Trucco. Cura dei capelli. Cura della pelle

Tipi di belle arti.

Pittura

La pittura è una delle più antiche forme d'arte associate alla trasmissione di immagini visive mediante l'applicazione di vernici su una base solida o flessibile. Le opere pittoriche più comuni sono realizzate su superfici piane o quasi piane, come tela tesa su telaio, legno, cartone, carta, superfici murali trattate, ecc. In senso stretto, il termine pittura si oppone alle opere realizzate su carta , per cui si usa il termine - arti grafiche .

Irina Shanko
"Marzo, sulla costa del Golfo di Finlandia"
tela, olio
33/58
2011

Classificazione.

Inoltre, la pittura può essere divisa in cavalletto e monumentale. Ecco una divisione approssimativa in questi tipi, sebbene quasi tutti i materiali per pittura da cavalletto possano essere utilizzati nella pittura monumentale. La pittura da cavalletto comprende opere "piccole" che possono essere posizionate su un cavalletto o più. Monumentale, pittura la cui base di solito non è tollerata: parete, soffitto, ecc.

cavalletto:

Pittura a olio, una tecnica che utilizza vernici con olio vegetale come legante principale. I colori ad olio sono costituiti da pigmenti secchi e olio essiccante.

Shanko Irina, "Barche addormentate", olio su tela, 50/60, 2014

Dipinto a tempera, il legante è il tuorlo di un uovo di gallina.

Questo tipo di pittura prende il nome dal nome della vernice - tempera. Al centro di questa parola c'è il latino temperare, che significa "mescolare". La tecnologia per la produzione di questa vernice era approssimativamente la seguente. I pigmenti sono stati triturati con acqua ed essiccati. Quindi venivano mescolati con un uovo, diluito con colla, aceto, vino o birra.

La tecnica pittorica a tempera consisteva nell'applicazione successiva di più strati. Sulla superficie preparata è stato applicato un leggero strato di vernice. In primo luogo, gli artisti hanno delineato i contorni, rappresentato l'ambiente, la natura, i vestiti. Le immagini delle persone sono state disegnate nella fase finale. Allo stesso tempo, nella pittura a tempera era molto importante che ciascuno degli strati si asciugasse bene, altrimenti quelli successivi potevano sfocarsi. Fortunatamente, la struttura delle vernici ha permesso loro di asciugarsi molto rapidamente. Pertanto, il lavoro dell'artista sull'immagine è stato quasi continuo.

Andrey Rublev, "Trinità", 1411 o 1425-27, tempera su tavola, 142/114 cm, Galleria Statale Tretyakov, Mosca.

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Pittura adesiva, a base di colla animale Tecnica in cui il legante del pigmento è la colla: animale (pesce, pelle, osso, caseina) o vegetale (amido, gomma adragante).

Le vernici nella pittura adesiva sono opache, opache, la superficie della pittura è opaca. Con un alto contenuto di colla nella vernice, la superficie diventa lucida e il colore diventa più intenso.

Maria con Gesù dormiente, 1455.

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Encausto, pittura a cera.

L'encausto (dall'altro greco ἐγκαυστική - [arte] che brucia) è una tecnica pittorica in cui la cera è il legante dei colori. La pittura viene eseguita con vernici in forma fusa (da cui il nome).

Apostolo Pietro (n. VI secolo)

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Monumentale:

Affresco, una delle tecniche di pittura murale caratterizzata dalla scrittura su intonaco fresco.

Affresco (dall'affresco italiano - fresco), affresco (affresco italiano) - la pittura su intonaco bagnato è una delle tecniche di pittura murale, l'opposto di "A secco" (pittura a secco). La calce contenuta nell'intonaco, una volta essiccata, forma un sottile film trasparente di calcio, che rende durevole l'affresco.

Attualmente, il termine "affresco" può essere utilizzato per riferirsi a qualsiasi pittura murale, indipendentemente dalla sua tecnica (e secco, tempera, pittura a olio, pittura acrilica, ecc.). A volte scrivono tempera su un affresco già asciutto.

Affresco romano, 40-30 a.C e.

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E secco, al contrario di affresco, è dipingere su intonaco secco.

E secco è anche chiamato pittura di caseina e silicato (la pittura minerale è un tipo tecnico di pittura monumentale basata sull'uso di vetro solubile come legante.) su intonaco essiccato. Viene utilizzato per eseguire lavori sia sulle superfici interne che esterne degli edifici. La tecnica consente successivi aggiustamenti con tempera e risciacquo con acqua pulita.

Leonardo Da Vinci. L'ultima cena.1498

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Sgrafito, pittura murale, la cui essenza è l'applicazione multilivello della vernice.

Sgraffito (sgraffito italiano) o graffito (graffito italiano) è una tecnica per creare immagini murali, il cui merito è la loro grande durata.

Il caso più semplice di graffito bicolore è l'applicazione di uno strato di intonaco sul muro, che differisce per colore dalla base. Se in alcuni punti lo strato risulta graffiato, quello inferiore, di colore diverso, risulterà esposto e si otterrà un motivo bicolore. Per ottenere uno sgraffito multicolore, vengono applicati al muro più strati di intonaco di diversi colori (l'intonaco è dipinto con pigmenti diversi); l'intonaco viene quindi raschiato a profondità variabili per esporre lo strato di colore desiderato.

Tali murales sono molto laboriosi, sono difficili da correggere, quindi per eseguire murales con questa tecnica viene spesso utilizzato uno stencil per evitare errori.

Sgraffito bicolore, Březnice, Repubblica Ceca

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Vernici acriliche, a base d'acqua.

Le vernici acriliche diventano più scure man mano che si asciugano. Possono anche essere usati in alternativa alla pittura ad olio utilizzando tecniche ampiamente conosciute. Si asciugano molto rapidamente: questo è il loro vantaggio rispetto ad altre vernici. Può essere applicato sia allo stato molto liquido, diluito (diluito con acqua), sia allo stato pastoso, addensato con speciali addensanti usati dagli artisti, mentre l'acrilico non forma crepe, a differenza dei colori ad olio. La vernice si stende con una pellicola uniforme, brilla poco, non necessita di fissaggi con fissativi e vernici, tende a formare una pellicola che viene lavata dopo l'asciugatura solo con appositi solventi.

I colori e le vernici acriliche possono essere utilizzati su qualsiasi base non grassa.

La vernice acrilica fresca può essere facilmente rimossa dagli oggetti con acqua, ma richiede solventi speciali quando si asciuga.

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Studenti, dottorandi, giovani scienziati che utilizzano la base di conoscenza nei loro studi e nel loro lavoro ti saranno molto grati.

INTRODUZIONE

1. TIPI DI PITTURA

2. LA PITTURA EI SUOI ​​GENERI

CONCLUSIONE

BIBLIOGRAFIA

INTRODUZIONE

La parola "pittura" è formata dalle parole "vivere" e "scrivere". "Dipingere", spiega Dahl, "per rappresentare correttamente e vividamente con un pennello o con le parole, con una penna". Per il pittore raffigurare correttamente significa l'esatto trasferimento dell'aspetto esteriore di ciò che ha visto, le sue caratteristiche più importanti. È stato possibile trasmetterli correttamente con mezzi grafici: linea e tono. Ma è impossibile trasmettere vividamente con questi mezzi limitati il ​​\u200b\u200bmulticolore del mondo circostante, la pulsazione della vita in ogni centimetro della superficie colorata di un oggetto, il fascino di questa vita e il costante movimento e cambiamento. La pittura, uno dei tipi di belle arti, aiuta a riflettere veramente il colore del mondo reale.

Il colore - il principale mezzo pittorico ed espressivo nella pittura - ha tono, saturazione e leggerezza; sembra fondere in un tutto tutto ciò che è caratteristico del soggetto: sia ciò che può essere rappresentato da una linea, sia ciò che le è inaccessibile.

La pittura, come la grafica, utilizza linee, tratti e punti chiari e scuri, ma a differenza di essa, queste linee, tratti e punti sono colorati. Trasmettono il colore della sorgente luminosa attraverso l'abbagliamento e le superfici luminose, scolpiscono una forma tridimensionale con il colore dell'oggetto (locale) e il colore riflesso dall'ambiente, stabiliscono relazioni spaziali e profondità, raffigurano la consistenza e la materialità degli oggetti.

Il compito della pittura non è solo mostrare qualcosa, ma anche rivelare l'essenza interiore del raffigurato, riprodurre "personaggi tipici in circostanze tipiche". Pertanto, una vera generalizzazione artistica dei fenomeni della vita è alla base delle basi della pittura realistica.

1. TIPI DI PITTURA

pittura monumentale- Questo è un tipo speciale di dipinti su larga scala, che decorano pareti e soffitti di strutture architettoniche. Rivela il contenuto dei principali fenomeni sociali che hanno avuto un impatto positivo sullo sviluppo della società, li glorifica e li perpetua, aiutando a educare le persone allo spirito del patriottismo, del progresso e dell'umanità. L'altezza del contenuto della pittura monumentale, le dimensioni significative delle sue opere, il legame con l'architettura richiedono grandi masse di colore, rigorosa semplicità e laconismo della composizione, chiarezza dei contorni e generalizzazione della forma plastica.

pittura decorativa Viene utilizzato per decorare edifici e interni sotto forma di pannelli colorati che, con un'immagine realistica, creano l'illusione di uno sfondamento del muro, un aumento visivo delle dimensioni della stanza o, al contrario, confermano forme deliberatamente appiattite la planarità del muro e l'isolamento dello spazio. Motivi, ghirlande, ghirlande e altri tipi di decorazioni che adornano le opere di pittura e scultura monumentali collegano tra loro tutti gli elementi degli interni, sottolineandone la bellezza, la coerenza con l'architettura.

Pittura teatrale e decorativa(scenografie, costumi, trucco, oggetti di scena, realizzati secondo gli schizzi dell'artista) aiuta a rivelare più profondamente il contenuto della performance. Le particolari condizioni teatrali per la percezione della scenografia impongono di tenere conto dei molteplici punti di vista del pubblico, della loro grande distanza, dell'impatto dell'illuminazione artificiale e delle luci colorate. Lo scenario dà un'idea del luogo e del tempo dell'azione, attiva la percezione dello spettatore di ciò che sta accadendo sul palco. L'artista teatrale cerca di esprimere in modo netto il carattere individuale dei personaggi, il loro status sociale, lo stile dell'epoca e molto altro negli schizzi di costumi e trucco.

pittura in miniatura fu molto sviluppato nel Medioevo, prima dell'invenzione della stampa. I libri scritti a mano erano decorati con i migliori copricapi, finali e dettagliate illustrazioni in miniatura. Gli artisti russi della prima metà del XIX secolo usarono abilmente la tecnica pittorica della miniatura per creare piccoli ritratti (principalmente acquerelli). I colori puri e profondi degli acquerelli, le loro squisite combinazioni, la finezza del dipinto contraddistinguono questi ritratti, pieni di grazia e nobiltà.

pittura da cavalletto, eseguito su una macchina utensile - un cavalletto, utilizza legno, cartone, carta come base materiale, ma molto spesso una tela tesa su una barella. Un dipinto da cavalletto, essendo un'opera indipendente, può raffigurare assolutamente tutto: reale e immaginario dell'artista, oggetti e persone inanimati, modernità e storia - in una parola, la vita in tutte le sue manifestazioni. A differenza della grafica, la pittura da cavalletto ha una ricchezza di colori, che aiuta a trasmettere emotivamente, psicologicamente sfaccettati e sottilmente la bellezza del mondo circostante.

Per tecnica e mezzo di esecuzione la pittura si suddivide in olio, tempera, affresco, cera, mosaico, vetrata, acquerello, guazzo, pastello. Questi nomi derivavano dal legante o dal metodo di utilizzo del materiale e dei mezzi tecnici.

Pittura ad olio fatto con vernice cancellata su oli vegetali. La vernice densa, quando vengono aggiunti olio o speciali diluenti e vernici, si liquefa. La pittura ad olio può essere utilizzata su tela, legno, cartone, carta, metallo.

Tempera la pittura viene eseguita con vernice preparata su tuorlo d'uovo o caseina. La pittura a tempera si dissolve con l'acqua e viene applicata pastosa o liquida su muro, tela, carta, legno. Tempera in Rus ha creato pitture murali, icone e motivi su oggetti per la casa. Nel nostro tempo, la tempera è usata nella pittura e nella grafica, nelle arti e nei mestieri e nell'arte e nel design.

pittura ad affresco adorna gli interni sotto forma di composizioni monumentali e decorative applicate su intonaco fresco con vernici a base d'acqua. L'affresco ha una piacevole superficie opaca ed è durevole in condizioni interne.

pittura a cera(encausto) era utilizzato dagli artisti dell'antico Egitto, come testimoniano i famosi "ritratti di Fayum" (I secolo d.C.). Il legante nell'encausto è cera sbiancata. Le vernici a cera vengono applicate allo stato fuso su una base riscaldata, dopodiché vengono cauterizzate.

pittura a mosaico, o mosaico, è assemblato da singoli pezzi di pietre smaltate o colorate e fissato su uno speciale fondo cementizio. Lo smalto trasparente, inserito nel terreno da diverse angolazioni, riflette o rifrange la luce, facendo lampeggiare e luccicare il colore. I pannelli a mosaico possono essere trovati nella metropolitana, negli interni di teatri e musei, ecc. La pittura su vetro colorato è un'opera d'arte decorativa progettata per decorare le aperture delle finestre in qualsiasi struttura architettonica. La vetrata è composta da pezzi di vetro colorato fissati con un robusto telaio metallico. Il flusso luminoso, irrompendo attraverso la superficie colorata della vetrata, disegna sul pavimento e sulle pareti dell'interno motivi decorativi multicolori spettacolari.

2. LA PITTURA EI SUOI ​​GENERI

Generi di pittura (genere francese - genere, tipo) - la divisione storica dei dipinti secondo i temi e gli oggetti dell'immagine. Nella pittura moderna ci sono i seguenti generi: ritratto, storico, mitologico, battaglia, vita quotidiana, paesaggio, natura morta, genere animalesco.

Sebbene il concetto di "genere" sia apparso nella pittura relativamente di recente, alcune differenze di genere esistono fin dall'antichità: immagini di animali nelle grotte dell'era paleolitica, ritratti dell'antico Egitto e della Mesopotamia dal 3000 a.C., paesaggi e nature morte in epoca ellenistica e romana mosaici e affreschi. La formazione del genere come sistema nella pittura da cavalletto iniziò in Europa nei secoli XV-XV. e terminò principalmente nel XVII secolo, quando, oltre alla divisione delle belle arti in generi, apparve il concetto di generi "alto" e "basso", a seconda del soggetto dell'immagine, del tema, della trama.

Il genere "alto" includeva generi storici e mitologici, mentre il genere "basso" includeva ritratto, paesaggio e natura morta. Questa gradazione di generi durò fino al XIX secolo. Così, nel XVII secolo in Olanda, furono proprio i generi "bassi" a diventare protagonisti della pittura (paesaggio, genere quotidiano, natura morta), e il ritratto cerimoniale, che formalmente apparteneva al genere "basso" della ritrattistica, lo fece non appartenervi.

Divenuti una forma di riflesso della vita, i generi della pittura, con tutta la stabilità dei tratti comuni, non sono invariabili, si sviluppano insieme alla vita, mutando con lo sviluppo dell'arte. Alcuni generi muoiono o acquisiscono un nuovo significato (ad esempio, il genere mitologico), ne sorgono di nuovi, solitamente all'interno di quelli preesistenti (ad esempio, un paesaggio architettonico e un porto turistico sono apparsi all'interno del genere del paesaggio). Ci sono opere che combinano generi diversi (ad esempio, una combinazione di un genere quotidiano con un paesaggio, un ritratto di gruppo con un genere storico).

Viene chiamato un genere di belle arti che riflette l'aspetto esterno e interno di una persona o di un gruppo di persone ritratto. Questo genere è diffuso non solo nella pittura, ma anche nella scultura, nella grafica, ecc. I requisiti principali per un ritratto sono il trasferimento della somiglianza esterna e la divulgazione del mondo interiore, l'essenza del carattere di una persona. Per natura dell'immagine si distinguono due gruppi principali: ritratti cerimoniali e da camera. Il ritratto cerimoniale mostra una persona in piena crescita (a cavallo, in piedi o seduta), su uno sfondo architettonico o paesaggistico. In un ritratto da camera, un'immagine a mezzo busto o al petto viene utilizzata su uno sfondo neutro. Un autoritratto spicca in un gruppo speciale: l'immagine che l'artista ha di se stesso.

Il ritratto è uno dei generi più antichi di belle arti, in origine aveva uno scopo di culto, veniva identificato con l'anima del defunto. Nel mondo antico, il ritratto si sviluppò maggiormente nella scultura, così come nei ritratti pittorici: ritratti faiyum del I-III secolo. Nel Medioevo, il concetto di ritratto è stato sostituito da immagini generalizzate, sebbene vi siano alcune caratteristiche individuali nella raffigurazione di personaggi storici su affreschi, mosaici, icone e miniature. Il tardo gotico e il Rinascimento sono un periodo turbolento nello sviluppo del ritratto, quando il genere del ritratto sta emergendo, raggiungendo le vette della fede umanistica nell'uomo e della comprensione della sua vita spirituale.

Viene chiamato il genere di belle arti dedicato a eventi e personaggi storici genere storico. Il genere storico, caratterizzato dalla monumentalità, si è sviluppato da tempo nella pittura murale. Dal Rinascimento al XIX secolo gli artisti usavano le trame dell'antica mitologia, le leggende cristiane. Spesso i veri eventi storici rappresentati nella foto erano saturi di personaggi allegorici mitologici o biblici.

Il genere storico si intreccia con altri: il genere quotidiano (scene storiche e quotidiane), il ritratto (immagine di personaggi storici del passato, composizioni ritratto-storiche), il paesaggio ("paesaggio storico"), si fonde con il genere della battaglia.

Il genere storico è incarnato in forme da cavalletto e monumentali, in miniature e illustrazioni. Nato nell'antichità, il genere storico combinava eventi storici reali con miti. Nei paesi dell'Antico Oriente esistevano persino tipi di composizioni simboliche (l'apoteosi delle vittorie militari del monarca, il trasferimento del potere a lui da parte di una divinità) e cicli narrativi di murales e rilievi. Nell'antica Grecia c'erano immagini scultoree di eroi storici, nell'antica Roma venivano creati rilievi con scene di campagne militari e trionfi.

Nel Medioevo in Europa, gli eventi storici si riflettevano nelle miniature delle cronache, nelle icone. Il genere storico nella pittura da cavalletto iniziò a prendere forma in Europa durante il Rinascimento, nei secoli XVII-XVIII. era considerato un genere "alto", che portava alla ribalta (trame religiose, mitologiche, allegoriche, anzi storiche).

Le immagini del genere storico erano piene di contenuti drammatici, alti ideali estetici e profondità delle relazioni umane.

Si chiama il genere di belle arti dedicato agli eroi e agli eventi di cui parlano i miti dei popoli antichi genere mitologico(dal greco. mythos - tradizione). Il genere mitologico entra in contatto con lo storico e prende forma nel Rinascimento, quando le antiche leggende fornivano le più ricche opportunità per l'incarnazione di storie e personaggi con complesse sfumature etiche, spesso allegoriche. Nel 17 ° secolo -- Presto XIX secolo nelle opere del genere mitologico si amplia la gamma di problemi morali ed estetici, che si incarnano in alti ideali artistici e si avvicinano alla vita o creano uno spettacolo festoso. Dal XIX al XX secolo. divennero popolari i temi dei miti germanici, celtici, indiani, slavi.

genere di battaglia(dal francese bataille - battaglia) è un genere di pittura che fa parte del genere storico, mitologico ed è specializzato nella rappresentazione di battaglie, imprese militari, operazioni militari, glorificazione dell'abilità militare, furia della battaglia, trionfo della vittoria. Il genere della battaglia può includere elementi di altri generi: domestico, ritratto, paesaggio, animalesco, natura morta.

Viene chiamato un genere di belle arti che mostra scene della vita quotidiana e personale di una persona, la vita quotidiana della vita contadina e urbana genere quotidiano. Un appello alla vita e ai costumi delle persone si trova già nei dipinti e nei rilievi dell'Antico Oriente, nella pittura vascolare antica e nella scultura, nelle icone medievali e nei libri orari. Ma il genere quotidiano si è distinto e ha acquisito forme caratteristiche solo come fenomeno dell'arte secolare da cavalletto. Le sue caratteristiche principali cominciarono a prendere forma nei secoli XIV - XV. in dipinti d'altare, rilievi, arazzi, miniature nei Paesi Bassi, Germania, Francia. Nel XVI secolo nei Paesi Bassi, il genere quotidiano iniziò a svilupparsi rapidamente e divenne isolato. Uno dei suoi fondatori fu Hieronymus Bosch.

Lo sviluppo del genere quotidiano in Europa è stato fortemente influenzato dal lavoro di Pieter Brueghel: passa a un puro genere quotidiano, mostra che la vita quotidiana può essere oggetto di studio e fonte di bellezza. Il XVII secolo può essere definito il secolo del genere quotidiano in tutte le scuole di pittura d'Europa.

Nel XVIII sec. in Francia la pittura di genere si associa alla raffigurazione di scene galanti, "pastorali", diventa raffinata e aggraziata, ironica. Le opere del genere quotidiano sono diverse: hanno mostrato il calore della vita domestica e l'esotismo di terre lontane, esperienze sentimentali e passioni romantiche. Il genere quotidiano, incentrato sulla rappresentazione della vita contadina e della vita di un cittadino, si sviluppò vividamente nella pittura russa del XIX secolo: ad esempio, nelle opere di A.G. Venetsianov, P.A. Fedotov, V.G. Perov, I.E. Repin.

Viene chiamato il genere delle belle arti, dove la cosa principale è l'immagine della natura, dell'ambiente, delle vedute della campagna, delle città, dei monumenti storici paesaggio(pagamento francese). Ci sono paesaggi rurali, urbani, architettonici, industriali, marini (marina) e fluviali.

Nell'antichità e nel medioevo il paesaggio compare nelle pitture di templi, palazzi, icone e miniature. Nell'arte europea, i pittori veneziani del Rinascimento furono i primi a rivolgersi all'immagine della natura. Dal 16° secolo il paesaggio diventa un genere indipendente, si formano le sue varietà e direzioni: paesaggio lirico, eroico, documentario. Nel 19 ° secolo le scoperte creative dei maestri del paesaggio, la sua saturazione di questioni sociali, lo sviluppo del plein air (l'immagine dell'ambiente naturale) culminato nelle conquiste dell'impressionismo, che ha dato nuove opportunità nella pittoresca trasmissione della profondità spaziale, il variabilità dell'ambiente di luce e aria e complessità dei colori.

Viene chiamato un genere di belle arti che mostra oggetti per la casa, lavoro, creatività, fiori, frutti, selvaggina morta, pesce pescato, collocati in un vero ambiente domestico natura morta(fr. nature morte - natura morta). Una natura morta può essere dotata di un significato simbolico complesso, svolgere il ruolo di un pannello decorativo, essere un cosiddetto. "inganno", che dà una riproduzione illusoria di oggetti o figure reali, provocando l'effetto della presenza della natura genuina.

L'immagine degli oggetti è nota nell'arte dell'antichità e del Medioevo. Ma la prima natura morta nella pittura da cavalletto è il dipinto dell'artista veneziano Jacopo de Barbari "Pernice con freccia e guanti". Già nel '500 la natura morta si articola in molte tipologie: l'interno di una cucina con o senza persone, una tavola imbandita in ambiente rurale, "vanitas" con oggetti simbolici (un vaso di fiori, una candela spenta, strumenti musicali ). La natura morta olandese era particolarmente ricca, modesta nel colore e nelle cose raffigurate, ma squisita nella trama espressiva degli oggetti, nel gioco di colori e luci.

Viene chiamato un genere di belle arti raffiguranti animali genere animale(dal lat. animale - animale). L'artista animale presta attenzione alle caratteristiche artistiche e figurative dell'animale, alle sue abitudini, all'espressività decorativa della figura, alla silhouette. Spesso gli animali sono dotati di tratti inerenti a persone, azioni ed esperienze. Le immagini di animali si trovano spesso nella scultura antica, nella pittura vascolare.

CONCLUSIONE

In conclusione, riassumiamo quanto sopra:

La pittura è divisa in monumentale, decorativa, teatrale e decorativa, miniatura e cavalletto.

Per tecnica e mezzo di esecuzione la pittura si suddivide in olio, tempera, affresco, cera, mosaico, vetrata, acquerello, guazzo, pastello.

Nella pittura moderna ci sono i seguenti generi: ritratto, storico, mitologico, battaglia, vita quotidiana, paesaggio, natura morta, genere animalesco.

La pittura storica è un'immagine di alcuni momenti storici, così come figure della vita pubblica del passato.

La pittura di battaglia mira a catturare battaglie, battaglie e guerre. La pittura mitologica raffigura eventi descritti in miti, poemi epici e leggende.

La pittura quotidiana (di genere) è un'immagine di scene di vita reale, le sue realtà e attributi.

La pittura di paesaggio (paesaggio) è un'immagine della natura naturale o di qualsiasi area.

La pittura di ritratto è una rappresentazione artistica di una persona. Un tipo specifico di ritratto è l'autoritratto.

Una natura morta è un'immagine di vari oggetti inanimati, ad esempio frutta, fiori, oggetti per la casa, utensili, collocati in un ambiente domestico reale e organizzati compositivamente in un unico gruppo.

BIBLIOGRAFIA

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10. Suzdalev P. Sui generi della pittura. // Creatività, 2004, n. 2, 3. P. 45-49.

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L'uomo ha sempre cercato la bellezza, l'armonia e l'espressione di sé. Questo desiderio fin dai tempi antichi si manifesta in pittura- una forma d'arte, le cui prime opere possiamo incontrare nell'uomo primitivo.

Pittura trasmette immagini visive applicando vernici su una base solida o flessibile (tela, legno, carta, cartone). A seconda delle vernici e dei materiali utilizzati, le basi si distinguono per vari tecnologia E tipi di pittura. Tra loro:

• olio;
• tempera;
• smalto;
• guazzo;
• pastello;
• inchiostro;
• pittura su intonaco: affresco ea secco;
• acquerello;
• pennello asciutto;
• acrilico;
• tecnica mista
• e molti altri.

Ci sono molte tecniche pittoriche. Tutto ciò che lascia traccia su qualcosa, in senso stretto, è pittura: la pittura è creata dalla natura, dal tempo e dall'uomo.

Il colore nella pitturaè uno dei più importanti mezzi di espressione. Lui stesso può essere portatore di una certa idea, inoltre, può rafforzare ripetutamente il pensiero incorporato nella trama dell'immagine.

La pittura può risvegliare in noi un'ampia varietà di sentimenti ed emozioni. Contemplare, puoi riempire con un senso di armonia e pace, alleviare lo stress E immergersi nella contemplazione, Posso ricaricare le batterie e la volontà di realizzare i tuoi sogni. Un'immagine emotivamente vicina è in grado di attirare l'attenzione per ore e il proprietario di un'immagine del genere troverà in essa ogni volta nuovi significati, idee e messaggi dell'artista. La contemplazione è una forma di meditazione in cui ti immergi nel tuo mondo interiore e trascorri il tempo tanto necessario da solo.

Oltretutto, pittura come ogni altra forma d'arte, ti aiuta ad esprimerti, le tue emozioni e il tuo umore, allevia lo stress e la tensione interiore e talvolta trova risposte a domande importanti.

Per molte persone dipingere diventa non solo un piacevole passatempo, ma anche un utile passatempo che ha un effetto benefico sullo stato interiore. Creando qualcosa di nuovo, una persona rivela il suo potenziale, realizza le sue capacità creative, conosce se stesso e il mondo che lo circonda.

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La pittura è un intero mondo di bellezza, immagini e colori. Se vuoi diventare un partecipante diretto alla sua creazione, allora le lezioni di pittura sono per te!

contorno - contorni lineari della figura raffigurata, il suo contorno.

Arte astratta - una delle tendenze formaliste nelle arti visive, sorte tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Gli astrattisti si sono rifiutati di rappresentare oggetti e fenomeni del mondo oggettivo (da qui un altro nome per astrattismo - arte non oggettiva). Il loro lavoro è un tentativo di esprimere i propri sentimenti e pensieri attraverso combinazioni di colori di punti o linee da soli, senza raffigurare oggetti e oggetti reali. Gli astrattisti abbandonarono il disegno, la prospettiva, il colore e tutti gli altri mezzi del linguaggio visivo dell'arte pittorica. Con ciò hanno violato i fondamenti professionali della pittura, distrutto le sue vere possibilità artistiche. L'astrattismo sfigura i gusti estetici delle persone, le allontana dalla comprensione della bellezza della natura e della vita.

Adattamento - la proprietà dell'occhio di adattarsi a determinate condizioni di illuminazione. Ci sono adattamenti alla luce, all'oscurità e anche al colore. La particolarità di quest'ultimo sta nell'adattabilità dell'occhio a non notare il colore dell'illuminazione sugli oggetti.

In condizioni di penombra e in generale in condizioni di scarsa luminosità dell'occhio, le terminazioni nervose (fotorecettori) dette bastoncelli sono le più sensibili alla luce. Con il loro aiuto, l'occhio percepisce le gradazioni di bianco e nero. In condizioni di luce intensa durante il giorno, altri fotorecettori sono più sensibili: i coni, con l'aiuto dei quali viene percepito il colore. Con l'adattamento alla luce, la sensibilità della vista diminuisce e con l'adattamento all'oscurità aumenta. Quando l'occhio si adatta all'oscurità, iniziamo a distinguere chiaramente i dettagli del paesaggio. A causa della maggiore sensibilità dell'occhio all'oscurità in una giornata nuvolosa e al tramonto, l'artista alle prime armi perde di vista il livello di illuminazione generale, che in queste condizioni è molto più debole che in una giornata soleggiata o grigio chiaro. Al crepuscolo, gli oggetti luminosi non gli sembrano ridotti di luminosità nella misura in cui l'illuminazione è diventata inferiore alla precedente illuminazione diurna. Nota male anche i rapporti tonali più stretti caratteristici del crepuscolo e di una giornata grigia. Inoltre, nonostante l'oscuramento, l'artista alle prime armi distingue in natura (o ombre) gradazioni di luce e ombra molto sottili sugli oggetti e consente un'eccessiva variegatura e frammentazione. Pertanto, all'inizio non è in grado di valutare e trasmettere con precisione quegli effettivi cambiamenti di luminosità e colore che si verificano in natura.

L'adattamento si basa su vari cambiamenti che si verificano nei nostri occhi quando l'intensità della luce cambia. Quindi, ad esempio, durante il giorno la pupilla diminuisce di 1-2 mm, a seguito della quale passa poca luce nell'occhio. Al buio si espande di 8-10 mm, lasciando entrare molta luce. Sapendo che l'area della pupilla è proporzionale al quadrato del diametro, si può stabilire che se la pupilla raddoppia di dimensioni, allora la quantità di luce da essa trasmessa aumenta di quattro volte; se la pupilla viene ingrandita quattro volte, la quantità di luce trasmessa da essa aumenta di 16 volte. Questo è in parte il motivo per cui distinguiamo i principali rapporti di luce al crepuscolo. Il riflesso pupillare alla luce e al buio compensa quindi in una certa misura la diminuzione dell'illuminazione.

Accademicismo - un termine valutativo che si riferisce a quelle tendenze nell'arte, i cui rappresentanti sono interamente orientati verso autorità artistiche consolidate, credono che il progresso dell'arte moderna non sia in connessione vivente con la vita, ma nella sua più vicina approssimazione agli ideali e alle forme d'arte del passato epoche, e difendere assoluto, indipendente dal luogo e dal tempo, la norma della bellezza. Storicamente, l'accademismo è associato alle attività delle accademie che hanno educato giovani artisti nello spirito di seguire irragionevolmente i modelli dell'arte dell'antichità e del Rinascimento italiano. Nata per la prima volta nell'Accademia bolognese del XVI secolo, questa tendenza si sviluppò ampiamente nelle accademie dei tempi successivi; era caratteristico dell'Accademia delle arti russa nel 19 ° secolo, che provocò una lotta con l'accademia di artisti realisti avanzati. Canonizzando metodi e trame classicisti, l'accademismo ha separato l'arte dalla modernità, dichiarandola “bassa”, “bassa”, indegna dell'arte “alta”.

Il concetto di accademismo non può essere identificato con tutte le attività delle accademie d'arte del passato. C'erano molte virtù nel sistema di istruzione accademica. In particolare, sulla base di una lunga tradizione, un'alta cultura del disegno, che costituiva uno dei punti di forza della formazione accademica.

Colori ad acquerello - adesivo acquoso da pigmenti finemente macinati mescolati con gomma, destrina, glicerina, a volte con miele o sciroppo di zucchero; sono prodotti secchi - sotto forma di piastrelle, semiumidi - in tazze di porcellana o semiliquidi - in tubi.

L'acquerello può essere scritto immediatamente su carta asciutta o bagnata, a colori, e puoi lavorare con la velatura, affinando gradualmente i rapporti cromatici della natura. Devi sapere che l'acquerello non tollera correzioni, torture, numerose registrazioni ripetute con colori misti.

Spesso i pittori usano la tecnica dell'acquerello in combinazione con altri materiali: guazzo, tempera, carboncino. Tuttavia, in questo caso, si perdono le qualità principali della pittura ad acquerello: saturazione, trasparenza, purezza e freschezza, cioè esattamente ciò che distingue l'acquerello da qualsiasi altra tecnica.

Accento - la tecnica per sottolineare la linea, il tono o il colore di qualsiasi oggetto espressivo, i dettagli dell'immagine su cui è necessario dirigere l'attenzione dello spettatore.

Alla prima - una tecnica in acquerello o pittura a olio, consistente nel fatto che uno schizzo o un'immagine è scritto senza registrazione preliminare e pittura di fondo, a volte contemporaneamente, in una sessione.

Pittore di animali - un artista che ha dedicato principalmente il suo lavoro alla raffigurazione di animali.

colori acromatici - bianco, grigio, nero; differiscono solo per la leggerezza e sono privi di tonalità di colore. Al contrario, ci sono colori cromatici che hanno una tonalità di colore di diversa luminosità e saturazione.

bagliore - un elemento di chiaroscuro, il punto più luminoso sulla superficie illuminata (principalmente lucida) di un oggetto. Con un cambio di punto di vista, il bagliore cambia la sua posizione sulla forma dell'oggetto.

Valer - un termine di pratica artistica che definisce il lato qualitativo di un tono separato, principalmente chiaroscuro, nel suo rapporto con i toni circostanti. Nella pittura realistica, le proprietà materiali del mondo oggettivo sono trasmesse principalmente attraverso rapporti tonali oggettivamente regolari. Ma per riprodurre in modo vivido e olistico la materialità, la plasticità e il colore di un oggetto in un certo stato di illuminazione e in un certo ambiente, l'artista deve raggiungere una grande precisione ed espressività nei rapporti dei toni; ricchezza, sottigliezza dei rapporti di transizione che portano all'espressività della pittura, e sono la caratteristica principale di valer. I più grandi maestri dei secoli XVII-XIX. - come Velasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - la pittura è sempre ricca di valery.

visione pittoresca - visione e comprensione delle relazioni cromatiche della natura, tenendo conto dell'influenza dell'ambiente e dello stato generale di illuminazione, che è caratteristico della natura al momento della sua immagine. Come risultato di tale visione, nello schizzo compaiono la veridicità dei rapporti di luce e colore, la ricchezza delle tonalità calde e fredde, la loro unità e armonia cromatica, trasmettendo la natura con tutta la trepidazione della vita. In questo caso si parla del pittoresco di uno studio o di un dipinto.

Visione artistica - la capacità di dare la necessaria valutazione estetica delle qualità inerenti alla natura. Prima di raffigurare la natura, l'artista vede già nelle sue caratteristiche principali una soluzione pittorica figurativa, tenendo conto di un certo materiale.

vetrate - la pittura su vetro con vernici trasparenti o un ornamento costituito da pezzi di vetro multicolore, fissati con legatura metallica, serve a riempire aperture di finestre e porte. I raggi di luce che penetrano attraverso il vetro acquistano una maggiore luminosità e formano un gioco di riflessi cromatici all'interno.

prospettiva aerea - apparenti cambiamenti in alcune caratteristiche degli oggetti sotto l'influenza dell'aria e dello spazio. Tutti gli oggetti vicini sono percepiti chiaramente, con molti dettagli e texture, e gli oggetti distanti sono percepiti in modo generalizzato, senza dettagli. I contorni degli oggetti vicini sembrano nitidi e gli oggetti distanti sembrano morbidi. A grande distanza, gli oggetti chiari appaiono più scuri e gli oggetti scuri appaiono più chiari. Tutti gli oggetti vicini hanno un chiaroscuro contrastante e sembrano voluminosi, tutti gli oggetti lontani hanno un chiaroscuro leggermente pronunciato e sembrano piatti. I colori di tutti gli oggetti distanti diventano meno saturi a causa della foschia dell'aria e acquisiscono il colore di questa foschia: blu, lattiginoso o viola. Tutti gli oggetti vicini sembrano multicolori e gli oggetti distanti sembrano essere dello stesso colore. L'artista tiene conto di tutti questi cambiamenti per trasmettere lo spazio e lo stato di illuminazione, qualità importanti della pittura en plein air.

Percezione visiva - il processo di riflessione di oggetti e fenomeni della realtà in tutta la varietà delle loro proprietà che influenzano direttamente gli organi della vista. Insieme alle sensazioni visive, la percezione coinvolge anche esperienze passate di conoscenza e idee su un particolare argomento. Comprendere, comprendere l'essenza del percepito è possibile solo se gli oggetti e i fenomeni osservati vengono confrontati con quelli visti in precedenza (una percezione visiva costante e costante). A questo va aggiunto che la percezione visiva è accompagnata da sentimenti associativi, un senso di bellezza, che sono associati all'esperienza personale di esperienze sensoriali dall'impatto dell'ambiente.

Colore gamma - i colori che prevalgono in quest'opera e determinano la natura del suo sistema cromatico. Dicono: una gamma di sfumature di colore fredde, calde, pallide, ecc.

Armonia - comunicazione, proporzionalità, coerenza. Nelle arti visive - una combinazione di forme, la relazione di parti o colori. Nella pittura, questa è la corrispondenza dei dettagli al tutto, non solo nelle dimensioni, ma anche nel colore (unità di colore, una gamma di sfumature correlate). La fonte dell'armonia sono gli schemi dei cambiamenti di colore negli oggetti naturali sotto l'influenza della forza e della composizione spettrale dell'illuminazione. L'armonia della struttura cromatica di uno studio o di un dipinto dipende anche dalla fisiologia e dalla psicologia della percezione visiva delle qualità luminose e cromatiche del mondo oggettivo (interazione contrastante dei colori, fenomeno dell'alone, ecc.).

Incisione- riproduzione stampata di un disegno tagliato o inciso su una tavola di legno (xilografia), linoleum (linocut), lastra di metallo (acquaforte), pietra (litografia), ecc. Una caratteristica di un'incisione è la possibilità della sua replica: da una tavola inciso da un artista, stampa un gran numero di stampe multicolori (stampe). In base alla natura dell'elaborazione della forma di stampa (tavole o lastre) e al metodo di stampa, si distinguono incisioni convesse e in profondità.

Arti grafiche - uno dei tipi di belle arti, vicino alla pittura per contenuto e forma, ma con compiti propri e possibilità artistiche. A differenza della pittura, il principale mezzo visivo della grafica è un disegno monocromatico (cioè linea, chiaroscuro); il ruolo del colore rimane relativamente limitato in esso. Dal lato dei mezzi tecnici, la grafica comprende il disegno nel senso proprio della parola in tutte le sue varietà. Di norma, i lavori di grafica vengono eseguiti su carta e occasionalmente vengono utilizzati altri materiali.

A seconda dello scopo e del contenuto, la grafica è suddivisa in grafica da cavalletto, che comprende opere di significato autonomo (che non richiedono una connessione indispensabile con un testo letterario per rivelarne il contenuto e non si limitano a uno scopo pratico ristretto e rigorosamente definito), grafica del libro, che forma un'unità ideologica e artistica con un testo letterario o di accompagnamento e allo stesso tempo destinata alla progettazione decorativa e artistica di un libro, un libro manifesto, che è il tipo più diffuso di belle arti, progettato per realizzare politiche , propaganda, produzione artistica o compiti applicati (etichette, lettere, francobolli, ecc.) con mezzi artistici.

Grisaglia - immagine in vernice in bianco e nero (o monocromatica, ad esempio marrone); Viene spesso utilizzato per lavori ausiliari durante l'esecuzione di pittura di fondo o schizzi, nonché per scopi educativi quando si padroneggiano le tecniche dell'immagine tonale eseguite con acquerelli o colori ad olio. L'immagine viene creata sulla base dei soli rapporti tonali (luminosità) dei soggetti dell'ambientazione naturale.

Adescamento - uno strato sottile di una composizione speciale (colla, olio, emulsione) applicato su tela o cartone per conferire alla loro superficie le proprietà cromatiche e di consistenza desiderate e limitare l'eccessivo assorbimento del legante (olio). Se lavori con colori ad olio su una base non innescata (ad esempio tela), i colori non si adagiano, si asciugano, l'olio della vernice viene assorbito dal tessuto, distruggendo la tela e lo strato di vernice. Secondo la composizione del legante si distinguono i terreni: olio, adesivo, emulsione, sintetico. Per colore: colorato e colorato. Il primer è solitamente composto da 3 elementi: un sottile strato di adesivo che copre l'intera superficie della tela con un film (cioè l'appretto) e diversi strati di vernice di fondo, compreso un sottile strato finale. L'incollatura - un sottile strato di colla (carpenteria, caseina o gelatina) - protegge la tela dalla penetrazione di vernice di fondo o olio nel tessuto o sul retro della tela, lega saldamente i successivi strati di terreno alla tela. La vernice di fondo livella la superficie della tela, crea il colore necessario (solitamente bianco) e fornisce una forte connessione dello strato di vernice con il primer.

Primer - nella tecnologia della verniciatura: il processo di applicazione di un primer su una superficie destinata alla verniciatura.

Guazzo - idropittura con grande potere coprente. Le vernici schiariscono rapidamente dopo l'asciugatura ed è necessaria una notevole esperienza per prevedere il grado di cambiamento del loro tono e colore. Scrivono con colori a guazzo su carta, cartone, compensato. Le opere hanno una superficie vellutata opaca.

Dettagli - attento studio dei dettagli della forma degli oggetti nell'immagine. A seconda del compito che l'artista si prefigge, il grado di dettaglio può essere diverso.

Colori aggiuntivi - due colori che danno il bianco se miscelati otticamente (rosso e verde-bluastro, arancio e ciano, giallo e blu, viola e giallo-verdastro, verde e magenta). Quando queste coppie di colori complementari vengono miscelate meccanicamente, si ottengono tonalità con saturazione ridotta. I colori complementari sono spesso chiamati contrastanti.

Genere - divisione interna storicamente stabilita in tutti i tipi di arte; il tipo di un'opera d'arte nell'unità delle proprietà specifiche della sua forma e del suo contenuto. Il concetto di "genere" generalizza i tratti caratteristici di un vasto gruppo di opere di qualsiasi epoca, nazione o arte mondiale in genere. In ogni forma d'arte, il sistema dei generi è composto a modo suo. Nelle arti visive - sulla base del soggetto dell'immagine (ritratto, natura morta, paesaggio, pittura storica e di battaglia) e talvolta della natura dell'immagine (caricatura, cartone animato).

Pittura - uno dei principali tipi di belle arti. Un vero trasferimento dell'aspetto esteriore di un oggetto, delle sue caratteristiche esterne è possibile anche con mezzi grafici - per linea e tono. Ma solo la pittura può trasmettere tutto il multicolore insolitamente vario del mondo circostante.

Secondo la tecnica di esecuzione, la pittura è divisa in olio, tempera, affresco, cera, mosaico, vetro colorato, acquerello, guazzo, pastello. Questi nomi sono stati ottenuti dal legante o dal materiale e dai mezzi tecnici utilizzati. Lo scopo e il contenuto di un dipinto richiedono la scelta di tali mezzi visivi, con l'aiuto dei quali è possibile esprimere nel modo più completo l'intento ideologico e creativo dell'artista.

Per genere, la pittura è divisa in cavalletto, monumentale, decorativa, teatrale e decorativa, miniatura.

Pittura decorativa non ha un significato indipendente e funge da decorazione dell'esterno e dell'interno degli edifici sotto forma di pannelli colorati che, con un'immagine realistica, creano l'illusione di una "sfondamento" del muro, un aumento delle dimensioni della stanza , o, al contrario, forme deliberatamente appiattite visivamente, per così dire, restringono, chiudono lo spazio. Motivi, ghirlande, ghirlande e altri tipi di decorazioni che adornano le opere di pittura e scultura monumentali, collegano tra loro tutti gli elementi dell'interno, sottolineandone la bellezza, la loro coerenza con l'architettura. Le cose sono anche decorate con pittura decorativa: cofanetti, cofanetti, vassoi, cassapanche, ecc. I suoi temi e le sue forme sono subordinati allo scopo delle cose.

Miniatura della pittura fu molto sviluppato nel Medioevo, prima dell'invenzione della stampa. I libri scritti a mano erano decorati con i migliori copricapi, finali, illustrazioni dettagliate e miniature. Gli artisti russi della prima metà del XIX secolo usarono abilmente la tecnica pittorica delle miniature per creare piccoli ritratti (principalmente acquerelli). I colori puri e profondi degli acquerelli, le loro squisite combinazioni, la finezza del dipinto contraddistinguono questi ritratti.

Pittura monumentale - un tipo speciale di dipinti su larga scala, che decorano le pareti e i soffitti delle strutture architettoniche (affresco, mosaico, pannello). Rivela il contenuto dei principali fenomeni sociali che hanno avuto un impatto positivo sullo sviluppo della società, li glorifica e li perpetua. L'altezza del contenuto della pittura monumentale, le dimensioni significative delle sue opere, il legame con l'architettura richiedono grandi masse di colore, rigorosa semplicità e laconismo della composizione, chiarezza delle sagome e generalizzazione della forma plastica.

pittura da cavalletto - il nome deriva dalla macchina (cavalletto) su cui viene creata l'immagine. Come base materiale vengono utilizzati legno, cartone, carta, ma molto spesso tela tesa su una barella. L'immagine è inserita nella cornice ed è percepita come un'opera d'arte indipendente, indipendente dall'ambiente. A questo proposito, per creare opere di pittura da cavalletto, vengono utilizzati mezzi artistici leggermente diversi, vengono fornite relazioni cromatiche e tonali più sottili e dettagliate e viene fornita una descrizione psicologica più complessa e dettagliata dei personaggi.

Pittura teatrale e decorativa - scenografie, costumi, trucco, oggetti di scena, realizzati secondo i bozzetti dell'artista; aiutano ad approfondire il contenuto dell'opera. Le particolari condizioni teatrali per la percezione della pittura richiedono di tenere conto dei molteplici punti di vista del pubblico, della loro maggiore lontananza, dell'impatto dell'illuminazione artificiale e dei riflessi cromatici. Lo scenario dà un'idea del luogo e del tempo dell'azione, attiva la percezione dello spettatore di ciò che sta accadendo sul palco. Negli schizzi di costumi e trucco, l'artista teatrale si sforza di esprimere in modo netto il carattere individuale dei personaggi, il loro status sociale, lo stile dell'epoca e molto altro.

Pittura accademica - pittura, realizzata per qualsiasi scopo didattico.

dipingere su bagnato - tecnica della pittura ad olio e acquerello. Quando si lavora con l'olio, è necessario terminare il lavoro prima che le vernici si asciughino ed escludere fasi come la verniciatura di fondo, la velatura e la nuova registrazione. La pittura su bagnato presenta vantaggi ben noti: la freschezza dello strato pittorico, la buona conservazione e la relativa semplicità della tecnica.

In acquerello, prima di iniziare a lavorare su carta grezza, inumidire uniformemente con acqua. Quando l'acqua viene assorbita dalla carta e si asciuga un po '(dopo 2-3 minuti), iniziano a scrivere; pennellate di vernice, adagiate su una superficie bagnata, sfocano, si fondono tra loro, creano transizioni fluide. Quindi, puoi ottenere morbidezza nel trasferimento dei contorni degli oggetti di ariosità e spazialità dell'immagine.

avvizzimento - cambiamenti indesiderati nello strato essiccato della vernice, a causa dei quali il dipinto perde freschezza, perde lucentezza, sonorità dei colori, si scurisce, diventa nerastro. La causa dell'appassimento è un'eccessiva riduzione della vernice dell'olio legante assorbito dal primer o dallo strato pittorico sottostante, nonché l'applicazione di vernici su un precedente strato di colori ad olio non completamente essiccato.

Completezza .- una tale fase nel lavoro su uno studio o un'immagine quando si raggiunge la massima completezza dell'incarnazione dell'idea creativa, o quando un certo compito pittorico è completato.

Vernici base "impastatrici". - preparazione preliminare sulla tavolozza di una miscela di colori che corrispondono alle relazioni tonali e cromatiche di base degli oggetti in natura (paesaggio). Nel processo di lavoro, in queste miscele di base vengono introdotte varie variazioni di sfumature, vengono versati nuovi colori. Tuttavia, i colori degli oggetti principali preparati sulla tavolozza non consentono di cadere in una colorazione eccessiva, non consentono di perdere il carattere delle principali relazioni cromatiche. In acquerello, questi "impastamenti" di riferimento vengono eseguiti in tazze separate.

Schizzo - un disegno dal vero, realizzato principalmente al di fuori dell'officina per raccogliere materiale per lavori più significativi, per motivi di esercizio, a volte per qualche scopo speciale (ad esempio, su indicazione di un giornale, una rivista). A differenza di uno schizzo simile in termini di mezzi tecnici, l'esecuzione di uno schizzo può essere molto dettagliata.

Idealizzazione nell'arte - deviazione dalla verità della vita dovuta ad abbellimento intenzionale o involontario da parte dell'artista del soggetto dell'immagine. L'idealizzazione di solito si manifesta nell'esagerazione e nell'assolutizzazione del principio positivo come una sorta di perfezione ultima, presumibilmente già raggiunta; nell'appianare le contraddizioni ei conflitti della vita; nell'incarnazione di un ideale astratto, sopravvalutato, ecc. L'idealizzazione significa sempre una rottura con i principi del realismo e, in un modo o nell'altro, risulta essere collegata all'ideologia delle classi reazionarie, inclini a ottenere allontanarsi da una vera immagine della vita e sostituire lo studio della realtà con idee soggettivamente abbellite su di essa.

È necessario distinguere dall'idealizzazione il riflesso nell'arte realistica di un certo ideale di vita socialmente progressista, che, essendo un aspetto importante del contenuto ideologico di qualsiasi immagine artistica realistica, a volte può essere il principio determinante nella soluzione artistica dell'immagine .

Idea di pittura - l'idea principale dell'opera, che ne determina il contenuto e la struttura figurativa, espressa nella forma appropriata.

Illusorio - somiglianza dell'immagine con la natura; al limite dell'illusione ottica. Come risultato della natura illusoria, l'espressività artistica dell'opera e la profondità del suo contenuto possono andare perdute se nella foto il desiderio di somiglianza esterna oscura la cosa principale: la sua intenzione.

Impressionismo - una tendenza nell'arte dell'ultimo terzo dell'Ottocento e dell'inizio del Novecento, i cui rappresentanti si sforzarono di catturare nel modo più naturale e imparziale il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere le loro impressioni fugaci. L'impressionismo è nato negli anni '60 dell'Ottocento. nella pittura francese. E. Manet, O. Renoir, E. Degas hanno portato nell'arte la freschezza e l'immediatezza della percezione della vita, l'immagine dell'istante, come se movimenti e situazioni casuali, apparente squilibrio, frammentazione della composizione, punti di vista inaspettati, angoli, tagli di figure. Nel 1870-80. formò l'impressionismo nel paesaggio francese. K. Monet, K. Pizarro, A. Sisley hanno sviluppato un coerente sistema plein air. Oltre ai pittori, gli scultori (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy) si interessarono al movimento istantaneo, una forma fluida.

L'impressionismo ha sviluppato i principi realistici dell'arte, ma il lavoro dei suoi seguaci ha spesso mostrato un allontanamento dallo studio dei fenomeni fondamentali della realtà sociale, le costanti qualità stabili del mondo materiale. Questa direzione della creatività ha portato i tardi impressionisti al formalismo.

Interni - vista interna della camera. L'immagine dell'interno richiede una conoscenza approfondita della prospettiva. Allo stesso tempo, è importante trovare un luogo da cui comporre l'immagine in modo più interessante. L'immagine finita dell'interno, oltre a un'interessante composizione, corretta costruzione prospettica, posizionamento di oggetti nello spazio, dovrebbe dare un'idea dell'illuminazione.

Pittura - un'opera di pittura da cavalletto, che incarna fedelmente l'intenzione dell'artista, contraddistinta dal significato del contenuto, veridicità e completezza della forma artistica. L'immagine è il risultato di osservazioni e riflessioni a lungo termine dell'artista sulla vita. È preceduto da schizzi, schizzi, studi, schizzi, in cui l'artista cattura i singoli fenomeni della vita, raccoglie materiale per un dipinto futuro e cerca le basi della sua composizione e colore. Creando un'immagine, l'artista si affida alla natura, procede da essa sia nel piano generale che nei singoli dettagli. In questo processo, l'osservazione, l'immaginazione e il design giocano un ruolo importante. L'immagine a suo modo porta un certo concetto ideologico e figurativo e le forme di espressione sono visivamente autentiche. Ogni dettaglio, parte è correlata con il tutto, ogni elemento esprime un'immagine. Le tendenze formaliste decadenti sono caratterizzate da una crisi del quadro tematico della trama, dal rifiuto di questioni ideologiche significative e dallo psicologismo. Non solo la trama viene espulsa dai dipinti, ma c'è anche una rottura con l'immagine del soggetto in generale. Secondo la forma dell'immagine, l'immagine diventa inutile, astratta.

Vernici adesive - pitture secche prodotte in polvere e miscelate dall'artista stesso con acqua di colla. Ben macinati, a volte vengono utilizzati dagli artisti nella progettazione di riproduzioni originali come sostituti dei colori a guazzo. Molto spesso eseguono scenari teatrali.

klyachka - una specie di gomma morbida, utilizzata nei casi in cui è necessario alleggerire il tono dell'ombreggiatura nei disegni a matita. Il ronzino è morbido e si impasta facilmente con le dita; con essa non cancellano la matita, ma la premono leggermente contro quelle parti del disegno che si schiariscono: la grafite si attacca al ronzino e ne rimane trattenuta dopo che è stata tolta dalla carta. Se le aree schiarite sono molto piccole, al ronzino viene dato l'aspetto di un cono appuntito.

Klyachka può essere fatto come segue. La gomma ordinaria viene posta nella benzina per due o tre giorni (possibilmente nel cherosene), quindi viene conservata per altri due giorni. Successivamente, la gomma ammorbidita viene impastata con farina di patate (amido), la farina va presa a pizzichi e la viscosità del ronzino va regolata nella sua quantità.

colorazione (studio o pittura) - la natura della relazione di tutti gli elementi cromatici dell'immagine, il suo sistema cromatico. Il suo principale vantaggio è la ricchezza e la consistenza dei colori che corrispondono alla natura stessa, trasmettendo, in unità con il chiaroscuro, le proprietà del soggetto e lo stato di illuminazione del momento rappresentato. Il colore dello studio è determinato da: 1) la coerenza delle relazioni cromatiche proporzionali alla natura, tenendo conto del tono generale e dello stato cromatico dell'illuminazione, 2) la ricchezza e la varietà dei riflessi dell'ambiente luce-aria e dell'oggetto, 3 ) l'interazione contrastante di tonalità calde e fredde, 4) l'influenza del colore dell'illuminazione, che unisce i colori della natura, li rende subordinati e correlati.

Un vero riflesso dello stato delle condizioni di illuminazione reali ha un impatto sui sentimenti dello spettatore, crea uno stato d'animo e provoca esperienze estetiche appropriate.

pennelli . I pennelli sono kolinsky, scoiattolo, setola. I pennelli in setola sono progettati per lavorare con i colori ad olio, ma possono essere utilizzati per dipingere con tempere e colori a guazzo. I pennelli scoiattolo e kolinsky sono usati nell'acquerello. La forma è piatta e rotonda. La dimensione del pennello è indicata da un numero. Il numero di spazzole piatte e scanalature corrisponde alla loro larghezza in millimetri, e il numero di spazzole tonde corrisponde al loro diametro (espresso anch'esso in millimetri).

Dopo aver lavorato con colori ad olio, i pennelli vengono lavati con acqua tiepida e sapone. Non lavare i pennelli in acetone: questo danneggerebbe i capelli. I pennelli per acquerello vengono lavati in acqua pulita dopo il lavoro. In nessun caso dovresti lasciare asciugare i pennelli, soprattutto dopo aver lavorato con i colori ad olio, metti i pennelli nel barattolo con i capelli sciolti, poiché i capelli sono deformati. Il pennello lavato deve essere avvolto nella carta, quindi manterrà la sua forma.

Composizione - costruzione di uno schizzo o di un'immagine, coordinamento delle sue parti. Con un'immagine naturale: selezione e messa in scena degli oggetti, scelta del miglior punto di vista, illuminazione, determinazione del formato e delle dimensioni della tela, individuazione del centro compositivo, subordinazione ad esso delle parti secondarie dell'opera. Quando si crea un'immagine: scegliere un tema, sviluppare una trama, trovare il formato e le dimensioni di un'opera, caratterizzare i personaggi, il loro rapporto reciproco, posture, movimenti e gesti, espressività dei volti, uso di contrasti e ritmi - tutto questi sono gli elementi costitutivi della costruzione compositiva del quadro, al servizio della migliore realizzazione della visione dell'artista. In una tale composizione si tiene conto di tutto: le masse di oggetti e le loro sagome, il ritmo con cui sono posizionati sulla tela, la prospettiva, una linea immaginaria dell'orizzonte e un punto di vista sul raffigurato, il colore dell'immagine , il raggruppamento dei personaggi, la direzione delle loro vedute, la direzione della linea di riduzione prospettica degli oggetti, distribuzione chiaroscuro, pose e gesti, ecc.

Costanza della percezione visiva - la tendenza a percepire un oggetto, la sua dimensione, forma, leggerezza, colore come stabile e immutato, indipendentemente dai cambiamenti che si verificano (allontanamento dallo spettatore, cambiamento di illuminazione, influenze ambientali, ecc.) - Costanza delle dimensioni - la tendenza a percepire la dimensione di un oggetto come costante, nonostante il cambiamento della distanza da esso. Di norma, i disegnatori alle prime armi non notano cambiamenti di prospettiva.

Costanza di forma - la tendenza a percepire la forma reale, anche se l'oggetto viene ruotato in modo che la sua immagine sulla retina differisca dalla forma reale. (Ad esempio, un pezzo di carta quadrato appoggiato su un tavolo appare quadrato anche se la sua proiezione sulla retina non è quadrata.)

Costanza di luminanza - la tendenza a percepire la leggerezza di un oggetto come costante nonostante i cambiamenti di illuminazione; dipende principalmente dal rapporto costante tra l'intensità della luce riflessa sia dall'oggetto che dal suo ambiente.

Costanza di colore - la tendenza a percepire il colore dell'oggetto (il suo colore locale) indipendentemente dalle mutevoli condizioni di illuminazione, dalla sua intensità e composizione spettrale (giorno, sera, artificiale).

A causa del fenomeno della costanza, la percezione e la trasmissione in pittura di oggetti e fenomeni esattamente come appaiono all'occhio in determinate condizioni di luce, in un determinato ambiente ea una certa distanza, presentano una certa difficoltà all'inizio dell'allenamento. Un artista alle prime armi, sebbene sappia che il colore cambia a seconda delle condizioni di illuminazione, lo vede invariato e non osa, ad esempio, scrivere alberi di colore verde nei raggi del sole al tramonto come rossastri o scrivere il cielo blu in un complesso rosa-ocra, come accade al tramonto.

A un pittore inesperto sembra che un oggetto bianco sia bianco in tutte le sue parti, un oggetto scuro è scuro. Nel frattempo, in un ambiente naturale, la superficie di un oggetto scuro rivolta verso la luce rifletterà più raggi luminosi della parte in ombra di un oggetto bianco, e quindi l'ombra di un oggetto bianco sarà più scura della parte chiara di un oggetto scuro.

Mentre lavora a uno schizzo di un paesaggio, un pittore inesperto non si accorge di come sta arrivando il crepuscolo, sebbene l'illuminazione sia notevolmente diminuita.

Gli oggetti circostanti possono essere illuminati da luce di diversa composizione spettrale, che modifica la composizione spettrale della luce riflessa dagli oggetti. Tuttavia, l'occhio di un artista alle prime armi non si accorge nemmeno di questo cambiamento di colore.

La costanza della percezione può aumentare e intensificarsi per molte ragioni. Più forte è l'illuminazione cromatica, e anche maggiore è la distanza da cui si osserva l'oggetto, più debole è la manifestazione della costanza. Anche la capacità della superficie di un oggetto di riflettere fortemente i raggi luminosi contribuisce a una percezione costante: gli oggetti di colore chiaro mostrano in modo più evidente l'influenza del colore dell'illuminazione. Gli adattamenti di luce e colore migliorano la costanza della percezione. Osservando il paesaggio invernale con tempo nuvoloso, puoi vedere solo sfumature grigiastre complesse. Se guardi lo stesso motivo invernale dalla finestra di una stanza illuminata dall'elettricità, il paesaggio fuori dalla finestra sarà percepito come intensamente bluastro. Se esci dalla stanza a cielo aperto, dopo pochi minuti la tonalità blu del paesaggio scomparirà. Allo stesso modo, la costanza zero nel pubblico si manifesta nell'illuminazione cromatica del palcoscenico teatrale; dopo che la calda illuminazione elettrica nella sala si affievolisce, il sipario si apre e lo spettatore ammira la scena dell'inverno, del chiaro di luna o di altre condizioni di illuminazione.

Come risultato della pratica, l'artista acquisisce la capacità di notare in natura i cambiamenti di colore di un oggetto dovuti all'ambiente e all'illuminazione, vede e trasmette tutta la ricchezza e la diversità del mondo esterno, moltissime sfumature di colore. Di conseguenza, l'illuminazione appare convincente sulla tela, il colore appare complicato e arricchito dall'ambiente e dall'illuminazione. Molti artisti ed educatori hanno eseguito esercizi speciali, creando modelli visivi per comprendere le caratteristiche coloristiche delle diverse condizioni di illuminazione. K.. Monet, ad esempio, ha scritto una serie di studi raffiguranti lo stesso oggetto (pagliaio), e quindi ha studiato il cambiamento di colore in diverse condizioni di illuminazione in natura. Per sviluppare una percezione costante, N. N. Krymov ha posizionato un cubo bianco, dipinto su un lato con vernice nera, e lo ha illuminato da questo lato con una potente lampada, lasciando in ombra il lato bianco. Allo stesso tempo, i suoi studenti erano convinti che il lato nero illuminato del cubo fosse più chiaro del bianco, che era in ombra. Krymov ha suggerito agli studenti di scrivere un piccolo schermo a fisarmonica di cartone, i cui piani erano dipinti con colori diversi e illuminati da due lati: da un lato - una lampada elettrica, dall'altro - la luce del giorno. I raggi della lampada sono stati diretti verso aree dipinte con colori freddi, mentre i colori caldi sono stati trasformati in luce diurna. Gli studenti erano convinti che le condizioni di illuminazione modificassero in modo significativo i colori del soggetto, e quindi si erano liberati dalla costante percezione dei colori.

Un pittore alle prime armi deve liberarsi della costanza della percezione ed essere in grado di percepire la forma di un oggetto, la sua leggerezza e colore, dovuti all'ambiente luminoso, all'illuminazione e allo spazio.

Progetto - nelle belle arti, l'essenza, tratto caratteristico della struttura della forma, che suggerisce un rapporto naturale tra le parti della forma, le sue proporzioni.

Contrasto - 1) una netta differenza, l'opposto di due quantità: dimensione, colore (chiaro e scuro, caldo e freddo, saturo e neutro), movimento, ecc.; 2) leggerezza e contrasto cromatico - fenomeno in cui la differenza percepita è molto maggiore della base fisica. Su uno sfondo chiaro, il colore dell'oggetto appare più scuro; su uno sfondo scuro, il colore appare più chiaro. Il contrasto della luce è più chiaramente triplicato al confine tra superfici scure e chiare. Il contrasto cromatico è un cambiamento di tonalità e saturazione sotto l'influenza dei colori circostanti (contrasto simultaneo) o sotto l'influenza di colori precedentemente osservati (contrasto sequenziale). Ad esempio: il verde accanto al rosso ne aumenta la saturazione. Il colore grigio su uno sfondo rosso acquisisce una sfumatura verdastra. Il contrasto cromatico è più forte quando i colori interagenti sono approssimativamente uguali in luminosità.

copiando - il processo per ottenere copie di un disegno o di un disegno; può essere fatto in vari modi: forando, tracciando, schiacciando, ridisegnando alla luce, ridisegnando lungo la griglia, oltre che utilizzando un pantografo e un epidiascopio.

perforazione - un metodo di copia senza modificare la scala: l'originale viene posto su un foglio di carta bianco e, utilizzando un ago sottile, vengono forati tutti i punti caratteristici del disegno o del disegno, attraverso i quali vengono poi tracciate delle linee di matita sulla carta forata .

Traccia - un modo per copiare senza modificare la scala. La carta da lucido viene applicata all'originale, su cui viene disegnata un'immagine con una matita o inchiostro; la superficie di lavoro della carta da lucido deve essere prima sgrassata, pulita con polvere di gesso o carbonato di magnesio.

Spremere - un metodo di copia senza modificare la scala: la carta per trasferimento a secco viene posizionata sotto l'originale o la sua copia su carta da lucido; Un ago appuntito viene guidato lungo le linee dell'immagine originale, grazie alla quale l'immagine tradotta viene impressa su un foglio di carta bianco. Il retro dell'originale (carta da lucido) può essere strofinato con una matita morbida, nel qual caso l'immagine trasferita è più nitida.

Ridisegnare alla luce - un modo per copiare senza modificare la scala. L'originale è posizionato su vetro e coperto con carta pulita o carta da lucido; dietro il vetro c'è una fonte di luce (luce diurna o elettrica); le linee dell'originale traslucido attraverso la carta sono cerchiate a matita. Esistono fotocopiatrici speciali adattate a questo scopo.

Ridisegno della griglia - un metodo di copiatura con eventuale variazione di scala (ingrandimento o riduzione di un'immagine) utilizzando una griglia di coordinate realizzata sull'originale e un foglio di carta bianco. L'immagine è disegnata "per celle". Le celle costruiscono quadrate o rettangolari. Il ridisegno per celle è molto laborioso e non può trasmettere le linee dell'originale con una precisione impeccabile, poiché viene eseguito a occhio ea mano.

Corpo (pastoso) posa di vernici - esecuzione di uno studio o di un dipinto con uno strato di pittura ad olio denso, opaco, relativamente spesso, spesso con una trama in rilievo.

Croki - un rapido schizzo dalla natura, meno spesso una rapida fissazione di un'idea compositiva sotto forma di disegno. Il termine "crocs" è di scarsa utilità; in senso generale, è vicino al termine più ampio "schizzo".

Xilografia - xilografia, la principale varietà tecnica dell'incisione convessa, la più antica tecnica di incisione in generale. Le xilografie si eseguono incidendo su una tavola, solitamente pero, legno di faggio, quelle parti dell'incisione applicate sopra di essa, che devono rimanere bianche. In un'incisione longitudinale o spigolosa, le fibre della tavola sono parallele alla sua superficie e il lavoro viene eseguito principalmente con coltelli appuntiti. Le possibilità di questa tecnica sono relativamente limitate, ma le difficoltà sono significative (poiché la resistenza del materiale fibroso al coltello è irregolare nelle diverse direzioni). L'incisione finale viene eseguita su una tavola con una fibra perpendicolare alla superficie; il suo strumento principale, l'incisore, consente tecniche molto raffinate e varie.

A differenza di qualsiasi tipo di incisione calcografica, le xilografie possono essere stampate insieme alla composizione tipografica su una macchina da stampa convenzionale e sono quindi spesso utilizzate nell'illustrazione di libri.

Fortunato . Gli artisti verniciano i motivi per evitare che penetrino olio dalle vernici, introducono vernici nel legante della vernice, le applicano allo strato di vernice indurito prima di ulteriori lavori (per un migliore legame degli strati) e, infine, verniciano i lavori finiti. Allo stesso tempo, la vernice esalta la saturazione dei colori. Il film laccato protegge l'immagine dal contatto diretto con gas atmosferici nocivi, polvere e fuliggine nell'aria. Le vernici nella composizione della pittura ad olio contribuiscono alla sua asciugatura più uniforme e più rapida e gli strati di vernice si legano meglio al terreno e tra loro. È meglio coprire i dipinti con vernici alla trementina che con vernici ad olio (quindi si scuriscono meno). Lacca-fissatore fissa opere realizzate con carboncini, sanguigne, pastelli, acquerelli.

Modellare una forma con il colore - il processo di modellazione di un oggetto, rivelandone il volume e la materia con sfumature di colore, tenendo conto dei loro cambiamenti di luminosità e saturazione.

Smalto - uno dei metodi della tecnica pittorica, che consiste nell'applicare strati molto sottili di vernici durevoli e traslucide su uno strato denso essiccato di altre vernici. In questo modo si ottiene una speciale leggerezza, sonorità dei colori, che è il risultato della loro miscelazione ottica.

Linoleografia - incisione su linoleum, una specie di incisione convessa. In termini di tecnica e mezzi artistici, l'incisione su linoleum è simile alle xilografie, e nella stampa spesso ne differisce solo per l'assenza di dettagli fini.

Litografia - nelle arti visive, un tipo diffuso di tecnica grafica associata alla lavorazione della pietra (calcare denso) o di una lastra metallica che la sostituisce (zinco, alluminio).

L'artista esegue la litografia disegnando sulla superficie granulosa o liscia della pietra con una matita litografica in grassetto e inchiostro speciale. In seguito all'incisione della pietra con l'acido (agendo sulla superficie non ricoperta di grasso), il motivo viene lavato via: in cambio viene applicato l'inchiostro da stampa, che aderisce solo alle particelle non incise della pietra, esattamente corrispondenti al motivo. La vernice viene stesa con un rullo su una pietra inumidita; la stampa viene eseguita su una macchina speciale.

colore locale - il colore caratteristico di un dato oggetto (il suo colore) e non ha subito alcuna modifica. In realtà, questo non accade. Il colore dell'oggetto cambia costantemente in qualche modo sotto l'influenza della forza e del colore dell'illuminazione, dell'ambiente, della rimozione spaziale, e non è più chiamato locale, ma condizionato. A volte un colore locale è inteso non come un colore soggetto, ma come una macchia uniforme di un colore condizionato, preso in relazione fondamentale con i colori vicini, senza rivelare un mosaico di riflessi cromatici, senza sfumature di queste macchie principali.

Maniera - in relazione alla pratica artistica: il carattere o il metodo dell'esecuzione come caratteristica puramente tecnica (ad esempio, "modo ampio").

Nella storia dell'arte, il termine "modo" denota talvolta le proprietà generali dell'esecuzione caratteristiche di un artista o di una scuola d'arte in un certo periodo di sviluppo creativo (ad esempio, "l'ultimo modo di Tiziano").

Manerità - nella pratica artistica: proprietà di approccio ed esecuzione, prive di semplicità e naturalezza, che portano a risultati pretenziosi, inverosimili o condizionali. Molto spesso, il manierismo è chiamato predilezione per alcuni modi esteriormente spettacolari, appresi e ogni sorta di tecniche artistiche di parte, gravitazione verso la stilizzazione. L'estrema espressione del manierismo è data dalla pratica formalistica dell'arte borghese contemporanea.

Dipinti ad olio - coloranti miscelati con olio vegetale: semi di lino (principalmente), papavero o noce; i colori ad olio dall'esposizione alla luce e all'aria si induriscono gradualmente. Molte basi (tela, legno, cartone) vengono preparate in anticipo per poterle lavorare con colori ad olio. Il primer più comunemente usato è il seguente: il materiale viene ricoperto con colla liquida per carpenteria e, quando si asciuga, strofinato con pomice, quindi ricoperto con polvere di gesso fine mescolata con acqua di colla fino alla consistenza della panna acida. Per pulire i pennelli si lavano in cherosene, trementina o benzina, e infine in acqua tiepida con sapone, spremendo la vernice dalla radice del pennello, dopodiché si sciacquano in acqua pulita.

Materialità gli oggetti raffigurati sono trasmessi principalmente dalla natura del chiaroscuro. Gli oggetti costituiti da materiali diversi hanno gradazioni di chiaroscuro loro caratteristici. Un oggetto cilindrico in gesso ha transizioni fluide dalla luce attraverso la penombra, l'ombra e il riflesso. Un vaso cilindrico di vetro non ha gradazioni pronunciate di chiaroscuro. Sulla sua forma, solo abbagliamento e riflessi. Anche gli oggetti metallici sono caratterizzati principalmente da bagliori e riflessi. Se trasmetti la natura del chiaroscuro nella figura, gli oggetti sembreranno materiali. Un'altra condizione, ancora più importante, da cui dipende la rappresentazione delle qualità materiali degli oggetti, è la coerenza nel disegno o nello studio pittorico dei rapporti tonali e cromatici tra oggetti proporzionali alla natura. Quando percepiamo le qualità materiali degli oggetti, la nostra coscienza si basa principalmente sulle loro relazioni tonali e cromatiche (differenze). Pertanto, se la natura del chiaroscuro, le relazioni tonali e cromatiche vengono trasmesse secondo l'immagine visiva della natura, otteniamo un'immagine fedele delle qualità materiali degli oggetti della natura morta o degli oggetti del paesaggio.

Pittura a strati - il tipo tecnico più importante della pittura ad olio, che richiede la suddivisione dell'opera in più fasi successive (sottoverniciatura, registrazione, velatura), intervallate da pause per la completa asciugatura della pittura. Quando si esegue una grande composizione tematica, così come durante il lavoro a lungo termine in generale, la pittura multistrato è l'unica tecnica di pittura a olio a tutti gli effetti. Fino alla metà del XIX secolo. tutti i maggiori artisti progressisti del passato usavano questa tecnica come principale. Successivamente, gli impressionisti ei loro seguaci lo abbandonarono.

Da un punto di vista tecnologico ristretto, non legato alla tecnica degli antichi maestri, il concetto di pittura multistrato può corrispondere solo alla registrazione su uno strato pittorico essiccato (senza pittura di fondo e velatura).

Modellazione - nelle arti visive: il trasferimento delle proprietà volumetrico-plastiche e spaziali del mondo oggettivo attraverso gradazioni di luce e ombra (pittura, grafica) o la corrispondente plasticità delle forme tridimensionali (scultura, in particolare rilievo). La modellazione viene solitamente eseguita tenendo conto della prospettiva, in pittura, inoltre, con l'ausilio di gradazioni di colore indissolubilmente legate al chiaroscuro. I compiti della modellazione non si limitano a una semplice riproduzione del mondo oggettivo: partecipando alle caratteristiche ideologiche e figurative dell'oggetto, generalizza, esalta e rivela la caratteristica più essenziale.

Modernismo - una designazione generale delle direzioni dell'arte e della letteratura della fine del XIX-XX secolo. (Cubismo, Dadaismo, Surrealismo, Futurismo, Espressionismo, Arte astratta, ecc.). Le caratteristiche principali del modernismo sono: la negazione del ruolo cognitivo e sociale dell'arte, la sua ideologia, nazionalità, la sostituzione dell'arte con ogni sorta di trucco, la completa distorsione o ignoranza delle tradizioni professionali del patrimonio artistico realistico.

Mosaico - uno speciale tipo tecnico di pittura monumentale, basato sull'uso di solidi multicolori - smalto, pietre colorate naturali, smalti colorati su argilla cotta, ecc. come materiale artistico principale. L'immagine è composta da pezzi di tali materiali, ben incastrati tra loro, rinforzati con cemento o mastice speciale e poi lucidati. Secondo il metodo del cosiddetto set diretto, il mosaico viene eseguito dal lato anteriore - nel luogo previsto (muro, volta, ecc.) O su una lastra separata, che viene poi incassata nel muro. Con la serie inversa, i pezzi colorati sono visibili all'artista solo dal retro, poiché sono incollati con la superficie anteriore su un rivestimento sottile temporaneo (rimosso dopo il trasferimento del mosaico sul muro). Il primo di questi metodi è relativamente complesso e dispendioso in termini di tempo, ma più perfetto dal punto di vista artistico.

Cavalletto - una macchina (da cui la definizione di "pittura da cavalletto"), necessaria all'artista per mantenere l'inclinazione desiderata del quadro durante il lavoro. Il requisito principale per un cavalletto è la stabilità.

Monotipo - un tipo speciale di tecnica grafica associata al processo di stampa, ma nettamente diverso da qualsiasi tipo di incisione per la completa assenza di influenze meccaniche o tecniche sulla superficie della tavola. Le vernici vengono applicate a mano su una superficie liscia, seguita dalla stampa sulla macchina. La stampa risultante è unica e inimitabile.

Mmonumentalità nelle opere della pittura da cavalletto è dovuto al significato sociale del tema del dipinto, al suo pathos eroico, alla profondità e alla forza dell'incarnazione delle idee nelle immagini corrispondenti: semplici, rigorose, maestose ed espressive.

schizzo a colori - uno studio di piccole dimensioni, eseguito in modo fluido e rapido. Lo scopo principale di un tale schizzo è acquisire la capacità di percepire appieno la natura, trovare e trasmettere le corrette relazioni cromatiche dei suoi oggetti principali. È noto che la struttura pittorica a tutti gli effetti dell'immagine è determinata dal trasferimento proporzionale delle differenze tra le principali macchie di colore della natura. Senza questo, nessuno studio attento dei dettagli, dei riflessi, dei mosaici di sfumature di colore porterà a un'immagine pittorica a tutti gli effetti.

Nazionalità - la connessione dell'arte con le persone, la condizionalità dei fenomeni artistici attraverso la vita, la lotta, le idee, i sentimenti e le aspirazioni delle masse, l'espressione nell'arte dei loro interessi e della psicologia. Uno dei principi fondamentali del realismo socialista.

Natura - nella pratica delle belle arti, si tratta di tutti i fenomeni naturali, oggetti e oggetti che l'artista raffigura, osservando direttamente come modello. Dalla natura, di regola, viene eseguito solo uno schizzo, uno schizzo, uno schizzo, un ritratto e talvolta un paesaggio.

Naturalismo - nelle arti visive si esprime isolandosi da ampie generalizzazioni, da principi ideologici e conduce a un metodo di copia puramente esterna di tutto ciò che è nel campo visivo. I pittori principianti a volte pensano anche che una rappresentazione affidabile della natura nel trasferimento delle sue qualità tridimensionali, materiali e spaziali sia l'obiettivo assoluto dell'arte. Certo, è necessario padroneggiare le belle arti, le tecniche tecniche della maestria pittorica. Tuttavia, è altrettanto importante sviluppare contemporaneamente la capacità di vedere la realtà attraverso gli occhi di un artista. L'immagine pittoresca non è un riflesso speculare della natura. "La pittura", ha detto I. I. Levitan, "non è un protocollo, ma una spiegazione della natura per mezzo della pittura". Il pittore seleziona e generalizza nella diversità colorata della natura quegli elementi che possono trasmettere espressivamente il disegno ideologico e figurativo. Cerca di rivelare l'essenza del raffigurato, mostra ciò che lo ha eccitato. Ciò mostra la personalità dell'artista, la sua visione del mondo, nonché il gusto e l'esperienza pratica nell'uso di materiali e tecniche colorate.

Natura morta - uno dei generi delle belle arti dedicato alla riproduzione di oggetti per la casa, frutta, verdura, fiori, ecc. Il compito dell'artista che raffigura una natura morta mediante la pittura è trasmettere la bellezza coloristica degli oggetti che circondano una persona, la loro essenza voluminosa e materica, e anche per esprimere il loro atteggiamento nei confronti del raffigurato. L'immagine di una natura morta è particolarmente utile nella pratica educativa per padroneggiare le abilità pittoriche. In una natura morta l'artista comprende le leggi dell'armonia dei colori, acquisisce l'abilità tecnica della modellazione pittorica della forma.

Generalizzazione artistica - la capacità dell'artista di conoscere la realtà oggettiva, rivelando il principale, essenziale in oggetti e fenomeni attraverso il confronto, l'analisi e la sintesi. Un'opera d'arte è il risultato dell'espressività del generale, pur conservando tutta l'originalità dell'immagine visiva concreta.

In senso strettamente professionale, la generalizzazione è l'ultima fase del processo di disegno o pittura dalla natura, dopo lo studio dettagliato della forma. In questa fase del lavoro, i dettagli vengono riassunti per creare un'immagine olistica della natura basata sulla sua percezione visiva integrale.

Immagine artistica - una forma specifica di riflessione della realtà in una forma concreta-sensoriale visivamente percepita. La creazione di un'immagine artistica è strettamente connessa con la selezione del più caratteristico, con l'enfatizzazione degli aspetti essenziali di un oggetto o fenomeno entro i limiti dell'unicità individuale di questi oggetti e fenomeni. È noto che la coscienza umana riflette non solo l'immagine visiva oggettiva di un oggetto o fenomeno, ma anche le qualità emotive della loro percezione. Pertanto, l'immagine artistica nella pittura contiene non solo le caratteristiche reali dell'oggetto raffigurato, ma anche il suo significato sensuale ed emotivo. Ogni immagine è sia un vero riflesso della realtà oggettiva sia un'espressione dei sentimenti estetici dell'artista, del suo atteggiamento individuale ed emotivo nei confronti del raffigurato, del gusto e dello stile.

Prospettiva inversa - una tecnica errata per disegnare la prospettiva, la cui essenza è che le linee parallele e orizzontali nello spazio nell'immagine sono raffigurate non convergenti, ma divergenti; si verifica abbastanza spesso nella pittura di icone antiche, a causa dell'ignoranza da parte degli artisti delle regole elementari per la costruzione della prospettiva (in alcuni casi è consentita la deliberata violazione delle regole per la costruzione della prospettiva).

Tono generale e stato di colore della natura - il risultato di diverse intensità di illuminazione. Per trasmettere lo stato di diversa illuminazione (al mattino, pomeriggio, sera o in una giornata grigia), quando si costruisce il sistema di colori dello schizzo, non sempre vengono utilizzati colori chiari e luminosi della tavolozza. In alcuni casi, l'artista costruisce una relazione in una gamma ridotta di leggerezza e forza del colore (giornata grigia, stanza buia), in altri casi, colori chiari e luminosi (ad esempio, una giornata di sole). Pertanto, l'artista mantiene le relazioni tonali e cromatiche dello studio in diverse gamme tonali e cromatiche (scale). Ciò contribuisce alla trasmissione dello stato di illuminazione, che è particolarmente importante nella pittura di paesaggio, poiché è questo stato che ne determina l'impatto emotivo (vedi la scala tonale e cromatica dell'immagine).

Volume - l'immagine della tridimensionalità della forma sul piano. Viene svolto principalmente dalla corretta costruzione costruttiva e promettente del soggetto. Un altro mezzo importante per trasmettere il volume su un piano è la gradazione di luce e ombra, espressa nel colore: luce, luce, penombra, ombra propria e incidente, riflesso. L'immagine del volume sul piano pittorico è facilitata anche dalla direzione del tratto o tratteggio, dal loro movimento nella direzione della forma (su superfici piane sono diritte e parallele, su superfici cilindriche e sferiche sono arcuate).

Alone - fenomeno noto anche come "irradiazione"; si verifica a seguito della dispersione di luce intensa in un liquido trasparente che riempie il bulbo oculare. A causa dell'aumento della sensibilità dell'occhio al buio, reagisce fortemente quando si osservano fonti di luce intensa (un fuoco o una lampada accesa). Durante il giorno non sembrano brillanti, ma al tramonto o di notte possono accecare gli occhi. Gli occhi quasi non percepiscono il colore delle sorgenti luminose intense, ma l'alone attorno ai corpi luminosi o agli oggetti fortemente illuminati ha un colore più pronunciato. La fiamma di una candela sembra quasi bianca e l'alone intorno è giallo. Una luce intensa su una superficie lucida appare bianca e l'alone attorno ad essa assume la proprietà cromatica della sorgente luminosa. I sottili tronchi d'albero contro il cielo sono completamente avvolti da un alone, cioè sembrano blu e sullo sfondo di un tramonto giallo - arancione o rosso. Quando l'alone viene trasmesso nell'immagine, l'occhio percepisce gli oggetti come luminosi (una candela, finestre luminose giorno e notte, stelle nel cielo, ecc.). Raffigurato senza aureola, indispensabile compagna di luce intensa, il tronco dell'albero e la sua chioma sembrano un'applicazione dura su un cielo chiaro, le stelle senza aureola danno l'impressione di macchie di vernice spruzzate su uno sfondo scuro, riflessi luminosi senza aureola sullo sfondo di una brocca sembrano macchie chiare.

La base - nella tecnologia della pittura: il materiale su cui vengono applicati il ​​​​primer e lo strato pittorico dell'immagine. Il tipo di supporto più comune è la tela, il legno (era il supporto più diffuso nell'antichità, nel medioevo e nel rinascimento), il cartone, la carta, il metallo, il vetro, il linoleum, ecc. (ad esempio affresco, acquerello e così via) la base viene utilizzata senza una preparazione speciale.

riciclaggio - 1) tecnica dell'acquerello con vernice o inchiostro molto liquido. Per dipingere un'area relativamente ampia con un tono chiaro, la colorano con la vernice per circa '/ * un bicchiere d'acqua, lasciano depositare la vernice (è meglio filtrarla in seguito) e prendono la "soluzione" con un pennello dall'alto , senza toccare il fondo del bicchiere; 2) ricevere la chiarificazione della vernice o rimuoverla dalla carta con un pennello imbevuto di acqua pulita e raccogliere la vernice imbevuta con carta assorbente (la procedura viene ripetuta più volte).

Relazioni di colore - differenze negli oggetti per luminosità e colore: cosa è più chiaro in natura, cosa è più scuro, più differenze di colore e sua saturazione.

Tinta (sfumatura): una piccola differenza di colore, luminosità o saturazione del colore, spesso appena percettibile.

Acquaforte - incisione ad ago o linea, varietà tecnica di incisione in profondità su metallo molto diffusa. Lavora sull'acquaforte graffiando il fondo dell'incisione con aghi speciali, solitamente con la tecnica del disegno a linee libere. La durata irregolare dell'incisione dei dettagli dell'immagine con acidi si traduce in differenze nella forza e nella ricchezza del tratto. La tecnica di incisione è caratterizzata da relativa semplicità e grande flessibilità.

Sensazione visiva - il risultato dell'interazione dell'energia radiante con l'organo della visione e la percezione di questa interazione da parte della coscienza. Di conseguenza, una persona riceve una varietà di sensazioni di luce e colore, ricche gradazioni di colore che caratterizzano la forma degli oggetti e dei fenomeni naturali in varie condizioni di illuminazione, ambiente e spazio.

Tavolozza - 1) una tavoletta sottile di forma quadrangolare o ovale, sulla quale l'artista mescola i colori mentre lavora; 2) un elenco esatto dei colori utilizzati da questo o quell'artista nella sua pratica creativa.

Panorama - una tela pittorica a forma di nastro circolare chiuso. Sulla tela davanti all'immagine pittorica sono posti vari veri oggetti falsi, che creano l'illusione di una transizione diretta dallo spazio reale del primo piano allo spazio pittorico del quadro. Il panorama si trova in una sala cinematografica appositamente costruita per esso con una piattaforma panoramica centrale, solitamente oscurata. A differenza di un panorama, un diorama è un'immagine pittoresca a forma di nastro semicircolare ricurvo.

I panorami creati dall'artista F. A. Rubo "Difesa di Sebastopoli" (1902-1904) e "Battaglia di Borodino" (1911) sono ancora esempi insuperabili.

Pastello - matite colorate senza bordo, realizzate con vernice in polvere. Si ottengono mescolando la polvere di vernice con un adesivo (colla di ciliegie, destrina, gelatina, caseina). Lavora con il pastello su carta, cartone o tela. Le vernici vengono applicate con pennellate, come in un disegno, o strofinate con le dita con ombreggiatura, che consente di ottenere le sfumature colorate più fini e le transizioni cromatiche più delicate, una superficie vellutata opaca. Quando si lavora con il pastello, gli strati di vernice possono essere facilmente rimossi o sovrapposti, poiché viene raschiato liberamente dal terreno. Le opere realizzate in pastello vengono solitamente fissate con una soluzione speciale.

Pastosità - 1) nella tecnica della pittura ad olio: uno spessore significativo dello strato pittorico utilizzato come mezzo artistico. Agendo come caratteristica tecnica, la pastosità rimane sempre evidente all'occhio e si manifesta in una certa irregolarità dello strato pittorico, in un "tratto in rilievo", ecc. In senso stretto, puramente tecnologico, pittura a strato spesso con una superficie liscia è talvolta chiamato pastoso, in cui la pastosità potrebbe non essere evidente (pittura del corpo). 2) una proprietà speciale della plasticità del materiale pittorico, che consente alla pittura ad olio non diluita di mantenere completamente la forma che gli conferisce il pennello.

Scenario - vista, immagine di qualsiasi area; nella pittura e nella grafica, un genere e un'opera separata in cui il soggetto principale dell'immagine è la natura. Spesso raffigurate vedute di città e complessi architettonici (paesaggio architettonico), viste sul mare (marina).

Variegazione (frazionalità) dell'immagine - difetti in un disegno o schizzo, che si ottengono quando un artista alle prime armi disegna o dipinge la natura in parti, "a bruciapelo". Di conseguenza, la forma degli oggetti è sovraccarica di dettagli, i loro contorni sono nitidi, molti oggetti e le loro superfici hanno lo stesso tono e forza cromatica. Ciò accade perché un artista inesperto, sebbene confrontasse gli oggetti per tono e colore, li guardava alternativamente, separatamente. Quando un artista sviluppa l'abilità della visione simultanea (integrale) e del confronto degli oggetti secondo tre proprietà cromatiche (colore, luminosità, saturazione), la diversità tonale dell'immagine scompare.

Piani spaziali - aree di spazio convenzionalmente suddivise situate a diverse distanze dall'osservatore. Nell'immagine si distinguono diversi piani: primo, secondo, terzo o anteriore, centrale, posteriore. Lo spazio sul piano della tela o della carta è veicolato principalmente dalla corretta costruzione prospettica. Se oggetti o volumi su piani spaziali sono disegnati senza una stretta aderenza ai loro cambiamenti prospettici, la soluzione cromatica farà ben poco per rappresentare lo spazio. La natura del tratto contribuisce anche alla trasmissione delle qualità spaziali dell'immagine (nella figura - la natura del tratto). La tecnica di ombreggiatura per gli oggetti in primo piano è più definita, rigida e densa. Una macchia di vernice è più pastosa, in rilievo, frazionata. I piani lontani vengono trasmessi con un tratto più morbido, un sottile strato di vernice.

Plastica - armonia, espressività e flessibilità di forme, linee, notate dall'artista nella natura raffigurata.

Pittura all'aria aperta - dipingere all'aria aperta. I cambiamenti nei colori della natura sotto l'influenza della luce e dell'aria hanno un significato attivo nello scrivere uno schizzo all'aria aperta. Particolare attenzione dovrebbe essere prestata allo stato generale tonale e cromatico della natura (a seconda della forza e del colore dell'illuminazione) e al fenomeno della prospettiva aerea. Il momento determinante nella pittura all'aria aperta è la coerenza della scala tonale e cromatica nella costruzione delle relazioni tonali e cromatiche dello studio (vedi la scala tonale e cromatica dell'immagine):

Sottoverniciatura - la fase preparatoria del lavoro sul quadro, eseguita con la tecnica della pittura a olio. La pittura di fondo viene solitamente eseguita con un sottile strato di vernice e può essere monocromatica o multicolore.

Barella. La tela su cui l'artista dipinge un quadro è tesa su una barella. Il suo scopo è mantenere tesa la tela. Ciò è garantito dal fissaggio non rigido delle assi di legno del controtelaio. Con un fissaggio cieco degli angoli della barella, è difficile correggere il cedimento della tela dall'umidità. Sulle doghe del controtelaio vengono realizzati smussi diretti all'interno del controtelaio. Altrimenti, nei punti di contatto tra la tela e le nervature interne del telaio, la tela si deforma e su di essa compaiono le nervature interne del telaio. I controtelai di grandi dimensioni sono realizzati con una croce, che li protegge dalle distorsioni diagonali e dalle deviazioni delle lamelle.

Penombra - una delle gradazioni di chiaroscuro sulla superficie di un oggetto tridimensionale, intermedia tra luce e ombra (sia in natura che nell'immagine).

Ritratto - un'immagine che cattura l'aspetto di una persona in particolare, le sue caratteristiche individuali. L'arte del ritratto richiede che, insieme alla somiglianza esterna, l'aspetto di una persona rifletta i suoi interessi spirituali, lo stato sociale e le caratteristiche tipiche dell'epoca a cui appartiene. Nel ritratto dovrebbero essere presenti anche l'atteggiamento personale dell'artista nei confronti delle persone raffigurate, la sua visione del mondo, l'impronta del suo modo creativo.

Primitivismo - una delle tendenze formaliste nelle arti visive. È caratterizzato da un completo rifiuto delle conquiste del realismo per imitare le forme d'arte delle cosiddette epoche primitive (tribù primitive), prendendo deliberatamente in prestito le caratteristiche dei disegni dei bambini, ecc.

Registrazione - nella tecnica della pittura ad olio, fase principale nell'esecuzione di una grande tela, che segue la pittura di fondo, precedendo la velatura. Il numero di registrazioni dipende dall'avanzamento del lavoro dell'artista; ognuno di essi termina con la completa asciugatura della vernice. In un senso ampio e impreciso del termine, la pittura di fondo, così come qualsiasi lavorazione di una tela già finita o di una sua parte, è talvolta chiamata registrazione.

Proporzioni - il rapporto tra le dimensioni degli oggetti o delle loro parti tra loro e rispetto al tutto. In un disegno o dipinto, queste relazioni sono trasmesse in proporzione, cioè simili, ridotte o aumentate dello stesso numero di volte. Il rispetto delle proporzioni è di importanza decisiva, poiché sono il tratto più caratteristico del soggetto e costituiscono la base di un'immagine veritiera ed espressiva.

Proporzionalità delle relazioni - la legge della pittura realistica, che determina il rapporto di ogni punto luce-colore dello studio con gli altri, proporzionale all'immagine visiva della natura, condizione importante per una rappresentazione veritiera e olistica della realtà. La nostra percezione visiva e il riconoscimento della forma, del colore, del materiale degli oggetti, dello stato di illuminazione si basa sulle loro relazioni tonali e cromatiche. Le caratteristiche di tono e colore sono visivamente percepite non isolatamente, ma a seconda dell'ambiente, insieme ad altri toni e colori. Pertanto, l'artista riproduce sul disegno le differenze tonali e cromatiche della natura, nonché le dimensioni prospettiche degli oggetti, con il metodo della corrispondenza proporzionale tra l'immagine e l'immagine visiva della natura. Ciò raggiunge lo stato di illuminazione dello studio, la vera modellazione della forma tridimensionale, la materialità, la profondità spaziale e altre qualità pittoriche dell'immagine.

Il processo di pittura dalla natura comporta un ordine speciale di esecuzione del lavoro all'inizio, a metà e nella fase finale. Questo processo va dal generale all'elaborazione dettagliata della forma e termina con una generalizzazione, evidenziando il principale e subordinando ad esso il secondario. Nella pittura in queste fasi, vengono risolti i seguenti compiti specifici: 1) trovare la relazione delle principali macchie di colore, tenendo conto del tono e dello stato cromatico dell'illuminazione (la sua forza e composizione spettrale), 2) "allungamento" del tono del colore all'interno delle relazioni di base trovate, modellazione del colore della forma tridimensionale dei singoli oggetti , 3) ​​nella fase di generalizzazione - ammorbidire i contorni netti degli oggetti, attenuare o esaltare il tono e il colore dei singoli oggetti, evidenziando il principale, subordinando il secondario ad esso. In definitiva, l'intera immagine pittorica viene portata all'integrità e all'unità, all'impressione che la visione riceve vedendo la natura nel suo insieme.

Diluenti . Per acquerelli e colori a guazzo, l'unico diluente è l'acqua. Per diluire i colori ad olio vengono utilizzate composizioni di origine trementina (pinene n. 4) o prodotti petroliferi miscelati con alcool o olio di lino (diluenti n. 1, 2). L'aggiunta, ad esempio, di pinene alla pittura ad olio contribuisce alla loro rapida essiccazione. Inoltre, al fine di garantire una migliore adesione degli strati di vernice, la superficie indurita dello strato di vernice viene pulita con pinene prima della nuova registrazione.

Angolo - riduzione prospettica della forma di un oggetto, che porta a un cambiamento nei suoi contorni abituali; contrazioni nettamente pronunciate che si verificano quando un oggetto viene osservato dall'alto o dal basso.

Telaio. L'immagine creata dall'artista ha una cornice. Completa la composizione, le dà unità, dirige l'attenzione dello spettatore sull'opera stessa. Molto spesso la cornice ha una forma rettangolare, occasionalmente rotonda o ovale. Spesso le stecche del telaio hanno profili sottili, come gradini che scendono verso il quadro stesso. Aiutano l'occhio dello spettatore ad immergersi più facilmente nel mondo del raffigurato. Gli artisti trattano la cornice come una parte essenziale della composizione pittorica e la dipingono con colori chiari e scuri di diverse tonalità. Ci sono cornici con ricchi motivi plastici, ornamenti floreali o geometrici convenzionali.

Realismo - un metodo di creatività artistica basato su una profonda conoscenza della vita e un riflesso figurativo della sua essenza e bellezza. Il realismo nella pittura si basa sulla rappresentazione della vita nelle forme della vita stessa. L'artista studia costantemente la vita con una matita e un pennello in mano e padroneggia perfettamente l'abilità della rappresentazione veritiera di oggetti e oggetti della realtà. Senza la conoscenza organica e la generalizzazione della vita, da un lato, e la capacità di incarnare tutto questo in un'immagine visiva concreta, dall'altro, l'immagine artistica nel quadro si trasforma in uno schema privo della persuasività della vita.

realismo socialista - il metodo dell'arte socialista, finalizzato a un riflesso veritiero e storicamente concreto della realtà nel suo sviluppo rivoluzionario ai fini dell'educazione ideologica ed estetica delle persone nello spirito del socialismo e del comunismo.

Riflesso - riflessione luminosa o colorata che si verifica sulla forma a seguito della riflessione dei raggi luminosi dagli oggetti circostanti. I colori di tutti gli oggetti sono interconnessi dai riflessi. Maggiore è la differenza di luminosità e colore tra due oggetti adiacenti, più evidenti sono i riflessi. Su superfici ruvide e opache sono più deboli, su superfici lisce sono più visibili e con contorni più distinti. Su superfici lucide sono particolarmente distinti (in questo caso sono esaltati dalla riflessione speculare).

Disegno -1) riproduzione a tutti gli effetti del mondo oggettivo: modellazione volumetrico-spaziale, proporzioni corrette, espressione veritiera, carattere chiaramente espresso, ecc. Questa è la base per una rappresentazione realistica della realtà in generale - con qualsiasi mezzo e tecnica tecnica. L'insegnamento del disegno è una parte essenziale della formazione professionale di un pittore, grafico e scultore; 2) una sorta di grafica artistica basata su mezzi tecnici e capacità di disegno. A differenza della pittura, il disegno viene eseguito principalmente con una materia colorante solida (matita, carboncino, sanguigna, ecc.), di regola, mediante un tratto e una linea, con il ruolo ausiliario del colore; 3) un'opera separata del corrispondente tipo di grafica.

Ritmo e ritmo - la ripetizione di alcuni elementi compositivi dell'opera, la loro speciale proporzionalità, che porta a una coerenza armoniosa e regolare dell'insieme. Il ritmo può manifestarsi attraverso contrasti e corrispondenze di raggruppamenti di figure, oggetti, linee, movimenti, macchie bianche e nere e colorate, piani spaziali, ecc.

Leggero - un elemento di gradazioni di luce e ombra, serve a designare la parte illuminata della superficie degli oggetti.

Leggerezza (tono) - il grado comparativo di differenza dall'oscurità: più lontano dall'oscurità, maggiore è la luminosità del colore.

Apertura - il grado di leggerezza del soggetto, il suo tono. L'apertura dipende dalla presenza di altri toni (vicini), nonché dal colore degli oggetti.

Chiaroscuro - gradazioni regolari di chiaro e scuro sulla forma volumetrica di un oggetto, per cui, sia in natura che nel disegno, vengono percepite dall'occhio proprietà oggettive come volume e materiale. Le principali gradazioni del chiaroscuro: evidenziazione, luce, penombra, ombra propria, riflesso, ombra cadente.

proprietà del colore - tonalità di colore o tonalità: rosso, blu, giallo, giallo-verde, luminosità e saturazione (il grado della sua differenza dal grigio, cioè il grado di vicinanza a un colore spettrale puro). Nel processo di verniciatura, queste tre proprietà vengono utilizzate per confrontare i colori di una produzione naturale, trovare le loro differenze cromatiche e trasferite al disegno in rapporti proporzionali.

Raccoglitore - questo è un astringente (colla, olio, calce spenta, tuorlo d'uovo di gallina), con l'aiuto del quale le particelle di pigmento vengono interconnesse e fissate sulla superficie del terreno, formando uno strato pittorico. I tipi di pittura - affresco, pittura a olio, tempera - differiscono proprio nella composizione del legante, sebbene il pigmento sia solitamente lo stesso.

Silhouette - un'immagine planare a un colore scuro su uno sfondo chiaro. persona, animale o oggetto. Il termine deriva dal nome del ministro delle finanze francese del XVIII secolo. E. de Silhouette, che è stato caricaturato sotto forma di un profilo d'ombra.

Simbolo. - un'immagine che esprime allegoricamente qualsiasi concetto ampio o idea astratta. Nel caso in cui la connessione di un simbolo con il concetto che esprime derivi da una somiglianza interna significativa, una relazione tra l'oggetto raffigurato e il suo significato allegorico, l'uso di un simbolo diventa appropriato e possibile nell'arte realistica. Un simbolo viene utilizzato quando vogliono esprimere un concetto ampio e multicomprensivo in una forma concisa e concisa.

Contenuto e forma nell'art - categorie indissolubilmente legate e interdipendenti, una delle quali indica ciò che esattamente si riflette ed esprime nell'opera (contenuto), e la seconda indica come, con quali mezzi ciò si ottiene (forma). Il ruolo principale e determinante appartiene al contenuto. Diventa un certo fenomeno della vita, realizzato ed esteticamente compreso dall'artista nel processo del lavoro creativo. La categoria della forma artistica nelle arti visive comprende: trama, composizione, tipo, disegno, sistema di colori, volume, spazialità, costruzione di luci e ombre, ecc. Va notato che i meriti artistici di un'opera dipendono direttamente da quanto professionalmente addestrato l'artista utilizza forme di espressione. Senza la padronanza pratica della cultura dell'uso del colore, è impossibile esprimere il contenuto figurativo mediante la pittura in un determinato materiale.

Confronto - un metodo per determinare proporzioni, relazioni tonali e cromatiche, ecc. Le proprietà e le qualità sono conosciute dalla nostra coscienza attraverso il confronto. Comprendere la natura della forma di un oggetto, determinarne il tono e il colore è possibile solo rispetto ad altri oggetti. Per rappresentare la natura in modo veritiero, l'artista deve creare sullo schizzo proporzionali alla natura differenze negli oggetti di dimensioni, tono e colore. È solo con il metodo del confronto (con una percezione integrale della natura) che è possibile determinare in natura i rapporti cromatici tra gli oggetti, trasmetterli su tela o carta.

Stilizzazione - 1) imitazione intenzionale di uno stile artistico, caratteristico di qualsiasi autore, genere, tendenza, arte e cultura di un determinato ambiente sociale, nazionalità, epoca. Di solito comporta una libera interpretazione del contenuto e dello stile dell'arte che è servita da prototipo; 2) nelle arti visive e principalmente nelle arti decorative, il design, la generalizzazione delle figure e degli oggetti raffigurati utilizzando tecniche condizionali; la stilizzazione è particolarmente caratteristica dell'ornamento, dove trasforma l'oggetto dell'immagine nel motivo del motivo.

Stile - 1) la comunanza delle caratteristiche ideologiche e artistiche delle opere d'arte di una certa epoca. L'emergere e il cambiamento degli stili è determinato dal corso dello sviluppo storico della società (ad esempio, classicismo, barocco, ecc.); 2) caratteristica nazionale dell'arte (stile cinese, moresco, ecc.). Parlano anche dello stile di un gruppo di artisti o di un artista, se il loro lavoro si distingue per caratteristiche individuali brillanti.

Pennello asciutto - nella pittura e nella grafica, una tecnica ausiliaria consistente nel lavorare con pennelli duri poco saturi di vernice. Come tecnica indipendente, il pennello a secco viene utilizzato principalmente nelle arti decorative.

Sfumato - in pittura e grafica, termine associato alla pittura del Rinascimento italiano a partire da Leonardo da Vinci e che significa la morbidezza dell'esecuzione, l'inafferrabilità dei contorni degli oggetti come risultato di un certo approccio artistico.

Complotto - 1) un evento o fenomeno specifico raffigurato nell'immagine. Lo stesso tema può essere rivelato in una varietà di trame; 2) a volte la trama è intesa come qualsiasi oggetto della natura vivente o del mondo oggettivo, preso per l'immagine. Spesso la trama sostituisce il concetto di motivo, che è alla base di un'opera (soprattutto un paesaggio).

Processo creativo (creatività) - il processo di creazione di un'opera d'arte, dalla nascita di un'idea figurativa alla sua incarnazione, il processo di traduzione delle osservazioni della realtà in un'immagine artistica. In pittura, la creatività consiste nel creare un'opera in forme visibili direttamente autentiche.

Soggetto - la gamma di fenomeni scelti dall'artista per rappresentare e rivelare l'idea dell'opera.

colori a tempera - idropitture a base di polveri secche impastate con tuorlo d'uovo diluito con acqua di colla. Attualmente si realizzano anche vernici semiliquide, racchiuse in tubetti e preparate sul tuorlo, uovo intero o emulsione di olio vegetale con uovo e colla. I colori a tempera possono essere scritti in modo denso, come gli oli, e sottili, come gli acquerelli, diluendoli con acqua. Si asciugano più lentamente della tempera. Lo svantaggio è la differenza nelle tonalità della vernice grezza e secca. I dipinti dipinti con colori a tempera hanno una superficie opaca, quindi a volte sono ricoperti da una vernice speciale che elimina questa opacità.

Ombra - un elemento di chiaroscuro, le aree più scarsamente illuminate in natura e nell'immagine. Ci sono ombre proprie e cadenti. Le ombre che appartengono all'oggetto stesso sono chiamate ombre proprie. Le ombre cadenti sono ombre proiettate dal corpo sugli oggetti circostanti.

Colori caldi e freddi . I colori caldi sono condizionatamente associati al colore del fuoco, del sole, degli oggetti caldi: rosso, rosso-arancio, giallo-verde. I colori freddi sono associati al colore dell'acqua, del ghiaccio e di altri oggetti freddi: verde-blu, blu, blu-blu, blu-viola. Queste qualità di colore sono relative e dipendono dalla posizione di un altro colore nelle vicinanze. Il blu oltremare, ad esempio, è freddo di per sé, accanto al blu di Prussia sarà caldo e il rosso maculato apparirà più freddo del rosso cinabro.

Nell'aspetto cromatico della natura visibile sono sempre presenti sia le tonalità calde che quelle fredde. Questo caldo-freddo delle sfumature si basa principalmente sui contrasti cromatici naturali in luce e in ombra. In natura capita spesso che i colori degli oggetti siano freddi e le loro ombre siano calde e viceversa. Al fenomeno del freddo contribuisce anche la cosiddetta percezione visiva a contrasto dei colori: dalla presenza di un colore caldo nella natura percepita, nasce sulla retina l'impressione di uno freddo, anche se in natura non è così. Il caldo-freddo nella pittura è un fenomeno naturale e una qualità integrale della rappresentazione pittorica di uno studio della natura o di un quadro.

Tecnica - nel campo dell'arte: un insieme di abilità e tecniche speciali attraverso le quali viene eseguita un'opera d'arte. Il concetto di "tecnica" nel senso stretto del termine corrisponde solitamente al risultato diretto e immediato del lavoro dell'artista con un materiale e uno strumento speciali, la capacità di utilizzare le possibilità artistiche di questo materiale; in un senso più ampio, questo concetto copre anche gli elementi corrispondenti di natura pittorica: il trasferimento della materialità degli oggetti, la modellazione di forme tridimensionali, la modellazione di relazioni spaziali, ecc. Senza eccezioni, tutti i mezzi tecnici dovrebbero portare a un buon -noto, almeno modesto, risultato artistico.

I mezzi tecnici dell'arte non rimangono neutri rispetto al contenuto. Le caratteristiche principali della tecnica realistica sono principalmente dovute alla sua subordinazione alla struttura ideologica e figurativa dell'opera.

Ttecnica pittorica - vedi pittura a olio, acquarello, gouache, tempera, pittura a colla, pastello, encausto, affresco, mosaico.

Tono (senza accompagnare la parola "colore") - nella terminologia degli artisti equivale al concetto di leggerezza del colore (vernice). Qualsiasi colore cromatico o acromatico può avere una luminosità diversa. Puoi dire del tono all'interno dello stesso colore, ad esempio rosso: "tono chiaro di vernice rossa" o "tono scuro di vernice". A volte il termine "tono" è usato in relazione al colore, ad esempio "il tono dorato del pannello", "il tono marrone dell'immagine". Gli artisti usano spesso il termine "leggerezza" o "apertura" del colore invece del termine "tono" del colore.

Chiave - un termine che denota le caratteristiche esteriori del colore o del chiaroscuro nelle opere di pittura e grafica. È più comune in relazione al colore e coincide con il termine "gamma di colori".

Scala tonale e cromatica dell'immagine . Il trasferimento di rapporti tonali e cromatici proporzionali alla natura può essere effettuato in diverse gamme di luminosità e saturazione dei colori della tavolozza. Dipende dallo stato generale della forza dell'illuminazione della natura e dalla sua rimozione dal pittore. L'artista può prendere gli oggetti di colore più chiari e saturi in natura su uno studio o in piena forza dei colori chiari e luminosi della tavolozza, o solo nella metà delle loro possibilità. In questo modo viene mantenuta la scala tonale e cromatica dell'immagine, in cui si riflettono i rapporti tonali e cromatici degli oggetti di produzione naturale.

immagine di tono - un'immagine con diverse transizioni tonali dalla luce all'ombra, cioè con aree che hanno diverse intensità tonali. Un tipico esempio di immagine tonale è una fotografia, un disegno ad olio o acquerello in un colore (grisaglia), nonché un disegno a matita realizzato con la tecnica dell'ombreggiatura.

relazioni di tono . Il riconoscimento della forma volumetrica degli oggetti, il loro materiale avviene nella nostra mente sulla base della percezione visiva dei loro rapporti di luce. Pertanto, l'artista deve riprodurre i rapporti di leggerezza del disegno con il metodo della somiglianza. Mediante gradazioni di chiaroscuro su una forma volumetrica e il trasferimento di rapporti tonali proporzionali alla natura tra il colore (materia) degli oggetti, l'artista realizza una vera e propria modellazione volumetrica della forma, l'espressione della materialità, della profondità spaziale e dello stato di illuminazione (disegno tonale, pittura a grisaglia).

Struttura - tratti caratteristici della superficie di oggetti realizzati con vari materiali sia in natura che nell'immagine (rilievo dello strato pittorico di tratti). La trama può essere liscia, ruvida, in rilievo. La trama della lettera dipende in gran parte dalle proprietà del materiale colorato, dalle caratteristiche dell'oggetto della natura, che l'artista raffigura, nonché dal compito e dal materiale di esecuzione. In acquerello, la trama dipende in gran parte dalla superficie della carta. La trama della lettera rivela la calligrafia individuale dell'artista.

Fas (faccia intera) - lato anteriore, vista frontale. Con questo termine si indica che il modello (la testa di una persona o un oggetto) si trova frontalmente, parallelo al piano del quadro.

Sfondo - qualsiasi mezzo o piano dietro l'oggetto dell'immagine.

Modulo - 1) aspetto, contorno; implica la presenza di volume, costruzione, proporzione; 2) nelle arti visive, una forma d'arte è un mezzo artistico che serve a creare un'immagine, rivelare il contenuto (vedi contenuto e forma).

Formalismo - la designazione generale di numerose *> 1X scuole e tendenze antirealiste nelle arti visive: cubismo, futurismo, costruttivismo, surrealismo, suprematismo, purismo, dadaismo, astrattismo, pop art, ecc. Tutte queste varietà di formalismo si basano sul separazione innaturale della forma d'arte dal contenuto, sul riconoscimento dell'indipendenza e dell'indipendenza della forma, pretendendo erroneamente di creare opere d'arte attraverso varie combinazioni di linee o colori “puliti”. L'immagine formalistica distorce grossolanamente la realtà, perde la capacità di conoscere figurativamente il mondo e talvolta si trasforma in esperimenti ciarlatani senza senso.

Formato - la forma del piano su cui viene eseguita l'immagine. È dovuto ai contorni generali della natura, al rapporto tra altezza e larghezza. La scelta del formato dipende dal contenuto e si adatta alla composizione dell'immagine. Per il sistema figurativo, il formato è essenziale.

Affrescare - la varietà tecnica più importante della pittura monumentale, che utilizza la calce come legante principale.

Il colore nella pittura. Il colore in generale è la proprietà degli oggetti di provocare una certa sensazione visiva in accordo con la composizione spettrale dei raggi riflessi. Nella vita di tutti i giorni, a ciascun oggetto o oggetto viene assegnato un colore specifico. Questo colore è chiamato oggettivo o locale (l'erba è verde, il cielo è blu, l'acqua del mare è blu, ecc.). Nei pittori alle prime armi, di regola, prevale la visione oggettiva del colore, che porta alla colorazione amatoriale. In senso pittorico, un oggetto può essere rappresentato correttamente solo se non è il colore dell'oggetto che viene trasmesso, ma il colore modificato dall'illuminazione e dall'ambiente. Il colore del soggetto cambia quando l'intensità della luce aumenta e diminuisce. Varia anche dalla composizione spettrale dell'illuminazione. L'ambiente in cui si trova l'oggetto riflette anche i raggi di colore che, avendo colpito la superficie di altri oggetti, formano riflessi di colore su di essi. Il colore cambia anche dall'interazione del contrasto. Così, il colore di un oggetto è sempre un mosaico composto da colore e punti di luce e ombra (riflessi e luci), e in questo caso si dice non oggettivo, ma condizionato. È questo colore che è uno dei principali mezzi visivi della pittura realistica.

È generalmente accettato che il colore stesso possa avere qualche effetto su una persona. A volte pensano che i colori scuri e chiari creino un'atmosfera allegra; il grigio e il nero provocano una sensazione di sconforto, ecc. In psicologia, si stanno conducendo ricerche ed esperimenti su questo argomento, ma alcuni schemi in questa materia non sono stati ancora identificati. Il pittore non utilizza i valori di colore di cui sopra. Non ha una regola generale per l'impatto emotivo del colore nelle “diverse occasioni”. Non è affatto necessario risolvere un'immagine con colori scuri o severi se il suo tema è tragico o triste e i colori vivaci non sono necessari per trame gioiose. Ad esempio, le trame dei dipinti di Surikov "Menshikov in Berezovo" e "Boyar Morozova" sono dedicate al tragico destino di persone di forte volontà e convinzione. I toni scuri predominano nella colorazione della prima immagine. La seconda immagine è costruita su ricche combinazioni di colori di pittura en plein air di un paesaggio invernale, abiti luminosi della folla, colorazione festosa del "tappeto". La natura della trama naturale, lo stato di illuminazione ha determinato il colore di queste opere. Pertanto, il colore dell'immagine è creato da un sistema di relazioni cromatiche volte a rappresentare le condizioni e le condizioni della vita reale. Il colore è un mezzo per rappresentare la forma volumetrica di un oggetto, la sua materialità, le qualità spaziali, lo stato coloristico di illuminazione della natura, e solo rivelando in questo modo il contenuto semantico dell'immagine ha il necessario impatto emotivo.

Unità cromatica e affinità dei colori. Il colore dell'illuminazione, la sua composizione spettrale, influenza opportunamente i vari colori degli oggetti e degli oggetti della natura, li subordina a una certa gamma. Il risultato è un'unità coloristica di colori. Un vero riflesso di queste qualità rende uno studio dalla natura particolarmente veritiero e armonioso in termini di pittura.

Relazioni di colore - differenze nei colori naturali in termini di tonalità (tonalità), luminosità e saturazione. In natura il colore è sempre percepito in relazione ai colori che lo circondano, con i quali è in stretta interazione e dipendenza. Pertanto, le relazioni cromatiche dello studio dovrebbero essere trasmesse in proporzione alle relazioni cromatiche della natura. Questa è la legge della trasposizione coloristica dei colori della natura visibile nella gamma dei colori della tavolozza, è determinata dalla psicofisiologia della nostra percezione visiva e del nostro pensiero.

Integrità dell'immagine - il risultato di lavorare dalla natura con il metodo delle relazioni (confronti) con una visione integrale della natura, a seguito della quale l'artista si sbarazza di tali difetti di un disegno o di uno schizzo come la frammentazione e la variegatura.

Integrità della percezione - la capacità dell'artista di vedere oggetti di produzione naturale contemporaneamente, tutti in una volta. Solo come risultato della percezione visiva integrale, è possibile determinare correttamente le proporzioni degli oggetti, i toni e le relazioni cromatiche e ottenere l'integrità dell'immagine di una produzione naturale. L'integrità della percezione è la capacità professionale di vedere e la "regolazione dell'occhio" dell'artista.

Esistono numerosi suggerimenti su come percepire praticamente la natura nel suo insieme: 1) al momento dell'osservazione, quando si determinano le relazioni cromatiche, strizzare gli occhi o "dissolvere" gli occhi su tutta la natura, 2) P. P. Chistyakov ha consigliato di "mentalmente avere di fronte a te, per così dire, vetro piano, dà relazioni”, 3) R. Falk, per l'integrità della visione, consigliava di tagliare un foro rettangolare (2X1 cm) in un pezzo di cartone e di guardare la natura nel piano di questa finestra (l'occhio riceve un sistema pittorico olistico dei principali rapporti cromatici della natura, simile a un mosaico di pietre preziose); 4) puoi anche percepire la natura nel suo insieme e comprenderne le relazioni cromatiche con l'aiuto di uno "specchio nero" (se dipingi su un lato di un vetro trasparente con vernice nera, otterrai uno specchio in cui, alla luce del sole , puoi visualizzare gli oggetti del paesaggio con una luminosità ridotta.In uno specchio di questo tipo, gli oggetti si riflettono sullo stesso piano in una forma ridotta, possono essere visti tutti contemporaneamente.Ciò ti consentirà di catturare con maggiore precisione le relazioni tonali e cromatiche di natura).

Esterno (al contrario di interno) - una rappresentazione dell'esterno di un edificio.

Encausto La pittura a cera è un tipo di tecnica pittorica, attualmente poco utilizzata, basata sull'uso della cera come legante. Il miglior metodo di pittura a cera in termini di risultati e durata è l'encausto antico. I suoi vantaggi risiedono nelle eccezionali qualità di una cera appositamente preparata, che è quasi inalterata dal tempo o dall'umidità, non si screpola mai e mantiene inalterato il suo colore.

Schizzo - uno schizzo preparatorio di uno studio o di un dipinto. Nel processo di lavorazione dalla natura, gli schizzi vengono utilizzati come materiale ausiliario; sviluppano opzioni per composizioni di un foglio di carta o tela. Gli schizzi sono realizzati sia sotto forma di rapidi schizzi a matita che nel materiale.

Studio - un'immagine ausiliaria di dimensioni limitate, realizzata dalla natura per il suo attento studio. Attraverso lo schizzo, l'artista migliora le sue capacità professionali. L'obiettivo principale del lavoro di Etude rimane sempre una vera e vivace incarnazione dell'idea pittorica, la creazione di un'immagine. Nell'arte realistica, lo studio gioca sempre un ruolo di supporto.

Studio è il risultato di una rivalutazione del ruolo dello studio, porta inevitabilmente all'impoverimento del contenuto ideologico e figurativo. È generalmente accettato che lo studio sia nato dall'impressionismo, che limita l'attività dell'artista a un lavoro superficiale dalla natura, sostituendo l'immagine con lo studio.

Effetto Purkyne - modifica della luminosità relativa dei colori quando l'illuminazione viene aumentata o diminuita. Ad esempio, durante il giorno, la luminosità relativa del rosso e del giallo sembra forte, e al crepuscolo, del verde e del blu. Il punto qui è che durante il giorno, con un'illuminazione normale, il nostro occhio vede attraverso alcune cellule della retina dell'occhio, i cosiddetti coni, e con una luce molto debole già attraverso altre - bastoncelli. I coni sono più sensibili al giallo e al rosso, mentre i bastoncelli sono più sensibili al blu-verde. Anche Leonardo da Vinci se ne accorse: "Il verde e il blu intensificano i loro colori in parziale ombra, e il rosso e il giallo vincono di colore nei luoghi più illuminati".

L'arte è creatività in generale.
Quali arti conosci?
Letteratura, musica, danza, teatro, cinema.

arte- spaziale, non esteso nel tempo. Richiede uno spazio bidimensionale o tridimensionale. Sebbene ai nostri tempi, grazie alle capacità tecniche, sia apparsa una forma d'arte che include uno spazio temporaneo (videoarte).

L'arte riflette la realtà con l'aiuto di immagini visive:
- la diversità del mondo circostante;
- pensieri e sentimenti umani.
È un modo per conoscere l'ambiente e te stesso.

Per fare questo, l'artista usa la generalizzazione e l'immaginazione.

Tipi di belle arti:
Architettura
Pittura
Arti grafiche
Scultura
Arti e mestieri
Arte teatrale e decorativa
Progetto

Architettura

L'architettura è l'arte di costruire edifici e strutture per la vita e le attività delle persone.

La parola "architettura" deriva dal greco "Archus" - il principale, il più alto;
"Tettonico" - costruzione.

Richiede uno spazio tridimensionale.. Ha anche uno spazio interno - un interno.

Pittura

La pittura è una sorta di belle arti, le cui opere sono create con l'ausilio di colori (tempera, colori ad olio, acrilico, guazzo, …).

Arti grafiche

La grafica è una forma d'arte che include disegni e immagini stampate. "Grafo" - scrivo, disegno, disegno.
I disegni sono fatti a matita, inchiostro, seppia, sanguigna...
Immagini stampate - incisioni, litografie, xilografie, monotipo.

La grafica è divisa in cavalletto, libro e applicato.
Sull'orlo della pittura e della grafica ci sono acquerelli, gouache e pastelli.

Le prime opere di grafica sono pitture rupestri di arte primitiva.
Nell'antica Grecia, l'arte grafica era ai massimi livelli: la pittura vascolare.

Scultura

Il termine deriva dal latino "sculpere" - tagliare, intagliare.
A differenza della pittura e della grafica, nella scultura c'è volume.
La scultura è un'immagine tridimensionale.

Materiali: osso, pietra, legno, argilla, metallo, cera...
La scultura è una delle forme d'arte più antiche.
Le prime opere scultoree erano idoli, amuleti, raffiguravano gli antichi dei.
Si distingue tra scultura rotonda (vista da diverse angolazioni) e rilievo (alto, medio, basso, controrilievo).
La scultura è divisa in tipi: da cavalletto e monumentale (monumenti, monumenti) e monumentale-decorativa (decorazione architettonica).

Arti decorative e applicate (DPI)

In ogni casa vivono e ci servono vari oggetti. E se sono stati toccati dalla mano di un artista, gioielliere o artigiano, allora diventano un'opera d'arte e artigianato. Il termine è apparso nel 18 ° secolo. dalla parola francese "decor" - decorazione ovunque.
Applicato significa ciò a cui viene applicata l'abilità, l'arte.

Progetto

A partire dal periodo primitivo si può tracciare lo sviluppo di questa forma d'arte.

Arte teatrale e decorativa

Questo tipo di arte include la creazione di scenografie, oggetti di scena, costumi, trucco.

GENERI

Il termine "genere" deriva dal francese - gentile, genere.
I primi generi indipendenti apparvero nei Paesi Bassi nel XVI secolo.

Storico
mitologico, religioso
Battaglia
Ritratto
Scenario
Natura morta
Domestico
Marina
animalesco
Interni

genere storico

Il genere storico sono opere d'arte che riflettono personaggi o eventi storici reali.

genere mitologico

Il genere mitologico è un'opera d'arte che riflette soggetti mitologici.

Religioso

Genere di battaglia

Il genere della battaglia è un'opera d'arte che riflette episodi militari.
Un artista che scrive su temi di battaglia è chiamato pittore di battaglie.

Ritratto

Un ritratto è l'immagine di una persona in scultura, pittura e grafica.
I ritratti dipinti da artisti ci trasmettono le immagini di persone di epoche passate.

Scenario

Il paesaggio è un'immagine in cui la natura è diventata il suo contenuto principale.
Il termine "paesaggio" (paysage) deriva dalla lingua francese, che nella traduzione significa "natura". Come genere indipendente, il paesaggio è nato in Olanda.
La pittura di paesaggio è varia. Ci sono paesaggi che trasmettono con precisione certi angoli della natura, in altri lo stato è sottilmente trasmesso. Ci sono anche paesaggi fantastici.

Natura morta

Il termine "natura morta" deriva da una parola francese che letteralmente significa "natura morta".
Si tratta di dipinti i cui eroi sono vari oggetti domestici, frutta, fiori o cibo (pesce, selvaggina e così via).
Le nature morte ci raccontano non solo delle cose, ma anche dei loro proprietari, della loro vita, del loro modo di vivere e delle loro abitudini.

genere domestico

Genere domestico - questi sono dipinti che riflettono episodi della vita quotidiana delle persone.

Marina

Marina è un'opera d'arte che raffigura il mare.
Un artista che dipinge il mare è chiamato pittore marino.

Genere animale

Il genere animalesco sono opere d'arte che raffigurano animali.

Interni

Immagine della decorazione interna di una struttura architettonica.

stile artistico

Il concetto di "stile" è un'originalità che consente di determinare immediatamente in quale epoca storica è stata realizzata l'opera.
Uno stile artistico (alto) è una direzione che coinvolge tutti i tipi di arte.
Ad esempio, il barocco è uno stile elevato e il rococò è una direzione.
I grandi o alti stili includono i classici dell'antichità, lo stile romanico e gotico nel Medioevo, lo stile rinascimentale, che ha segnato il periodo di transizione dal Medioevo alla New Age, il barocco e il classicismo nella New Age. L'ultimo grande stile a cavallo tra il XIX e il XX secolo. divenne Art Nouveau, in cui si tentò di far rivivere l'unità di architettura, arti decorative e belle arti.
La combinazione di diversi tipi di arte in un'opera è chiamata sintesi delle arti.
In altre parole, lo stile artistico raggiunge il suo massimo livello quando coinvolge tutti i tipi di arte.
Essendosi sviluppati in una certa epoca storica, gli stili elevati sono stati continuamente trasformati e rianimati nella fase successiva in una nuova qualità. Ad esempio, il classicismo del XVII secolo. in Francia prende le basi dai classici antichi, mentre è molto diverso dal neoclassicismo della seconda metà del Settecento. e, naturalmente, dal neoclassicismo come una delle tendenze eclettiche della seconda metà dell'Ottocento e dell'inizio del Novecento.

Immagine artistica

Un'immagine artistica è una forma di riflessione (riproduzione) della realtà oggettiva nell'arte.