Однако история оперы в нашей стране как музыкально-драматического жанра, пришедшего с Запада, началась задолго до постановки «Жизни за царя» («Иван Сусанин») М. И. Глинки - первой русской классической оперы, премьера которой состоялась 27 ноября 1836 года.
Если постараться, зачатки русской оперы можно отыскать в глубокой древности, так как музыкально-драматический элемент присущ народным русским обрядам, таким как свадебные обряды, хороводы, а также церковным действам средневековой Руси, которые можно считать предпосылками для появления русской оперы. С ещё большим основанием можно видеть зарождение русской оперы в народно-духовных действах 16-17 веков, в школьных драмах Киевской и Московской академий на библейские сюжеты. Все эти музыкально-исторические элементы найдут своё отражение в работах будущих русских оперных композиторов.
17 октября 1672 состоялось первое представление «Эсфири» («Артаксерксово действо») Иоганна Готфрида Грегори, длившееся десять часов, до самого утра. К участию в действии была привлечена музыка - оркестр из немцев и дворовых людей, игравших «на органах, виолах и других инструментах», возможно, в пьесе участвовали и хоры из «государевых певчих дьяков». Царь был очарован, все участники спектакля были обласканы, щедро вознаграждены и даже допущены к целованию царской руки - «были у великого государя у руки», некоторые получили чины и жалования, сам Грегори получил сорок соболей на сто рублей (мера меховой казны).
Следующие пьесы Грегори разыгрывались уже в Москве в кремлёвских палатах, зрителями были приближённые царя: бояре, окольничие, дворяне, дьяки; для царицы и царевен были специальные места, огороженные частой решёткой, чтобы они не были видны публике. Спектакли начинались в 10 часов вечера и длились до утра. Если в «Артаксерксовом действе» участие музыки носило, скорее, случайный характер, то в 1673 на сцене появилась пьеса вполне аналогичная опере. Вероятнее всего, это была переделка либретто оперы Ринуччини «Эвридика», которая была одной из самых первых опер и широко разошлась по Европе в многочисленных обработках.
Иоганн Грегори в 1673 году даже основал театральную школу, в которой 26 мещанских детей учились «комедийному делу». Однако в 1675 году Грегори заболел и поехал в немецкие земли на лечение, но вскоре умер в городе Мерзербурге, где и был похоронен, а театральная школа закрылась. После смерти царя Алексея Михайловича в 1676 году новый царь Фёдор Алексеевич не проявил заинтересованности в театре, главный покровитель Артамон Матвеев был отправлен в ссылку в Пустозёрск, театры разукомплектовали. Зрелища прекратились, но осталась мысль, что это позволительно, раз сам государь потешался этим.
Прожив большую часть жизни в России, Грегори отстал от современных театральных тенденций и поставленные им комедии были устаревшими, тем не менее, начало драматическому и оперному искусству в России было положено. Следующее обращение к театру и его возрождение произошли спустя двадцать пять лет, во времена Петра I.
С тех пор миновало четыре столетия, но опера до сих считается одним из самых популярных музыкальных жанров. Понимание оперной музыки доступно каждому, этому помогают слова и сценические действия, а музыка усиливает впечатления от драмы, выражая с присущей ей лаконичностью то, что иногда трудно передать словами.
В настоящее время интерес у российской публики вызывают оперы С. М. Слонимского, Р. К. Щедрина, Л. А. Десятникова, В. А. Кобекина, А. В. Чайковского - их, хотя и сложно, но можно посмотреть, приобретя билеты в Большой театр. Самым известным и популярным театром нашей страны, конечно же, является Большой театр - один из основных символов нашего государства и его культуры. Раз побывав в Большом, вы сможете в полном мере ощутить союз музыки и драмы.
Поклонников классических музыкальных произведений безусловно интересует вопрос о том, какие самые известные оперы мира существуют на сегодняшний день. Среди огромного количества шедевров, созданных композиторами на протяжении нескольких столетий, сложно выделить наиболее популярные. Однако из всех можно выявить бесспорных лидеров, которые и попали в ниже представленную десятку. Эти оперы переведены на несколько языков и регулярно ставятся на сценах лучших театров мира.
«Норма» (Винченцо Беллини) открывает список самых популярных опер в мире. Она представляет собой лирическую трагедию в двух актах, которая была снята по произведению А. Суме «Норма, или Детоубийство». Впервые опера была представлена в Милане и практически сразу снискала себе широкую известность среди любителей оперных произведений. Заглавная партия считается одной из самых сложных в репертуаре сопрано. «Норма» была написана композитором в 31 году 19 столетия, и до сих пор пользуется мировой популярностью.
«Евгений Онегин» (П. И. Чайковский) - известнейшая опера русского композитора с мировым именем. Произведение создавалось по одноименному роману Александра Сергеевича Пушкина и положена на либретто Константина Шиловского. Опера была представлена широкой публике в московском Малом театре. Чайковский перед написанием своего шедевра долгое время пребывал в поиске оперного сюжета, который представлял бы собой сильную драму. Сюжет по стечению случайных обстоятельств был навеян композитору певицей Лавровской.
«Свадьба Фигаро» (В. А. Моцарт) - популярная опера австрийского композитора-виртуоза, получившая мировую славу. Написана по одноименной пьесе Бомарше. Написание музыкального произведения Моцарт начал в 86-м году 18 столетия. Создание партитуры длилось на протяжении пяти месяцев. После первого представления ее публике, она не снискала большой популярности. Слава и лавры пришли после того, как опера была постановлена в Праге. На русский язык опера была впервые переведена Петром Ильичом Чуковским. Всего опера включает в себя четыре акта. Сюжет произведения связан со подготовкой к свадьбе служанки Сюзанны и камердинера Фигаро.
«Волшебная флейта» (В. А. Моцарт) - одна из лучших опер мира, написанная композитором в двух действиях. Впервые была представлена публике в 1791 году в Вене. В центре сюжета принц Тамино, которому предстоит пройти через многие трудности и испытания, чтобы быть достойным находиться рядом со своей возлюбленной - дочери царицы ночи. Гете был настолько в восторге от этого произведения, что делал попытки написать продолжение этого либретто.
«Севильский цирюльник» (Джоаккино Россини) является одной из самых лучших опер, которая снискала себе мировую популярность. Она включает в себя два акта, которые были созданы по мотивам одноименной комедии Пьера Борамше. Вначале либретто носило такое название, как «Альмавива, или Тщетная предосторожность». Действие музыкального произведения разворачивается в Севилье в 18 столетии. Начинается опера с появления графа Альмавива, который находится под окнами своей возлюбленной. Для нее он исполняет небольшую оперную арию «Скоро восток золотою ярко заблещет зарею». Опекун возлюбленной не дает ей выйти на балкон, поэтому попытки Альвамивы тщетны.
«Богема» (Джакомо Пуччини) - один из мировых музыкальных шедевров, представленный публике в далеком 1896 году. Опера включает в себя четыре акта. Она была снята по мотивам произведения Анри Мюрже «Сцены из жизни Богемы». Действия в либретто происходят в Париже в 30-х годах 19 века. Первый акт начинается с того, что бедный поэт Рудольф и его приятель художник Марсель проводят вечер у остывшего камина, который нечем растопить. Художник хочет сжечь последний стул, но Рудольф его останавливает, жертвуя одной из своих рукописей. Действие заканчивается тем, что поэт встречает свою любовь.
«Лючия ди Ламмермур» (Г. Доницетти) входит в список самых популярных опер мира. Трагическое музыкальное произведение итальянского композитора исполняется в трех актах. Либретто написано по мотивам романа В. Скотта «Ламмермурская невеста». Чуть позже композитором была еще написана и французская версия оперы. Она прогремела на весь мир, став одной из самых лучших. Сюжет романа был использован до Доницетти несколькими композиторами, но его творение напрочь вытеснило все предыдущие. Действия либретто разворачиваются в Шотландии в 18 столетии. Всего произведение включает в себя две части: «Отъезд» и «Брачный контракт».
«Кармен» (Жорж Бизе) открывает тройку лучших опер мира, которая была написана композитором по одноименной новелле Проспера Мериме. Пеовые наброски партитуры появились в 74-году 19 века. Премьера состоялась впервые во Франции, где потерпела полное фиаско. Непризнанная французской публикой и критиками опера надолго ушла со сцен и лишь 83-м вновь вернулась на сцену, сыскав себе мировую славу. Сам Чайковский говорил, что это поистине шедевральное произведение, которое спустя некоторое время возымеет масштабную славу.
«Война и мир» (С. Прокофьев) - одна из самых знаменитых опер, прогремевших на весь мир. Написана по одноименному роману выдающегося писателя 19 столетия Льва Николаевича Толстого. Всего произведение включает в себя тринадцать картин. Опера начинается с появления на сцене Болконского, который находится в гостях в поместье графа Ростова. До него доносится голос дочери Графа Наташи, которая поражает его своим прекрасным пением. Тринадцатая завершающая картина повествует об остатках отступающей армии Бонапарта. Задумки написать оперу по знаменитому роману композитор вынашивал долгое время. Первые наброски появились в 1941 году, а на сцене большого театра она прогремела в 59-м, став одной из лучших мировых опер.
«Травиата» (Джузеппе Верди) завершает список лучших опер мира. В переводе на русский слово травиата означает, как «заблудшая» или «падшая». На ее написание композитора вдохновил роман Александра Дюма «Дама с камелиями». Впервые представленная публике «Травиата» потерпела полнейшее фиаско, однако после радикальной переработки, сыскала себе мировую популярность. Особенностью этой оперы является необычной выбор героини для того времени - падшей женщины, находящейся на смертном ложе. Действия «Травиаты» разворачиваются в Париже в середине 19 века. В центре внимания куртизанка, отвергнутая обществом и не кому ненужная. В оригинальной партитуре включено три акта.
Мировая классическая музыка немыслима без работ русских композиторов. Россия, великая страна с талантливым народом и своим культурным наследием, всегда была в числе ведущих локомотивов мирового прогресса и искусства, в том числе музыки. Русская композиторская школа, продолжателем традиций которой стала советская и сегодняшняя российская школы, начиналась в 19 веке с композиторов, объединивших европейское музыкальное искусство с русскими народными мелодиями, связав воедино европейскую форму и русский дух.
О каждом из этих знаменитых людей можно рассказывать много, у всех не простые, а порой и трагические судьбы, но в данном обзоре мы постарались дать только краткую характеристику жизни и творчества композиторов.
Михаил Иванович Глинка является основоположником русской классической музыки и первым отечественным композитором-классиком, достигшим мировой славы. Его работы, опиравшиеся на многовековые традиции русской народной музыки, были новым словом в музыкальном искусстве нашей страны.
Родился в Смоленской губернии, образование получил в Санкт-Петербурге. Формированию мировозрения и основной идеи творчества Михаила Глинки способствовало непосредственное общение с такими личностями, как А.С.Пушкин, В.А.Жуковский, А.С.Грибоедов, А.А.Дельвиг. Творческий импульс его работам добавила многолетняя поездка по Европе в начале 1830-х и встречи с ведущими композиторами времени - В.Беллини, Г.Доницетти, Ф.Мендельсоном и позже с Г.Берлиозом, Дж.Мейербером. Успех пришел к М.И.Глинке после постановки оперы "Иван Сусанин" ("Жизнь за царя") (1836), которая была восторженно встречена всеми, впервые в мировой музыке органично соединились русское хоровое искусство и европейская симфоническая и оперная практика, а также появился герой, подобный Сусанину, образ которого обобщает лучшие черты национального характера. В.Ф.Одоевский охарактиризовал оперу "новая стихия в Искусстве, и начинается в его истории новый период - период Русской музыки".
Вторая опера - эпическая "Руслан и Людмила" (1842), работа над которой велась на фоне смерти Пушкина и в тяжелых жизненных условиях композитора, в силу глубоко новаторской сущности произведения, была неоднозначно встречена зрителями и властями и принесла М.И.Глинке тяжелые переживания. После этого он много путешествовал, попеременно живя в России и за рубежом, не прекращая сочинять. В его наследии остались романсы, симфонические и камерные работы. В 1990-х годах "Патриотическая песня" Михаила Глинки была официальным гимном Российской Федерации.
Цитата М.И.Глинки: "Чтобы красоту создать, надо самому быть чистым душой."
Цитата о М.И.Глинке: "Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в жёлуде, заключена в симфонической фантазии "Камаринская". П.И.Чайковский
Интересный факт: Михаил Иванович Глинка не отличался крепким здоровьем, несмотря на это был очень лёгок на подъем и прекрасно знал географию, возможно, если бы он не стал композитором, то стал путешественником. Он знал шесть иностранных языков, в том числе персидский.
Александр Порьфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины 19-го века, кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачём, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием.
Родился в Санкт-Петербурге, с детства все окружающие отмечали его необычную активность, увлекаемость и способности в различных направлениях, в первую очередь в музыке и химии. А.П.Бородин является русским композитором-самородком, у него не было профессиональных учителей-музыкантов, все его достижения в музыке благодаря самостоятельной работе над овладением техникой композирования. На формирование А.П.Бородина влияние оказало творчество М.И. Глинки (как впрочем на всех русских композиторов 19-го века), а импульсом к плотному занятию композицией в начале 1860-х дали два события - во-первых, знакомство и женитьба с талантливой пианисткой Е.С.Протопоповой, во-вторых, встреча с М.А.Балакиревым и вступление в творческое содружество русских композиторов, известного как "Могучая кучка". В конце 1870-х и в 1880-х А.П.Бородин много путешествует и гастролирует в Европе и Америке, встречается с передовыми композиторами своего времени, его известность растет, он стал одним из самых известных и популярных русских композиторов в Европе конца 19-го века.
Центральное место в творчестве А.П.Бородина занимает опера "Князь Игорь" (1869-1890), являющаяся образцом национального героического эпоса в музыке и которую он сам не успел закончить (её завершили его друзья А.А.Глазунов и Н.А. Римский-Корсаков). В "Князе Игоре", на фоне величественных картин исторических событий, нашла отражение главная мысль всего творчества композитора - мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила всего русского народа, проявляющаяся при защите родины. Несмотря на то, что А.П.Бородин оставил относительно небольшое количество произведений, его творчество очень разноплановое и он считается одним из отцов русской симфонической музыки, оказавшим влияние на многие поколения русских и зарубежных композиторов.
Цитата о А.П.Бородине: "Талант Бородина равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и в романсе. Главные качества его - великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой". В.В.Стасов
Интересный факт: именем Бородина названа химическая реакция серебряных солей карбоновых кислот с галогенами, дающая в результате галогенозамещенные углеводороды, которую он первым исследовал в 1861 году.
Модест Петрович Мусоргский - один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член "Могучей кучки". Новаторское творчество Мусоргского далеко опередило своё время.
Родился в Псковской губернии. Как многие талантливые люди, с детства показал способности в музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным. Решающим событием, определившим, что Мусоргский рожден не для военной службы, а для музыки, стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в "Могучую кучку". Мусоргский велик тем, что в своих грандиозных произведениях - операх "Борис Годунов" и "Хованщина" запечатлел в музыке драматические вехи российской истории с радикальной новизной, которую не знала до него русская музыка, показав в них сочетание массовых народных сцен и разнообразное богатство типов, неповторимый характер русских людей. Эти оперы, в многочисленных редакциях, как автора, так и других композиторов, являются одними из самых популярных русских опер в мире. Еще одним выдающимся произведением Мусоргского является цикл фортепианных пьес "Картинки с выставки", колоритные и изобретательные миниатюры пронизаны русской темой-рефреном и православной верой.
В жизни Мусоргского было все - и величие, и трагедия, но он всегда отличался подлинной духовной чистотой и бескорыстием. Последние его годы были тяжелыми - жизненная неустроенность, непризнание творчества, одиночество, пристрастие к алкоголю, всё это определило его раннюю смерть в 42 года, он оставил сравнительно немного сочинений, некоторые из которых были завершены другими композиторами. Специфическая мелодика и новаторская гармония Мусоргского предвосхитили некоторые черты музыкального развития 20 века и сыграли важную роль в становлении стилей многих мировых композиторов.
Цитата М.П.Мусоргского: "Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной."
Цитата о М.П.Мусоргском: "Исконно русское звучит во всем, что творил Мусоргский" Н.К.Рерих
Интересный факт: в конце жизни Мусоргский, под давлением "друзей" Стасова и Римского-Корсакова, отказался от авторских прав на свои произведения и подарил их Тертию Филиппову
Пётр Ильич Чайковский, пожалуй самый великий русский композитор 19 века, поднял на небывалую высоту русское музыкальное искусство. Он является одним из самых важных композиторов мировой классической музыки.
Уроженец Вятской губернии, хотя корни по отцовской линии на Украине, Чайковский с детства показал музыкальные способности, однако первое образование и работа была в области правоведения. Чайковский - один из первых русских композиторов-"профессионалов" - теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории. Чайковского считали "западным" композитором, в противопоставлении народным деятелям "Могучей кучки", с которыми у него были хорошие творческие и дружеские отношения, однако его творчество не менее пронизано русским духом, ему удалось уникально соединить западное симфоническое наследие Моцарта,Бетховена и Шумана с русскими традициями, унаследованными от Михаила Глинки.
Композитор вёл активную жизни - был педагогом, дирижёром, критиком, общественным деятелем, работал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке. Чайковский был человеком достаточно эмоционально неустойчивым, восторженность, уныние, апатия, вспыльчивость, буйный гнев - все эти настроения менялись в нём достаточно часто, будучи очень общительным человеком, он всегда стремился к одиночеству.
Выделить что-то лучшее из творчества Чайковского - сложная задача, у него несколько равновеликих произведений почти во всех музыкальных жанрах - опера, балет, симфония, камерная музыка. Содержание музыки Чайковского универсально: с неподражаемым мелодизмом она охватывает образы жизни и смерти, любви, природы, детства, в ней по-новому раскрываются произведения русской и мировой литературы, отражаются глубокие процессы духовной жизни.
Цитата композитора:
"Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать."
"Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом - из разнообразия в единстве."
"Большой талант требует большого трудолюбия."
Цитата о композиторе: "Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, - до такой степени я уважаю его" А.П.Чехов
Интересный факт: Кембриджский университет заочно и без защиты диссертации удостоил Чайковского звания доктора музыки, так же Парижская академии Изящных искусств избрала его членом-корреспондентом.
Николай Андреевич Римский-Корсаков - талантливый русский композитор, одна из важнейших фигур в создании бесценного отечественного музыкального достояния. Его своеобразный мир и поклонение вечной всеобъемлющей красоте мироздания, восхищения чудом бытия, единства с природой не имеют аналогов в истории музыки.
Родился в Новгородской губернии, по семейной традиции стал морским офицером, на военном корабле обошёл много стран Европы и двух Америк. Музыкальное образование получил сначала от матери, затем беря частные уроки у пианиста Ф. Канилле. И опять благодаря М.А.Балакиреву, организатору "Могучей кучки", который ввёл Римского-Корсакова в музыкальное сообщество и повлиял на его творчество, мир не потерял талантливого композитора.
Центральное место в наследии Римского-Корсакова составляют оперы - 15 работ, демонстрирующих разнообразие жанровых, стилистических, драматургических, композиционных решений композитора, тем не менее имеющих особенный почерк - при всём богатстве оркестровой составляющей главными являются мелодичные вокальные линии. Два основных направления отличают творчество композитора: первое - русская история, второе - мир сказки и эпоса, за что он получил прозвище "сказочник".
Кроме непосредственной самостоятельной творческой деятельности Н.А.Римский-Корсаков известен как публицист, составитель сборников народных песен, к которым он проявлял большой интерес, а также как завершитель работ своих друзей - Даргомыжского, Мусоргского и Бородина. Римский-Корсаков был создателем композиторской школы, как педагог и руководитель Санкт-Петербургской консерватории он выпустил около двухсот композиторов, дирижёров, музыковедов, среди них Прокофьев и Стравинский.
Цитата о композиторе: "Римский-Корсаков был очень русским человеком и очень русским композитором. Я считаю, что эта его исконно русская суть, его глубинная фольклорно-русская основа сегодня должна быть особенно ценима". Мстислав Ростропович
Творчество русских композиторов конца 19-го - первой половины 20-го века является целостным продолжением традиций русской школы. Вместе с этим именилась концепция подхода к "национальной" принадлежности той или иной музыки, непосредственного цитирования народных мелодий уже практически нет, но осталась интонационная русская основа, русская душа.
Александр Николаевич Скрябин - русский композитор и пианист, одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры. Самобытное и глубоко поэтичное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве, связанных с изменениями в общественной жизни на рубеже 20-го века.
Родился в Москве, мать умерла рано, отец не мог уделять внимание сыну, так как служил послом в Персии. Скрябин воспитывался тетей и дедом, с детства проявил музыкальные способности. В начале учился в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов. После окончания консерватории Скрябин полностью посвятил себя музыке - как концертирующий пианист-композитр гастролировал в Европе и России, проводя большую часть времени за границей.
Пиком композиторского творчества Скрябина стали 1903-1908 годы, когда вышли Третья симфония ("Божественная поэма"), симфоническая "Поэма экстаза", "Трагическая" и "Сатаническая" фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и другие произведения. "Поэма экстаза", состоящая из нескольких тем-образов, сконцентрировала творческие идеи Срябина и является ярким его шедевром. В ней гармонично соединились любовь композитора к мощи большого оркестра и лирическое, воздушное звучание сольных инструментов. Воплощенная в "Поэме экстаза" колоссальная жизненная энергия, огненная страстность, волевая мощь производит неотразимое впечатление на слушателя и до сегодняшнего дня сохраняет силу своего воздействия.
Ещё одним шедевром Скрябина является "Прометей" ("Поэма огня"), в которой автор полностью обновил свой гармонический язык, отступив от традиционной тональной системы, а также впервые в истории это произведение должна была сопровождать цветомузыка, но премьера, по техническим причинам, прошла без световых эфектов.
Последняя незаконченая "Мистерия" была замыслом Скрябина, мечтателя, романтика, философа, обратиться ко всему человечеству и вдохновить его на создание нового фантастического миропорядка, соединение Вселенского Духа с Материей.
Цитата А.Н.Скрябина: "Иду сказать им (людям) - чтобы они... ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать... Иду сказать им, что горевать - не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его."
Цитата о А.Н.Скрябине: "Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим". Г. В. Плеханов
Сергей Васильевич Рахманинов - крупнейший мировой композитор начала 20-го века, талантливый пианист и дирижер. Творческий образ Рахманинова-композитора часто определяют эпитетом "самый русский композитор", подчеркивая в этой краткой формулировке его заслуги в объединении музыкальных традиций Московской и Петербургской композиторских школ и в создании собственного уникального стиля, особняком выделяющегося в мировой музыкальной культуре.
Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Быстро стал известен как дирижёр и пианист, сочинял музыку. Провальная премьера новаторской Первой симфонии (1897) в Петербурге вызвала творческий композиторский кризис, из которого Рахманинов вышел в начале 1900-х со сформировавшимся стилем, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм, - и всё это насыщено сложной символикой. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение - поэма "Колокола" для хора, солистов и оркестра.
В 1917 году Рахманинов с семьёй был вынужден покинуть нашу страну и осесть в США. Почти десять лет после отъезда ничего не сочинял, но много гастролировал в Америке и Европе и был признан одним из величайших пианистов эпохи и крупнейшим дирижером. За всей бурной деятельностью, Рахманинов оставался ранимым и неуверенным человеком, стремящимся к уединению и даже одиночеству, избегающим назойливого внимания публики. Искренне любил и тосковал по родине, думая не совершил ли он ошибку, покинув её. Он постоянно интересовался всеми событиями происходящими в России, читал книги, газеты и журналы, помогал материально. Его последнии сочинения - Симфония № 3 (1937) и "Симфонические танцы" (1940) стали итогом творческого пути, вобрав в себя все лучшее его уникального стиля и скорбное чувство невосполнимой утраты и тоски по родине.
Цитата С.В.Рахманинова:
"Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире."
"Самое высокое качество всякого искусства - это его искренность."
"Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия - это музыка, главная основа всей музыки... Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, - главная жизненная цель композитора.... По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран."
Цитата о С.В.Рахманинове:
"Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото - в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека." И.Гофман
"Музыка Рахманинова - это Океан. Его волны - музыкальные - начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают... что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание." А.Кончаловский
Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.
Игорь Фёдорович Стравинский - один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма. Стравинский стал "зеркалом" музыкальной эпохи, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинирует жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.
Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова, это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным - серия трёх балетов: "Жар-птица" (1910), "Петрушка" (1911) и "Весна священная" (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины.
В 1914 покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были гастроли в СССР). Стравинский - космополит, вынуждено сменив несколько стран - Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США. Его творчество разделяют на три периода - "русский", "неоклассический", американский "серийного производства", периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому "почерку".
Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.
Последнее высшее достижение Стравинского - "Реквием" (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера.
В творчестве Ставинского выделяется одна уникальная черта - "неповторяемость", недаром его называли "композитором тысячи одного стиля", постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета - каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.
Цитата И.Ф.Стравинского: "Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе"
Цитата о И.Ф.Стравинском: "Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного... " Д.Шостакович
Интересный факт (байка):
Однажды в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию.
- Вы не родственник композитора? - спросил он у шофера.
- Разве есть композитор с такой фамилией? - удивился шофер. - Впервые слышу. Впрочем, Стравинский - фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой - моя фамилия Россини...
Сергей Сергеевич Прокофьев - один из крупнейших русских композиторов 20-го века, пианист, дирижер.
Родился в Донецкой области, с детства приобщился к музыке. Прокофьева можно считать одним из немногих (если не единственным) русских музыкальных "вундеркиндов", с 5 лет занимался композированием, в 9 лет написал две оперы (конечно, эти произведения ещё незрелые, но показывают стремление к созиданию), в 13 лет сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию, среди его учителей был Н.А.Римский-Корсаков. Начало профессиональной карьеры вызвало бурю критики и непонимание его индивидуального принципиально антиромантического и крайне модернистского стиля, парадокс в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна классическим принципам и впоследствии стала сдерживающей силой модернистского всеотрицающего скептицизма. С самого начала карьеры Прокофьев много выступал и гастролировал. В 1918 году он выехал в международное турне, в том числе приезжал в СССР, окончательно вернулся на родину в 1936 году.
Страна изменилась и "свободное" творчество Прокофьева вынуждено уступило реалиям новых требований. Талант Прокофьева расцвел с новой силой - он пишет оперы, балеты, музыку к кинофильмам - острая, волевая, предельно точная музыка с новыми образами и идеями, заложила фундамент советской классической музыки и оперы. В 1948 году произошли почти одновременно три трагических события: по подозрению в шпионаже была арестована и сослана в лагеря его первая жена-испанка; вышло Постановление Полибюро ЦК ВКП(б) в котором Прокофьев, Шостакович и другие подверглись нападкам и обвинениям в "формализме" и вреде их музыки; произошло резкое ухудшение здоровья композитора, он удалился на дачу и практически не покидал её, но продолжал сочинять.
Одними из ярких произведений советского периода стали оперы "Война и мир", "Повесть о настоящем человеке"; балеты "Ромео и Джульетта", "Золушка", ставшие новым эталоном мировой балетной музыки; оратория "На страже мира"; музыка к фильмам "Александр Невский" и "Иван Грозный"; симфонии № 5,6,7; фортепианные работы.
Творчество Прокофьева поражает многогранностью и широтой тематики, самобытность его музыкального мышления, свежесть и своеобразие составили целую эпоху в мировой музыкальной культуре 20 века и оказали мощное воздействие на многих советских и зарубежных композиторов.
Цитата С.С.Прокофьева:
"Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…"
"Я - проявление жизни, которая дает мне силы сопротивляться всему недуховному"
Цитата о С.С.Прокофьеве: "... все грани его музыки прекрасны. Но есть здесь одна совершенно необычная вещь. У нас у всех, видимо, бывают какие-то неудачи, сомнения, просто плохое настроение. И вот в такие минуты, даже если я не играю и не слушаю Прокофьева, а просто думаю о нем, я получаю невероятный заряд энергии, испытываю огромное желание жить, действовать» Е.Кисин
Интересный факт: Прокофьев очень любил шахматы, и обогатил игру своими идеями и достижениями, среди которых изобретённые им "девятерные" шахматы - доска 24х24 поля с расставленными на ней девятью комплектами фигур.
Дмитрий Дмитриевич Шостакович - один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире, его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения - это истинные выражения внутренней человеческой драмы и летописи тяжёлых событий 20-го века, где глубоко личное переплетается с трагедией человека и человечества, c судьбой родной страны.
Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом - так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром. Уже в начале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и встал в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.
До определённого периода, а именно до постановки оперы "Леди Макбет Мценского уезда", Шостакович творил как свободный художник - "авангардист", экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях навязывания государством направлений в искусстве. В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.
Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах именно симфонии (15 работ) занимают центральное место, самыми драматически насышенными являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки. Совсем другой Шостакович открывается в камерной музыке.
Несмотря на то, что сам Шостакович был "домашним" композитором и практически не выезжал за рубеж, его гуманистическая по сути и истинно художественная по форме музыка быстро и широко распространялась в мире, исполнялась лучшими дирижерами. Величина таланта Шостаковича столь необъятна, что полное постижение этого уникального явления мирового искусства ещё впереди.
Цитата Д.Д.Шостаковича: "Настоящая музыка способна выражать только гуманные чувства, только передовые гуманные идеи."
Русская опера -- ценнейший вклад в сокровищницу мирового музыкального театра. Зародившись в эпоху классического расцвета итальянской, французской и немецкой оперы, русская опера в XIX в. не только догнала другие национальные оперные школы, но и опередила их. Многосторонний характер развития русского оперного театра в XIX в. способствовал обогащению мирового реалистического искусства. Произведения русских композиторов открыли новую область оперного творчества, внесли в него новое содержание, новые принципы построения музыкальной драматургии, приблизив оперное искусство к другим видам музыкального творчества, прежде всего к симфонии.
Рис.11
История русской классической оперы неразрывно связана с развитием общественной жизни России, с развитием передовой русской мысли. Этими связями опера отличалась уже в XVIII в., возникнув как национальное явление в 70-е гг., эпоху развития русского просветительства. Формирование русской оперной школы шло под влиянием просветительских идей, выражавшихся в стремлении правдиво изобразить народную жизнь. Неясова, И.Ю. Русская историческая опера XIX века. С.85.
Таким образом, русская опера с первых своих шагов складывается как искусство демократическое. Сюжеты первых русских опер нередко выдвигали антикрепостнические идеи, характерные и для русского драматического театра и русской литературы в конце XVIII в. Однако эти тенденции тогда еще не сложились в цельную систему, они выражались эмпирически в сценах из жизни крестьян, в показе притеснения их помещиками, в сатирическом изображении дворянства. Таковы сюжеты первых русских опер: «Несчастье от кареты» В. А. Пашкевича, «Ямщики на подставе» Е. И. Фомина. В опере «Мельник -- колдун, обманщик и сват» с текстом А. О. Аблесимова и музыкой М. М. Соколовского (во второй редакции -- Е. И. Фомина) высказана идея благородства труда землепашца и высмеяно дворянское чванство. В опере М. А. Матинского -- В. А. Пашкевича "Санктпетербургский гостиный двор» в сатирическом виде выведены ростовщик и чиновник-взяточник.
Первые русские оперы представляли собой пьесы с музыкальными эпизодами по ходу действия. Разговорные сцены имели в них очень важное значение. Музыка первых опер была тесно связана с русской народной песней: композиторы широко пользовались мелодиями бытовавших народных песен, обрабатывали их, делая основой оперы. В «Мельнике», например, все характеристики действующих лиц даны при помощи народных песен различного характера. В опере «Санктпетербургский гостиный двор» с большой точностью воспроизведен народный свадебный обряд. В «Ямщиках на подставе» Фомин создал первый образец народно-хоровой оперы, заложив тем самым одну из типичных Традиций позднейшей русской оперы.
Русская опера развивалась в борьбе за свое национальное своеобразие. Политика царского двора и верхушки дворянского общества, покровительствовавших иностранным труппам, была направлена против демократизма русского искусства. Деятелям русской оперы приходилось учиться оперному мастерству па образцах западноевропейской оперы и одновременно отстаивать независимость своего национального направления. Эта борьба на долгие годы стала условием существования русской оперы, принимая на новых этапах новые формы.
Наряду с оперой-комедией в XVIII в. появились и другие оперные жанры. В 1790 г. при дворе состоялось представление под заглавием «Начальное управление Олега», текст к которому написала императрица Екатерина II, а музыку сочинили совместно композиторы К. Каноббио, Дж. Сарти и В. А. Пашкевич, Представление носило не столько оперный, сколько ораториальный характер, и в какой-то мере его можно считать первым образцом музыкально-исторического жанра, столь распространенного в XIX в. В творчестве выдающегося русского композитора Д. С. Бортнянского оперный жанр представлен лирическими операми «Сокол» и «Сын-соперник», музыка которых по развитости оперных форм и мастерству может быть поставлена в один ряд с современными образцами западноевропейской оперы.
Оперный театр пользовался в XVIII в. большой популярностью. Постепенно опера из столицы проникла в усадебные театры. Крепостной театр на рубеже XVIII и XIX вв. дает отдельные высокохудожественные образцы исполнения опер и отдельных ролей. Выдвигаются талантливые русские певцы и актеры, как, например, певица Е. Сандунова, выступавшая на столичной сцене, или крепостная актриса театра Шереметева П. Жемчугова.
Художественные достижения русской оперы XVIII в. дали толчок бурному развитию музыкального театра в России в первой четверти XIX в.
Связи русского музыкального театра с определяющими духовную жизнь эпохи идеями особенно усиливаются в годы Отечественной войны 1812 г. и в годы декабристского движения. Тема патриотизма, отраженная в исторических и современных сюжетах, становится основой многих драматических и музыкальных спектаклей. Идеи гуманизма, протест против социального неравенства вдохновляют и оплодотворяют театральное искусство.
В начале XIX в. еще нельзя говорить об опере в полном значении этого слова. Большую роль в русском музыкальном театре играют смешанные жанры: трагедия с музыкой, водевиль, комическая опера, опера-балет. До Глинки русская опера не знала произведений, драматургия которых опиралась бы только на музыку без каких-либо разговорных эпизодов.
Музыкальная драма Мусоргского «Хованщина» (рис.12) посвящена стрелецким восстаниям в конце XVII в. Стихия народного движения во всей буйной силе замечательно выражена музыкой оперы, основанной па творческом переосмыслении народнопесенного искусства. Музыке «Хованщины», как и музыке «Бориса Годунова», свойствен высокий трагизм. Основой мелодического миля обеих опер служит синтез песенного и декламационного начал. Новаторство Мусоргского, рожденное новизной замысла, глубоко самобытное решение задач музыкальной драматургии заставляет причислить обе его оперы к высшим достижениям музыкального театра.
Рис.12
XIX век -- эпоха русской оперной классики. Русские композиторы создали шедевры в различных жанрах оперного искусства: драмы, эпоса, героической трагедии, комедии. Они создали новаторскую музыкальную драматургию, родившуюся в тесной связи с новаторским содержанием опер. Важная, определяющая роль массовых народных сцен, многосторонняя характеристика действующих лиц, новое толкование традиционных оперных форм и создание новых принципов музыкального единства всего произведения -- характерные черты русской оперной классики. Неясова, И.Ю. Русская историческая опера XIX века. С.63.
Русская классическая опера, развившаяся под воздействием философско-эстетической передовой мысли, под влиянием событий общественной жизни стала одной из замечательных сторон русской национальной культуры XIX в. Весь путь развития русского оперного творчества в прошлом веке шел параллельно великому освободительному движению русского народа; композиторов вдохновляли высокие идеи гуманизма и демократического просветительства, и их произведения являются для нас великими образцами подлинно реалистического искусства.
3.1 Модест Петрович Мусоргский
Модест Петрович Мусоргский - один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член "Могучей кучки". Новаторское творчество Мусоргского далеко опередило своё время.
Родился в Псковской губернии. Как многие талантливые люди, с детства показал способности в музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным. Решающим событием, определившим, что Мусоргский рожден не для военной службы, а для музыки, стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в "Могучую кучку". Мусоргский велик тем, что в своих грандиозных произведениях - операх "Борис Годунов" и "Хованщина" (рис.13) запечатлел в музыке драматические вехи российской истории с радикальной новизной, которую не знала до него русская музыка, показав в них сочетание массовых народных сцен и разнообразное богатство типов, неповторимый характер русских людей. Эти оперы, в многочисленных редакциях, как автора, так и других композиторов, являются одними из самых популярных русских опер в мире. Данилова, Г.И. Искусство. С.96.
3.2 Характеристика оперы Мусоргского «Хованщина»
«Ховамнщина» (народная музыкальная драма) -- опера в пяти действиях русского композитора М. П. Мусоргского, созданная по собственному либретто в течение нескольких лет и так и не законченная автором; произведение завершил Н. А. Римский-Корсаков.
«Хованщина» - больше чем опера. Мусоргского интересовали трагические закономерности русской истории, вечный раскол, источник страданий и крови, вечное предвестие гражданской войны, вечное вставание с колен и столь же инстинктивное стремление вернуться в привычную позу.
Мусоргский вынашивает замысел «Хованщины» и вскоре начинает собирать материалы. Все это осуществлялось при активном участии В. Стасова, который в 70-х гг. сблизился с Мусоргским и был одним из немногих, кто по-настоящему понимал серьезность творческих намерений композитора. В. В. Стасов стал вдохновителем и ближайшим помощником Мусоргского в создании этой оперы, над которой он работал с 1872 года почти до конца жизни. «Я посвящаю Вам весь тот период моей жизни, когда будет создаваться «Хованщина»... ей же начало Вами дано» -- писал Мусоргский Стасову 15 июля 1872 г.
Рис.13
Композитора вновь привлекли судьбы русского народа в переломный период российской истории. Мятежные события конца XVII века, острая борьба старой боярской Руси и новой молодой России Петра I, бунты стрельцов и движение раскольников дали Мусоргскому возможность создать новую народную музыкальную драму. «Хованщину» автор посвятил В. В. Стасову. Данилова, Г.И. Искусство. С.100.
Работа над «Хованщиной» протекала сложно - Мусоргский обратился к материалу, далеко выходящему за рамки оперного спектакля. Однако писал он интенсивно («Работа кипит!»), хотя и с большими перерывами, вызванными множеством причин. В это время Мусоргский тяжело переживал распад Балакиревского кружка, охлаждение отношений с Кюи и Римским-Корсаковым, отход Балакирева от музыкально-общественной деятельности. Он чувствовал, что каждый из них стал самостоятельным художником и пошел уже по собственному пути. Чиновничья служба оставляла для сочинения музыки лишь вечерние и ночные часы, а это приводило к сильнейшему переутомлению и все более продолжительным депрессиям. Однако вопреки всему, творческая мощь композитора в этот период поражает силой, богатством художественных идей.
”«Хованщина» - сложная русская опера, такая же сложная, как русская душа. Но Мусоргский настолько потрясающий композитор, что две его оперы ставятся в разных операх мира чуть ли ни каждый год.” Абдразаков, РИА Новости.
Опера раскрывает целые пласты народнойжизни и показывает духовную трагедию русского народа на переломе его традиционного исторического и жизненного уклада.
3.3 Опера Мусорского «Хованщина» в театре
Грандиозные масштабы эпоса - именно в таком формате предпочитает в последние годы высказываться Александр Титель, поставивший "Войну и мир" Сергея Прокофьева, "Бориса Годунова" Мусоргского, наконец, громадное историческое полотно - "Хованщину". О сегодняшней актуальности этого творения Мусоргского, вбирающего в себя все трагические коллизии "русского" - разрыв власти и народа, религиозный раскол, политические интриги, фанатический идеализм, непрерывный поиск "пути", развилка евразийского - нет необходимости напоминать. Актуальность - на поверхности, и не случайно "Хованщина" в последний сезон "валом" идет по европейским сценам - в Вене, Штутгарте, Антверпене, Бирмингеме. Спектакль Тителя почти с надрывом возвращает и соотечественников к этим темам Мусоргского.
То, что театр с особым накалом подошел к своему "историческому" высказыванию, свидетельствует и подготовленный к премьере буклет с нарезкой из документов и реальных биографий прототипов "Хованщины", и приуроченная к выпуску спектакля экспозиция в Атриуме театра с выставленными археологическими находками из времен "хованщины" - фрагментами вооружения, обнаруженными под зданием театра. Очевидно, что атмосфера спектакля при таком антураже должна была стать еще более "аутентичной". Но зрителей встретили не терема и кремлевские башни на сцене, а простой амбарного вида дощатый короб, в котором на три с лишним часа развернулся мрачный эпос русской жизни. Александр Лазарев задал музыкальный тон, выбрав жесткую, полную металлических призвуков, обрывающихся, словно в пропасть звучностей, тяжелых набатов оркестровку Дмитрия Шостаковича, звучавшую в его интерпретации почти на непрекращающемся форте, с тяжелым свинцовым маркато, давящем даже протяжные лирические песни. В какие-то моменты оркестр угасал и тогда выходили "наружу" хоры: прозвучавший шедевром знаменитый "Батя, батя, выйди к нам!", тихие раскольничьи молитвы. Масол, Л.М., Аристова Л.С. Музыкальное искусство. С.135.
Рис.14
Жесткий оркестровый фон соответствовал мрачному исступленному действию на сцене. Огромные массовки - сотни людей, одетых унифицировано, в алое - стрельцовское (рис.14) или белое - "народное". У князей - простые кафтаны с мелкими пуговицами, без привычных мехов и драгоценного шитья. Эти массовки участвуют в трапезах за длинным дощатым столом, выходят толпой с иконами, братаются, сцепившись за плечи, вокруг бати Хованского. Но толпы на сцене не "жили", а скорее, иллюстрировали сюжет.
Рис.15
Главный же сюжет развернулся "наверху" - среди князей и бояр, которые плетут заговоры, диктуют доносы, бьются за власть. Сначала Шакловитый (Антон Зараев) яростно диктует Подъячему (Валерий Микицкий), пугая его пытками и дыбой, донесение царям Петру и Ивану на отца и сына Хованских, затем князь Голицын (Нажмиддин Мавлянов) плетет интригу против власти с Хованским (Дмитрий Ульянов) и Досифеем (Денис Макаров) - исступленно, на грани драки. Здесь же младший Хованский (Николай Ерохин) с точно таким же исступлением эротически преследует немку Эмму (Елена Гусева), а раскольница Марфа (Ксения Дудникова) - мстительно увлекает обезумевшего Андрея на самоубийство в скит. Герои Мусоргского существуют в спектакле так, будто от каждого их слова перевернется мир. Они кричат в ариях до хрипоты, стучат кулаками по столу. Марфа гадает страшно, вбивая кулаки в воду и будто выдавливая что-то живое из цинкового ведра. Стрельцы укладывают на алых кафтанах свои головы на казнь, а Хованский-старший задирает юбки персидкам. На сцене меланхолично звучит армянский дудук - вставленный в спектакль номер. Правда, чем он актуальнее привычного Персидского танца, не совсем понятно. Также, увы, как не понятно, о чем в итоге получился спектакль, завершившийся картиной стоячей раскольничьей толпы, погружающейся во мрак, о чем так исступленно, срывая голоса, взрываясь истериками, спорили три часа кряду герои, что именно они хотели донести из своего опыта, кроме картины мрачной Руси. В том числе, и потому, что слов в спектакле практически не разобрать. Титры бегущей строки - на английском, а знатоков либретто наизусть в зале найдется немного. Между тем, Мусоргский не случайно сам каждое слово прописал. Он создавал "Хованщину" как актуальную политическую драму, и, вероятно, надеялся, что опыт этой истории поможет что-то изменить в настоящем.
Наверное, каждый любитель русской музыки задавался таким вопросом: когда прозвучала первая русская опера, и кто были её авторы? Ответ на этот вопрос никогда не был секретом. Первую русскую оперу «Цефал и Прокрис» написал итальянский композитор Франческо Арайа на стихи русского поэта XVIII века - Александра Петровича Сумарокова, а её премьера состоялась ровно 263 года назад, 27 февраля 1755 года.
Сумароков Александр Петрович (1717-1777), русский писатель, один из видных представителей классицизма. В трагедиях «Хорев» (1747), «Синав и Трувор» (1750) ставил проблемы гражданского долга. Комедии, басни, лирические песни.
Именно в этот день петербургские любители музыки увидели и услышали первую постановку оперы на русский текст.
Поэт Александр Петрович Сумароков приготовил либретто, взяв за основу историю любви двух героев из Овидиевых «Метаморфоз» - Кефала и его жены Прокриды. Сюжет пользовался популярностью в европейском искусстве - писали на него картины (Корреджо), пьесы и оперы (Кьябрера, Арди, Кальдерон, а затем Гретри, Рейхард и др.). Новую оперу назвали «Цефал и Прокрис» (так тогда произносились имена главных персонажей). В интерпретации Сумарокова древний миф не изменился по сути: царевич Цефал, обрученный с афинянкой Прокрис, отвергает любовь богини Авроры - он верен супруге, не страшится угроз и испытаний; но однажды на охоте он случайно пронзает стрелой несчастную Прокрис. Хор заключает спектакль словами: «Когда любовь полезна, пресладостна она, но коль любовь та слезна, что к горести дана»…
Талантливый либреттист обеспечил успех постановки. Но не меньше способствовали этому прекрасно подготовленные театральные актеры и певцы.
Арайа (Araia, Araja) Франческо (1709-ок. 1770), итальянский композитор. В 1735-1762 (с перерывами) возглавлял итальянскую труппу в Санкт-Петербурге. Оперы «Сила любви и ненависти» (1736), «Цефал и Прокрис» (1755; первая опера на русское либретто - А. П. Сумарокова; исполнена русскими артистами) и др.
Двумя годами ранее, после одного из концертов, Штелин записал в мемуарах: «Среди выступавших был один молодой певец из Украины, по имени Гаврила, владевший изящной манерой пения и исполнявший труднейшие итальянские оперные арии с художественными каденциями и изысканнейшими украшениями. Впоследствии он выступал в концертах двора и также пользовался громадным успехом». Автор записок частенько называл некоторых российских певцов только по имени. В данном случае он имел в виду замечательного солиста Гаврилу Марцинковича, который исполнял в опере Сумарокова партию Цефала.
Привыкший к изощренному итальянскому стилю слушатель был приятно удивлен, во-первых, тем, что исполняли все арии русские актеры, которые к тому же нигде в чужих краях не обучались, во-вторых, что старший - «от роду не более 14 лет», и, наконец, в-третьих, что пели они по-русски.
Джузеппе Валериани. Эскиз декораций оперы «Цефал и Прокрис» (1755)
Прокрис - роль трагическую - исполняла обворожительная юная солистка Елизавета Белоградская. Штелин называет ее еще и «виртуозной клавесинисткой». Елизавета принадлежала к известной уже в то время музыкально-артистической династии. Ее родственник - Тимофей Белоградский - славился как выдающийся лютнист и певец, исполнявший «с искусством великого мастера труднейшие соло и концерты». Известны, благодаря все тому же Штелину, имена остальных актеров: Николай Клутарев, Степан Рашевский и Степан Евстафьев. «Эти юные оперные артисты поразили слушателей и знатоков своей точной фразировкой, чистым исполнением трудных и длительных арий, художественной передачей каденций, своей декламацией и естественной мимикой». «Цефала и Прокрис» приняли с восторгом. Ведь опера была понятна и без программы. И хотя музыка никак не «клеилась» с текстом, потому что автор ее - Франческо Арайя - не знал по-русски ни слова и все либретто перевели для него досконально, постановка показала и доказала возможность существования отечественного оперного театра. И не только потому, что русский язык, по словам Штелина, «как известно, по своей нежности и красочности и благозвучности ближе всех других европейских языков подходит к итальянскому и, следовательно, в пении имеет большие преимущества», но и оттого, что музыкальный театр в России мог базироваться на богатейшей хоровой культуре, являвшейся неотъемлемой сущностью быта российского народа.
Первая ступень была пройдена. До рождения настоящего русского музыкального оперного театра оставалось лишь два десятилетия…
Императрица Елизавета Петровна «оценила» успешное действо. Штелин педантично зафиксировал, что она «пожаловала всем юным артистам прекрасное сукно на костюмы, а Арайе дорогую соболью шубу и сто полуимпериалов золотом (500 р.)».
