Музей как пространство игры: интервью
с куратором Жан-Юбером Мартеном
Все статьи автора
— директор отдела культуры Posta-Magazine О музее XXI века, транcкультурных выставках и трудностях сохранения современного искусства в интервью Posta-Magazine рассказал Жан-Юбер Мартен, один из самых известных и авторитетных международных кураторов.
В 2021 году, за несколько месяцев до закрытия главного здания ГМИИ им. А. С. Пушкина на реконструкцию, в пустующих залах музея развернется курируемая Жан-Юбером Мартеном выставка «Древние украли все наши идеи».
Основу выставки, состоящей из тридцати тематических глав, составит коллекция Пушкинского музея, которую дополнят многочисленные произведения из других российских и зарубежных собраний. Жан-Юбер Мартен известен громкими проектами, расширяющими границы искусства, в которых он объединяет разные культуры, смешивает эпохи, признанные шедевры и работы, на которые традиционная история искусств смотрит свысока. Такова будет и готовящаяся выставка в Москве: сложносочиненное, многослойное повествование, каждую главу которого откроет знаковое для Пушкинского музея произведение, представленное в неожиданном контексте из ряда работ отечественных и зарубежных художников, а также анонимных мастеров древних цивилизаций. Одним словом, это будет время открытий, столь любимых самим Мартеном.
Бывший директор парижского Центра Помпиду, Кунстхалле в Берне и других крупных музеев, Жан-Юбер Мартен впервые показал европейской публике искусство Ильи Кабакова, курировал первую парижскую выставку Казимира Малевича, открыл имена уже ставших прижизненными классиками Кристиана Болтански, Аннет Мессаже, Даниеля Бюрена и других. С Россией его связывает давняя дружба: он выступал сокуратором легендарных перекрестных выставок «Париж — Москва» (1979) и «Москва — Париж» (1981), а также III Московской биеннале современного искусства в 2009 году.
Мы встретились с Жан-Юбером Мартеном в Пушкинском музее на ежегодной международной конференции «Випперовские чтения», посвященной развитию музеев в современном мире и программе «Пушкинский XXI», которая призвана знакомить зрителя с актуальным искусством наших дней и одновременно интегрировать его в классическое наследие.
: В вашей лекции на «Випперовских чтениях» вы говорили о необходимости адаптации музеев к современным реалиям, в частности к цифровой культуре. Какая модель общения со зрителем, на ваш взгляд, наиболее перспективна?
: Я не говорю о том, что все музеи должны измениться, но в некоторых случаях необходимо уходить от хронологического принципа подачи информации. Если зритель не профессиональный искусствовед и не обладает узкоспециальными знаниями по теме, он не может соотнести то, что видит на выставке, с историческим контекстом.
Для меня важно, что говорят и как выглядят сами произведения искусства, и это считывается без дополнительных подсказок в виде экспликаций даже неподготовленным зрителем. Мне интересно находить параллели в искусстве разных эпох и культур. Я считаю, что произведение искусства только выигрывает, если мы представляем его не сухим академическим языком, а в игровой форме, лишая его в некотором смысле нимба сакральности, который нередко мешает непредвзятому, непосредственному восприятию.
Вы также говорили о том, что хотите, чтобы зрители воспринимали выставки как развлечение, приятное времяпрепровождение, как, например, музыкальный концерт, но при этом, разумеется, интеллектуальное. Сохраняется ли сегодня восприятие музеев широкой публикой как заведений «высокой», а потому сложной для восприятия культуры, по вашему мнению?
Думаю, да. Что, в общем, не так уж неправильно. Но нам необходим баланс: с одной стороны, мы должны объяснить ценность великого произведения искусства, но, с другой, ничто не мешает нам предстать с менее «ценными» работами или объектами массовой культуры. Это разрушает сложившуюся иерархию «высокого» и «низкого», позволяет посмотреть на искусство свежим взглядом, открыть неожиданные аналогии.
В Великобритании и ряде других стран музеи сегодня рассматриваются не только как хранители культурного наследия, но и агенты позитивных социальных изменений. Каким потенциалом обладают музеи в этом качестве, по-вашему?
Социальный аспект крайне важен. В музее встречаются люди из разных социальных слоев. Даже если они не общаются друг с другом на выставке, их объединяет сам факт того, что они находятся в одном пространстве, куда их привела общая потребность: понять мир через искусство. Возвращаясь к тому, что я говорил ранее о развлечении: думаю, что, обращаясь к эмоциям зрителей, позволяя им получать удовольствие от искусства, куратор пробуждает их любопытство, мотивирует узнать больше о художнике, эпохе и т. д.
Каким образом музеи интегрированы в арт-рынок?
Музеи связаны с арт-рынком в том смысле, что время от времени они покупают произведения искусства для своих фондов, а также могут сотрудничать с коммерческими галереями, которые предоставляют работы для того или иного выставочного проекта. В остальном музейная и коммерческая сферы у нас во Франции строго разделены. Так, согласно профессиональной этике, куратор не может работать в музее и при этом быть вовлеченным в арт-рынок.
В чем особенности руководства музея классического и современного искусства?
Это совершенно разные вещи. Музей современного искусства имеет дело не только с работами, но часто и с самими художниками, с которыми необходимо выстраивать диалог. А, скажем, в музее древностей вы работаете исключительно с произведениями прошлого, которые интерпретируете. У меня часто возникает чувство, что, если бы в офис куратора явился Рембрандт или Хогарт, то он бы их выгнал, потому что его взгляды на искусство Рембрандта и Хогарта не совпали бы с тем, что он мог бы услышать от самих авторов. (Смеется.)
И собственно музеефикация современного искусства сопряжена с определенными сложностями...
Одна из проблем музеев современного искусства в том, что многие работы — инсталляции — занимают много места и, более того, нередко хрупки и быстро разрушаются. Если живопись и скульптуру не так сложно перемещать из хранилища в музейный зал и обратно, то с современным искусством дело обстоит иначе: зачастую оно требует специфических технических навыков для монтажа и демонтажа — умения обращаться с камерами, видеопроекторами, световым оборудованием и т. п.
Технологии развиваются так быстро — как, например, быть с устареванием видеоформатов?
На этот счет существуют две противоположных точки зрения. Одни считают, что, скажем, в инсталляции Нам Джун Пайка (американо-корейский художник, пионер видеоарта. — Прим. ред. ) 1950-х годов сегодня нужно использовать ту же модель телевизора, что была в оригинале. Другие, зачастую сами художники, гораздо легче к этому относятся, разрешают такие технические замены, если это не нарушает художественного замысла. Так, музеям очень дорого обходится хранение кассет VHS, которые требуют не только определенных условий, но и реставрации пленки. Появились даже специальные компании, которые восстанавливают VHS и переводят их в цифровой формат.
Общий принцип вашей кураторской практики можно определить как преодоление временных и пространственных границ и общепринятых концептов. Насколько этот подход сегодня получил распространение?
Одна из самых выраженных тенденций сегодня — концепция трансисторических и транскультурных выставок. Во французском языке мы обозначаем ее термином décloisonnement, что означает «устранение границ, преград». Она имеет своих сторонников и противников и сейчас является предметом обсуждений и споров. В конце 1960-х, когда я был студентом, нас учили, что на одной выставке нельзя представлять предметы из разных исторических и географических контекстов, если у них нет никаких точек пересечения. Но этот академический подход постепенно теряет позиции с развитием глобализации. Сегодня мы значительно свободнее. И художники, и зрители иначе воспринимают мир, способны сравнивать и проводить аналогии. Поэтому в одном выставочном пространстве могут появляться предметы из совершенно не связанных контекстов, но при этом объединенные по какому-то другому признаку: формы, цвета, материала. Это стимулирует воображение и новые идеи. Я убежден, что в интерпретации искусства мы не должны ограничиваться историческим аспектом. Что, собственно, только подчеркивает его поэтическую, вневременную сущность.
Мне кажется, это похоже на то, что происходит в современном театре, где зритель часто становится соавтором или непосредственным участником спектакля.
Да, эта тенденция наблюдается и в других видах искусства. В музыкальном концерте, например, Моцарт может соседствовать одновременно с The Beatles и Кейджем, и это интересно, потому что позволяет избавляться от ярлыков и сформированных представлений. Более того — такой подход привлекает в музеи молодую аудиторию, которая формируется современной эклектичной культурой.
Когда вы только начали практиковать ваш подход, приходилось сталкиваться с сопротивлением? Как вы его преодолевали?
Было непросто. (Смеется.) В 1978-м, когда я курировал первую в Париже выставку Малевича, я заметил любопытную вещь: критики и журналисты подходили ко мне, задавали вопросы так, как будто я был живым голосом Малевича. Мне это казалось таким странным. И я подумал: не хочу на всю оставшуюся жизнь остаться специалистом по Малевичу. Я очень любопытен. Для меня искусство — фантастическая область, неисчерпаемый источник открытий. Притом что я высоко ценю профессионалов в той или иной узкой области, самому мне гораздо интереснее история искусств во всем многообразии и сложности. Но в то же время мне доставляет удовольствие анализировать конкретные работы, открывая в них все новые значения и спрятанные смыслы. Отсюда и мой синтетический подход.
В какой стадии сейчас подготовка выставки в Пушкинском музее?
В довольно продвинутой, мы многое сделали, потому что изначально она планировалась на 2019 год, но в связи с проектом по реконструкции главного здания ее сдвинули на 2021 год. Я работаю над этой выставкой почти два года, у меня уже есть общая структура и список экспонатов. Конечно, некоторые детали в процессе изменятся, но принципиальная концепция готова.
Расскажите о своих недавних искусствоведческих открытиях — возможно, в процессе работы над выставкой в Пушкинском музее.
Пару недель назад я получил каталог выставки «Искусство смеха» в Музее Франса Халса, который с большим удовольствием прочел от корки до корки. Выставка посвящена комической живописи XVII столетия, золотого века голландского искусства, и является результатом многолетнего исследования. Картины с юмористическими сюжетами — довольно интересный культурный факт для тогдашнего протестантского общества. Долгое время считалось, что эта живопись, часто фривольного содержания, служила антипримером, показывая, как нельзя себя вести. Но, согласитесь, сложно представить себе отца семейства, повесившего у себя дома в столовой сцену с женщинами легкого поведения, который говорит своим детям, что они ни в коем случае не должны повторять ее в жизни. Конечно, были люди, которые строго придерживались религиозных норм, но были и другие, которые к морали относились менее серьезно и к тому же имели достаточно денег, чтобы заказывать художникам подобного рода картины.
Как сегодня меняется образование в области искусства?
Все зависит от страны. Я могу говорить, как обстоят дела во Франции. Начиная с 1960-1970-х годов, с появлением концептуального искусства, художественные школы развивались очень быстро. В некоторых случаях даже слишком быстро. В конце 1970-х был момент, когда в вузах совсем перестали преподавать рисунок и живопись, но сейчас мы к этому вновь возвращаемся. Надеюсь, что сегодня установился определенный баланс. У нас много художественных школ, и каждая специализируется на том или ином направлении, так что студенты могут выбирать, исходя из своих интересов и навыков, которые они хотят освоить.
КУЛЬТУРА И ТРАДИЦИИ ГОЛЛАНДИИ
Отправляясь на отдых в Голландию, не удивляйтесь глубоким различиями в наших культурах.
Это может походить на клише, но голландцы неистово либеральны и полагают, что человек должен быть свободным и независимым, делать то, что он хочет, пока это не причиняет беспокойства другим людям. Социальные отношения в Голландии легко можно проиллюстрировать наличием в свободной продаже так называемых «мягких» наркотиков. Они также либеральны по отношению к еде и всяческим диетам - без всяких угрызений совести едят холестериновое мясо, десерты и запивают все алкоголем.
Голландцы очень сдержанны и терпимы к чужому мнению, их вежливость вошла в поговорку.
Роскошно одеваться в Амстердаме не принято: это признак расточительности, а значит дурной тон. К тому же амстердамцы - народ простой, и считают, что даже если кто и располагает большими средствами, то совершенно незачем выставлять этот факт напоказ и добиваться чьего-то расположения своим видом.
Живопись всегда занимала первые места на повестке дня в Голландии. Нидерланды породили целое царство известных живописцев - Рембрант, Франс Халс, Джохэйннс Вермир, Винсент ван Гог, Пиет Мондриан, Мауриц Ешер.
Мировую славу завоевал нидерландский балет. Большие успехи достигнуты в области оперного искусства. В Нидерландах работают около десяти симфонических оркестров.
ПРАЗДНИКИ
В канун Нового года голландцы празднуют день святого Сильвестра. 31 декабря все спешат встать пораньше: тот, кто встал последним, получает прозвище “Сильвестр” и должен заплатить штраф. В старые времена девушки старались быть особо прилежными и выполнить всю свою работу до захода солнца, чтобы в наступающем году обязательно выйти замуж. А голландские дети больше всего любят день Святого Николая (5 декабря). В этот день они устраивают костюмированные шествия и получают в подарок мешочки с традиционными сладостями. И все же главный праздник - это 25 декабря, Рождество.
Голландские тюльпаны
В Голландию тюльпаны завезли из Турции, поэтому их стали называть «тюльпан» (от искаженного турецкого «тюрбан» – головной убор). В Золотом веке тюльпан стал символом благосостояния голландцев. В 30-е гг. XVII в. три луковицы сорта Семпер Август (Semper Augustus) были проданы на аукционе за 30 тыс. гульденов (столько же стоил дом в самом престижном районе Амстердама).
История с тюльпанами - возможно, самый известный случай, когда люди ради быстрого обогащения совершали необдуманные поступки. Эта история началась в 1593 году, когда некий голландский профессор привез домой из Турции луковицы необычных цветов. В последующее десятилетие цветы имели большой успех, и вскоре их цена резко возросла. Многие из цветов были подвержены воздействию специфических цветочных заболеваний, что привело к появлению тюльпанов с более оригинальной окраской, которые ценились еще дороже.
Вскоре «тюльпания» набрала неслыханные обороты. Торговцы закупали все больше и больше тюльпанов. Цены на луковицы росли все быстрее. Люди стали видеть в тюльпанах очень привлекательный инвестиционный инструмент. В этот процесс оказались вовлечены буквально все слои общества. Пик «увлечения» тюльпанами пришелся на 1634-1637 года. Люди продавали свои земли, дома, драгоценности, надеясь, что тюльпаны сделают их богаче. Все ожидали, что скоро другие страны начнут также покупать луковицы, и цены возрастут еще больше. В 1637 году некоторые инвесторы решили зафиксировать часть прибыли и начали продавать тюльпаны. Хотя правительство уверяло, что никаких причин для беспокойства не существует, никто уже не слушал. Цены снижались с катастрофической быстротой. Вскоре цена на луковицу тюльпана практически не отличалась от цены обыкновенного лука.
Кто-то может возразить, что в этой истории есть выигравшие и проигравшие. В самом деле, те, кто был вначале этого процесса, получили сверхвысокие доходы. Те, кто присоединились позже и не успели во время продать, потеряли практически все. Но, в конечном счете, проигравшими оказались все жители страны, поскольку вскоре после окончания «тюльпании» в Голландии наступил жестокий экономический кризис.
В XV в. большинство голландских земель входило в состав герцогства Бургундского. Его властитель Карл Смелый пытался создать крупную европейскую державу, соперничая с Францией, но в 1477 г. погиб, и в результате брака его единственной наследницы Марии Бургундской с Максимилианом Габсбургом Голландия вскоре вошли в состав Священной Римской империи.
При внуке Максимилиана, Карле V, Голландия как одна из отдельных составных частей его гигантских владений были расширены за счет присоединения к ним с севера еще шести областей. После отречения Карла V от престола страна в составе 17 провинций была унаследована в 1556 г. сыном Карла, королем Испании Филиппом II. Население Голландии составляло тогда почти 3 млн. человек. Плотность его была очень велика, в стране насчитывалось около 300 городов и 6500 деревень.
Число жителей главного порта страны Антверпена превысило в 1550 г. 100 тысяч. По уровненю развития городов и их культура Голландия уступала в Европе только Италии.
Распространение Реформации, в том числе кальвинистской, вызвало в Голландии при Филиппе II, воинствующем католике, особенно жестокие преследования, обострившие обстановку в стране. В 1566 г. выступлениями дворянской оппозиции и иконоборческими движениями в разных городах началось восстание в Голландии, которое переросло в затянувшуюся на десятилетия освободительную войну против гнета испанцев.
В 1579 г. южные провинции, отказавшись от дальнейшей борьбы, пошли на соглашение с Филиппом II и остались под его властью, в то время как группа северных провинций создала собственную республику и низложила Филиппа II. После вооруженной борьбы Испания в 1609 г. была вынуждена заключить перемирие с непокорными, а в 1648 г., после Тридцатилетней войны в Европе, Республика Соединенных провинций получила международную юридическую санкцию своей независимости.
Возрастающее экономическое могущество способствовало большому расцвету культуры. Всему миру известны, например, знаменитые голландские живописцы семнадцатого века: Рембрант, Вермеер, Халс.
По развитию культуры Голландия - весьма богатая страна. Лидирующее положение среди прочих искусств здесь занимала живопись. Именно она открыла мир голландцам и миру голландцев. Уже в первые десятилетия XV в. являются гении братьев ван Эйков, ван дер Вейдена, ван дер Гуса, Мамлинка, Иеронимуса Босха. Думаю, перечисленных имен достаточно, чтобы понять, какой масштаб был у голландской школы живописи.
Музыка. Голландская полифоническая школа XV - XVI вв. оказала огромное воздействие на всю европейскую музыку эпохи Возрождения. Именно голландцы Дюпре, Окегем, Обрехт, Вилларт, Лассо стали родоначальниками школ полифонии во Франции, Германии, Италии, Швейцарии, Чехии; именно голландцы создали классические образцы важнейших музыкальных жанров: мессы, мотета, мадригала, шансона и заложили тем самым основы инструментальной музыки Нового времени. Понятно, что школа полифонии для музыки - то же самое, что перспектива для живописи.
Период от конца первой трети XV в. и до последней трети XVI в. (творчество П. Брейгеля) - это и есть временные границы Ренессанса в Голландии.
Отличительным явлением в истории литературы этой страны была активная деятельность риторических кружков, так называемых рейдекеров (камер риторов). Именно риторы усовершенствовали до виртуозности технику стихосложения, рифмовку, ввели новые формы: оду, сонет, эпиграмму. Они же заложили фундамент национального театра. Из их среды вышли многие гуманисты, ибо там ценилась ученость.
В начале следующего столетия в творчестве Анны Бейнс (1493 - 1575) проявляется уже настоящая поэзия. Темы поэтессы: несчастная любовь женщины, страстная ненависть католички к инакомыслящим, протестантам.
Фламандский клирик Маттейс де Кастелейн прославился своими песенками (он сочинял и стихи, и музыку), он же был автором большой поэмы «Искусство риторики». Кастелейн же первым в Голландии обратился к метрическим стихам.
Антверпенец ван Тистеле перевел Теренция, Софокла, Овидия, Вергилия и Горация.
Риторами же были и многие из народных поэтов эпохи Голландской буржуазной революции и Антииспанской войны, тех, кто называл себя гёзами. Роман Шарля де Костера «Тиль Уленшпигель» талантливо, красочно и занимательно рассказывает о жизне в стране.
Не все гёзы сегодня безымянны. Сохранились имена Адриана Валериуса, Филиппа Марникса, Яна Утенкиве, Петруса Датена.
Что же касается главных творцов Ренессанса - гуманистов, то в Голландии они собирались в особые союзы, или коммуны -«братства совместной жизни». Первое такое братство было основано в 1374 г. (как раз в год смерти Петрарки) сыном девентерского патриция Гертом Гроте (1340 - 1384).
В общем-то, это, конечно, монастыри, в которых утверждалась идея личного обращения к Богу и веры по внутреннему убеждению, подобные братства скоро распространились по всей стране, при них организовались латинские школы, а с конца XV в. печатники Девентера стали издавать Гесиода, Плутарха, Эзопа, Вергилия, Петрарку, Лоренцо Валлу и др.
Таким образом, гуманизм и Реформация (с испанцами-то воевали не в последнюю очередь за свободу веры, и монастырские коммуны, воплощавшие свободу индивидуальной веры - тоже ересь с точки зрения Ватикана) в Голландии имели общие истоки. В течение XV и начала XVI в. они дифференцируются, а знаменитая полемика 20-х гг. XVI в. между Эразмом и Лютером о свободе воли проводит между гуманистами и реформантами окончательную границу.
Преемники Гроте, воспитанники латинской школы в Гронингене Вессел Гансфорт и Рудольф Хюсман по прозванию Агрикола едут в Италию, где приобщаются к ренессансной культуре.
Агрикола (1443 - 1495) - поэт, живописец и музыкант - провел в Италии десять лет (1469 - 1479), штудируя и переводя античных авторов. Написанная им в Ферраре для студентов университета «Речь во славу философии и остальных искусств» стала манифестом гуманистической философии. Он был первым нидерландским homo universalis. Он же был первым критиком схоластов. Его труд «Об искусстве спора» оказал колоссальное влияние на многих гуманистов. Эразм считал Агриколу «отцом немецкого гуманизма».
К концу XV в. Лёвен, а с начала XVI в. и Антверпен приобретают европейскую репутацию культурных центров.
Мировую славу голландскому гуманизму принес Эразм Роттердамский. Это псевдоним Герта Гертсена (1466 - 1536), писавшего на латыни и бывшего одним из лучших мастеров латинской прозы эпохи Возрождения.
Эразм был гражданином мира (космополитом), он жил и учился в разных странах Европы: во Франции и Англии, Швейцарии и Германии; он был одним из лидеров общеевропейского гуманизма, а уж для немецкого - имел значение исключительное.
Крупнейшим же представителем голландского реализма середины XVII в. является великий Рембрандт (1606 — 1669). Его многожанровая живопись (картины на мифологические сюжеты, портреты, пейзажи) проникнута тонким пониманием человеческой психологии («Ночной дозор», «Святое семейство», «Даная», «Возвращение блудного сына» и др.).
Традиции «золотого века» голландской живописи продолжались и в последующие эпохи. Достаточно вспомнить имя Ван Гога (1853 - 1890), представителя постимпрессионизма («Ночное кафе», «Пейзаж в Овере после дождя» и др.). Далеко за пределами страны известно имя просветителя Эразма Роттердамского (1466 — 1536).
Его произведение «Похвальное слово глупости» содержит острую критику церкви и феодальных порядков.
XVII в. был эпохой небывалого расцвета изобразительного искусства и в других европейских странах. Наиболее яркие школы родились на территории бывших Нидерландов. Эта страна распалась на две части Голландию (семь северных провинций), отделившуюся от Испании и ставшую самостоятельной протестантской республикой, и Фландрию (современная Бельгия), что осталась под протекторатом Испании, сохранив приверженность католицизму.
Символом фламандской живописи на все времена стал Питер Пауль Рубенс (). Рубенс сделал прекрасную дипломатическую карьеру, имел самую большую в Европе мастерскую и армию преданных учеников, был богат и жил в Антверпене в собственном дворце. Но его внешность изящного, вполне светского человека была обманчива.
Превыше всех благ художник ценил тихие прелести семейного очага. Он был женат дважды, и оба раза удачно. Первая жена Изабелла Брандт была из очень состоятельного бюргерского рода. Атмосферу счастья семейной жизни художник передал в работе «Автопортрет с Изабеллой Брандт» (1609), где изобразил себя и жену под ветвями цветущей жимолости. После смерти Изабеллы, на 54-м году он женился на молоденькой дальней родственнице своей первой жены Елене Фоурмен. Эта женщина стала его музой («Елена Фоурмен с детьми», 1636, «Шубка», 1639).
Самое же примечательное, что Рубенс был необыкновенно удачлив в творчестве. Он получал заказы от самых влиятельных и состоятельных особ Европы. Его не преследовала инквизиция, несмотря на склонность художника к обнаженной натуре. Более того, орден иезуитов был среди постоянных заказчиков мастера.
Признанный законодатель барокко, мастер, судя по всему, не был ни философом, ни психологом. Религиозный дух также совершенно ушел из его живописи, уступив место торжеству здоровой, хотя и не всегда красивой плоти. Сила, страстность, необузданность образов Рубенса сочеталась с вполне простонародным взглядом на натуру, красота которой подразумевала прежде всего здоровое и откормленное тело.
У Рубенса, певца борений, побед и вакханалий, был любимый ученик, выдающийся фламандский художник Антонис ван Дейк (). Судьба ван Дейка была совсем другой. Получив хорошее образование и не желая конкурировать с Рубенсом, он покидает Антверпен и поступает на службу к английскому королю Карлу I. Антонис ван Дейк Английский король Карл I
Близкие по духу сюжеты охотно рисовал Иордане, повторяя в разных вариантах рассказ о том, как сатир зашел в гости к крестьянам, или о том, как пьянствует «бобовый король». Другой ученик и ближайший помощник Рубенса Якоб Иордане () был истым фламандцем, а его картины воплощением плебейской непосредственности, жизнерадостности и некоторой традиционной народной фривольности.
В XVII в. фламандское искусство обогатилось натюрмортом самостоятельным жанром живописи. Крупным мастером монументального натюрморта, составленного из даров природы и охоты, был друг Рубенса Франс Снейдерс (). Преувеличенные в масштабах сочные плоды, битая птица, овощи, морская и речная рыба, нагроможденные на столе, являют собой сказочное изобилие, даримое людям для счастливой и богатой жизни.
В Голландии, буржуазной республике, отринувшей католическую веру в пользу протестантизма, у художников были иные возможности и традиции. Живописцы работали в условиях рынка и не зависели от заказов короля или церкви. Их картины покупали (или не покупали) зажиточные граждане, любившие украшать живописью стены своих домов. Следовательно, вкус горожан-обывателей, высшей ценностью для которых было благополучие и покой семьи, определял содержание полотен.
Что хотели видеть на картинах голландцы? То, к чему они привыкли и что было не слишком обременительным для их интеллекта: уютные городские дворики, чистые комнаты домов, аккуратных, с неприметной внешностью хозяек в белых чепчиках, худосочных девушек, занимающихся шитьем, чтением или игрой на клавесине. Быт в этих полотнах представлен правдиво до мелочей, а простые обыденные сцены, изображенные художниками, можно было ежедневно наблюдать вокруг. Говорят, что по предметам, написанным на картинах голландцев, историки могут изучать экономику и торговые связи в XVII столетии.
Крупнейшим портретистом среди них был Франс Хальс (ок). Сего полотен смотрят на нас энергичные предприимчивые люди хозяева своей судьбы. Обратим внимание: художник охотно воспроизводил смеющиеся лица, умея уловить то состояние души, что сегодня мы называем «моментом истины». Франс Хальс
«Великим малым голландцем» нередко называют Яна Вермера, вошедшего в историю живописи как Вермер Делфтский (). Он писал те же бесхитростные бытовые сцены и пейзажи, что и его собратья по профессии. Величие же художника в колористических находках, в умении искусно воплощать воздух, цвет и свет. «Девушка, читающая письмо»«Офицер и смеющаяся девушка»
Вермер, как никто другой, чувствовал световоздушную среду и стал первым среди живописцев писать пейзажи с натуры, на пленэре (свежем воздухе), предвосхитив манеру импрессионистов XIX в. Полотна Вермера играют яркими свежими красками, дарящими наслаждение глазу, а душе настроение покоя и тишины. «Улочка», 1658«Вид Делфта», 1660
Вершина голландского искусства XVII в. творчество гениального художника Харменса ван Рейна Рембрандта (). Удивительно, но никуда не выезжая из своей маленькой бюргерской страны и не получив широкого образования, Рембрандт создал творения мирового общечеловеческого звучания. Современники это не слишком понимали и относились к художнику снисходительно, не замалчивая его «слабостей».
Осознание того, что именно Рембрандту удалось снять с голландской художественной культуры упрек в заземленности, пришло значительно позднее. Рембрандту дано было соединить простые житейские истины с высоким духовным опытом человечества, пройдя путь исканий от барочных композиций до высокого реализма.
Художник родился в Лейдене в семье мельника; после латинской школы некоторое время посещал Лейденский университет, но оставил учебу ради занятий живописью. В 1632 г. он переехал в Амстердам. Слава пришла к молодому мастеру с созданием картины «Урок анатомии», на которой изображен доктор Тульп, со знанием дела объясняющий своим ученикам строение мышц человека у препарированного трупа.
В 1634 г. Рембрандт женился на любимой девушке Саскии ван Эйленборх. Саския была из знатной семьи, и брак открыл дорогу в патрицианские круги столицы. Приданое невесты обеспечило материальную свободу, к тому же Рембрандт стал получать много выгодных заказов.
Период жизни с Саскией был самым счастливым для художника. Он много работал, и из под его кисти выходили образы, отмеченные радостью бытия. Свою юную жену, кстати, далеко не красавицу, он превратил в обворожительную богиню весны Флору, украшенную цветами и ожерельями, одетую в парчу (это полотно находится в собрании Эрмитажа).
В 1642 г. жизнь художника резко изменилась. Умерла Саския, исчезла муза, вдохновлявшая мастера. С этого времени наступает новый период его творчества, начало которому положило знаменитое полотно «Ночной дозор». Работа создавалась по заказу, как групповой портрет стрелковой роты. Военные хотели видеть на полотне прежде всего свои собственные лица.
Возмущению заказчиков не было предела, они потребовали вернуть деньги. Мастер был оскорблен. С этого момента произошел разрыв Рембрандта с кругом аристократов, и кривая его благополучия резко пошла вниз. Рембрандт же резко изменил традиции и создал картину с иным сюжетом: рота, обуреваемая патриотическим порывом, выступает в поход. Освещенными в композиции оказались лишь немногие фигуры переднего плана, остальные же персонажи ушли в тень и перемешались с посторонними людьми.
С возрастом художник изменился сам, стали другими и его подходы к творчеству. Зрелого Рембрандта отличает удивительная простота, отсутствие внешних эффектов, лишних деталей. Он любил писать бедняков, слепых, нищих, старух и стариков, подчеркивая в их образах мудрое знание житейских проблем.
Сюжеты Рембрандт чаще всего черпал в Библии (за исключением портретов), все увереннее сближая евангельские религиозные идеи с духовными запросами современного человека. Он научился открывать в некрасивой натуре возвышенную красоту, тем самым утверждая христианскую истину о тленности земного и вечности небесного.
Последнее десятилетие самая трагическая страница жизни Рембрандта. Умерли вторая жена и сын. Окружающие считали его неудачником, несостоявшимся художником. Он растерял друзей и ютился в бедной квартирке на задворках Амстердама, но не утратил творческого дара.
Композиция картины предельно проста. Сын- странник в грязном рубище, упавший на колени перед отцом, олицетворяет трагедию и раскаяние. Старик-отец, все простивший, счастливый, с выражением бесконечной доброты на полуослепшем лице, возложил руки на страдальца. В картине есть предельная напряженность чувств и озаренность мысли. А еще тревожащий болью сердца вопрос: не так ли и мы, заблудшие души, должны припасть в раскаянии к стопам своего небесного Отца?
После смерти Рембрандта начинается упадок голландской живописи, а затем наступает конец великой эпохи взлета национального художественного творчества. Быть может, поэтому голландцы и сегодня так любят и берегут свое блестящее прошлое. Музей Рембрандта в Амстердаме
Специфические черты культуры Нидерландов
Замечание 1
Культура Нидерландов, как и всех стран мира, обладала своеобразными особенностями. Важное влияние на неё казали традиции позднего средневековья. Центром утончённой культуры в $XVI$ века являлся двор герцогов Бургундских. Аристократические черты основывались на рыцарских идеалах. В ней закреплялись образцы достойного поведения, которые многие десятилетия оказывали влияние на жизненный уклад придворных.
Одновременно в городах Нидерландов складывалось религиозно-мистическое представление о «современном благочестии». Его сторонники стремились возродить идеал раннего христианства, порицая формальное выполнение церковных обрядов. Участники движения «братья общей жизни» боролись за нравственное совершенствование человека, способствовали развитию школьного образования и религиозного просвещения. Их деятельность подготовила основу для распространения гуманизма и идей Реформации.
Наибольшие достижения в культуре Нидерландов связаны с развитием живописи и музыки. Нидерландская школа полифонии стала ведущей в музыкальном искусстве Европы. В 70 крупных городах работали мастера из Нидерландов, пропагандируя опыт отечественных музыкантов. Нидерландские живописцы отказались от готических традиций, переходя на ренессансные тенденции.
Художник Ян ванн Эйк (1390-1441 годы) считается основателем нидерландского Возрождения. Он прославился грандиозного шедевра «Гентский алтарь» и заложил основы портретного жанра. Его начинания продолжили живописцы Рогир ванн дер Вейден и Ганс Мемлинг .
Своеобразное творчество характерно для художника эпохи перехода от готики к Ренессансу Иеронима Босха (1450-1516 годы). Его мироощущение позволяло замечать повсюду переплетение красоты и дьявольщины. Он рисовал с натуры, соединяя её изображение с безудержным полётом своей фантазии.
Самым известным гуманистом Голландии считается Эразм Роттердамский (1469-1536 годы). Получив первичное образование в школе сторонников «современного благочестия», Эразм затем отправился на несколько лет в монастырь. Там он посвящал много времени изучению научных знаний и идей итальянского гуманизма. Позднее гуманист поступил в Парижский университет, путешествовал по Англии, Швейцарии, Италии и Германии. В 1517 году Роттердамский способствовал открытию в Лувене центра по изучению языков – древнегреческого, древнееврейского и классической латыни. После гонений инквизиции Эразм вынужден покинуть Нидерланды. Самыми признанными произведениями писателя стали «Воспитание христианского государя» и «Разговоры запросто». В первой книге он преподносит основы политической этики для просвещённого правителя. Вторая книга посвящена основам педагогики.
Замечание 2
Особенностью нидерландской литературы является отсутствие в стране языкового единства. Распространены были диалекты нидерландского языка и французский говор. На нидерландском языке писали редерейкеры (мастера красноречия). Они устраивали поэтические состязания между городами и между поэтами внутри городов. Основная тематика – любовная лирика и драматические произведения.
Значительное место в литературе занимала публицистика. Она отражала борьбу против испанского владычества и спорам между религиозными оппонентами. Участником такой полемики стал Филипп Марник (1538-1598 годы). Он являлся сподвижником Вильгельма Оранского и ярым кальвинистом. Его памфлет «Улей святой римской церкви» (написан в 1569 году) прославился антикатолической направленностью. Его перу приписываю текс песни, современного гимна Нидерландов.
Дирк Коорнхерт (1522-1590 годы) боролся за внедрение веротерпимости. Его книга «Этика» утверждает необходимость соблюдения принципа религиозной свободы.
