Густав Климт — великий австрийский художник. Является одним из основоположником австрийского модерна. Родился в 1862 году в Баумгартене. Его отец Эрнест Климт был художником-гравёром и ювелиром. Именно его деятельность натолкнула Густава ещё в молодом возрасте на мысль посвятить свою жизнь искусству. Положение страны в то время был бедственным, у людей зачастую не было работы, и поэтому семья будущего художника проводила в бедности. Густав был одним из семи детей в семье Климтов. Стоит отметить, что все трое сыновей Эрнеста стали художниками.
Как уже говорилось, первые уроки рисования Густав получил у отца. Затем было художественно-ремесленное училище. Первыми его работами были фрески для австрийских театров. Также он занимался оформлением зданий Бургтеатра и Художественно-исторического музея. Именно в это время зарождается его особый почерк, особый стиль живописи с преобладанием чувственности, орнаментализма, и . Его работы всё более обрастают декоративными элементами, что придаёт каждой работе особый смысл, символизм, зашифрованные послания.
Игра орнаментов и авангардного изображения натуры, пейзажа, совмещение различных стилей — всё это сделало Густава Климта одним из самых значительных художников-авангардистов, модернистов мирового значения. Слава пришла к нему ещё при жизни, что бывает очень редко с деятелями искусства, которые зачастую удостаиваются высшего признания только после смерти. В 1897году он стал почётным профессором Венской и Мюнхенской академии изобразительных искусств. Пожалуй, самой известной картиной Г.Климта стала картина «Поцелуй «. Силуэт целующейся пары, который растворён в цветной мозаике, пятен и орнаментальных узорах не даёт покоя уже много десятилетий всем искусствоведам. Не менее знаменитой считается и картина «Юдифь «.
Густав Климт никогда не был женат, но различные источники приписывают ему до сорока внебрачных детей. Великий художник-авангардист умер 6 февраля 1918 года в Вене.
Бетховенский фриз, Страдания человечества
Древо жизни
Йозеф Пембауэр старший
Медицина
Постер для первой выставки Сецессиона
К началу ХХ века Густав Климт уже полностью сформировался как художник с собственным стилем. Его произведения были популярны среди публики и знатоков искусства, многие заказчики мечтали стать обладателями шедевра от Климта. Некоторым из них это удавалось, и одним из таких счастливчиков стал банкир из Вены Адольф Стокле. Именно в его брюссельском особняке появилась картина работы Густава Климта, известная всему миру под названием «Древо жизни », с описанием которой мы вам предлагаем ознакомиться.
В 1904 году Стокле приступает к реализации своей мечты - строительству собственного дворца. Он был спроектирован в виде большого здания в три этажа из помещений кубической формы с облицовкой из белого мрамора. Для декорирования дворца банкир пригласил художников, состоявших в объединении «Венские мастерские». В их числе был и Густав Климт.
Ни в чем не ограничивая художников, Стокле предоставил им полную свободу действий. Работа над картиной «Древо жизни» Густава Климта началась в 1905 году. Художник решил украсить своими произведениями обеденный зал особняка и создал сложную композицию из 9 частей, которая сейчас носит название «фриз Стокле». Центром этой композиции является гобелен «Древо жизни».
Взгляду зрителя предстает удивительной красоты мозаика: на белоснежном мраморе раскинуло свои ветви большое дерево, переливающееся сиянием самоцветов и золотым блеском. Оно выполнено в излюбленной Климтом манере лоскутного одеяла, стилизованной под восточный манер - хозяин дворца был страстным почитателем искусства Востока. Символизм этого произведения перекликается с сюжетами многих мифологий народов мира: практически везде, включая Библию, встречается образ всемирного Древа, которое ассоциируется с жизнью, знаниями, родом, преемственностью поколений.
Спиралевидные ветви кружат зрителя в стремительном танце, шепча ему о бесконечности жизни как таковой, на каждой из них - десятки молодых побегов, увенчанных причудливыми плодами. Мягкая золотистая цветовая гамма гобелена «Древо жизни» придает этому танцу легкую торжественность, и лишь одно темное пятно омрачает праздник жизни - фигурка черной птицы, вестницы смерти, расположившаяся на одной из нижних веток. Это - своеобразное напоминание о том, что как жизнь невозможна без смерти, так и смерть всегда идет рядом с жизнью.
Картина «Древо жизни» Густава Климта имела особое значение для автора: художник считал ее одним из своих лучших декоративных произведений. После шести лет кропотливого труда все 9 элементов фриза Стокле, включая «Древо жизни», были закончены. Этот заказ был последней масштабной работой Климта - после него художник вернулся к написанию женских портретов и пейзажей.
Сегодня картина «Древо жизни», созданная в «золотой» период творчества Густава Климта, находится на прежнем месте - в особняке Стокле. Владельцами дворца являются потомки банкира-коллекционера. В 2009 г. зданию был присвоен статус памятника Всемирного наследия с занесением в список ЮНЕСКО. Особняк закрыт для туристов, поэтому истинным ценителям творчества Климта остается лишь любоваться репродукциями, сделанными с его золотого Древа жизни.
Символизм и описание работы.
Заказчик любил японские мотивы. Это сподвигло Климта на создание картины, которая хорошо вписалась бы в общую обстановку дома. Результатом этого стала знаменитая картина «Древо жизни». Она состоит из трех элементов, каждый из которых имеет свое значение. Первый элемент - девушка в массивном ярком одеянии, которая стоит слева от древа. Она олицетворяет собой ожидание. Справа мы видим мужчину и женщину, находящихся в теплых объятиях друг друга, укутанных ярким золотым одеялом. Они олицетворяют упоение. По центру же мы видим само «Древо жизни».
Три возраста женщины. Густав Климт.
Название картины довольно символично. Оно заставляет зрителя задуматься о том, что же именно имел в виду её автор, давая ей такое название. Возможно он хотел изобразить древо разума, упоминающееся в библии, а может это древо всего человеческого рода. Ветви дерева сплетаются в причудливые формы, соединяются друг с другом, создавая из листьев настоящую золотую сетку. Древо можно считать символом бесконечности.
Если внимательно рассмотреть картину, можно заметить на палантине девушки слева множество треугольников. Японцы считают эти фигуры символами мужского и женского начала. Европейцы же соотносят эти фигуры с трудами Фрейда, работами которого интересовался Густав. Нельзя точно утверждать, но, возможно, именно труды Зигмунда Фрейда вдохновили Климта на создание этого замечательного произведения искусства.
Художник создавал само золотое древо около шести лет. Он неспроста выполнил его в золотом цвете, который использовался в большом количестве его картин, период написания которых назвали золотым. Золотой цвет стал основой картины, а остальные цвета использовались для дополнения к древу.
Картина «Древо жизни» обновлено: Октябрь 25, 2017 автором: Валентина
Имя известного австрийского художника, графика и книжного иллюстратора Густава Климта (1862-1918) неразрывно связано со стилем модерн, и его картины – самое яркое его проявление. Климт был одним из самых интересных и востребованных представителей мирового изобразительного искусства. Он никогда не стремился демонстрировать публике свою исключительность. Работал он тихо, спокойно, делал только то, что считал необходимым, а, между тем, на свете было не так много мастеров, которые были бы так обласканы публикой, осыпаны заказами и не испытывали материальных затруднений. В этом одна из загадок Климта.
Климт родился в семье гравёра и ювелира недалеко от Вены. Отец не мог добиться достатка с помощью своего ремесла. Из бедности семья выйдет только после того, как Густав, окончив Школу декоративного искусства, вместе с братом Эрнстом и другом Францем Матчем создаст фирму по выполнению художественных и декоративных работ. В течение нескольких лет, пока существовала фирма, Климт завоевал славу лучшего в Австрии живописца-декоратора. Однако художник не был доволен собой, своим стилем. Все ещё было впереди.
Первые черты его неповторимого стиля проявились впервые в росписях большой лестницы венского Музея истории искусств, созданных в 1890-1891 годах. В 1897 году Климт возглавил Сецессион – объединение художников, созданное в противовес официальному искусству. В 1900 году он приступил к работе, предложенной Венским университетом, и представил роспись одного из плафонов – «Философия». Тогда-то и разразился скандал. На этом плафоне, а потом и на следующих – «Медицина» и «Юриспруденция» – художник нарушил все законы колорита и композиции, сочетая несочетаемое. На его панно человек предстает рабом своего естества, одержим болью, сексом и смертью. Такой Климт и шокировал, и очаровывал. Но скандал закончился тем, что художник, взяв денег взаймы, вернул университету аванс, а работы оставил себе. Заказов было так много, что это позволило ему быстро вернуть долг и в дальнейшем вообще не думать о деньгах.
Начался «золотой» период в творчестве Климта. Он пишет огромное количество картин, на которые, взглянув однажды, не забудешь никогда. Пишет ли он обнажённые, откровенно чувственные тела («Подруги», «Адам и Ева») или напряжение чувств между двумя возлюбленными («Любовь», «Поцелуй», «Упоение»), или портреты женщин по заказу (портреты Сони Книпс, Фрицы Ридлер, Адели Блох-Бауэр, Евгении и Меды Примавези, Фредерики Марии Биер) – в любом случае проявляется личное видение окружающего мира и человека в нём. И оно завораживает.
Вот, к примеру, . На возвышении (помост? холм?), усыпанном цветами, на фоне потемневшего золота изображены два юных возлюбленных, слившихся в поцелуе. На картине прорисованы лишь лицо девушки и голова юноши, руки обнимающихся молодых людей и нога девушки, висящая как будто над пропастью. Но самое главное – обе фигуры скрыты декоративными одеждами, украшенными спиралями, овалами, кругами и другими геометрическими фигурами, так что не сразу различишь скрытые под ними фигуры. Эта же манера свойственна и для портретов реальных женщин. Их много, женщин Климта. Очаровательные лица, прически, руки, украшения, но платья и фон, как в волшебном калейдоскопе, превращаются в неповторимую сказочную декорацию. Именно так он видел человека, его красоту, слабости, страхи и страсти. А где этого не было, оставалась природа.
Художник писал пейзажи для себя. Так он отдыхал. Может, поэтому критики долгое время обходили их своим вниманием. Сегодня его пейзажная живопись признана лучшей частью его творчества. «Цветущий сад», «Деревенский сад с подсолнухами», «После дождя», «Поляна с маками», «Берёзовая роща» почти реалистичны. Почти, потому что налет декоративности присутствует и в них, делает пейзажи легкими, призрачными, воздушными. Возможно, это другая сторона личности художника: простота, спокойствие и легкость, которых так не хватает человеку с его страстями.
