Развитие живописи и архитектурного храмового стиля России берут своё начало в глубине веков. В 988 году Киевская Русь вместе с принятием христианства получила огромное культурное наследие Византийской Империи, сочетающей в себе черты сверкающей пышности Востока и аскетическую простоту Запада. В процессе синтеза этого многостороннего художественного стиля и специфического самобытного искусства сформировались архитектура и живопись Древней Руси.
Живопись Древней Руси как памятник дохристианской культуры неизвестна современным учёным, а скульптура этой эпохи представлена всего несколькими деревянными изваяниями идолов. Так же ситуация обстоит и с архитектурными памятниками дохристианской Руси, скорее всего, по причине того, что они были созданы из дерева и не сохранились на сегодняшний день.
Живопись на Руси начала переживать своё бурное развитие в 10 веке, когда после внедрения в использование на территории Руси славянской азбуки Кириллом и Мефодием стал возможен обмен опытом между русскими и византийскими мастерами, которых приглашал после 988 года в русские города князь Владимир.
В начале 11 века ситуация в политической и социальной сферах древнерусского государства сложилась таким образом, что языческая религиозная составляющая начала насильно выводиться правящим сословием из всех сфер общественной жизни. Таким образом, архитектура и живопись Древней Руси начали своё развитие именно из влившегося в эту среду византийского наследия.
Архитектура и живопись Древней Руси как целостный стилевой ансамбль появились под непосредственным влиянием архитектуры Византии, которая синтезировала формы античных храмовых построек, постепенно сформировав известный с 10 века тип крестово-купольного храма, сильно отличавшийся от раннехристианских базилик. Перенося купола на полукруглые жёсткие рёбра четырёхугольного основания храма, применяя новейшую разработанную "парусную" систему поддержки купола и облегчения его давления на стены, византийские архитекторы добились максимального расширения внутренного пространства храма и создали качественно новый тип христианской храмовой постройки.
Описанные выше особенности проектирования относятся к храмам, в основании которых лежит так называемый "греческий крест", представляющий собой пять квадратов, расположенных на одинаковом расстоянии друг от друга.
Намного позже - в 19 веке - в России сформируется так называемый "псевдовизантийский" стиль храмовых построек, в которых купола приземистой формы расположены на низких барабанах, опоясанных оконной аркадой, а внутреннее пространство храма представляет единую площадь, не разделённую пилонами и крестовыми сводами.
Живопись Древней Руси как самостоятельный тип художественного декорирования храмов оформилась после того, как на эту территорию после привезли свой иконописный опыт приглашённые византийские мастера. Поэтому многочисленные настенные росписи и фрески первых христианских храмов домонгольского периода неразличимы по русскому и византийскому происхождению.
В теоретическом плане прекрасно иллюстрирует иконопись, живопись Древней Руси Успенский Собор Киево-Печёрской Лавры, работы в котором принадлежат кисти византийских мастеров. Сам храм не сохранился, однако о его внутреннем декорировании известно по описанию, зафиксированном в 17 веке. Приглашённые иконописцы остались в монастыре и положили начало обучению своему ремеслу. Преподобные Алипий и Григорий были первыми русскими мастерами, вышедшими из этой иконописной школы.
Таким образом, искусство, иконопись, живопись Древней Руси ведёт свою теоретическую и методическую преемственность от древних знаний восточных мастеров.
Культура Древней Руси, живопись, иконопись и архитектура которой представляют собой единый ансамбль, мало затронула архитектуру общественных и жилых построек, которые продолжали выполняться либо типовыми теремными зданиями, либо крепостями. Византийские архитектурные нормы не предполагали какой-либо практической защиты комплекса зданий или каждого из них в отдельности от атак неприятеля. живопись и архитектуру которого можно показать на примере псковских и тверских монастырских построек, ориентировано на их конструктивную защищенность, облегченность купольных частей здания с максимальньным утолщением несущих конструкций.
Культура Древней Руси, живопись которой прогрессировала под всесторонним влиянием византийского искусства, окончательно оформилась к концу 15 века, вобрав в себя все его самые яркие специфические качества и ассимилировавшись с самобытными художественными древнерусскими техниками. И хотя некоторые виды изобразительного искусства, такие как художественное шитье и резьба по дереву, были известны древнерусским мастерам, наиболее широкое распространение и развитие в лоне культового искусства они получили именно после прихода на Русь христианства.
Православная культура Древней Руси, живопись которой представлена не только храмовыми фресками и иконописью, но и лицевым шитьем и резьбой, отражающими символы веры и использовавшимися в быту мирскими людьми, оставила отпечаток на внутреннем убранстве зданий и декорировании их фасадных частей.
Монастыри и иконописные мастерские Древней Руси были местом сосредоточения научных достижений и экспериментов в области химии, так как в них вручную из различных ингридиентов изготавливались краски.
В на пергаменте и иконописи мастера применяли преимущественно одни и те же краски. Ими являлись киноварь, лазурит, охра, и другие. Таким образом верной своим практическим навыкам осталась живопись живопись Византии не смогла полностью заместить местные способы получения красок.
Однако в каждой конкретной технике живописи были и есть свои излюбленные приёмы и методы - как изготовления самой краски, так и способов её нанесения на поверхность.
Согласно новогородскому иконописному подлиннику 16 века, наибольшим предпочтением у мастеров пользовались киновари, лазори, белила, празелень. В подлиннике также впервые появились названия этих цветов - жёлтая, красная, чёрная, зелёная.
Белила, как самая популярная краска, чаще всего употреблялась в колористических смесях, служила для нанесения пробелов и "разбеливания" других красок. Белила изготавливались в Кашине, Вологде, Ярославле. Метод их изготовления заключался в окислении свинцовых полосок уксусной кислотой с дальнейшей промывкой получившегося белого колера.
Основным компонентом "лицевого письма" в иконописи по сей день является охра.
Живопись Древней Руси, также как и её византийский эталон, предполагала использование разнообразного колористического материала в написании святых обликов.
Одной из основных широкоиспользуемых красок была киноварь - сернистый сульфид ртути. Киноварь добывалась на известнейшем в Европе русском Никитинском месторождении. Изготовление краски происходило в процессе растирания киновари с водой, с последующим растворением в ней сопутствующего в руде колчедана и пирита. Киноварь могла быть заменена более дешёвым суриком, получаемым путём обжига свинцовых белил.
Лазорь, как и белила, предназначалась для написания пробелов и получения тонов других цветов. В прошлом основным источником лазурита были месторождения Афганистана. Однако с 16 века появилось большое количество способов получения синего пигмента из ляпис-лазури.
Наряду с этими основными красками, в русской иконописи использовались бакан, червлень, празелень, зелень, ярь-медянка, крутик ("синило"), голубец, санкирь (коричневатые тона), багор, рефть, дичь. Терминология древнего живописца обозначала все краски различными словами.
В каждом территориально-целостном государственном объединении происходит определённая консолидация художественно-эстетических норм, которые в дальнейшем утрачивают некоторую связь с эталонным образцом. Такой обособленной и саморазвивающейся сферой национально-культурного проявления является и живопись Древней руси. Древняя живопись больше других областей искусства подвержена техническому и визуальному изменению, поэтому отдельно стоит сказать об её особенностях, тесно связанных с архитектурой и методами письма.
Монгольское нашествие разрушило большую часть иконописных и фресковых памятников Древней Руси, подорвав и приостановив процесс написания новых произведений. Однако определённую картину прошлого возможно восстановить по сохранившимся документам и скудным археологическим памятникам.
Из них известно, что в эпоху домонгольского нашествия Древней Руси оказывала значительное влияние на иконопись своими техническими приёмами - лаконичностью композиционного построения и сумрачным сдержанным колоритом - однако уже к 13 веку этот колорит начинает сменяться яркими тёплыми цветами. Таким образом, византийская техника иконописи к 13 веку проходит процесс преломления и ассимиляции с такими древнерусскими национальными художественными приёмами, как свежесть и яркость цветовой гаммы, ритмический композиционный строй и непосредственность цветового выражения.
В эту эпоху трудятся самые известные мастера, донёсшие до современности живопись Древней Руси - кратко этот список можно представить митрополитом Московским Петром, архиепископом Ростовским Феодором, преподобными Андреем Рублёвым и Даниилом Чёрным.
Фресковая живопись на Руси не существовала до прихода христианства и была полностью заимствована из византийской культуры, в процессе ассимиляции и развития несколько видоизменив имеющиеся византийские приёмы и техники.
Для начала стоит сказать, что культура Древней Руси, живопись которой до того существовала в виде мозаики, видоизменила использование штукатурных подготовительных материалов, применяя подмозаичное известняковое основание под фреску, и к концу 14 века произошёл переход от древних византийских техник письма и изготовления материалов - к новым исконно русским приёмам фресковой живописи.
Среди в корне изменившихся процессов изготовления оснований и красок можно выделить появление штукатурки, созданной исключительно на основе чистого известняка, прежде разбавляемой для прочности кварцевым песком и мраморной крошкой. В случае русской живописи штукатурное фресковое основание - левкас - изготавливалось путём длительного выдерживания извести в смеси с растительными маслами и клеем.
После 988 года, с приходом византийскийх традиций в живопись Древней Руси, древняя живопись получила широкое распространение в области культовой обрядовой области, особенно в лицевом шитье.
Немало этому способствовали царицыны мастерские, функционировавшие под покровительством великих княгинь Софьи Палеолога, Соломонии Сабуровой, цариц Анастасии Романовой и Ирины Годуновой.
Лицевое шитьё как религиозная живопись Древней Руси имеет очень много общих композиционных и графических черт с иконой. Однако лицевое шитьё - это коллективный труд, с чётким распределением ролей создателей. Иконописец изображал на полотне лик, надписи и фрагменты одежды, травник - растения. вышивался нейтральным цветом; лицо и руки - шёлковыми нитями телесных тонов, в том числе, стяжки располагались по линиям вдоль контуров лица; одежда и окружающие предметы вышивались либо золотыми и серебряными нитями, либо разноцветным шёлком.
Для большей прочности под вышиваемое полотно подкладывался холст или сукно, под которое крепилась вторая подкладка из мягкой ткани.
Особенно сложной являлась двухстороння вышивка на хоругви и знамёна. В этом случае шёлковые и золотые нити протыкались насквозь.
Лицевая вышивка имеет обширное применение - большие пелёна и воздухи украшали храм, подкладывались под иконы, застилали алтарь, применялись на знамёнах. Во многих случаях полотна с ликами святых крепились на ворота храма или дворца, а также внутри приёмных залов.
Культура Древней руси - живопись, иконопись, архитектура - имеет некоторую территориальную вариантивность, затрагивающую как декорированность храмов, так и архитектурно-строительные особенности зданий.
Например, искусство Древней Руси, живопись которой подразумевает использование в качестве украшений внутреннего убранства храмов либо мозаики, либо фрески, прекрасно раскрывается на примере собора Софии Киевской. Здесь наблюдается свободное сочетание и мозаичной, и фресковой живописи, при обследовании храма выявилось два слоя грунта. В церкви Преображения села Большие Вяземы все штукатурные основания выполнены из чистой извести без наполнителей. А в Спасском соборе Спасо-Андрониевского монастыря в качестве связующего звена штукатурного левкаса выявлен кровяной альбумин.
Таким образом, можно заключить, что особенность и неповторимость древнерусского искусства заключается в его территориальной ориентированности и индивидуально-личностных предпочтениях и умениях русских художников передавать цвет и характер идеи согласно его национальным нормам.
Во второй половине ХVIII века в русском искусстве формируется стиль классицизм, для которого характерны строгость рисунка, следование в композиции определенным правилам, условность колорита, использование сюжетов из Библии, античной истории и мифологии. Своеобразие русского классицизма заключалось в том, что его мастера обращались не только к античности, но и к родной истории, что они стремились к простоте, естественности и человечности. Классицизм как направление в русской художественной культуре безраздельно утвердился в конце XVIII - начале XIX веков. Этот период расцвета классицизма в русской истории живописи обыкновенно именуют высоким классицизмом. Характерным для живописцев этого времени было романтическое утверждение красоты неповторимого, индивидуального, необычного, однако наивысшим достижением этой эпохи изобразительного искусства в России можно считать не историческую живопись, а портрет (А. Аргунов, А. Антропов, Ф. Рокотов, Д. Левицкий, В. Боровиковский, О. Кипренский).
О.А.Кипренский (1782-1836) открыл не только новые качества человека, но и новые возможности живописи. Каждый его портрет имеет свой особый живописный строй. Одни построены на резком контрасте света и тени. В других главным живописным средством оказывается тонкая градация близких друг другу цветов. Для полотен К.П.Брюллова (1799-1852) характерны сплав академического классицизма с романтизмом, новизна сюжетов, театральная эффектность пластики и освещения, сложность композиции, блестящая виртуозность кисти. Широкой известностью пользовалась картина "Последний день Помпеи" (1830-1833). Возвышенная красота человека и неизбежность его гибели отражены в картине в трагическом противоречии. Романтический характер присущ и большинству портретов Брюллова. Крупнейшим мастером исторической картины был А.А. Иванов, придал своей живописи характер жертвенного служения идее и сумел преодолеть многие шаблоны, свойственные академической технике.
В своих произведениях он предвосхитил многие искания русской реалистической живописи следующих десятилетий.
Осознанный поворот новой русской живописи к демократическому реализму обозначился в конце 50-х годов, вместе с революционным просветительством Чернышевского, Добролюбова, Салтыкова-Щедрина. 9 ноября 1863 года 14 выпускников Академии художеств во главе с И. Крамским отказались писать дипломную картину на предложенный сюжет "Пир в Валгалле" и просили предоставить им самим выбор сюжетов. Им было отказано, и они демонстративно вышли из Академии, образовав независимую Артель художников. Второе событие - создание в 1870 году "Товарищества передвижных выставок", душою которого стал тот же И.Крамской. Передвижники были едины в своем неприятии "академизма" его мифологией, декоративными пейзажами и напыщенной театральностью. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые (бытовые) сцены. Особой симпатией "передвижников" пользовалось крестьянство. В ту пору - в 60-70-е гг. XIX в. - идейная сторона искусства ценилась выше, чем эстетическая. Пожалуй, самую большую дань идейности отдал В. Г. Перов (1834-1882). Свидетельство этому - такие его картины, как "Приезд станового на следствие", "Чаепитие в Мытищах", "Тройка", "Старики-родители на могиле сына". Кисти Перова принадлежит ряд портретов его знаменитых современников (Тургенева, Достоевского). В творчестве Крамского главное место занимала портретная живопись. Он писал Гончарова, Салтыкова-Щедрина. Ему принадлежит один из лучших портретов Льва Толстого. Пристальный взгляд писателя не оставляет зрителя, с какой бы точки он ни смотрел на полотно.
Одно из наиболее сильных произведений Крамского - картина "Христос в пустыне".
Но нельзя сказать, чтобы Академия художеств не выдвигала талантов. Лучшие традиции академизма нашли развитие в грандиозных исторических полотнах Г. Семирадского, работах рано умершего В. Смирнова, ("Смерть Нерона"), великолепных полотнах мариниста, представителя романтизма Ивана Айвазовского. Собственно из стен Академии вышли многие выдающиеся художники. Это и Репин, и Суриков, и Поленов, и Васнецов, а позже - Серов и Врубель.
"Передвижники" совершили подлинные открытия в пейзажной живописи. А. К. Саврасов сумел показать красоту и тонкий лиризм простого русского пейзажа. Его картина "Грачи прилетели" (1871) заставила многих современников по-новому взглянуть на родную природу. Певцом русского леса, эпической широты русской природы стал И. И. Шишкин (1832-1898). А. И. Куинджи (1841-1910) привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны в редких облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей дороге, - эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его полотнах.
Своей вершины русская пейзажная живопись XIX века достигла в творчестве ученика Саврасова
И. И. Левитана (1860-1900). Левитан - мастер спокойных, тихих пейзажей Человек стеснительный и ранимый, он умел отдыхать только наедине с природой, проникаясь настроением полюбившегося пейзажа.
Заштатный городок Плес на верхней Волге прочно вошел в творчество Левитана. В этих краях он создал свои полотна: "После дождя", "Хмурый день".
Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: "Вечер на Волге", "Вечер. Золотой плес", "Вечерний звон", "Тихая обитель".
На вторую половину XIX в. приходится творческий расцвет И. Е. Репина, В. И. Сурикова и В. А. Серова.
И. Е. Репин (1844-1930) был очень разносторонним художником. Его кисти принадлежит ряд монументальных жанровых полотен. Пожалуй, не менее грандиозно, чем "Бурлаки на Волге", - полотно "Крестный ход в Курской губернии". Яркое голубое небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов и облачений, полиция, простой народ и калеки - все уместилось на этом полотне: и величие, и сила, и немощь, и боль России. Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика ("Отказ от исповеди", "Не ждали", "Арест пропагандиста"). Ряд репинских полотен написан на исторические темы ("Иван Грозный и его сын Иван", "Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану" и др.). Репин создал целую галерею портретов. Он написал портреты - ученых (Пирогова и Сеченова), - писателей Толстого, Тургенева и Гаршина, - композиторов Глинки и Мусоргского, - художников Крамского и Сурикова. В начале XX в. он получил заказ на картину "Торжественное заседание Государственного совета". Художнику удалось не только композиционно разместить на полотне такое большое число присутствующих, но и дать психологическую характеристику многим их них.
В. И. Суриков (1848-1916) родился в Красноярске, в казачьей семье. Расцвет его творчества приходится на 80-е гг., когда он создал три самые знаменитые свои исторические картины: "Утро стрелецкой казни", "Меншиков в Березове" и "Боярыня Морозова". Суриков хорошо знал быт и нравы прошлых эпох, умел давать яркие психологические характеристики. Кроме того, он был прекрасным колористом. Достаточно вспомнить ослепительно свежий, искрящийся снег в картине "Боярыня Морозова". Если же подойти к полотну поближе, снег как бы "рассыпается" на синие, голубые, розовые мазки. Этот живописный прием, когда два три разных мазка на расстоянии сливаются и дают нужный цвет, широко использовали французские импрессионисты.
В. А. Серов (1865-1911), сын композитора, писал пейзажи, полотна на исторические темы, работал как театральный художник. Но славу ему принесли, прежде всего, портреты. В 1887 г. 22-летний Серов отдыхал в Абрамцеве, подмосковной даче мецената С. И. Мамонтова. Однажды после обеда в столовой случайно задержались двое - Серов и 12-летняя Вера Мамонтова. Они сидели за столом, на котором остались персики, и за разговором девочка не заметила, как художник начал набрасывать ее портрет. Работа растянулась на месяц. В начале сентября "Девочка с персиками" была закончена. Несмотря на небольшой размер, картина, написанная в розово золотистых тонах, казалась очень "просторной". В ней было много света и воздуха. Девочка, присевшая за стол как бы на минуту и остановившая свой взор на зрителе, зачаровывала ясностью и одухотворенностью.
Да и все полотно было овеяно чисто детским восприятием повседневности, когда счастье себя не сознает, а впереди - целая жизнь. Время поставило "Девочку с персиками" в ряд лучших портретных работ в русской и мировой живописи.
Обращение к национальным темам привело к небывалому расцвету исторической и батальной живописи. Подлинные шедевры в этих жанрах создали В. Суриков, И. Репин, Н. Ге, В. Васнецов, В. Верещагин, Ф. Рубо. В эти годы открываются первые национальные художественные галереи; произведения русских художников начинают регулярно появляться на международных выставках и в заграничных художественных салонах. Многие картины Репина, Сурикова, Левитана, Серова и других передвижников попали в собрание Третьякова. П. М. Третьяков (1832-1898), представитель старинного московского купеческого рода, был необычным человеком. Худой и высокий, с окладистой бородой и тихим голосом, он больше походил на святого, чем на купца. Собирать картины русских художников начал с 1856 г. Увлечение переросло в главное дело жизни. В начале 90-х гг. собрание достигло уровня музея, поглотив почти все состояние собирателя. Позднее оно перешло в собственность Москвы. Третьяковская галерея стала всемирно известным музеем русской живописи, графики и скульптуры. В 1898 г. в Петербурге, в Михайловском дворце (творение К. Росси) был открыт Русский музей. В него поступили произведения русских художников из Эрмитажа, Академии художеств и некоторых императорских дворцов. Открытие этих двух музеев как бы увенчало достижения русской живописи XIX века. В конце 1890-х годов еще плодотворно работали ведущие мастера критического реализма - И. Е. Репин,
В. И. Суриков, В. М. Васнецов, В. Е. Маковский, но в это время в искусстве проявилась и иная тенденция. Многие художники стремились отыскать теперь в жизни прежде всего ее поэтические стороны, поэтому даже в жанровые картины они включали пейзаж. Часто обращались и к древнерусской истории. Эти веяния в искусстве отчетливо прослеживаются в творчестве таких художников, как А. П. Рябушкин и М. В. Нестеров.
Крупный художник этого времени - Б. М. Кустодиев (1878-1927) изображает ярмарки с разноцветными ложками и грудами пестрых товаров, русские масленицы с ездой на тройках, сцены из купеческой жизни.
В раннем творчестве М. В. Нестерова наиболее полно раскрылись лирические стороны его дарования. В его картинах всегда большую роль играл пейзаж: художник стремился найти отрадное в тишине вечно прекрасной природы. Он любил изображать тонкоствольные березки, хрупкие стебельки трав и луговых цветов. Его герои - худенькие отроки, обитатели монастырей, или добрые старички, находящие мир и покой в природе. Глубоким сочувствием овеяны картины, посвященные судьбе русской женщины ("На горах", 1896, "Великий постриг", 1897-1898).
Символизм, неоклассицизм, модерн оказывает заметное влияние на М.А. Врубеля, художников из "Мира искусства" (А. Бенуа, К. А. Сомов, Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева.) и "Голубой розы" (С. Судейкин, Н. Крымов, В. Борисов-Мусатов). Деятельность этих групп была очень разносторонней, художники издавали свой журнал "Мир искусства", устраивали интересные художественные выставки с участием многих выдающихся мастеров.
В 1910-е гг. зарождается русский авангард - как стремление перестроить основы искусства вплоть до отрицания самого искусства. Целый ряд художников и творческих объединений создают новые школы и направления, которые определяющим образом повлияли на развитие мирового изобразительного искусства - супрематизм (К. Малевич), "импровизационный" стиль и абстракционизм (В. Кандинский), лучизм (Ларионов) и др. Всем течениям авангардистского искусства свойственна подмена духовного содержания прагматизмом, эмоциональности - трезвым расчетом, художественной образности - простой гармонизацией, эстетикой форм, композиции - конструкцией, больших идей - утилитарностью. Новое искусство покоряет безудержной свободой, увлекает и захватывает, но одновременно свидетельствует о деградации, разрушении целостности содержания и формы. Присущая некоторым течениям авангардного искусства атмосфера иронии, игры, карнавальности, маскарада не столько маскирует, сколько раскрывает глубокий внутренний разлад в душе художника. В понятие "авангард" условно объединяются самые разные течения искусства ХХ в. (конструктивизм, кубизм, орфизм, оп-арт, поп-арт, пуризм, сюрреализм, фовизм). Основные представители этого течения в России - В. Малевич, В. Кандинский, М. Ларионов, М. Матюшин,Якулов, А. Экстер, Б. Эндер и лругие.
В 1910-е гг. также наблюдается возрождение интереса к иконописи. Художественные принципы иконописи творчески применяли как отдельные русские (В. Васнецов, М. Нестеров, К.С. Петров-Водкин) и зарубежные (А. Матисс) художники,так и целые направления и школыаван гарда.
С конца 20-х годов в России утверждается принцип социалистического реализма. Идейность становится главной определяющей силой в художественном творчестве. Несмотря на сильное влияние идеологии создавались настоящие произведения искусства мирового уровня. Творчество пейзажистов С.В.Герасимова, В.Н. Бакшеева, А.А. Пластова, творчество П.Д. Корина, А.Н. Остроумомой-Лебедевой, И. Глазунова, К. Васильева, А. Шилова, А. Исачева - убедительное тому доказательство. С 1960-х гг. наступает возрождение русского авангарда. "Разрешенная", но не официзная часть советского искусства в 1960-е гг. представлена работами мастеров "сурового стиля" (Т. Салахов, С. Попков). В 1970-1980-е гг. получило признание творчество советских художников - Р. Бичунаса, Р. Тордия, Д. Жилинского, А. Зверева, Э. Штейнберга, М. Ромадина, М. Лейса, В. Калинина и др., представителей не только "официально разрешенного искусства". Русский постмодернизм 90-х ХХ века - пример творчества группы "СВОИ" (Гипер-Пуппер- Кузнецов В., Вещев П., Дудник Д., Котлин М., Макса-Максютина, Менус А., Носова С., Подобед А., Ткачев М.). Сам факт объединения разноплановых художников в единый живой организм, не ограниченный концептуальными или стилевыми рамками, наиболее точно соответствует основному принципу постмодернизма о параллелизме и равнозначности художественных тенденций.
искусство классицизм живопись
В истории искусства России 17 век был периодом борьбы двух живописных школ и формирования новых жанров. Православная церковь все еще имела огромное влияние на культурную жизнь человека. Художники тоже испытывали некоторые ограничения в своей деятельности.
Во времена позднего Средневековья центром сосредоточения в России художников и ремесленников был Кремль, а точнее Оружейные палаты. Там трудились лучшие мастера архитектуры, живописи и других видов творчества.
Несмотря на стремительное развитие искусства по всей Европе, живопись в России в 17 веке имела только один жанр - иконопись. Художники вынуждены были творить под неусыпным надзором церкви, которая всячески противилась любым нововведениям. Русская иконопись сформировалась под влиянием живописных традиций Византии и имела к тому времени четко сформировавшиеся каноны.
Живопись, как и культура в России 17 века, была достаточно замкнутой в себе и развивалась очень медленно. Однако одно событие повлекло за собой полное реформирование иконописного жанра. При пожаре в 1547 года в Москве сгорело множество древних икон. Необходимо было восстанавливать утраченное. И в процессе главным камнем преткновения стал спор по поводу характера ликов святых. Мнения разделились, приверженцы старых традиций считали, что образы должны остаться символичными. В то время как художники более современных взглядов были за то, чтобы придать святым и мученикам большую реалистичность.
В итоге живопись в России в 17 веке разделилась на два лагеря. В первом были представители "годуновской" школы (от имени Бориса Годунова). Они стремились к возрождению иконописных традиций Андрея Рублева и других средневековых мастеров.
Эти мастера работали над заказами для царского двора и являли собой официальную сторону искусства. Характерными чертами для этой школы были каноничные лики святых, упрощенные изображения толпы людей в виде множества голов, золотистые, красные и сине-зеленые тона. При этом можно заметить попытки художников передать материальность некоторых предметов. Годуновская школа наиболее известна своими настенными росписями в палатах Кремля, в Смоленском соборе, Троицком соборе.
Противоборствующей школой стала "строгановская". Название связано с купцами Строгановыми, для которых делалась большая часть заказов и которые выступали в качестве "спонсоров" в развитии живописи в России в 17 веке. Именно благодаря мастерам из этой школы и началось стремительное развитие искусства. Они первыми стали делать миниатюрные иконы для домашних молитв. Это способствовало их распространению среди простых граждан.
Строгановские мастера все больше и больше выходили за рамки церковных канонов и стали уделять внимание деталям окружения, внешнему виду святых. Так потихоньку стал развиваться пейзаж. Их иконы отличались красочностью и декоративностью, а трактовка библейских персонажей была ближе к образам реальных людей. Самые известные из сохранившихся произведений - иконы "Никита воин", "Иоанн Предтеча".
Уникальным памятником в истории живописи 17 века в России являются фрески в церкви Пророка Ильи в Ярославле, над которыми работали художники из Оружейных палат. Особенностью этих фресок являются сцены из реальной жизни, которые преобладают над библейскими сюжетами. Например, в сцене с исцелением основную часть композиции занимает изображение крестьян во время жатвы. Это было первое монументальное изображение в бытовом жанре.
Среди этих фресок можно встретить сказочные и мифологические сцены. Они поражают своими яркими красками и сложной архитектурой.
На каждом этапе культурного развития страны появляются свои значимые лица. Человеком, который продвинул живопись в России в 17 веке по новому направлению и способствовал ее частичному освобождению от религиозной идеологии, был Симон Ушаков.
Он являлся не только придворным живописцем, но и ученым, педагогом, богословом, человеком широких взглядов. Симон был увлечен западным искусством. В частности, его интересовало реалистичное изображение человеческого лица. Это хорошо заметно в его работе "Спас Нерукотворный".
Ушаков был новатором. Он первым из русских художников стал использовать масляную краску. Благодаря ему стало развиваться искусство гравюры на меди. Будучи тридцать лет главным художником Оружейной палаты, он написал множество икон, гравюр, а также несколько трактатов. Среди них "Слово к любителю иконного писания", в котором он изложил свои мысли о том, что художник должен, подобно зеркалу, правдиво отображать окружающий мир. Он придерживался этого в своих работах и обучал этому своих учеников. В его записях есть упоминания анатомического атласа, который он хотел написать и проиллюстрировать гравюрами. Но, судя по всему, он не был издан или же не сохранился. Главная заслуга мастера в том, что он заложил основы портретной живописи 17 века в России.
После значительных преобразований в иконописи, начал формироваться портретный жанр. Поначалу он выполнялся в иконописном стиле и получил название "парсуна" (от латинского - персона, личность). Художники все больше работают с живой натурой, и парсуны становятся более реалистичными, лица на них приобретают объем.
В этом стиле написаны портреты Бориса Годунова, царей Алексея Михайловича, Федора Алексеевича, цариц Евдокии Лопухиной, Прасковьи Салтыковой.
Известно, что при дворе работали и иностранные художники. Они тоже в значительной мере способствовали эволюции русской живописи.
Книгопечатание тоже довольно поздно пришло на русские земли. Однако параллельно с его развитием популярность приобретали и гравюры, которые использовались в качестве иллюстраций. Изображения были как религиозного, так и бытового характера. Книжная миниатюра того периода отличается сложным орнаментом, декоративными буквицами, встречаются и портретные изображения. Большой вклад в развитие книжной миниатюры внесли мастера строгановской школы.
Живопись в России в 17 веке из высокодуховной превратилась в более мирскую и близкую к народу. Несмотря на противодействие церковных деятелей, художники отстояли свое право творить в жанре реализма.
— это один из основных видов изобразительного искусства; представляет собой художественное изображение предметного мира цветными красками на поверхности. Живопись подразделяют на: станковую, монументальную и декоративную.
— в основном представлена работами, выполненными масляными красками на холсте (картоне, деревянных досках или оголите). Представляет собой самый массовый вид живописи. Именно этот вид обычно и применяют к термину "живопись ".
— это техника рисования на стенах при оформлении зданий и архитектурных элементов в зданиях. Особенно распространена в Европе фреска - монументальная живопись по сырой штукатурке водорастворимыми красками. Эта техника рисования хорошо известна ещё со времён античности. Позже, такая техника использована при оформлении многих христианских религиозных храмов и их сводов.
Декоративная живопись — (от латинского слова от decoro - украшать) это способ рисования и нанесения изображений на предметы и детали интерьера, стены, мебель и другие декоративные предметы. Относится к декоративно-прикладному искусству.
Возможности живописного искусства особенно ярко раскрывает станковая живопись с 15 века, с момента массового использования масляных красок. Именно в ней доступно особое многообразие содержания и глубокой разработанности формы. В основе живописных художественных средств лежат цвета (возможности красок), в неразрывном единстве со светотенью, и линия; цвет и светотень разработаны и развиты техниками живописи с полнотой и яркостью, недоступной другим видам искусства. Этим обусловлено присущее реалистической живописи совершенство объёмной и пространственной моделировки, живая и точная передача действительности, возможности реализации задуманных художником сюжетов (и способов построения композиций) и другие изобразительные достоинства.
Ещё одним отличием в различиях видов живописи является техники исполнения по разновидностям красок. Не всегда достаточно общих признаков для определения. Границу между живописью и графикой в каждом отдельном случае: например, произведения, выполненные акварелью или пастелью, могут относиться и к той и к другой области, в зависимости от подхода художника и поставленных им задач. Хотя рисунки на бумаге и относятся к графике, применение различных техник рисования красками иногда стирает различия между живописью и графикой.
Необходимо учитывать, что сам семантический термин "живопись" является словом русского языка. Оно взято для использования как термин в период формирования в России изобразительного искусства в эпоху барокко . Использование слова "живопись" в то время применялось только к определённому виду реалистичного изображения красками. Но изначально оно происходит от церковной техники рисования икон, в которой использовано слово "писать" (относящееся к письменности) потому, что это слово является переводом значения в греческих текстах (вот такие "трудности перевода"). Развитие в России собственной художественной школы и наследование европейских академических знаний в области искусства, развило область применения русского слова "живопись", вписав его в образовательную терминологию и литературный язык. Но в русском языке так и образовалась особенность значения глагола "писать" в отношении письменности и рисования картин.
В ходе развития изобразительного искусства сформировались несколько классических жанров картин, которые обрели свои особенности и правила.
Портрет
— это реалистичное изображение человека, в котором художник пытается добиться сходства с оригиналом. Один из самых популярных жанров живописи. Большинство заказчиков использовали талант художников, чтобы увековечить собственное изображение или, желая получить изображение близкого человека, родственника и т.п. Заказчики стремились получить портретное сходство (или даже приукрасить его) оставив в истории зрительное воплощение. Портреты различных стилей являются самой массовой частью экспозиции большинства художественных музеев и частных коллекций. Данный жанр включает в себя и такую разновидность портрета, как автопортрет
— изображение самого художника, написанное им самим.
Пейзаж
— один из популярных живописных жанров, в котором художник стремится отобразить природу, её красоту или особенность. Различные виды природы (настроение времени года и погоды) оказывают яркое эмоциональное влияние на любого зрителя - это психологическая особенность человека. Стремление получить эмоциональное впечатление от пейзажей сделало этот жанр одним из самых популярных в художественном творчестве.
— этот жанр во многом похож на пейзаж, но имеет ключевую особенность: на картинах изображаются пейзажи с участием архитектурных объектов, зданий или городов. Особое направление - уличные виды городов, передающие атмосферу места. Ещё одним направлением этого жанра является изображение красоты архитектуры конкретного здания - его внешнего вида или изображения его интерьеров.
— жанр, в котором основным сюжетом картин является историческое событие или его интерпретация художником. Что интересно - к этому жанру относится огромное количество картин на библейскую тему. Так как в средневековье библейские сюжеты считались "историческим" событиями и основными заказчиками этих картин была церковь. "Исторические" библейские сюжеты присутствуют в творчестве большинства художников. Второе рождение исторической живописи происходит во времена неоклассицизма, когда художники обращаются к известным историческим сюжетам, событиям из времён античности или национальным легендам.
— отражает сцены войн и сражений. Особенностью является не только желание отразить историческое событие, но и донести зрителю эмоциональное возвышение подвига и героизма. В последующем, этот жанр становится ещё и политическим, позволяя художнику доносить зрителю свой взгляд (своё отношение) на происходящее. Подобный эффект политического акцента и силу таланта художника мы можем видеть в творчестве В. Верещагина .
— это жанр живописи с композициями из неодушевлённых предметов, с использованием цветов, продуктов, посуды. Этот жанр один из самых поздних и сформировался в голландской школе живописи. Возможно, его появление вызвано особенностью голландской школы. Экономический расцвет 17 века в Голландии привёл к стремлению к доступной роскоши (картинам) у значительного количества населения. Эта ситуация привлекла в Голландию большое количество художников, вызвав острую конкуренцию среди них. Бедным художникам были недоступны модели и мастерские (люди в соответствующих одеждах). Рисуя картины на продажу, они использовали подручные средства (предметы) для композиций картин. Эта ситуация в истории голландской школы является причиной развития жанровой живописи.
Жанровая живопись
— сюжетом картин являются бытовые сцены повседневной жизни или праздников, обычно - с участием простых людей. Так же как и натюрморт, получает распространение у художников Голландии в 17 веке. В период романтизма и неоклассицизма этот жанр обретает новое рождение, картины стремятся не столько отразить повседневный быт, сколько романтизировать его, внести в сюжет определённый смысл или мораль.
Марина
— вид пейзажа, в котором изображаются морские виды, прибрежные пейзажи с видом на море, восходы и закаты на море, корабли или даже морские сражения. Хотя существует и отдельный батальный жанр, но морские сражения всё равно относятся к жанру "марина". Развитие и популяризация этого жанра также можно отнести к голландской школе 17 века. Пользовался популярностью в России благодаря творчеству Айвазовского .
— особенностью этого жанра является создание реалистичных картин, изображающих красоту животных и птиц. Одной из интересных особенностей этого жанра является наличие картин, изображающих несуществующих или мифических животных. Художники, которые специализирующиеся на изображениях животных называются анималистами
.
Потребность в реалистичном изображении существовала с древнейших времён, но имела ряд недостатков из-за отсутствия технологий, систематизированной школы и образования. В древности чаще можно встретить примеры прикладной и монументальной живописи с техникой рисования по штукатурке. Во времена античности, большее значение придавалось таланту исполнителя, художники были ограничены в технологии изготовления красок и возможности получить систематизированное образование. Но уже в античности сформировались специализированные знания и труды (Витрувий), которые будут основой нового расцвета европейского искусства в эпоху Возрождения. Декоративная живопись получала существенное развитие во времена греческой и римской античности (школа утеряна в средние века) уровень которой был, достигнут только после 15 века.
Роспись римской фрески (Помпеи I век до н.э.), пример уровня техники античной живописи:
"Тёмные века" средневековья, воинствующее христианство и инквизиция приводят к запретам на изучение художественного наследия античности. Огромный опыт античных мастеров, знания в области пропорций, композиции, архитектуры и скульптуры оказываются под запретом, а многие художественные ценности уничтожаются из-за их посвящения античным божествам. Возвращение к ценностям искусства и науки в Европе происходит только в период Ренессанса (возрождения).
Художникам раннего Ренессанса (возрождения) приходится навёрстывать и возрождать достижения и уровень античных художников. То, чем мы восхищаемся в работах художников раннего Возрождения, было уровнем мастеров Рима. Наглядный пример потери нескольких веков развития европейского искусства (и цивилизации) в период "тёмных веков" средневековья, воинствующего христианство и инквизиции - разница между этими картинами 14 веков!
Возникновение и распространение технологии изготовления масляных красок и техники рисования ими в 15 веке порождает развитие станковой живописи и особый вид продукции художников - цветные картины масляными красками на грунтованном холсте или дереве.
Огромный скачок в качественном развитии живопись получает в эпоху Ренессанса , во многом благодаря труду Леона Баттиста Альберти (1404-1472 гг.). Он впервые изложил основы перспективы в живописи (трактат "О живописи" 1436 г.). Ему (его трудам по систематизации научных знаний) европейская художественная школа обязана появлению (возрождению) реалистичной перспективы и естественности пропорций в картинах художников. Знаменитый и знакомый многим рисунок Леонардо да Винчи "Витрувианский человек " (пропорции человека) 1493 года, посвящённый систематизации античных знаний Витрувия о пропорциях и композиции, был создан Леонардо на полвека позже трактата Альберти "О живописи". И труд Леонардо является продолжением развития европейской (итальянской) художественной школы Эпохи Ренессанса.
Но яркое и массовое развитие живопись получила, начиная с 16-17 веков, когда стала распространенной техника масляной живописи, появились различные технологии изготовления красок и сформировались школы живописи. Именно система знаний и художественного образования (техника рисования), в сочетании со спросом на произведения искусства у аристократии и монархов приводит к бурному расцвету изобразительного искусства в Европе (период барокко).
Неограниченные финансовые возможности европейских монархий, аристократии и предпринимателей стали прекрасной почвой для дальнейшего развития живописи в 17-19 веках. А ослабление влияния церкви и светский образ жизни (помноженные на развитие протестантизма) позволили родиться множеству сюжетов, стилей и направлений в живописи (барокко и рококо).
В ходе развития изобразительного искусства, художниками сформировано множество стилей и техник, которые приводят к высочайшему уровню реализма в произведениях. К концу 19 века (с приходом модернистских течений) в живописи начинаются интересные трансформации. Доступность художественного образования, массовая конкуренция и высокие требования к мастерству художников у публики (и покупателей) порождают новые направления в способах выражения. Изобразительное искусство уже не ограничено только уровнем техники исполнения, художники стремятся внести в произведения особые значения, способы "взгляда" и философию. Что часто идёт в ущерб уровню исполнения, становится спекуляцией или способом эпатажа. Разнообразие возникающих стилей, оживлённые обсуждения и даже скандалы порождают развитие интереса к новым формам живописи.
Современные компьютерные (цифровые) технологии рисования относятся к графике и не могут называться живописью, хотя многие компьютерные программы и оборудование позволяют полностью повторять любые техники рисования красками.
Развитие русской живописи в этот период также характеризуется двумя основными тенденциями:
Развитие местных школ на основе традиций, сложившихся в домонгольский период;
Начало процесса слияния местных художественных школ в единую общерусскую живописную школу.
4.1. Как и в предшествующий период,определяющее влияние на развитие живописи оказывала церковь.
4.2. Основным направлением в развитии живописи по-прежнему былаиконопись, что в значительной степени объясняется широким распространением на Руси деревянных храмов, не приспособленных для стенной росписи.
4.2.1. Новгородская иконописная школа характеризуется лаконичными композициями (на иконах, как правило, изображался один святой), четкостью рисунка, чистотой красок, высокой техникой.
4.2.2. Псковская иконопись отличалась от новгородской смелостью композиции, типами лиц, более тяжелыми фигурами.
4.2.3. Ведущее положение с XIV в. занимает Московская школа , сложившаяся на основе Ростово-Суздальской и вобравшая в себя лучшие достижения всехрусских школ.
4.3. Наряду с иконами широкое распространение получила и фреска. Начиная с XIV в. усложняется ее сюжет, появляется пространственный характер, вводится пейзаж, усиливается психологизм изображения.
4.4. Большое значение в живописи приобретает личность художника. Авторский стиль наиболее талантливых живописцев преодолевает влияние местных традиций. Творчество таких художников-иконописцев как Феофан Грек, Андрей Рублев, Дионисий выходит за рамки отдельных живописных школ.
4.4.1. Огромный вклад в развитие русской живописи внес гениальный художник Феофан Грек (ок. 1340-после 1405 гг.), приехавший из Византии. Его произведения (фрески, иконы) отличаются монументальностью, выразительностью образов, смелой и свободной живописной манерой. В творчестве Феофана Грека выделяются два периода: бунтарский новгородский и более спокойный московский. В Новгороде сохранились фрагменты его росписи церкви Спаса на Ильине. В Москве Феофан Грек расписал церковь Рождества Богородицы, Архангельский собор в Кремле и вместе с Андреем Рублевым и старцем Прохором - Благовещенский собор в Кремле (сохранилась часть иконостаса Благовещенского собора работы Феофана Грека).
4.4.2. Наивысший расцвет Московской школы связывают с именем современника Феофана Грека, великого русского художника Андрея Рублева, канонизированного Русской Православной Церковью. Произведения Андрея Рублева отличают глубокая человечность и возвышенная одухотворенность образов в сочетании с мягкостью и лиризмом. Самое известное его произведение, ставшее одной из вершин мирового искусства - икона Троица , написанная для иконостаса Троицкого собора Троице-Сергиевой Лавры (хранится в Третьяковской галерее). Кисти Рублева принадлежат также дошедшие до нас фресковая роспись Успенского собора во Владимире, иконы Звенигородского чина, Троицкого собора в Загорске, Благовещенского собора Московского Кремля и погибшие в XVIII в. фрески Спасского собора Спасо-Андроникова монастыря в Москве.
ИТОГИ
5.1. Завоевание Руси монголо-татарами существенно замедлило темпы культурно-исторического процеса, но не прервало его, не нарушило преемственность в развитии русской культуры так называемого домонгольского периода и периода ее восстановления и нового расцвета.
5.2. Русская культура сохранила национальный характер . Большую роль в передаче традиций и культурно-исторического опыта сыграли земли, не подвергшиеся разгрому, такие как Новгород и Псков. Насильственное вмешательство чужеродной культуры не уничтожило национальную самобытность и самостоятельность русской культуры.
5.3. Конец XIV-XV вв. характеризуются началом длительного процесса слияния местных литературных, архитектурных, художественных школ в единую национальную общерусскую школу . Продолжался процесс складывания русской народности.
ВОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ
