L'arte della pittura moderna sono opere create nel presente o nel recente passato. Passeranno un certo numero di anni e questi dipinti entreranno a far parte della storia. I dipinti realizzati nel periodo che va dagli anni '60 del secolo scorso ai giorni nostri riflettono diverse aree dell'arte contemporanea che possono essere classificate come postmodernismo. Ai tempi dell'Art Nouveau, il lavoro dei pittori era più ampiamente rappresentato e negli anni '70 del XX secolo si verificò un cambiamento nell'orientamento sociale dell'arte della pittura.
Gli artisti della pittura moderna rappresentano, prima di tutto, le nuove tendenze nelle belle arti. Nella terminologia culturale esiste il concetto di "arte contemporanea", che è in qualche modo correlato al concetto di "pittura contemporanea". Per arte contemporanea, gli artisti spesso intendono innovazione, quando il pittore si rivolge a temi ultramoderni, indipendentemente dal loro orientamento. L'immagine può essere dipinta e raffigurare qualsiasi impresa industriale. Oppure sulla tela c'è un paesaggio paesaggistico con un campo di grano, prato, bosco, ma allo stesso tempo verrà sicuramente disegnata una mietitrebbia in lontananza. Lo stile della pittura moderna implica un orientamento sociale dell'immagine. Allo stesso tempo, i paesaggi di artisti contemporanei senza sfumature sociali sono valutati molto più in alto.
Dalla fine degli anni '90, gli artisti contemporanei hanno abbandonato i temi della produzione e trasferito il loro lavoro nel mainstream della pura arte. Ci sono maestri di ritratti raffinati, scene di paesaggi, nature morte nello stile del disegno fiammingo. E gradualmente, nella pittura moderna, iniziò ad apparire un'arte genuina, per nulla inferiore ai dipinti creati da artisti eccezionali del XVIII e XIX secolo, e per certi versi addirittura superiore a loro. I maestri del pennello di oggi sono aiutati da una base tecnica sviluppata, un'abbondanza di nuovi strumenti che consentono loro di riflettere pienamente i loro piani su tela. Così, gli artisti della pittura contemporanea possono creare al meglio delle loro capacità. Certo, la qualità delle vernici o dei pennelli è importante nel processo di pittura, ma la cosa principale è comunque il talento.
Gli artisti moderni aderiscono a metodi pittorici che consentono l'uso di tratti non geometrici applicati in gran numero su una tela di grandi dimensioni. Vengono utilizzati pennelli grandi, a volte pennelli. Tale pittura difficilmente può essere definita arte nel senso classico del termine, tuttavia l'astrazione è una continuazione del surrealismo, che apparve nel 1920 grazie alle idee di Andre Breton e trovò subito molti seguaci, come Salvator Dalì, Hans Hofmann, Adolf Gottlieb. Allo stesso tempo, gli artisti contemporanei comprendono l'espressionismo a modo loro. Oggi questo genere si differenzia dal suo predecessore per le dimensioni dei dipinti, che possono raggiungere i tre metri di lunghezza.
Il contrappeso all'astrattismo era la nuova avanguardia concettuale, che promuove valori estetici. Gli artisti moderni hanno iniziato a includere immagini di personaggi famosi come Mao Zedong o Marilyn Monroe nei loro dipinti. Questa arte era chiamata "pop art" - una tendenza popolare e generalmente riconosciuta nella pittura. La cultura di massa ha sostituito l'astrattismo e ha dato origine a un tipo speciale di estetica, che in modo colorato e spettacolare presentava al pubblico ciò che era sulla bocca di tutti, alcuni eventi recenti o immagini di personaggi famosi in diverse situazioni della vita.
I fondatori e seguaci della pop art furono Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein.
L'arte moderna è poliedrica, spesso in essa appare una nuova direzione, che combina due o più tipi di belle arti. Il fotorealismo è diventato una tale forma di autoespressione dell'artista. Questa direzione nella pittura è apparsa negli Stati Uniti nel 1968. È stato inventato dall'artista d'avanguardia Louis Meisel e il genere è stato introdotto due anni dopo al Whitney Museum durante la mostra Twenty-Two Realists.
La pittura nello stile del fotorealismo è associata alla fotografia, il movimento dell'oggetto sembra essere congelato nel tempo. L'artista fotorealista raccoglie la sua immagine, che verrà catturata nella foto, con l'aiuto di fotografie. Da un negativo o da una diapositiva, l'immagine viene trasferita sulla tela mediante proiezione o utilizzando una griglia di scala. Quindi viene creata un'immagine completa utilizzando le tecnologie di pittura.
Il periodo di massimo splendore del fotorealismo arrivò a metà degli anni '70, poi ci fu un calo di popolarità e all'inizio degli anni '90 il genere fu ripreso di nuovo. I venerabili artisti hanno lavorato principalmente negli Stati Uniti, tra loro c'erano molti scultori che hanno anche creato le loro opere utilizzando la proiezione di immagini. I maestri più famosi della pittura basata sul fotorealismo sono Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.
Artisti fotorealisti della generazione più giovane - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.
Gli artisti russi contemporanei e il loro lavoro sono di crescente interesse per gli intenditori di belle arti di tutto il mondo.
Oggi le arti visive hanno assunto forme diverse da quelle richieste nel XVIII e XIX secolo. Gli artisti moderni del mondo si sono rivolti all'avanguardia in un'interpretazione più ristretta, le tele hanno acquisito raffinatezza e sono diventate più significative. La società oggi ha bisogno di un'arte rinnovata, il bisogno si estende a tutti i tipi di creatività, compresa la pittura. I dipinti di artisti contemporanei, se realizzati a un livello sufficientemente alto, vengono acquistati, diventano oggetto di contrattazione o scambio. Alcune tele sono incluse negli elenchi di opere d'arte di particolare pregio. I dipinti del passato, dipinti da grandi pittori, sono ancora richiesti, ma gli artisti contemporanei stanno guadagnando sempre più popolarità. Olio, tempera, acquerello e altri colori li aiutano nella loro creatività e nell'attuazione di successo dei loro piani. I pittori, di regola, aderiscono a qualsiasi stile. Può essere paesaggio, ritratto, scene di battaglia o un altro genere. Di conseguenza, per il suo lavoro, l'artista sceglie un certo tipo di vernice.
Gli artisti moderni più famosi si differenziano per il modo di scrivere, il loro pennello è riconoscibile, a volte non serve nemmeno guardare la firma in fondo alla tela. Famosi maestri della pittura moderna: Perlstein Philip, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.
) nelle sue opere espressive e ampie ha saputo conservare la trasparenza della nebbia, la leggerezza della vela, il dolce dondolio della nave sulle onde.
I suoi dipinti stupiscono per la loro profondità, volume, saturazione e la trama è tale che è impossibile distogliere lo sguardo da loro.
Artista primitivo di Minsk Valentin Gubarev non inseguendo la fama e facendo solo ciò che ama. Il suo lavoro è follemente popolare all'estero, ma quasi sconosciuto ai suoi compatrioti. A metà degli anni '90, il francese si innamorò dei suoi schizzi quotidiani e firmò un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti, che, a quanto pare, dovrebbero essere comprensibili solo a noi, portatori del "fascino modesto del socialismo sottosviluppato", piacquero al pubblico europeo e iniziarono mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.
Sergei Marshennikov ha 41 anni. Vive a San Pietroburgo e crea nelle migliori tradizioni della classica scuola russa di ritrattistica realistica. Le eroine dei suoi dipinti sono tenere e indifese nelle loro donne seminude. Molti dei dipinti più famosi raffigurano la musa e moglie dell'artista, Natalia.
Nell'era moderna delle immagini ad alta risoluzione e dell'ascesa dell'iperrealismo, il lavoro di Philip Barlow attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, è necessario un certo sforzo da parte dello spettatore per costringersi a guardare sagome sfocate e punti luminosi sulle tele dell'autore. Probabilmente è così che le persone che soffrono di miopia vedono il mondo senza occhiali e lenti a contatto.
Il dipinto di Laurent Parcelier è un mondo fantastico in cui non c'è né tristezza né sconforto. Non troverai immagini cupe e piovose in lui. C'è molta luce, aria e colori vivaci sulle sue tele, che l'artista applica con tratti caratteristici e riconoscibili. Questo crea la sensazione che i dipinti siano tessuti da migliaia di raggi di sole.
Olio su pannelli di legno dell'artista americano Jeremy Mann dipinge ritratti dinamici di una metropoli moderna. "Forme astratte, linee, contrasto di punti chiari e scuri: tutto crea un'immagine che evoca la sensazione che una persona prova nella folla e nel trambusto della città, ma può anche esprimere la calma che deriva dalla contemplazione della quieta bellezza", afferma il artista.
Nei dipinti dell'artista britannico Neil Simone (Neil Simone) tutto non è come sembra a prima vista. "Per me, il mondo intorno a me è una serie di forme, ombre e confini fragili e in continua evoluzione", afferma Simon. E nei suoi dipinti tutto è davvero illusorio e interconnesso. I confini vengono spazzati via e le storie confluiscono l'una nell'altra.
L'artista americano contemporaneo di origine italiana Joseph Lorusso trasferisce su tela scene che ha visto nella vita quotidiana della gente comune. Baci e abbracci, slanci appassionati, momenti di tenerezza e desiderio riempiono le sue immagini emotive.
Dmitry Levin è un maestro riconosciuto del paesaggio russo, che si è affermato come rappresentante di talento della scuola realistica russa. La fonte più importante della sua arte è l'attaccamento alla natura, che ama teneramente e appassionatamente e di cui si sente parte.
Oggi la pittura contemporanea ha guadagnato un'incredibile popolarità, quindi è diventata famosa non solo per la sua tendenza a spingere i confini ed esplorare nuovi mezzi di espressione, ma anche per le vendite record nel mercato dell'arte contemporanea negli ultimi anni. Inoltre, artisti di quasi tutto il mondo, dall'America all'Asia, riscuotono successo. Successivamente, scoprirai quali nomi sono rappresentati dal miglior dipinto contemporaneo del mondo, chi è lui, l'artista contemporaneo più costoso e chi è un po 'a corto di questo titolo.
Tra la miriade di nomi che ha la pittura moderna, solo i dipinti di alcuni artisti godono di un successo eccezionale. Tra questi, i dipinti più costosi erano il famoso artista neoespressionista e graffitista Jean-Michel Basquiat, che però morì all'età di 27 anni. Nella nostra lista vedrai solo i primi sette di quei ricchi artisti che sono vivi fino ad oggi.
Le opere di questo autore americano sono piuttosto difficili da classificare e ricondurre a un'unica direzione artistica, sebbene venga spesso indicato come rappresentante del minimalismo o dell'astrattismo. Ma a differenza degli artisti di questi stili, i cui dipinti sembrano non essere mai stati toccati, la pittura contemporanea di Marden conserva pennellate di spatola e altre tracce del suo lavoro. Uno di quelli che hanno influenzato il suo lavoro è considerato un altro artista contemporaneo Jasper Johns, il cui nome incontrerai in seguito.
Questo artista contemporaneo è oggi una delle figure principali della scena artistica cinese. Fu la sua opera chiamata "L'ultima cena", creata sulla base della famosa opera di Leonardo da Vinci, fu venduta per 23,3 milioni di dollari e divenne il dipinto più costoso di cui possa vantarsi la moderna pittura asiatica. Sono note anche le opere dell'artista "Autoritratto", il trittico "Ospedale" e i dipinti della serie "Maschere".
Negli anni '90, il suo stile pittorico è cambiato spesso e alla fine è passato dall'espressionismo al simbolismo.
Peter Doig è un artista contemporaneo scozzese di fama mondiale il cui lavoro è ispirato al tema del realismo magico. Molte delle sue opere tendono a disorientare lo spettatore, anche quando raffigurano immagini riconoscibili come figure, alberi ed edifici.
Nel 2015, il suo dipinto "Swamped" è riuscito a battere il record e diventare il dipinto più costoso di artisti contemporanei scozzesi, venduto all'asta per 25,9 milioni. Anche i dipinti di Doig "Architect's House in the Hollow", "White Canoe", "Reflection", "Roadside Diner" e altri sono popolari.
L'artista contemporaneo Christopher Wool esplora varie idee post-concettuali nel suo lavoro. I dipinti moderni più famosi dell'artista sono iscrizioni a blocchi raffigurate in nero su una tela bianca.
Tali dipinti di artisti contemporanei causano molte polemiche e insoddisfazione tra gli aderenti alla pittura tradizionale, ma, in un modo o nell'altro, una delle opere di Wool - "Apocalypse" - gli ha portato 26 milioni di dollari. Wool non pensa a lungo ai titoli dei dipinti, ma li nomina secondo le iscrizioni: "Blue Fool", "Troubles", ecc.
L'artista contemporaneo Jasper Johns è noto per il suo atteggiamento ribelle nei confronti dell'espressionismo astratto, che ha dominato la scena pittorica all'inizio della sua carriera. Inoltre, lavora realizzando costose tele con bandiere, targhe, numeri e altri simboli noti che hanno già un chiaro significato e non hanno bisogno di essere decifrati.
A proposito, i dipinti più costosi di artisti contemporanei includono l'opera della "Bandiera americana", venduta all'asta nel 2010 per 28 milioni di dollari. Puoi anche guardare le opere "Three Flags", "False Start", "From 0 to 9", "Target with Four Faces" e molte altre.
Questo artista contemporaneo tedesco, come molti pittori all'inizio della sua carriera, ha studiato pittura accademica realistica, ma in seguito si è interessato all'arte più progressista.
Nel lavoro dell'autore si può vedere l'influenza di molte tendenze artistiche del 20 ° secolo, come l'espressionismo astratto, la pop art, il minimalismo e il concettualismo, ma allo stesso tempo Richter ha mantenuto un atteggiamento scettico nei confronti di tutte le convinzioni artistiche e filosofiche consolidate, essendo sicuro che la pittura moderna è dinamica e ricerca. Le opere dell'artista includono "Terra di prati", "Lettura", "1024 colori", "Muro", ecc.
E infine, eccolo qui: l'artista contemporaneo più costoso del mondo. L'americano Jeff Koons lavora in stile neo-pop ed è noto per la sua creatività orecchiabile, kitsch e provocatoria.
È noto principalmente come autore di un gran numero di sculture moderne, alcune delle quali sono state esposte nella stessa Versailles. Ma anche tra le opere dell'artista ci sono dipinti per i quali intenditori speciali sono pronti a dare milioni di dollari: "Liberty Bell", "Auto", "Girl with a Dolphin and Monkey", "Saddle" e altri.
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È consuetudine chiamare arte contemporanea tutti i tipi di movimenti artistici che si sono sviluppati alla fine del XX secolo. Nel dopoguerra è stata una sorta di sfogo che ha insegnato ancora una volta a sognare e inventare nuove realtà della vita.
Stanchi delle catene delle dure regole del passato, i giovani artisti hanno deciso di infrangere le vecchie norme artistiche. Hanno cercato di creare nuove pratiche precedentemente sconosciute. Opponendosi al modernismo, si sono rivolti a nuovi modi di rivelare le loro storie. L'artista e il concetto alla base della sua creazione sono diventati molto più importanti del risultato stesso dell'attività creativa. Il desiderio di allontanarsi dal quadro eretto ha portato all'emergere di nuovi generi.
Cominciarono a sorgere controversie tra gli artisti sul significato dell'arte e sui modi di esprimerla. Cos'è l'arte? Con quali mezzi si può raggiungere la vera arte? Concettualisti e minimalisti hanno trovato la risposta da soli nella frase: "Se l'arte può essere tutto, allora non può essere niente". Per loro, l'allontanamento dai soliti mezzi visivi ha portato a varie azioni, eventi e performance. Qual è la particolarità dell'arte contemporanea nel XXI secolo? Questo è ciò di cui parleremo nell'articolo.
L'arte del 21° secolo nella grafica 3D è famosa. Con lo sviluppo della tecnologia informatica, gli artisti hanno accesso a nuovi mezzi per creare la loro arte. L'essenza della grafica tridimensionale è creare immagini modellando oggetti nello spazio tridimensionale. Se consideriamo la maggior parte delle forme d'arte moderna del 21° secolo, la creazione di immagini tridimensionali sarà la più tradizionale. La grafica 3D ha molte sfaccettature, nel vero senso della parola. Viene utilizzato durante la creazione di programmi, giochi, immagini e video su un computer. Ma può anche essere visto proprio sotto i tuoi piedi, sul marciapiede.
La grafica tridimensionale si è spostata nelle strade diversi decenni fa e da allora è rimasta una delle forme più importanti di street art. Molti artisti disegnano immagini tridimensionali sui loro "quadri" che possono stupire con il loro realismo. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner e molti altri artisti contemporanei oggi creano arte che può sorprendere chiunque.
In precedenza, l'occupazione era la sorte delle persone benestanti. Per secoli è stato nascosto dalle mura di istituzioni speciali, dove l'accesso ai non iniziati era chiuso. Ovviamente, la sua forza grandiosa non poteva languire per sempre all'interno di edifici soffocanti. Fu allora che uscì - nelle strade grigie e cupe. Scelto per cambiare la tua storia per sempre. Anche se all'inizio non è stato così facile.
Non tutti erano contenti della sua nascita. Molti lo consideravano il risultato di una brutta esperienza. Alcuni si sono persino rifiutati di prestare attenzione alla sua esistenza. Nel frattempo, l'idea ha continuato a crescere e svilupparsi.
Gli artisti di strada hanno affrontato difficoltà lungo la strada. Con tutta la sua varietà di forme, l'arte di strada a volte era difficile da distinguere dal vandalismo.
Tutto è iniziato negli anni '70 del secolo scorso a New York. A quel tempo, la street art era agli inizi. E Julio 204 e Taki 183 hanno sostenuto la sua vita, lasciando iscrizioni in diversi luoghi della loro area, dopo aver ampliato il territorio di distribuzione. Altri ragazzi hanno deciso di competere con loro. Fu allora che iniziò il più interessante. Entusiasmo e voglia di mettersi in mostra sfociarono in una battaglia di creatività. Tutti erano desiderosi di scoprire per sé e per gli altri un modo più originale per lasciare il segno.
Nel 1981 la street art riesce ad attraversare l'oceano. In questo è stato aiutato da un artista di strada dalla Francia BlekleRat. È considerato uno dei primi artisti di graffiti a Parigi. È anche chiamato il padre dei graffiti con gli stencil. Il suo tocco distintivo sono i disegni di topi, che si riferiscono al nome del loro creatore. L'autore ha notato che dopo aver riorganizzato le lettere nella parola rat (ratto), si ottiene l'arte (arte). Blek una volta ha osservato: "Il topo è l'unico animale libero a Parigi che va ovunque, proprio come l'arte di strada".
L'artista di strada più famoso è Banksy, che chiama BlekleRat il suo maestro principale. Il lavoro di attualità di questo talentuoso britannico è in grado di mettere a tacere tutti. Nei suoi disegni, realizzati con gli stampini, denuncia la società moderna con i suoi vizi. Banksy tende ad essere tradizionale, permettendoti di lasciare un'impressione ancora maggiore sul pubblico. Un fatto interessante è che fino ad ora l'identità di Banksy è avvolta nel mistero. Nessuno è ancora riuscito a risolvere l'enigma della personalità dell'artista.
Nel frattempo, la street art sta rapidamente guadagnando slancio. Un tempo relegata a correnti marginali, la street art è salita al palcoscenico delle aste. Le opere degli artisti vengono vendute per somme favolose da chi un tempo si rifiutava di parlarne. Cos'è, la forza vivificante dell'arte o le tendenze tradizionali?
Ad oggi, ci sono diverse manifestazioni piuttosto interessanti dell'arte contemporanea. Panoramica delle forme più insolite dell'arte contemporanea verrà portato alla vostra attenzione di seguito.
Il termine readymade deriva dall'inglese, che significa "pronto". In effetti, l'obiettivo di questa direzione non è creare nulla di materiale. L'idea principale qui è che a seconda dell'ambiente di un oggetto, la percezione di una persona e dell'oggetto stesso cambia. L'antenato della corrente è Marcel Duchamp. La sua opera più famosa è "Fontana", che è un orinatoio con autografo e data.
Le anamorfosi sono chiamate la tecnica per creare immagini in modo tale che sia possibile vederle completamente solo da una certa angolazione. Uno dei rappresentanti più brillanti di questa tendenza è il francese Bernard Pras. Crea installazioni utilizzando qualsiasi cosa gli capiti a portata di mano. Grazie alla sua bravura riesce a realizzare opere stupefacenti, che però si possono vedere solo da una certa angolazione.
Una delle correnti più controverse nell'arte moderna del XXI secolo è il disegno, dipinto con fluidi umani. Spesso i seguaci di questa forma d'arte moderna usano sangue e urina. Il colore dei dipinti in questo caso assume spesso un aspetto cupo e spaventoso. Herman Nitsch, ad esempio, utilizza sangue animale e urina. L'autore spiega l'uso di materiali così inaspettati dalla difficile infanzia arrivata durante la seconda guerra mondiale.
Una breve storia della pittura contiene informazioni che la fine del XX secolo è diventata il punto di partenza per molti artisti di culto del nostro tempo. Nei difficili anni del dopoguerra la sfera conobbe la sua rinascita. Gli artisti hanno cercato di scoprire nuove sfaccettature delle loro capacità.
Kazimir Malevich è considerato il creatore del suprematismo. Essendo il principale teorico, ha proclamato il suprematismo come un modo per purificare l'arte da tutto ciò che è superfluo. Rifiutando i soliti modi di trasmettere l'immagine, gli artisti hanno cercato di liberare l'arte dal non artistico. L'opera più importante di questo genere è il famoso "Black Square" di Malevich.
La pop art ha le sue origini negli Stati Uniti. Negli anni del dopoguerra, la società ha vissuto cambiamenti globali. La gente ora potrebbe permettersi di più. Il consumo è diventato una parte essenziale della vita. Le persone iniziarono ad essere erette in un culto e i prodotti di consumo in simboli. Jasper Johns, Andy Warhol e altri seguaci della corrente hanno cercato di utilizzare questi simboli nei loro dipinti.
Il futurismo è stato scoperto nel 1910. L'idea principale di questa tendenza era il desiderio di un nuovo, la distruzione del quadro del passato. Gli artisti hanno rappresentato questo desiderio con l'aiuto di una tecnica speciale. Tratti netti, influssi, connessioni e intersezioni sono segni di futurismo. I rappresentanti più famosi del futurismo sono Marinetti, Severini, Carra.
L'arte contemporanea in Russia (21 ° secolo) è fluita dolcemente dall'arte sotterranea e "non ufficiale" dell'URSS. I giovani artisti degli anni '90 cercavano nuovi modi per realizzare le loro ambizioni artistiche in un nuovo paese. In questo momento è nato l'azionismo di Mosca. I suoi seguaci hanno sfidato il passato e la sua ideologia. La distruzione dei confini (nel senso letterale e figurato del termine) ha permesso di rappresentare l'atteggiamento delle giovani generazioni nei confronti della situazione nel Paese. L'arte contemporanea del 21° secolo è diventata espressiva, spaventosa, scioccante. Quello da cui la società ha chiuso per così tanto tempo. Azioni di Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "Against All", "Barricade on Bolshaya Nikitskaya"), il movimento "ETI" ("ETI-text"), Oleg Kulik ("Piglet distribuisce regali", "Mad Dog o l'ultimo tabù custodito da un solitario Cerberus"), Avdey Ter-Oganyan ("Pop Art") ha cambiato per sempre la storia dell'arte contemporanea.
Slava ATGM è un artista contemporaneo di Ekaterinburg. Alcuni dei suoi lavori potrebbero ricordare il lavoro di Banksy. Tuttavia, le opere di Slava portano idee e sentimenti familiari solo a un cittadino russo. Una delle sue opere più importanti è la campagna "Land of Opportunities". L'artista ha creato un'iscrizione fatta di stampelle sull'edificio di un ospedale abbandonato a Ekaterinburg. Slava ha acquistato le stampelle dagli abitanti della città, che una volta le usavano. L'artista ha annunciato l'azione sulla sua pagina sul social network, integrandola con un appello ai concittadini.
Forse, un tempo, l'arte visiva contemporanea del 21° secolo sembrava essere un ambiente marginale, ma oggi sempre più persone si sforzano di unirsi a un nuovo campo dell'arte. Sempre più musei aprono le porte a nuovi mezzi espressivi. New York detiene il record per l'arte contemporanea. Ci sono anche due musei che sono tra i migliori al mondo.
Il primo è il MoMA, che è un deposito di dipinti di Matisse, Dalì, Warhol. Il secondo è un museo L'insolita architettura dell'edificio è adiacente alle creazioni di Picasso, Marc Chagall, Kandinsky e molti altri.
L'Europa è famosa anche per i suoi magnifici musei di arte contemporanea del XXI secolo. Il museo KIASMA di Helsinki ti permette di toccare con mano gli oggetti della mostra. Il centro della capitale della Francia colpisce per l'architettura insolita e le opere di artisti contemporanei. Lo Stedelijkmuseum di Amsterdam ospita la più grande collezione di dipinti di Malevich. nella capitale della Gran Bretagna ha un numero enorme di oggetti d'arte moderna. Il Museo di arte moderna di Vienna ha opere di Andy Warhol e altri talentuosi artisti contemporanei.
L'arte moderna del 21 ° secolo (pittura) - misteriosa, incomprensibile, ammaliante, ha cambiato per sempre il vettore di sviluppo non solo di una sfera separata, ma dell'intera vita dell'umanità. Riflette e crea la modernità allo stesso tempo. In continua evoluzione, l'arte della modernità consente a una persona che ha costantemente fretta di fermarsi un momento. Fai una pausa per ricordare i sentimenti nel profondo. Fermati per riprendere il ritmo e precipitarti nel vortice di eventi e affari.
Molti credono che non siano rimasti artisti nel 21° secolo. Tuttavia, in realtà, non è così. E ai nostri giorni ci sono molti artisti talentuosi e famosi il cui lavoro viene esposto in mostre che guadagnano un sacco di soldi. Di seguito è riportato un elenco dei 20 artisti più famosi e meritati che sono attivi nel lavoro creativo non solo in Russia.
L'artista russo Alexander Ivanov, nato nel 1962, è meglio conosciuto per la sua opera intitolata Love, che è stata dipinta nel 1996 e venduta per quasi 100.000 rubli. Il suo stile è l'astrattismo. È anche un uomo d'affari, impegnato in attività di raccolta, ha aperto il Museo Fabergé in Germania, a Baden-Baden.
Olga Bulgakova è una delle poche artiste talentuose e famose in Russia, nata nel 1951, ed è membro dell'Accademia Russa delle Arti come membro corrispondente. Il rappresentante di un tale movimento pittorico dell'era Breznev, che si chiama "carnevale". La sua opera più famosa è Il sogno dell'uccello rosso, scritta nel 1988.
L'artista russo Mikhail Brusilovsky, che lavora sotto lo pseudonimo di Misha Shayevich, è incluso in questa classifica e occupa il 18 ° posto. Questo artista di fama mondiale
Il talentuoso artista russo Lev Tabenkin è nato nel 1952 nella capitale russa, Mosca. Questo pittore vede il quadro come uno scultore. La sensazione che i suoi caratteri scritti siano modellati dall'argilla. Uno dei dipinti più famosi di Leo è "Jazz Orchestra" dipinto nel 2004. È stato venduto per 117.650 rubli.
Il progetto AES + F è composto da quattro persone, infatti, il nome è composto dalle lettere iniziali dei nomi dei partecipanti: Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridnes. La creatività di questa azienda è caratterizzata da un'ottima presentazione già negli anni novanta ed è stata apprezzata solo nei duemillesimi. Ora, per la maggior parte, creano grandi murales animati che vengono trasmessi su dozzine di schermi. Una delle opere più famose di questa compagnia: "Warrior 4".
L'artista russo Sergei Volkov è nato a Petrozavodsk nel 1956. Le sue opere sono caratterizzate dal fatto che ha creato durante il periodo dell'arte della perestrojka. I dipinti sono scritti in modo molto espressivo, dove si notano affermazioni e ideologie molto premurose. Il suo dipinto più famoso è Double Vision. Trittico".
Gli artisti Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky sono nati entrambi a Mosca nel 1963 e nel 1964. Hanno iniziato a lavorare insieme nel 1994, dopo essersi conosciuti al festival, creando un progetto insolito e grandioso. Il progetto originale si è guadagnato il rispetto di molti collezionisti. I loro dipinti sono appesi in luoghi famosi come la Galleria Tretyakov, il Museo Russo e persino il Centro Pompidou. Loro stessi sono i creatori della galleria Art-Strelka e gli organizzatori del festival Art-Klyazma.
Anche l'artista russo Vladimir Yankilevsky ha fatto la lista degli artisti più pagati e famosi. Nasce a Mosca nel 1938. Anche il padre di Vladimir era un artista e suo figlio ha ereditato la sua professione. Vladimir lavora nello stile del surrealismo: arte con combinazioni paradossali. Nel 1970 dipinse uno dei dipinti più famosi chiamato Trittico 10. Anatomia dell'Anima II.
L'artista Vladimir Nemukhin è nato nel 1925 nel piccolo villaggio di Priluki, situato nella regione di Mosca. Ha partecipato a molte mostre straniere in Europa. Negli anni Novanta ha vissuto ed è stato attivo in Germania, ma nel 2005 si è trasferito in Russia. Il suo lavoro è caratterizzato da una composizione tridimensionale, dalla presenza di un controrilievo e da vari motivi trasversali, ad esempio un mazzo di carte.
Un artista dal nome insolito, figlio di un emigrante politico spagnolo, è nato nel piccolo villaggio di Vasilievka nella regione di Samara nel 1943. Era l'organizzatore del gruppo di artisti "Argo", membro dell'Unione degli artisti di Mosca. Inoltre, Francisco è stato dotato del Premio di Stato per i risultati nel campo delle belle arti. L'artista è attivo nel lavoro creativo sia in Russia che all'estero.
L'artista Alexander Melamed era uno dei membri del famosissimo duo creativo Komarov-Melamed, ma si è sciolto nel 2003, poi hanno iniziato a lavorare separatamente. La residenza dal 1978 è New York. Ha scritto la maggior parte delle opere famose insieme a Vitaly Komar, insieme hanno anche creato il movimento Sots Art e sono stati gli organizzatori della Bulldozer Exhibition.
Questo artista russo, noto come uno dei fondatori del concettualismo moscovita, è nato a Mosca nel 1937, dove si è diplomato all'Istituto Poligrafico. Secondo lo stesso Viktor Pivovarov, la sua prima opera è stata scritta all'età di cinque anni. È anche un rappresentante dell'arte "non ufficiale". I suoi dipinti si trovano in uno dei centri espositivi più famosi e importanti: il Museo Russo, la Galleria Tretyakov, il Museo Pushkin im. AS Pushkin.
Questo artista è nato nel 1934 a Tbilisi. È uno dei rappresentanti più brillanti della pittura monumentale. Zurab è noto per il suo lavoro sotto forma di un monumento a Pietro I, che si trova a Mosca, così come un monumento, che si trova di fronte al palazzo delle Nazioni Unite a New York. Zurab è il presidente dell'Accademia d'arte russa, che gestisce il proprio museo-galleria. Le creazioni di questo artista sono conosciute non solo in Russia, ma in tutto il mondo.
L'artista russo Oscar Rabin è noto per essere stato l'organizzatore della mostra Buldor nel 1974 e quattro anni dopo è stato privato della cittadinanza sovietica. Divenne anche popolare come uno dei primi artisti coinvolti nella vendita privata di dipinti in Unione Sovietica. Al momento, il suo luogo di residenza e lavoro permanente è Parigi. I suoi dipinti sono nei principali musei e centri espositivi: il Museo di arte moderna di Mosca, la Galleria Tretyakov, il Museo russo e altri.
L'artista russo Oleg Tselkov è noto come artista che ha iniziato il principale movimento creativo negli anni Sessanta del XX secolo, mostrando tratti molto ruvidi e taglienti nei suoi dipinti, anche nella raffigurazione di persone che sembrano figure di argilla. Dal 1977, Oleg continua il suo percorso creativo a Parigi. I suoi dipinti si trovano in tali centri espositivi: il Museo Russo, la Galleria Tretyakov, l'Ermitage. Uno dei dipinti più famosi è "Ragazzo con palloncini", dipinto nel 1954.
Nato a Mosca nel 1934, l'artista russo Grigory Bruskin, o Grisha, è membro dell'Unione degli artisti dal 1969. Ha guadagnato la sua massima fama grazie alla grande asta di Sotheby's, dove ha venduto la sua opera con il nome "Fundamental Lexicon" per il prezzo più alto, che è stato un record. Al momento vive e lavora tra New York e Mosca, motivo per cui è anche definito un artista americano.
Questo artista russo si distingue per il fatto che mostra accuratamente cose realistiche. La sua vera attività creativa è iniziata dal momento in cui, nel 1985, esponendo a Malaya Gruzinskaya, ha conquistato l'attenzione e il riconoscimento dei collezionisti di New York. Da allora le sue opere sono state esposte in molti paesi europei, sono in centri espositivi in America, Germania e Polonia. Ora vive e conduce attività creative a Mosca.
Questo duetto, purtroppo, è durato fino al 2003, ma è stato un enorme successo. I due artisti russi sono saliti alla ribalta attraverso la creazione del movimento Sots Art, che è un ramo dell'arte non ufficiale. Questa è stata una sorta di risposta alla creazione della pop art in Occidente. Le tele con le opere di questi artisti si trovano nei principali musei, tra cui il Louvre.
L'artista russo è noto per essere in grado di combinare sia la pittura che il testo nel suo lavoro, in seguito iniziò a chiamarsi Sots Art. Durante il periodo sovietico, era popolare come illustratore di libri per bambini. Per qualche tempo ha vissuto a New York, poi a Parigi. È stato il primo artista ad allestire una mostra al Centre Pompidou. Le sue opere creative sono nella Galleria Tretyakov, nel Museo Russo, nel Centro Pompidou.
Questo artista russo di grande talento, che lavora in tandem con sua moglie Emilia, può essere considerato l'artista principale del paese, il fondatore del concettualismo moscovita. È nato a Dnepropetrovsk nel 1933, ma dal 1988 New York è diventata il suo luogo di residenza. Le sue opere possono essere viste all'Ermitage, alla Galleria Tretyakov e al Museo Russo. Ilya ha ricevuto il Premio dell'Imperatore giapponese e due delle sue opere intitolate "Maggiolino" e "Lusso" sono i dipinti più costosi.
