческий интерес к крупным полифоническим формам.
На протяжении всего творческого пути Гендель работал и в инструментальных жанрах; наибольшее значение имеют его concerti grossi. Мотивная разработка, особенно в оркестровых произведениях, гомофонно-гармонический стиль преобладают у Генделя над полифоническим развитием материала, мелодика отличается протяжённостью, интонационной и ритмической энергией, чёткостью рисунка. Только в сравнении с операми и ораториями Генделя его инструментальная музыка может представляться менее значительной. Но сама по себе она очень показательна для него, крепко связана с главнейшими областями его творчества и полна художественного интереса. Хотя на тернистом пути композитора инструментальные произведения были скорее отдыхом, чем предельным напряжением сил, он успел написать их очень много: более 50 концертов, более 40 сонат и около 200 пьес для клавира, клавира или органа, а также различных инструментальных составов. Итак, если бы Гендель не создал ничего, кроме ораторий, его творческое наследие все равно следовало бы признать грандиозным. Но ему принадлежит еще более сорока опер, включающих в себя бесчисленные страницы прекрасной музыки. При всех существенных жанровых отличиях, при ином соотношении музыки и текста, итальянские оперы Генделя в собственно музыкальном смысле подготовили многое и для круга образов в его ораториях. В свою очередь непрерывная эволюция его ораториального творчества, многосторонние искания в этой области имели неоценимое значение и для истории оратории и для дальнейшей истории оперы. Его произведения оказали значительное влияние на художников последующих поколений, особенно на представителей венской классической школы. Творчество Генделя оказало значительное влияние на Й. Гайдна, В.А. Моцарта, Л. Бетховена, М.И. Глинку.
Петровская Эпоха положила начало развитию светской музыки нового типа. Творчество этого времени пока еще очень незначительно: оно ограничивается в основном простейшими жанрами прикладной музыки - военной, застольной, танцевальной.
На улицах новой столицы - Петербурга - играют военные оркестры; во дворце устраиваются ассамблеи с танцами; музыка звучит и на торжественных празненствах, и на военном параде, и на театральных подмостках. Строительство нового "государства Российского" настойчиво требовало новых, особых, специфических форм музицирования.
Новая функция музыкального искусства особенно полно проявилась в жанрах парадной, торжественной музыки.
В честь Петра I и его полководцев исполнялись специально сочиненные песнопения, носившие названия "панегирических", или "виатных", кантов.
В музыкальном поэтическом отношении панегирические канты были типичным выражением героико-патриотических настроений петровской эпохи.
Они породили особый стиль торжественно-пышной, гимнической хоровой музыки стиль, получивший высшее завершение в хоровых концертах, кантатах и ораториях конца века. Особой популярностью пользовались танцевальные жанры.Танцы петровских ассамблей - менуэт, полонез, англез - прочно укоренились на русской почве, а некоторые из них, в первую очередь менуэт, стали излюбленными в дворянском обществе.
Достаточно разнообразным был музыкальный репертуар петровских ассамблей.В последние годы царствования Петра музыкальные развлечения при дворе приобретают иной характер.
Постепенно к музыке начинают приобщаться наиболее образованные представители русской аристократии. Некоторые из них хорошо владели искусством игры на клавикордах, скрипке и флейте. При дворе входят в моду галантные песни любовно-лирического содержания ("арии"), исполнявшиеся под аккомпанемент клавесина, флейты или скрипки.Видное место музыка заняла и в театре. Первые годы царствования Петра I положили начало активному развитию театральной жизни в России. Впервые театр стад доступным для сравнительно широкого круга зрителей. Неизменной участницей всех спектаклей была инструментальная музыка. Для оформления театральных постановок, по-видимому, требовалась довольно большая группа музыкантов.
Начав свое существование в первые годы царствования Петра I, русский театр продолжал расти и развиваться в течение всего XVIII века. Театр становится важным центром музыкальной жизни в послепетровскую эпоху, когда искусство завоевывает все более широкое общественное признание.
Эпоха 30-60-х годов XVIII столетия ознаменовалась ростом национального самосознания и укреплением национальных культурных традиций. Огромное значение имела деятельность Михаила Васильевича Ломоносова - первого русского ученого мирового масштаба. Росла и крепла русская литература; расцветала поэзия русского классицизма, представленная в творчестве того же Ломоносова и его ближайших современников В. К. Тредиаковского и А. П. Сумарокова. Успехи русского искусства наглядно проявились в творчестве знаменитого зодчего В. В. Растрелли, в портретной живописи А. П. Лосенко, А. П. Антропова и И. П. Аргунова.
В период 30-40-х годов музыка постепенно выходит из сферы прикладного искусства на самостоятельный путь развития. Осваиваются сложные музыкальные жанры: опера, кантата, соната, сюита. Музыкальные инструменты, в том числе клавикорды, скрипка и арфа, получают все более широкое распространение в дворянском быту. При дворе и в домах знатных вельмож устраиваются камерные концерты. Формируются хоровые капеллы, оркестры и оперные труппы, русские музыканты овладевают исполнительским мастерством. Тем самым развивающиеся традиции бытового и концертного музицирования готовили почву для последующего возникновения русской композиторской школы.
Основным жанром, характеризующим развитие музыкального искусства XVIII века в России, была опера. Не удивительно, что именно в оперном жанре ярче всего проявились впоследствии творческие возможности русских композиторов XVIII века.
Наряду с оперным искусством в России приобретают популярность различные жанры камерной музыки. В середине XVIII века камерные концерты при дворе становятся обычным явлением.
Большим успехом камерное музицирование пользовалось в аристократических любительских кругах. К этому времени заметно выросла и роль придворного оркестра.
В начале 60-х годов оркестр был разделен на две самостоятельные группы музыкантов - исполнителей оперно-симфонической и бальной музыки. Такая дифференциация была несомненным признаком роста исполнительских сил.
Не случайно из среды музыкантов придворного оркестра выдвинулись в конце века такие даровитые русские композиторы, как В.А.Пашкевич и И.А. Хандошкин.
Последняя треть XVIII века характеризуется значительной демократизацией музыкально-общественной жизни. Театральная жизнь выходит далеко за пределы придворного, аристократического быта. Развивается музыкальное образование, нотопечатание и нотоиздательское дело. Музыка становится достоянием более широких кругов русского общества: домашнее музицирование получает распространение в мелкопоместной и городской мещанской среде.
Ведущая роль в музыкальной жизни России по-прежнему принадлежит оперному театру. Однако развитие музыкального театра к этому времени приобретает новое направление: меняется и оперный репертуар, и состав зрителей.
Огромное значение для развития оперного жанра в России имели успехи отечественного драматического театра. Большого подъема театральная жизнь достигла в период 1770 - 1780-х годов, в эпоху деятельности передовых русских драматургов Фонвизина, Николаева, Княжина, Капниста. В 1776 году в Москве состоялось открытие Петровского театра, на основе которого впоследствии возник Большой театр.
Наряду с городскими "вольными" театрами в конце XVIII века широко развертывается сеть крепостных театров, разбросанных по всей России.
Особенно широкой известностью пользовались театры графа Н. П. Шереметева в его подмосковных имениях Кусково и Останкино.
Театр Шереметьева был в первую очередь оперным, причем основу репертуара составляли последние театральные "новинки" - комические оперы французских и итальянских композиторов. На этой сцене шли лучшие произведения Паизиелло, Пиччини, Гретри и Монсиныи.
А в главных ролях блистала знаменитая "первая певица" шереметевского театра Прасковья Ивановна Ковалева (по сцене - Параша Жемчугова, 1768-1803), чье имя вошло в народные предания и было овеяно легендарной славой.
Широкой популярностью в быту крепостнической России пользовался особый вид исполнительства - музыка роговых оркестров.
В конце XVIII века роговые оркестры исполняли также и достаточно широкий концертный репертуар классической музыки (в том числе симфонии Гайдна и Моцарта) и даже участвовали в оперных спектаклях.
К концу XVIII века все более систематический характер приобретает концертная жизнь.
Ораториальные, хоровые концерты пользовались большим успехом у публики. Одновременно устраивались и сольные концерты.
Большим успехом пользовались выступления клавесинистов и органистов В. Пальшау, И. Гесслера, А. Сартори, известных в России также и по своей педагогической деятельности.
Успехи музыкального образования и театрально-концертной жизни
создали прочную Основу для дальнейшего роста музыкальной культуры. Если в начале века домашнее музицирование процветало лишь в узком кругу русской аристократии и было в значительной степени данью «иноземному вкусу», то теперь оно сделалось потребностью.
К музыкальному искусству, несмотря на сословные ограничения, тянутся все более широкие слои населения, и даже представители крепостного сословия теперь составляют едва ли не основную группу музыкантов-профессионалов. К концу XVIII века можно говорить о вполне сложившихся, устойчивых национальных традициях в области музыкального исполнительства, оперного театра, концертной жизни.
Опера XVIII века.
Среди различных жанров профессиональной музыки конца XVIII века опера занимает первое место. Именно опера в эту эпоху становится наиболее развитым, наиболее профессиональным и вместе с тем наиболее массовым видом музыкального творчества. Опера привлекает к себе и широкую аудиторию и лучшие творческие силы. Опера вызывает живые отклики в общественном мнении, в поэзии, литературе и критике. С большой непосредственностью и полнотой она отображает передовые, демократические тенденции русского искусства.
В опере, как и в комедии, затрагивались самые острые, коренные проблемы русской действительности, и в первую очередь вопрос о социальном неравенстве, о тяжелом, бесправном положении крепостного крестьянства.
Русская опера XVIII века - это прежде всего реалистическая опера-комедия бытового плана, тесно связанная со всем укладом русской общественной жизни.
На оперной сцене в конце XVIII века выступает галерея типических персонажей, давно знакомых зрителю по комедиям того времени.
Опера по-своему метко высмеивала отсталые нравы русского общества, бичевала пороки скотининых и простаковых.
Критическая, обличительная направленность определяет главную, основную тенденцию реалистической оперы-комедии XVIII века, вошедшей в круг самых значительных, прогрессивных явлений русского искусства радищевской поры.
Молодое искусство оперы XVIII века со всей очевидностью свидетельствует об удивительном разнообразии путей развития русской композиторской школы.
Опера, со всей сложностью и многообразием ее форм, питала всю русскую профессиональную музыку содействовала развитию других жанров.
В ней коренились основы и русского симфонизма, и русской хоровой классики. Тесно соприкасаясь с народной песней и бытовым романсом, она оказывала воздействие и на профессиональную вокальную лирику.
Активное развитие оперной драматургии в XVIII веке во многом заранее обусловило ту важную роль, которую суждено было играть оперному жанру в творчестве композиторов-классиков.
Эволюция музыки
В первой половине XVIII века эволюция музыки достигает блестящей эпохи. Зародившиеся в начале XVII века формы, достигают высшей ступени совершенства. Четыре великих мастера, работающие в четырех различных странах, определяют своим творчеством все музыкальное искусство данного периода: Александро Скарлатти в Италии, Жан Филипп Рамо во Франции, Иоганн Георг Гендель в Англии, и Иоганн Себастьян Бах в Германии.
В зависимости от вкусов и направлений, можно по-разному оценивать их произведения. Но то, что все четверо, каждый в своей области, выполнили свою миссию с равным совершенством, не подвергается сомнению. Двое из них немцы. Сила их творчества сконцентрировала вокруг себя все существенное, что было достигнуто до тех пор европейской музыкой.
В первой половине XVIII века все же еще господствовала итальянская музыка и, пожалуй, никогда не была более блестящей. По Германии еще в XVII веке распространяли обычай выписывать на должности в придворных капеллах и на службу в театрах итальянцев, даже целиком учреждать итальянскую оперу. Великолепие и пышность спектаклей превосходили все, что видели до того времени. Итальянцы появляются повсюду и занимают первые места в Англии, Польше, России, а не только в Германии. Одна Франция стойко сопротивляется натиску итальянской оперы и отбрасывает от себя одинаково как дурные, так и хорошие ее стороны.
Отделившись от Венеции, Неаполь в начале XVIII века принимает на себя руководство музыкальным движением в области оперы. Благодаря Франческо Провенцеале и Александро Скарлатти Неаполь, до тех пор не игравший значительной роли в ходе развития музыки, дает свое имя школе с определенным направлением и через это прославляется.
Франческо Провенцеале - композитор целого ряда опер: комических ("Раб своей супруги") серьезных на античные сюжеты (Кир, Креркс, Эритрея и др.). Франческо Провенцеале испытал влияние венецианцев, но выработал в результате стиль, вскоре ставший характерным для всей неаполитанской оперной школы, а затем и для всей итальянской оперы XVIII века.
Александро Скарлатти родился в 1659 году в Сицилии, умер в Неаполе в XVII 25г., ученик Кариссими, после постановки в Риме в 1679 г. своей первой оперы "Невинная ошибка" сделался в 1680 капельмейстером при дворе шведской королевы Христины, жившей в Риме. В 1694 Скарлатти становится капельмейстером вице-короля в Неаполе. С XVII 03 по XVI I 08 он управляет метризой (муз. школой) при одной из римских церквей, затем опять возвращается в Неаполь. Число сочинений Скарлатти колоссально: одних опер 1 XVIII, 700 кантат и т.д.
Стиль Неаполитанской школы отличается ярко выраженными особенностями. Прежде всего - это стиль мелодический, базирующийся уже целиком на нашей ладовой и тональной мажорно - минорной системе. Мелодия - главный элемент неаполитанской музыки, мелодия богато разросшаяся, страстная и знойная, выразительница могучего непосредственного чувства. Это чувство, общее всем, - сразу, с первых звуков, понятное. Таким образом, мелодика в неаполитанской школе - сильнейший обобщающий и объединяющий социальный фактор. Певучесть (вокальность) - существенное качество этой лирико-драматической музыки. Отсюда исходят ее формы, отсюда - выразительные мелодические речетативы неаполетанских опер с богатым инструментальным сопровождением, отсюда - вся своеобразная конструкция этих опер: последовательность арий, связанных речетативами.
Жан Филипп Рамо (1683-XVII 64) - один из ярчайших представителей оперного искусства XVIII века во Франции. Рамо сперва проявлял свою музыкальную деятельность как органист - теоретик и как композитор клавесинной и культовой музыки. Только в XVII 33 ему удалось привлечь внимание к себе как к театральному композитору своей оперой "Ипполит".
Это с начала до конца оригинальное, типичное французское произведение: все в меру, все ясно, все взвешено, чувство умерено разумом, вкусом и привычной дисциплиной человека, сдерживаемого рамками общественной вежливости, галантности и иронии. Музыка Рамо - полный контраст с чувственной обнаженностью итальянской лирики и с немецким "погружением в себя", в личную психическую жизнь. Правда, в творчестве Рамо - редкий случай - слились великий композитор и великий теоретик. Темперамент композитора охлаждается рассудочностью исследователя, и, наоборот, умозрительные выводы подержаны композиторской проницательностью и чувством, ибо теоретические работы Рамо все-таки скорее работы практика-музыканта, идущего от опыта, чем подлинного мыслителя.
Музыка Рамо изобразительна, пластична и театральна. Театр до конца 19 столетия был одним из самых важных органов французской интеллектуальной жизни. Большая часть, если не вся французская музыка XVII и XVIII века и дальше, включая Берлиоза, изобразительна и пластична и является музыкой театра и балета. Вся концертная и камерная музыка Франции от сюит Куперена до оркестровых сочинений Дебюсси, а в центре симфонии и оратории Берлиоза связана с театральностью. Вот еще несколько опер Рамо: Галантные Индейцы (XVII 35), Кастор и Поллукс (XVII 37) Торжества Гебы (XVII 39) Дарданус (XVII 39).
Очень важной для истории музыкальной драмы была реформа Глюка. Точкой отправления она имела неаполитанскую оперу, но сама реформа произошла на французской территории. В своей музыке Глюк выразил новые идеалы своей эпохи и создал произведение, до сих пор сопротивляющееся времени. Античный миф ожил в искренней и задушевной, кристально чистой музыке и в незамысловатом действии: ни интриг, ни интермедий, ни второстепенных персонажей (один жалкий амур фигурирует, как уступка старым оперным вкусам). Хор и балет образуют органические звенья в действии, а не случайные вставки. Знаменитое "нет" - суровый ответ теней ада на мольбы Орфея - один из сильнейших драматических эффектов, танцы и пение в Елисейских полях - один из трогательнейших моментов во всей театральной западноевропейской музыке.
"Орфей" был сочинен на итальянский текст, и главная роль еще предназначалась для альта. Но итальянцы, привыкшие к полнокровной чувственной мелодии и богатству колора культуры, не поняли простоты драматически выразительной музыки "Орфея". Глюк продолжал свое и предложил венецианской публике "Альцесту", а за ней еще одну оперу "Парис и Елена".
В первой половине XVIII века с творчеством Генделя (1685-XVII 59) и Баха немецкая музыка выдвинула две гигантские, недосягаемые вершины. В начале своей карьеры Гендель испытывал на себе неаполитанское влияние. Поскольку оно было господствующим, такой властный талант, как талант Генделя, не мог пройти мимо него, не преодолев его и тем самым не обогатив своей техники. Его ранние произведения в итальянском стиле не лишены выразительной красоты, но они не дают еще всего Генделя. То, что было в нем лучшего и оригинального, не могло сполна проявиться в чуждых ему формах. Как Глюк (и как впоследствии Моцарт), он должен был создать свое собственное искусство. Англия, с ее вековой, крепко организованной хоровой культовой музыкой дала ему в руки верное средство воздействия. Лично для него тяжело было вынести неуспех его опер и всей его борьбы за оперное дело, но для музыки провал Генделя в этой области надо считать безусловно хорошим исходом: неудачи открыли Генделю глаза и направили его на верную дорогу, может быть, против его воли. Гендель писал оратории - по сущности - музыкальные драмы. Вот все значительнейшие сочинения Генделя в этом роде: Мессия (XVII 42) Ацисс и Галатея, Эсфирь - XVII 32, Дебора - XVII 33, Празденство Александра или Торжество Музыки - XVII 36, Саул - XVII 38, Израиль в египте - XVII 39, Самсон - XVII 43, Валтасар - XVII 44, Иуда Маккавей - XVII 46, Иосиф - XVII 48, Сусанна, Соломон, Феодора, Иефта - XVII 48-XVII 51
Иоганн Себастьян Бах (1685 - XVII 50) - конечная точка длинной цепи эволюции. Сочинения Баха - могучие своды здания и купол, венчающий собой громадный монумент. Влияние Баха стало сильней чувствоваться не при жизни его, а с начала IXX века. И если нельзя согласиться с мнением современных почитателей его искусства, что Бах - создатель всей европейской музыки, то можно вполне считать его отцом современной музыки. Баху не довелось побывать в Италии. Поэтому его сочинения сохранили чисто немецкую терпкость. Поэтому же большинство ценителей музыки его времени, уже привыкшие к мягким ритмам, акцентам и катиленам неаполитанской школы, не поняли его гениального творчества и не оказали ему должного внимания: его сочинения казались напыщенными. Вне небольшого круга учеников и нескольких немецких органистов влияние Баха на его эпоху было крайне ограниченным. Его произведения гравировались очень редко. Большая часть их осталась в рукописях и собственноручно копировалась композитором.
Вольфган Амадей Моцарт (XVII 56-XVII 91) был учеником своего отца Леопольда Моцарта, выдающегося скрипача и педагога, угадавшего гений сына и посвятившего свою жизнь его формированию. В Мюнхене во время карнавала XVII 75 года сочинил оперу "Придворная Садовница", в том же году - "король-пастух". В XVII 81 в Мюнхене исполняется его серьезная классическая итальянская опера "Идоменей" . В XVII 82 году исполняется "Похищение из Сераля"! В XVII 86 ставят в Венен "Свадьба Фигаро". в XVII 87 в Праге идет "Дон-Жуан". XVII 88 сочинены три великие симфонии g-moll, Es-dur и c-dur. В XVII 90 пишет оперу "Так поступают все". В XVII 91 сочинены последние оперы "Тит","Волшебная Флейта" и "Реквием".
В XVIII веке большинство европейских государств охватило просветительское движение. Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь кдостижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски - круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры иформы.
Главное достижение русского Просвещения - расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать».
Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется.
В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму .
Новые формы великосветского быта-гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балыи «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы- способствовали широкому развитию инструментальной музыки . По указу Петрав каждом полку появились военные духовые оркестры. Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором . Примеру двора следовала петербургская и московская знать, котораязаводила у себя домашние оркестры. Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах . Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания. В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов.
Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр , созданный российским императорским камер-музыкантом И.А. Марешом по поручению С.К. Нарышкина. Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов (3 октавы). Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш»,поскольку каждый рог мог издавать только один звук. В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта .
В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов,преимущественно итальянцев, среди которыхкомпозиторы Ф. Арайя, Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Чимароза . Франческо Арайя в 1755 году написал музыку к первой опере с русским текстом. Это было либретто А.П. Сумарокова на сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Опера, созданная в итальянском жанре seria , называлась «Цефал и Прокрис» .
В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант.
Канты петровского времени нередко назывались «виватами» , поскольку они изобилуют прославлениями военных побед и преобразований («Радуйся, Росско земле»). Для музыки «приветственных» кантов характерны фанфарные обороты, торжественные ритмы полонеза. Их исполнение часто сопровождалось звучанием труб и колокольным звоном.
На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В.П. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году («Рцы нам ныне» - за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству»).
В середине XVIII века стремление к хоровым эффектам в партесных концертах достигло гипертрофированных форм: появились сочинения, партитуры которых насчитывали до 48 голосов. Во второй половине столетия на смену торжественному пар-тесному концерту приходит новое художественное явление - ду-ховный концерт. Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции - от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. С. Березовского и Д. С. Бортнянского, создавших классический тип русского духовного концерта.
В XVIII веке значительно расширилось жанровое содержание хоровых произведений. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором (самый знаменитый образец - полонез Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина, который в конце XVIII приобрел значение государственного гимна Российской империи).
Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху (1762- 1796). Это было благоприятное время для российской культуры. Попытка возродить дух петровских преобразований во многом увенчалась успехом. Политика, экономика, наука и культура вновь получили импульс к развитию. Возобновилась практика обучения наиболее талантливых представителей науки и искусства за границей. Тесные культурные контакты России с просвещенной Европой не могли не повлиять на появление первых опытов профессионального композиторского творчества.
В этот период было создано более 500 произведений концертного жанра. К нему обращались почти все известные нам русские композиторы второй половины XVIII столетия.
Рожденный в недрах партесного многоголосия, духовный концерт на протяжении своего развития интегрировал два начала - церковную певческую традицию и новое светское музыкальное мышление. Концерт получил распространение и как кульминационная часть церковной службы, и как украшение придворных церемониалов. Он был средоточием тем и образов, затрагивавших глубокие нравственные и философские проблемы.
Если «партесный концерт можно до известной степени сопоставить с concerto grosso , то структура классического хорового концерта имеет общие черты с сонатно-симфоническим циклом. Она обычно состояла из трех или четырех разнохарактерных частей с контрастными приёмами изложения.В заключительной части, как правило, преобладали приемы полифонического развития.
Большой вклад в становление русского классического хорового концерта внесли выдающиеся иностранные композиторы, жившие в Петербурге (Д.Сарти, Б. Галуппи). Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именами М.С. Березовского и Д.С. Бортнянского.
М. С. Березовский - выдающийся мастер русской хоровой музыки XVIII века, один из первых представителей национальной композиторской школы. Сохранившееся творчество композитора невелико по объему , однако весьма значительно по своей исторической и художественной сути. В музыкальной культуре 60-70-х годов XVIII столетия оно открываетновый этап - эпоху русского классицизма.
Имя Березовского называется в числе родоначальниковклассического хорового концерта a cap р ella : его произведения, наряду с творчеством итальянского композитора Галуппи, представляют первый этап в развитии этого жанра.
Вершиной творческих исканий М.С. Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости» . Это общепризнанный шедевр русской музыки XVIII века, стоящий в одном ряду с высочайшими достижениями современного ему европейского искусства. Небольшой по масштабам, концерт воспринимается как произведение эпически монументальное. Его музыка, раскрывающая многообразный духовный мир человека,поражает глубиной эмоций и жизненной достоверностью.
И в тексте, и в музыке концерта отчетливо звучит личная интонация. Это речь от первого лица. Просьба-мольба, взывающая ко Всевышнему (I часть), сменяется картиной преследований человека злобствующими недругами (II часть - «Пожените и имите его»). Затем следует новая тема - молитва надежды («Боже мой, не удалися» - III часть), и наконец, финал, полный протестующего пафоса, направленного против зла и несправедливости («Да постыдятся и исчезнут оклеветающии душу мою»). Уже тот факт, что всем темам концерта свойственны определенные, конкретные эмоциональные черты, говорит о принципиальной новизне стиля, преодолевающего абстрактную нейтральность тематизма партесного пения.
Четыре части произведения связаны не только единым драматургическим замыслом и тональной логикой, но и интонационными нитями: певучая тема, звучащая в первых тактах концерта, становится интонационной основой всех прочих образов. Особенно существенно то, что начальное интонационное зерно трансформируется в динамичную и напористую тему заключительной фуги «Да постыдятся и исчезнут...», которая является вершиной в развитии всего цикла.
Д. С. Бортнянский развил основной тип русского классического хорового концерта, соединив в музыке элементы светского музыкального инструментализма и вокальной церковной музыки. Как правило, его концерты имеют три части, чередующиеся по принципу быстро - медленно - быстро. Нередко первая часть, самая весомая в цикле, содержит признаки сонатности, выраженные в сопоставлении двух контрастных тем, изложенных в тонико-доминантовом соотношении. Возвращение в основную тональность происходит в конце части, но без тематических повторов.
Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора, 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. В. А. Жуковского (1812).
Одно из глубоких и зрелых сочинений мастера - Концерт № 32 , отмеченный П.И. Чайковским как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой... Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим...». В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть - короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни.
Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен.
Впервые делаются нотные записи народных песен, появляются печатные сборники с их обработками: Василия Федоровича Трутовского («Собрание русских простых песен с нотами»), Николая Александровича Львова и Ивана Прача («Собрание народных русских песен с их голосами»).
В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику(«О русском народном пении») Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии.
Песни из этих сборников использовались как любителями музы-ки, так и композиторами, которые заимствовали их для сво-их произведений - опер, инструментальных вариаций, сим-фонических увертюр.
К середине XVIII века относится уникальное собрание русских былин и исторических песен под названием «Сборник Кирши Данилова» . О его составителе нет достоверных сведений. Предполагается, что Кирша Данилов (Кирилл Данилович) был певцом-импровизатором, скоморохом, жившим на горнозаводском Урале. Напевы песен он записал одной строчкой без текста, который помещен отдельно .
С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы . Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, гдерасцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе - основоположники русской оперы В.А. Пашкевич и Е.И. Фомин, мастер инструментальной музыки И.Е. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М.С. Березовский и Д.С. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О.А. Козловский и Ф.М. Дубянский и другие.
Большинство русских композиторов были выходцами из народной среды . Они с детства впитали живое звучание русского фольклора. Естественным и закономерным, поэтому, стало включение народных песен в русскую оперную музыку (оперы В. А. Пашкевича и Е.И. Фомина), в инструментальные сочинения (творчество И.Е. Хандошкина).
По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни - поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось.
Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А. Аблесимова, М. Матинского.
Комическая опера была бытовой по своему содержанию, с незамысловатой, но увлекательной фабулой из повседневной российской жизни. Ее героями были сметливые мужички, крепостные крестьяне, скупые и жадные богатеи, наивные и прекрасные девушки, злые и добрые дворяне.
Драматургия строилась на чередовании разговорных диалогов с музыкальными номерами, основанными на русских народных песнях . Поэты указывали в либретто, на какой «голос» (популярную песню) следовало петь ту или иную арию. Примером может служить самая любимая русская опера XVIII века «Мельник - колдун, обманщик и сват» (1779) А. Аблесимова с музыкой М. Соколовского . Драматург А. О. Аблесимов сразу писал свои тексты в расчете на определенный песенный материал. Вклад М. Соколовского заключался в обработке песен, что вполне мог осуществить и другой музыкант (не случайно авторство музыки долгое время приписывалось Е. Фомину).
Расцвету комической оперы способствовал талант выдающихся русских актеров - Е.С. Яковлевой (в замужестве Сандуновой, на сцене же - Урановой), крепостной актрисы П.И. Ковалевой-Жемчуговой, И.А. Дмитревского.
Выдающуюся роль в развитии русской оперы XVIII века сыгралВасилий Алексеевич Пашкевич (ок. 1742-1797) -один из крупнейших русских композиторов XVIII века. Лучшие из его опер («Несчастье от кареты», «Скупой», «Санкт-петербургский гостиный двор») пользовались большой популярностью, они шли на сценах многих городов России до середины XIX века. Пашкевич был мастером ансамблевого письма, острых и метких комедийных характеристик. Удачно воспроизводя в вокальных партиях речевые интонации, он предвосхитил принципы, характерные впоследствии для творческого метода Даргомыжского и Мусоргского.
Разносторонне одарённым художником проявил себя в оперном творчествеЕвстигний Ипатьевич Фомин (1761-1800). Его опера «Ямщики на подставе» .(1787) выделяется мастерством хоровой обработки народных напевов самых разных жанров. Для каждой песни он нашел свой стиль обработки. В опере звучат протяжные песни «Не у батюшки соловей поет» и «Высоко сокол летает», бойкие плясовые «Во поле береза бушевала», «Молодка, молодка молодая», «Из-под дуба, из-под вяза». Несколько песен, отобранных для «Ямщиков», спустя три года почти без изменений вошли в «Собрание народных русских песен» Н.Л. Львова - И. Прача.
В другом своем сочинении - мелодраме «Орфей» (на текст Я. Княжнина по античному мифу, 1792) - Фомин впервые в русской опере воплотил трагическую тему. Музыка мелодрамы стала одним из вершинных творений русского искусства эпохи Просвещения.
В увертюре, предшествующей мелодраме, во всей полноте раскрылось дарование Фомина-симфониста. В ней композитор с удивительным чувством стиля сумел передать трагический пафос древнего мифа. По сути, Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Так в недрах театра, как это было и в Западной Европе, рождалась будущая русская симфония.
Оперы Фомина были по достоинству оценены лишь в середине XX века. При жизни композитора их сценическая судьба не была счастливой. Опера «Ямщики на подставе», написанная для домашнего театра, осталась неизвестной широкой публике. Постановка комической оперы «Американцы» (на либретто молодого И.А. Крылова) была запрещена (директору императорских театров не понравилось, что в ходе развития сюжета индейцы собираются сжечь двух европейцев).
Огромное реформаторское значение в народном творчестве имело рождение нового пласта фольклора - городской песни .Она возникла на основе народной крестьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту - новойманере исполнения: ее мелодия сопро-вождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо ин-струмента.
В середине XVIII века в России возникает новый вид вокальной музыки - «российская песня» . Так называли произведения для голоса с инструментальным сопровождением, написанные на русские поэтические тексты . Лирические по содержанию, «российские песни» были предшественниками русского романса.
Родоначальником «российской песни» стал видный сановник при дворе Екатерины II , образованный любитель музыки Григорий Николаевич Теплов , автор первого русского печатного песенника «Между делом безделье…» (1759).По стилю и манере изложения песни Теплова представляют собой переходный жанр от канта к романсу с сопровождением. Форма его песен, как правило, куплетная.
Жанр «российской песни» был теснейшим образом связан с фольклорной традицией. Не удивительно, поэтому, что многие авторские песни стали народными («Вот мчится тройка почтовая» Ивана Рупина на сл. Ф. Н. Глинки).
В конце XVIII века выдвигаются талантливые мастера камерного вокального жанра - Федор Дубянский и Осип Козловский . Созданные ими «российские песни», имеющие уже достаточно раз-витую фортепианную партию, более сложную форму,можно считать первыми русскими романсами. В них явно слышны отзвуки городского быта («Стонет сизый голубочек» Дубянского, «Милая вечор сидела», «Прежестокая судьбина» Козловского).
В «российских песнях» широко использовались стихотворения известных поэтов: Сумарокова, Державина, Дмитриева, Нелединского-Мелецкого. Своим образным содержанием они связаны с типичными настроениями искусства сентиментализма . Как правило, это любовная лирика: муки и услады любви, разлука, измены и ревность, «прежестокая страсть».
Большой популярностью пользовались также анонимные «российские песни», изданные Ф. Мейером («Собрание наилучших российских песен», 1781).
В 70-80-е годы XVIII века в России началось формирование профессионального камерного инструментализма. В это время русские музыканты осваивают сложные формы инструментальной музыки, разрабатывают жанры сольной сонаты, вариаций, камерного ансамбля. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования. Музыка городского или усадебного быта в течение долгого времени оставалась той «питательной средой», в которой вызревали ранние ростки национального инструментального стиля.
Первые русские инструментальные ансамбли принадлежат Дмитрию Бортнянскому. Это фортепианный квинтет и «Камерная симфония», фактически представляющая собою септет для фортепиано, арфы, двух скрипок, виолы да гамба, фагота и виолончели.
Особенно любимыми были всевозможные танцевальные пьесы - ме-нуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы - и вариа-ции на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин (1747-1804), представитель санкт-петербургской школы - композитор, выдающийся скрипач-виртуоз, дирижер и педагог.Хандошкин славился искусством импровизации, хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке.
В истории русской музыки имя Хандошкина связано с созданием национальной скрипичной школы. Большую часть его творческого наследия составляют вариации на темы русских народных песен и сонаты для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом.С этими сочинениями русская камерно-инструментальная музыка впервые вышла из тесного круга домашнего музицирования, приобретя виртуозный размах. Важно и то, что в них достигнуто достаточно органичное единство европейского инструментального языка и русского фольклора. Исследователи считают, что мелодии некоторых песен, взятых композитором в качестве тем для вариаций, были впервые записаны им самим.
Вариации на русские темы для фортепиано писали Трутовский (например, на тему народной песни «Во лесочке комарочков много уродилось), Караулов, а также работавшие в России иностранные музыканты.
Роль иностранных музыкантов в развитии русской музыки была двойственной. Справедливые упрёки передовой общественности вызывало слепое преклонение аристократических кругов перед всем иностранным, связанное с недооценкой русского искусства. Вместе с тем деятельность иностранных композиторов, исполнителей и педагогов способствовала общему подъёму музыкальной культуры и воспитанию отечественных кадров музыкантов-профессионалов.
Судьба его творческого наследия драматична: большинство сочиненийкомпозитора, звучавших на протяжении всего XIX столетия, оставалосьврукописях и хранилось в Придворной певческой капелле. В первых десятилетиях XX века весь богатейший архив капеллы с уникальными автографами многих русских композиторов был сожжен.
Успех и признание, покровительство высочайших особ пришли к Березовскому рано. Уже в молодом возрасте прославившись в России, он вскоре стал первым русским композитором, принятым в члены знаменитой Болонской академии. Однако, несмотря на все высокие отличия, вернувшись после 9-летнего пребывания за границей на родину, Максим Березовский не смог добиться сколько-нибудь заметного положения. Его зачисление в Придворную капеллу на скромную должность рядового служащего явно не соответствовало ни полученному зарубежному опыту, ни творческим возможностям. Очевидно, это вызывало у композитора чувство горького разочарования, хотя его хоровые духовные сочинения разучивались всеми любителями церковного пения и высоко оценивались современниками. капелле, ввоенных и крепостных оркестрах, частных театрах, либо получали домашнее образование. В культурной среде XVIII века музыка занимала самое низкое положение, она целиком зависела от меценатства, а сам музыкант в аристократическом обществе занимал положение полуприслуги. Творения русских авторов нередко считались музыкой «второго сорта» по сравнению с произведениями немцев или итальянцев. Ни один отечественный мастер не достиг высокой должности при дворе.
Умный и хитрый мельник Фаддей, притворившись всесильным колдуном, совершенно заморочил голову простодушным своим соседям. Впрочем, все заканчиваетсявеселой свадьбой девушки Анюты и красивого деревенского парня Филимона.
На почтовой станции - подставе -собираются ямщики. Среди них молодой ямщик Тимофей, который удался и лицом, и умом, и сноровкой. С ним молодая красавица-жена Фадеевна, любящая мужа. Но у Тимофея есть завистник и злейший враг - вор и пройдоха Филька Пролаза. Этот Филька мечтает сбыть счастливчика Тимофея в рекруты и завладеть его женой, давно ему приглянувшейся. И быть бы Тимофею солдатом, если бы не проезжий офицер. Он помогает освободить Тимофея как единственного кормильца крестьянской семьи от службы. В солдаты же попадает сам Филька.
Мелодрама - театральная пьеса с музыкой, которая чередуется с декламацией, а иногда исполняется одновременно с произнесением текста.
Великие композиторы, чьи имена широко известны во всем мире, создали огромное количество ценных произведений. Их творения поистине уникальны. Каждому из них присущ индивидуальный и неповторимый стиль.
Ниже представлены зарубежные композиторы разных веков, чьи имена известны на весь мир. Это:
Он создал большое количество оперетт, работал с легкими музыкальными формами танцевального характера, в которых очень преуспел. Благодаря Штраусу вальс стал чрезвычайно популярным танцем в Вене. Кстати, там до сих пор проводятся балы. В наследии композитора - польки, балеты и кадрили.
И Дж. Верди - великие которые создали огромное количество опер, завоевавших искреннюю любовь зрителей.
Немец Рихард Вагнер был виднейшим представителем модернизма в музыке этого столетия. Богато его оперное наследие. «Тангейзер», «Лоэнгрин», «Летучий голландец» и другие оперы до сих пор актуальны, популярны и ставятся на сцене.
Итальянский композитор Джузеппе Верди - весьма величественная фигура. Он придал итальянской опере новое дыхание, при этом он остался верным оперным традициям.
М. И. Глинка, А. П. Бородин, М. П. Мусоргский, П. И. Чайковский - великие композиторы классической музыки 19-го века, которые жили и создавали свои произведения в России.
Произведения Михаила Ивановича Глинки определили общенациональное и мировое значение в истории русской музыки. Его творчество, выросшее на русской народной песенности, глубоко национально. Его по праву считают новатором, родоначальником русской музыкальной классики. Глинка плодотворно работал во всех Его оперы «Иван Сусанин» («Жизнь за царя») и «Руслан и Людмила» открыли путь двум ведущим направлениям. Большое значение в развитии музыкального искусства имели и его симфонические произведения: «Камаринская», «Вальс-фантазия» и многие другие.
Александр Порфирьевич Бородин - великий русский композитор. Его творчество невелико по объему, но значительно по содержанию. Центральное место занимают богатырские исторические образы. У него тесно переплетаются глубокий лиризм с эпической широтой. В опере «Князь Игорь» объединены черты народно-музыкальной драмы и эпической оперы. Его первая и вторая симфонии знаменуют собой новое направление в русском симфонизме - героико-эпическое. В области камерно-вокальной лирики он стал настоящим новатором. Его романсы: «Море», «Для берегов отчизны дальней», «Песнь темного леса» и многие другие. Бородин оказал значительное влияние на своих последователей.
Модест Петрович Мусоргский - еще один великий русский композитор 19-го века. Входил в Балакиревский кружок, который назывался «Могучая кучка». Он плодотворно работал в разнообразных жанрах. Прекрасны его оперы: «Хованщина», «Борис Годунов», «Сорочинская ярмарка». В его произведениях проявились черты творческой индивидуальности. Ему принадлежит ряд романсов: «Калистрат», «Семинарист», «Колыбельная Еремушке», «Сиротка», «Светик Савишна». В них запечатлены неповторимые национальные характеры.
Петр Ильич Чайковский - композитор, дирижер, педагог.
В его творчестве были ведущими оперный и симфонический жанры. Содержание его музыки универсально. Его оперы «Пиковая дама», «Евгений Онегин» - шедевры русской классической музыки. Симфония также занимает главное место в его творчестве. Его произведения стали известны на весь мир еще при жизни.
А. Берг, А. Веберн, А. Шенберг - это великие композиторы, которые жили и создавали свои произведения на протяжении 20-го века.
Альбан Берг стал всемирно известен благодаря своей удивительной опере «Воццек», которая произвела сильнейшее впечатление на слушателей. Он писал ее в течение нескольких лет. Ее премьера состоялась 14 декабря 1925 года. В настоящий момент «Воццек» - это классический пример оперы 20-го века.
Антон Веберн - австрийский композитор, один из ярчайших представителей новой венской школы. В своих произведениях он использовал серийную и додекафонную технику. Ему присущи сжатость и лаконизм мысли, концентрация музыкально-выразительных средств. Его творчество оказало сильнейшее воздействие на Стравинского, Булеза, Губайдулину и многих других русских и зарубежных композиторов.
Арнольд Шенберг - яркий представитель такого музыкального стиля, как экспрессионизм. Автор серийной и додекафонной техники. Его сочинения: Второй струнный квартет (фа-диез минор), "Драма с музыкой для хора и оркестра", опера «Моисей и Аарон» и многие другие.
Это великие композиторы 20-го века, которые известны во всем мире.
Джордж Гершвин - американский композитор, пианист. Стал чрезвычайно популярен благодаря своей масштабной работе «Порги и Бесс». Это «фольклорная» опера. Она поставлена по роману Дюбоса Хейворда. Не менее известны его инструментальные произведения: «Рапсодия в стиле блюз для фортепиано с оркестром», «Американец в Париже», «Вторая рапсодия» и многие другие.
Оливье Мессиан - французский композитор, органист, педагог, музыкальный теоретик. В своих замечательных теоретических трудах он изложил новые и достаточно сложные принципы музыкальной композиции. В его произведениях нашли отражение теологические идеи. Его очень увлекали голоса птиц. Поэтому он создал «Каталог птиц» для фортепиано.
Чарльз Айвз - американский композитор. На его творчество оказала влияние народная музыка. Поэтому его стиль чрезвычайно уникальный. Он создал пять симфоний, пять скрипичных сонат, две фортепианные сонаты, кантату «Небесная страна» и многие другие произведения.
С. С. Прокофьев, И. Ф. Стравинский, Д. Д. Шостакович - великие композиторы 20-го века.
Сергей Сергеевич Прокофьев - композитор, дирижер, пианист.
Его музыка разнообразна по содержанию. В ней содержится лирика и эпос, юмор и драма, психологизм и характеристичность. Оперное и балетное творчество заложило новые принципы и приемы музыкальной драматургии. Его оперы - «Игрок», «Любовь к трем апельсинам», «Война и мир». Работал Прокофьев в жанре киномузыки. Широко известна его кантата «Александр Невский», создаваемая в содружестве с режиссером С. Эйзенштейном.
Игорь Федорович Стравинский - композитор-эмигрант, дирижер.
Его творчество делится на русский и зарубежный периоды. Его ярчайшие балеты: «Петрушка», «Весна священная», «Жар-птица». Большой вклад Стравинский внес и в симфонический жанр.
Дмитрий Дмитриевич Шостакович - композитор, педагог, пианист. Его творчество многопланово по жанрам и образному содержанию. Особо его значение как композитора-симфониста. В его пятнадцати симфониях отражен сложный мир человеческих чувств с переживаниями, борьбой, трагическими конфликтами. Его опера «Катерина Измайлова» - прекрасное сочинение данного жанра.
Музыка великих композиторов написана в разных жанрах, содержит многоплановые сюжеты, постоянно обновляемые техники, соответствующие той или иной эпохе. Некоторые композиторы достигли высот в немногих жанрах, другие же успешно охватили практически все области. Из всей плеяды великих композиторов сложно выделить лучших. Все они внесли значительный вклад в историю мировой музыкальной культуры.
