La pittura- l'immagine sul piano delle immagini del mondo reale, trasformata dall'immaginazione creativa dell'artista; individuando il sentimento estetico elementare e più popolare - il sentimento del colore - in una sfera speciale e trasformandolo in uno dei mezzi di sviluppo artistico del mondo.
Nella pittura antica, il rapporto tra i fenomeni raffigurati non era tanto spaziale quanto semantico. Nell'isola di Cham (Australia, Golfo di Carpentaria), in un'antica grotta su una parete bianca, sono dipinti a vernice nera e rossa dei canguri, inseguiti da trentadue cacciatori, di cui il terzo in ordine è alto il doppio del riposo, poiché raffigura un leader.
Per motivi di enfasi semantica, gli antichi artisti egizi raffiguravano anche la figura di un capo militare molte volte più grande delle figure dei suoi guerrieri. Questi furono i primi accenti compositivi della pittura, che non conosceva la prospettiva. Nell'antichità grafica e pittura erano vicine non solo l'una all'altra, ma anche alla letteratura. La pittura e la grafica dell'antica Cina e dell'antico Egitto sono legate dalla narrazione. Un'immagine è una catena di eventi, una storia che si svolge in una serie di figure. Già in questa prima fase di sviluppo la pittura esprime sul piano diversi punti di vista sul soggetto. Gli artisti dell'antico Egitto dipingevano entrambi gli occhi su una faccia raffigurata di profilo, e i pittori della Melanesia meridionale raffigurano piani nascosti alla vista diretta: un disco è disegnato sopra la testa di una persona, indicando la parte posteriore della testa, o una doppia faccia che trasmette uno “sguardo circolare”. L'antico artista non percepiva la bellezza del paesaggio.
L'antico artista conosce bene l'anatomia non solo di un animale, ma anche di una persona. La ginnastica, la musica e le belle arti, che sentono la bellezza e la forza del corpo umano, sono coinvolte nell'educazione di un guerriero, che ha profonde radici socio-storiche. I Giochi Olimpici e le immagini scultoree degli eroi svolgono funzioni sociali ed estetiche simili: l'educazione dei guerrieri necessaria per la democrazia proprietaria di schiavi - i difensori dell'Ellade e i minatori di schiavi per il suo sviluppo economico.
La pittura medievale dava un'immagine convenzionalmente piatta del mondo. La composizione ha sottolineato non la lontananza dell'oggetto dall'occhio dell'osservatore, ma il suo significato e significato. Le stesse caratteristiche sono inerenti alla pittura di icone russe. Il Medioevo non conosce ancora la differenza anatomica tra un adulto e un bambino: nei dipinti, il Cristo Bambino è un adulto in dimensioni ridotte. L'arte medievale scruta nel mondo interiore di una persona, penetra in profondità nel suo spirito. Il culto della bellezza del corpo nudo viene sostituito da una moda per drappeggiare il corpo, cadendo sul pavimento dei vestiti. L'abbigliamento monastico è caratteristico, nascondendo i contorni della figura di una persona, rendendo il suo aspetto informe e asessuato.
Il Rinascimento resuscita il culto del corpo nudo, sottolineandone non solo la bellezza e la potenza, ma anche il fascino sensuale. La gioia di essere, il godimento spirituale e sensuale della vita traspaiono nella pittura, che esalta la bellezza del corpo femminile, la sua castità di Georgen, lo splendore di Rubens, la bellezza terrena e celeste di Tiziano, la spiritualità di El Grecian.
La pittura nel sistema delle forme d'arte del Rinascimento gioca un ruolo di primo piano. Gli artisti affermano il significato universale della pittura, che, come la letteratura, non ha bisogno di essere tradotta in un'altra lingua, scrisse Leonardo da Vinci: “... se il poeta serve la mente attraverso l'orecchio, allora il pittore attraverso l'occhio, più degno di sentimento ... L'immagine è molto più utile e bella, piace di più ... Scegli un poeta che descriva la bellezza di una donna al suo amante, e scegli un pittore che la raffiguri, e vedrai dove la natura inclinerà il giudice amoroso.
I geni compaiono sempre nell'area più necessaria della pratica sociale. E non è un caso che il Rinascimento abbia regalato grandi artisti come Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rubens, Tiziano.
Il pathos antiascetico, antiscolastico dell'epoca, l'impulso alla ricchezza della vita, alle sue gioie spirituali e sensuali, trovano la loro piena espressione proprio nella pittura (“Primavera” di Botticelli). Gli artisti trasmettono l'anatomia umana legata all'età (il bambino tra le braccia della Madonna Litta di Leonardo da Vinci non è un nano, ma in realtà un bambino), rivelano l'anatomia dinamica di una persona a velocità e nitidezza diverse, angoli, direzioni di movimento (gli affreschi del soffitto della Cappella Sistina di Michelangelo).
Nel Rinascimento si svilupparono principi dettagliati di composizione prospettico-spaziale. La disposizione delle figure nella foto ha rivelato le loro relazioni di vita. Il Rinascimento ha aperto le leggi della prospettiva o, più in generale, del libero possesso dello spazio. L'idea della prospettiva è stata sviluppata da Brunelleschi e Alberti, che hanno insegnato a organizzare lo spazio in un dipinto secondo i principi di una piramide tronca formata da raggi provenienti dagli oggetti al nostro occhio. Il dominio dello spazio è indicato non solo dalla costruzione della prospettiva (ad esempio, nell'Ultima cena di Leonardo da Vinci), ma anche dalla creazione di uno spazio "smaterializzato".
Nel 19 ° secolo si completa il già delineato processo di delimitazione della pittura e della grafica. Le specifiche della grafica sono le relazioni lineari, la riproduzione della forma degli oggetti, il trasferimento della loro illuminazione, il rapporto tra luce e ombra. La pittura coglie la correlazione dei colori del mondo, nel colore e attraverso il colore esprime l'essenza degli oggetti, il loro valore estetico, calibra il loro scopo sociale, la loro corrispondenza con l'ambiente. Il processo di delimitazione della pittura e della grafica è completato dagli impressionisti. Non trasmettono nulla al di fuori del colore, tutto ciò che è lineare è secondario per loro; non un disegno, ma i rapporti cromatici degli oggetti raffigurati diventano i principali portatori di significato estetico. La pittura acquista autonomia dal disegno, che prima ne era l'obiettivo principale, e si avvicina alla musica, allontanandosi dalla letteratura.
Nel ventesimo secolo la natura della pittura cambia radicalmente. È influenzato dalla fotografia, dal cinema, dalla televisione, dall'ampiezza e dalla varietà delle impressioni di una persona moderna che percepisce la realtà da grandi altezze, ad alta velocità, da angolazioni inaspettate e da punti di vista variabili e in movimento. Il mondo intellettuale e psicologico dell'uomo si approfondisce. L'avvento della fotografia e la sua padronanza del colore hanno posto nuove sfide alla pittura. Una fotografia ora può semplicemente catturare un oggetto come ricordo. Nella pittura del Novecento. il ruolo del principio soggettivo aumenta, il significato della visione personale, la percezione individuale della vita diventa più acuta (ricorda "March Snow" di Grabar).
Gli elementi che formano il significato della pittura sono la base piatta lavorata, i bordi corretti dell'immagine e la cornice (questi elementi erano assenti nell'arte rupestre). Nei tempi moderni è apparso un dipinto che non raffigurava lo spazio profondo e non era incorniciato. Il suo analogo era una scultura senza piedistallo: sospesa o in piedi a terra. Parti del piano pittorico, il luogo dell'immagine dell'oggetto su di esso, hanno un significato segnico. Nel ritratto di Munch, il soggetto immerso in se stesso si trova leggermente di lato nel vuoto. Questo crea un effetto artistico e semantico di tristezza e alienazione, che esalta la posa della persona ritratta.
Architettura. Quando una persona imparava a fabbricare utensili, la sua dimora non era più un buco o un nido, ma un espediente di costruzione, che acquisiva gradualmente un aspetto estetico. La costruzione è diventata architettura.
L'architettura è la formazione della realtà secondo le leggi della bellezza quando si creano edifici e strutture progettati per soddisfare i bisogni umani nelle abitazioni e negli spazi pubblici. L'architettura crea un mondo sviluppato utilitaristico-artistico chiuso, delimitato dalla natura, che resiste all'ambiente naturale e consente alle persone di utilizzare lo spazio umanizzato in accordo con i loro bisogni materiali e spirituali. L'immagine architettonica esprime lo scopo dell'edificio e il concetto artistico del mondo e della personalità, l'idea di se stesso di una persona e l'essenza della sua epoca.
L'architettura è arte e gli edifici hanno un certo stile. Grazie all'architettura nasce una parte integrante della "seconda natura": l'ambiente materiale, creato dal lavoro di una persona e in cui si svolge la sua vita e attività.
L'architettura gravita verso l'ensemble. I suoi edifici si inseriscono abilmente nel paesaggio naturale (naturale) o urbano (urbano). Ad esempio, l'edificio dell'Università statale di Mosca si inserisce bene nel paesaggio delle Sparrow Hills, da dove è possibile vedere la capitale e le distese sfuggenti della pianura della Russia centrale. L'ex edificio del CMEA (ora edificio del municipio), che sembra un libro aperto, si inserisce con successo nel paesaggio urbano di Mosca.
Le forme dell'architettura sono determinate: 1) naturalmente (dipende dalle condizioni geografiche e climatiche, dalla natura del paesaggio, dall'intensità della luce solare, dalla sicurezza sismica); 2) socialmente (a seconda della natura del sistema sociale, degli ideali estetici, dei bisogni utilitaristici e artistici della società; l'architettura è più strettamente connessa con lo sviluppo delle forze produttive, con lo sviluppo della tecnologia rispetto ad altre arti).
Architettura - e arte, ingegneria e costruzione, che richiedono un'enorme concentrazione di sforzi collettivi e risorse materiali (la Cattedrale di Sant'Isacco, ad esempio, è stata costruita da mezzo milione di persone nel corso di quarant'anni). Le opere architettoniche sono create per secoli. Il creatore del "libro di pietra" e il suo "lettore" sono le persone. Un'opera architettonica è un'enorme sinfonia di pietra, una potente creazione del popolo, come l'Iliade, un risultato sorprendente della combinazione di tutte le forze di un'intera epoca.
Anche nei tempi antichi, l'architettura interagiva con la scultura monumentale, la pittura, i mosaici e le icone. In questa sintesi domina l'architettura. A volte la letteratura sotto forma di citazione di un testo letterario entra in un rapporto di subordinazione con l'architettura e la scultura. C'è un caso noto di interazione subordinata della musica con l'architettura: una delle pagode birmane è appesa con campane che creano una nuvola d'argento del suono più leggero e delicato attorno alla struttura. La musica d'organo era subordinata alle cattedrali gotiche.
La base della composizione architettonica è la struttura tridimensionale, l'interconnessione organica degli elementi di un edificio o di un insieme di edifici. La scala dell'edificio è semioticamente significativa e determina in gran parte la natura dell'immagine artistica, la sua monumentalità o intimità. L'architettura non riproduce visivamente la realtà, ma è espressiva. Ritmo, rapporto tra volumi, linee: i mezzi della sua espressività. Una delle strutture artistiche moderne è l'aritmia nel ritmo, la dissonanza nell'armonia (ad esempio, un insieme di edifici nella città del Brasile).
L'architettura ha avuto origine in tempi antichi, nella fase più alta della barbarie, quando le leggi non solo della necessità, ma anche della bellezza iniziano a operare nella costruzione.
Nell'antico Egitto furono costruite enormi tombe (l'altezza della piramide di Cheope a Giza è di circa 150 m), templi con molte colonne potenti (nel tempio di Amon a Karnak, l'altezza delle colonne è di 20,4 me il diametro è 3,4 m). Questa architettura è caratterizzata dalla chiarezza geometrica delle forme, l'assenza di articolazioni, la sproporzione tra la scala dell'edificio e la persona, e la monumentalità che travolge la personalità. Grandiose strutture furono create non per soddisfare i bisogni materiali del popolo, ma in nome di obiettivi spirituali e religiosi e servirono la causa dell'organizzazione sociale degli egiziani sotto il potere dispotico del faraone.
Nell'antico Hellas, l'architettura acquista un aspetto democratico. Gli edifici religiosi (ad esempio il tempio del Partenone) affermano la bellezza, la libertà e la dignità di un cittadino greco. Esistono nuovi tipi di edifici pubblici: teatri, stadi, scuole. Gli architetti seguono il principio umanistico della bellezza formulato da Aristotele: la bellezza non è né troppo grande né troppo piccola. L'uomo qui funge da misura della bellezza e della scala dell'edificio, che, a differenza degli edifici dell'antico Egitto, non sopprime, ma esalta l'individuo, che corrispondeva agli obiettivi sociali della democrazia ateniese. Gli architetti dell'antica Grecia hanno creato un sistema di ordini che ha svolto un ruolo importante nello sviluppo dell'architettura. Nell'antica Roma erano ampiamente utilizzate strutture ad arco ea volta in cemento. Apparvero nuovi tipi di strutture: forum, archi di trionfo, che riflettevano le idee di statualità, potere militare.
Nel Medioevo l'architettura divenne la forma d'arte principale e più diffusa, le cui immagini erano accessibili anche agli analfabeti. Nelle cattedrali gotiche che aspirano al cielo si esprimevano l'impulso religioso verso Dio e l'appassionato sogno terreno di felicità del popolo.
L'architettura rinascimentale sviluppa su una nuova base i principi e le forme dei classici antichi.
Il classicismo ha canonizzato le tecniche compositive dell'antichità.
Dalla fine del XVI alla metà del XVIII secolo, nell'era della formazione degli stati nazionali, accompagnata dalle guerre, si sviluppò il barocco (un gran numero di decorazioni in stucco, la complessità delle divisioni e dei rapporti spaziali, lo splendore, l'esaltazione , contrasto di forme). Gli edifici barocchi servivano a glorificare e affermare l'assolutismo (come la Reggia di Versailles) e il cattolicesimo (ad esempio, la chiesa romana di Santa Maria della Vittoria).
All'inizio del XVIII secolo. in Francia, lo stile rococò sorse e si diffuse in tutta Europa (ad esempio, Palazzo Sanssouci a Potsdam) come espressione dei gusti dell'aristocrazia (decorazione, ornamenti stravaganti della forma, deliberata asimmetria e complessità delle linee sinuose, e all'interno - ricchi murales e grandi specchi che creano l'impressione di leggerezza e impalpabilità delle pareti).
Nella seconda metà del XVIII sec. Il rococò lascia il posto all'Impero, uno stile monumentale e maestoso basato sulle tradizioni del classicismo e sullo stile dell'era degli imperatori romani. Esprime il potere militare e la sovrana grandezza del potere (ad esempio, l'Arco di Trionfo a Parigi, che supera gli archi del mondo antico, o la colonna Vendome, che ripete la colonna di Traiano a Roma).
Le conquiste dell'architettura russa sono impresse nel Cremlino, nelle fortificazioni, nei palazzi, negli edifici religiosi e civili. L'architettura russa è ricca di creazioni nazionali originali (il campanile di Ivan il Grande, la Cattedrale di San Basilio, edifici in legno con le loro chiare soluzioni progettuali e ricche forme ornamentali, come le chiese di Kizhi). Il "barocco russo" affermava l'unità dello stato russo, l'ascesa della vita nazionale (le creazioni di Rastrelli: il Palazzo d'Inverno e gli ensemble di Tsarskoye Selo).
Nei secoli XVIII-XIX. si sviluppano i principi del classicismo russo: chiarezza ed espressività dell'immagine architettonica, semplici mezzi costruttivi e artistici. Nel 19 ° secolo l'eclettismo è stabilito.
Nel ventesimo secolo compaiono nuovi tipi di edifici: edifici industriali, di trasporto, amministrativi e aree residenziali. La loro costruzione viene eseguita con metodi industriali utilizzando nuovi materiali ed elementi prefabbricati standard. Questo cambia i criteri estetici e apre nuovi mezzi espressivi in architettura (nell'urbanistica, ad esempio, si pone il problema dell'espressività artistica dell'edilizia di massa).
L'ornamento, che l'architettura sovietica ha peccato negli anni '30 -'50, ne ha ostacolato lo sviluppo. Il rifiuto dell'abbellimento ha ridotto il costo di costruzione, ne ha aumentato le dimensioni e il ritmo, ha diretto il pensiero creativo degli architetti alla ricerca di soluzioni architettoniche semplici ed espressive adeguate. A questo proposito, è indicativa la House of Film Veterans, un complesso di edifici su Novy Arbat a Mosca.
Scultura- arte spaziale e visiva, padroneggiando il mondo in immagini plastiche, che sono impresse in materiali che possono trasmettere l'immagine della vita dei fenomeni.
Le opere scultoree sono scolpite in marmo, granito e altre pietre, scolpite nel legno, modellate nell'argilla. I materiali morbidi sono considerati temporanei, quando si lavora con loro, di solito si assume un'ulteriore fusione in quelli più durevoli: ghisa, bronzo. Nel nostro tempo, il numero di materiali adatti alla scultura si è ampliato: sono sorte opere in acciaio, cemento e plastica.
L'uomo è il soggetto principale, ma non l'unico, della scultura. Gli animalisti creano figure di animali. Una scultura rotonda può solo ricreare i dettagli dell'ambiente umano. Tali tipi di scultura come il bassorilievo e l'altorilievo sono vicini alla pittura e alla grafica e l'immagine del paesaggio è a loro disposizione.
Scolpire trasmette sempre movimento. Anche il completo riposo è percepito nella scultura come un movimento interno, come uno stato che dura, esteso non solo nello spazio, ma anche nel tempo. Lo scultore ha a disposizione un solo momento dell'azione, ma portante l'impronta di tutto ciò che l'ha preceduto e seguito. Ciò conferisce alla scultura un'espressività dinamica. L'immagine scultorea di una persona morta trasmette il movimento nascosto versato nel corpo, il suo eterno riposo e gli ultimi sforzi della lotta, congelati per sempre. Questa è l'immagine del Cristo morto, adagiato sulle ginocchia della Madre di Dio, nella scultura "Pietà" di Michelangelo. Il movimento dorme nel corpo di Dio Figlio, cadendo dalle ginocchia della madre e allo stesso tempo, per così dire, resistendo a questa caduta senza vita.
La percezione della scultura si svolge sempre in sequenza nel tempo, che viene utilizzato nella composizione scultorea e aiuta a trasmettere il movimento. Una veduta circolare, un cambio di posizione, un angolo di visuale rivelano i suoi diversi lati in un'immagine tridimensionale.
La monumentalità è una delle possibilità della scultura, dotandola di sintesi con l'architettura.
Nella natura stessa della scultura risiede un'ampia generalizzazione. Pushkin ha notato che una scultura dipinta fa meno impressione di una scultura a un colore; la colorazione toglie la sua generalizzazione.
I mezzi di figuratività ed espressività della scultura sono la luce e l'ombra. I piani e le superfici della figura scolpita, riflettendo la luce e proiettando ombre, creano un gioco spaziale di forme che colpisce esteticamente il pubblico.
La scultura in bronzo consente una netta separazione di luci e ombre, mentre il marmo, permeabile ai raggi luminosi, consente di trasmettere un sottile gioco di luci e ombre. Questa caratteristica del marmo era utilizzata dagli artisti antichi; così, il delicato marmo rosato e leggermente traslucido della statua della Venere di Milo trasmette in modo sorprendente la tenerezza e l'elasticità del corpo di una donna.
La scultura è una delle forme d'arte più antiche, risalente al Paleolitico. Nel corso dello sviluppo della società antica, sulla base di realtà magiche derivanti da esigenze pratiche (immagini pre-artistiche sincretiche e rituali in natura), è nato un sistema di segni, che ha poi contribuito alla riflessione artistica e figurativa del mondo . Ad esempio, una pietra che personificava un animale e serviva da bersaglio per infliggere ferite ("prove" della caccia) viene sostituita da un animale di pezza naturale, e quindi dalla sua immagine scultorea.
Nell'antico Egitto la scultura era associata al culto dei morti: la credenza che l'anima fosse viva finché esiste l'immagine di una persona rendeva necessario creare sculture durevoli con i materiali più resistenti (cedro del Libano, granito, porfido rosso, basalto). La monumentalità, una certa semplificazione delle forme e una tendenza verso figure statiche sono inerenti all'antica scultura egiziana.
Nell'antica Grecia, la scultura raggiunse il livello più alto. Non è un caso che Hegel abbia associato il periodo classico (antico) dell'arte alla scultura. Nella scultura antica c'è sempre una sensazione di libertà interiore. L'eroe è a suo agio e conserva la sua dignità interiore, anche la sofferenza non distorce, non sfigura il suo volto, non viola l'armonia dell'immagine (ad esempio, "Laocoonte").
Il Medioevo ha sviluppato forme monumentali di scultura in sintesi con l'architettura. La scultura gotica combinava dettagli naturalistici con figure decorative e dinamiche che trasmettevano un'intensa vita spirituale. Appaiono anche immagini illusorie-fantasmagoriche, allegoriche (ad esempio, le chimere della cattedrale di Notre Dame).
Gli scultori del Rinascimento hanno creato una galleria di immagini luminose individualizzate di persone volitive, intraprendenti e attive.
La scultura barocca (XVII secolo) era solenne, pomposa, parata, piena di bizzarri giochi di luci e ombre, masse vorticose bollenti.
La scultura del classicismo, al contrario, è razionalista, pacata, maestosa, nobilmente semplice. Nel XVIII sec. la scultura gravita verso le caratteristiche del ritratto socio-psicologico di una persona.
Nel 19 ° secolo il realismo fiorisce nella scultura: le immagini acquistano versatilità estetica, concretezza storica, caratteristiche quotidiane e psicologiche.
Nel ventesimo secolo gli scultori danno un'interpretazione generalizzata, a volte simbolica, delle immagini scultoree. La scultura approfondisce il contenuto psicologico dell'immagine, ampliando le possibilità di esprimere in plastica la vita spirituale dell'epoca.
Architettura (lat. architectura, dalle radici greche αρχι e τεκτονική - costruttore, costruzione, architettura, arte costruttiva), l'arte di progettare e costruire edifici e altre strutture che creano un ambiente materialmente organizzato di cui le persone hanno bisogno per la loro vita e attività, in conformità con lo scopo, le moderne capacità tecniche e le visioni estetiche della società. C'è una differenza essenziale tra architettura, pittura e scultura: l'architettura utilizza quasi esclusivamente forme geometriche e solo nell'ornamento ricorre a forme organiche; la pittura e la scultura, invece, raffigurano principalmente forme animali e vegetali, e solo negli accessori si rivolgono a forme architettoniche, cioè geometriche.
Nella sua subordinazione alle note leggi matematiche nel campo delle proporzioni, l'architettura si avvicina di più alla musica, che obbedisce anche alle leggi matematiche nel campo dei rapporti sonori; in questo senso l'architettura è giustamente chiamata musica "di pietra" o "congelata". Ogni opera d'arte contiene due elementi principali: un'idea astratta e la sua rappresentazione materiale, cioè, in altre parole, essenza e forma. La combinazione di questi elementi in un insieme consonante è l'obiettivo dell'arte; e se questo obiettivo viene raggiunto, allora il lavoro può certamente essere definito elegante. Di conseguenza, qualsiasi opera architettonica elegante dovrebbe, con la sua rappresentazione esterna, rivelare pienamente il significato interno e lo scopo dell'edificio. In virtù di questa legge, è impossibile, ad esempio, dare a una chiesa l'aspetto esteriore di un teatro o dare a un edificio a un piano all'interno una facciata a due piani.
Come forma d'arte, l'architettura entra nella sfera della cultura spirituale, forma esteticamente l'ambiente di una persona, esprime idee sociali in immagini artistiche. Lo sviluppo storico della società determina le funzioni e i tipi di strutture (edifici con spazio interno organizzato, strutture che formano spazi aperti, insiemi di strutture e altri beni immobili), sistemi strutturali tecnici e struttura artistica delle strutture architettoniche. In architettura, arti e mestieri, design - quei tipi di arti plastiche in cui è impossibile individuare il soggetto dell'immagine - la classificazione di genere è sostituita da divisioni tipologiche basate sulle funzioni dell'opera (in architettura, tipi di un palazzo , tempio, edificio residenziale, ecc., a loro volta suddivisi in molti sottotipi). L'organizzazione architettonica dello spazio degli insediamenti, la creazione di città, gli insediamenti di cottage suburbani, la pianificazione dell'architettura su piccola scala, la regolazione dei sistemi insediativi sono emerse come un'area speciale: l'urbanistica.
In architettura, i principi funzionali, tecnici, estetici (utilità, forza, bellezza) sono interconnessi. Lo scopo, le funzioni di una struttura architettonica ne determinano la pianta e la struttura volumetrico-spaziale, le attrezzature da costruzione - la possibilità, la fattibilità economica e i mezzi specifici della sua creazione, la ceramica da costruzione - materiali e prodotti ceramici utilizzati nella costruzione. Su appuntamento, i materiali ei prodotti ceramici si suddividono nelle seguenti tipologie: prodotti per pareti, prodotti per coperture, elementi per pavimenti; prodotti per il rivestimento di facciate, prodotti per il rivestimento di pareti interne, inerti per calcestruzzi alleggeriti, prodotti per l'isolamento termico, sanitari, piastrelle per pavimenti, mattoni stradali.
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I prodotti per pareti includono mattoni, pietre cave e pannelli realizzati con essi. Prodotti per coperture - tegole. Elementi per pavimenti; i prodotti per il rivestimento di facciate sono mattoni faccia a vista, piastrelle di piccolo formato e non, pannelli di composizione, dettagli architettonici e artistici. Prodotti per il rivestimento di pareti interne - piastrelle smaltate e loro parti sagomate (cornici, angoli, finestre figurate, cinture). Aggregati per calcestruzzo alleggerito - argilla espansa, agloporite. Prodotti termoisolanti - ceramiche cellulari, ceramiche perlite, ecc. L'inizio figurativo ed estetico dell'architettura è associato alla sua funzione sociale e si manifesta nella formazione di una struttura tridimensionale e strutturale di un edificio. I mezzi espressivi dell'architettura sono la composizione, la tettonica, la scala, le proporzioni, il ritmo, la plasticità dei volumi, la trama e il colore dei materiali, la sintesi delle arti, ecc. metodi di costruzione industriale.
(latino sculptura, da sculpo - ritaglio, scolpisco), scultura, plastica, un tipo di belle arti, le cui opere hanno una forma tridimensionale, tridimensionale e sono realizzate in materiali solidi o plastici. Scultura, scultura, arte plastica - nel senso ampio del termine, l'arte di creare da argilla, cera, pietra, metallo, legno, osso e altri materiali l'immagine di una persona, animali e altri oggetti della natura nel loro tattile, forme corporee. La scultura raffigura principalmente una persona, meno spesso animali, i suoi generi principali sono il ritratto, le immagini storiche, quotidiane, simboliche, allegoriche, il genere animalesco e mitologico. I mezzi artistici ed espressivi della scultura sono la costruzione di una forma tridimensionale, la modellazione plastica (stampaggio), lo sviluppo di una silhouette, la trama e in alcuni casi anche il colore.
Ci sono sculture rotonde (statua, gruppo, statuetta, busto), viste da diversi lati, e rilievi (un tipo di scultura in cui l'immagine è convessa o incassata rispetto al piano di fondo, i tipi principali sono il bassorilievo e l'alto sollievo). La scultura monumentale (monumenti, monumenti) è associata all'ambiente architettonico, si distingue per il significato delle idee, un alto grado di generalizzazione e grandi dimensioni; la scultura monumentale e decorativa comprende tutti i tipi di decorazione delle strutture architettoniche (atlanti, cariatidi, fregi, parco, fontana e scultura del frontone); la scultura da cavalletto ha dimensioni vicine alla natura o inferiori, e un contenuto specifico di approfondimento.
Per quanto riguarda il materiale e il metodo di esecuzione dell'immagine, la scultura, nel senso più ampio del termine, si divide in più rami: modellare, o modellare - l'arte di lavorare con una sostanza morbida, come la cera e l'argilla; fonderia, o toreutica: l'arte di realizzare una statua con metallo fuso; la glittica, o scultura in senso stretto, è l'arte di scolpire un'immagine nella pietra, nel metallo, nel legno e nella materia solida in genere; i generi della scultura possono, inoltre, comprendere l'incisione, l'intaglio su pietre dure e preziose e la realizzazione di punzoni per monete e medaglie (arte della medaglieria). Materiali per sculture: metallo, pietra, argilla, legno, gesso, ecc. Metodi della loro lavorazione: modellazione, intaglio, fusione, forgiatura, inseguimento, ecc.
Architettura . L'architettura di Roma è fondamentalmente diversa da quella greca. I Greci scolpivano da solidi blocchi di marmo, ei Romani erigevano muri di mattoni e cemento, e poi con l'aiuto di mensole appesero rivestimenti di marmo, colonne e profili attaccati. I monumenti architettonici conquistano con il loro potere. Pensato per grandi numeri di persone: basiliche, terme, teatri, anfiteatri, circhi, biblioteche, mercati e luoghi di culto: templi, altari, tombe. I romani introdussero strutture ingegneristiche (acquedotti, ponti, strade, porti, fortezze, canali). Il centro ideologico era il tempio, situato al centro del lato stretto di una piazza rettangolare sul suo asse principale. Le piazze cittadine erano decorate con archi di trionfo in onore di vittorie militari, statue di imperatori e personaggi pubblici di spicco dello stato. Le forme ad arco ea volta sono diventate comuni nei ponti e negli acquedotti. Il Colosseo (75-80 d.C.) è il più grande anfiteatro di Roma, destinato ai combattimenti dei gladiatori e ad altre competizioni.
Scultura . Nel campo della scultura monumentale, i romani furono lasciati indietro dai greci. Il migliore era il ritratto scultoreo. Si è sviluppato dall'inizio del I secolo. AVANTI CRISTO e. I romani studiavano da vicino il volto di una persona con le sue caratteristiche uniche. I Greci cercarono di rappresentare l'ideale, i Romani - per trasmettere con precisione le caratteristiche dell'originale. Gli occhi di molte statue sono fatti di smalto colorato. I Romani furono i primi a usare la scultura monumentale per scopi di propaganda: installarono statue equestri e di piedi nei forum (piazze) - monumenti a personalità eccezionali.
La pittura . Poco è sopravvissuto. Palazzi ed edifici pubblici erano decorati con pitture murali e dipinti, storie di mitologia, schizzi di paesaggi. Le pareti erano dipinte per sembrare marmo colorato e diaspro. Una tipologia comune erano i mosaici e le lavorazioni, i metalli preziosi e il bronzo, gli artisti rappresentavano scene di vita quotidiana e nature morte. Affreschi che ricoprivano le pareti delle case nobiliari Pittura ornamentale di interni (I sec. aC). I romani dipingevano mobili e utensili per la casa. Nel 3 ° secolo L'arte cristiana appare sotto forma di murales nelle catacombe di Roma. Secondo la trama, i murales sono collegati alla religione cristiana: scene bibliche, immagini di Cristo e della Madre di Dio, ma in termini di forma artistica sono al livello di murales antichi Durante la costruzione delle chiese cristiane, lo sviluppo della pittura monumentale continuò. Affreschi e mosaici ornavano le absidi, le cupole, i muri di fondo della navata principale delle basiliche.L'arte del mosaico era molto sviluppata, veniva utilizzata per decorare pareti e pavimenti nelle case dei ricchi romani, e successivamente nelle chiese cristiane. Il ritratto pittorico da cavalletto era molto comune, ma lo sappiamo solo da fonti letterarie, poiché le opere degli artisti repubblicani Maya, Sapolis e Dionysiades e le opere di altri non sono state conservate. I ritratti si inseriscono in una cornice rotonda e sembrano medaglioni
Se delineiamo le tappe principali della storia dell'arte romana antica, allora in termini generali possono essere rappresentate come segue. Le epoche più antiche (VII - V secolo aC) e repubblicane (V secolo aC, I secolo aC) - il periodo di formazione dell'arte romana.
Il periodo di massimo splendore dell'arte romana cade nei secoli I-II. ANNO DOMINI Dalla fine del regno di Settimio Severo inizia la crisi dell'arte romana.
Arte romanica
Nel X secolo, all'inizio del millennio, apparve per la prima volta nell'arte un unico stile paneuropeo, il romanico. Rimase dominante nell'Europa occidentale medievale per tutto l'XI e il XII secolo. Il termine "stile romanico" è apparso nel XIX secolo. (per analogia con il concetto di "lingue romanze") e significava "romano". Lo stile romanico nell'arte ha ereditato molto dall'architettura bizantina. architettonico gli edifici di questo tempo erano per lo più in pietra, con soffitti a volta, e nel Medioevo tali strutture erano considerate romaniche (costruite secondo il metodo romano), a differenza degli edifici in legno. Era distribuito in modo più classico nell'arte di Germania e Francia. Incursioni e battaglie erano gli elementi della vita in quel momento. Questa epoca dura ha dato origine a stati d'animo di estasi militante e un costante bisogno di autodifesa. È un castello-fortezza o un tempio-fortezza. Il concetto artistico è semplice e rigoroso. Tre grandi chiese sul Reno sono considerate esempi di architettura romanica tarda e perfetta: le cattedrali cittadine di Worms, Spira e Magonza. L'arredamento architettonico è molto sobrio, la plastica è piuttosto pesante. Ma, entrando nel tempio, si apre un intero mondo di immagini emozionanti, che catturano l'anima del Medioevo. L'arte nell'Europa medievale divenne opera di persone della classe inferiore. Hanno introdotto un sentimento religioso nelle loro creazioni, ma non era lo stesso per il "superiore" e per il "inferiore". Capiremo poco dell'arte medievale se non ne sentiremo il legame con l'intero sistema di vita delle "classi inferiori". Simpatizzavano con Cristo perché soffriva, la Madre di Dio era amata perché vedevano in lei un'intercessore per le persone, nel terribile giudizio vedevano l'ideale di un giudizio terreno su oppressori e ingannatori.
Giudizio terribile. Timpano della Cattedrale di Saint Lazare ad Autun (1130-1140);
Vigilia. Frammento del rilievo delle porte bronzee della Chiesa di S. Michele a Gildesheim (1008-1015)
Portale reale della cattedrale di Chartres (circa 1135-1155)
I monumenti architettonici dello stile romanico sono sparsi in tutta l'Europa occidentale, ma la maggior parte si trova in Francia. Queste sono la chiesa di Saint Martin a Tours, la chiesa di Notre Dame a Clermont, il capolavoro dell'architettura romanica - la chiesa di Notre Dame la Grande a Poitiers. Nel romanzo francese si sono sviluppate diverse scuole locali. Quindi la scuola borgognona si distingueva per la monumentalità della composizione, la scuola di Poitou era ricca di decorazioni scultoree e la scuola normanna si distingueva per una rigorosa decorazione.
Le sculture di santi nelle chiese romaniche sono prive di di qualsiasi canone, spesso poco attraente e tozzo, hanno volti semplici ed espressivi. In questo, la scultura romanica differisce dalla scultura bizantina, che ha creato immagini più raffinate e spiritualizzate. Insieme alle immagini e alle scene evangeliche nella scultura romanica, coesistevano trame della storia antica e medievale e c'erano immagini di persone reali. Allo stesso tempo, le composizioni scultoree erano talvolta sature dei frutti della fantasia popolare, quindi contenevano immagini di varie creature fantastiche e forze del male (ad esempio, asps).
Pregevoli esempi di arte applicata sono stati conservati dall'epoca romanica. Un posto d'onore tra loro è occupato dal famoso tappeto di 70 metri di Bayeux, che è associato al nome della regina inglese Matilda. Le scene ricamate su di esso raccontano la conquista dell'Inghilterra da parte dei Normanni nel 1066.
La pittura Lo stile romanico era esclusivamente ecclesiastico nei contenuti e piatto, negando la tridimensionalità dello spazio e delle figure. Lei, come la scultura, era subordinata all'architettura. Il tipo più comune di tecnica pittorica era l'affresco e iniziarono a diffondersi anche le vetrate (pittura con pezzi di vetro colorato).
9. Gotico -Il gotico ha sostituito lo stile romanico, sostituendolo gradualmente. Il gotico ebbe origine a metà del XII secolo nel nord della Francia, nel XIII secolo si diffuse nel territorio della moderna Germania, Austria, Repubblica Ceca, Spagna e Inghilterra. Il gotico penetrò in Italia successivamente, con grande difficoltà e una forte trasformazione, che portò alla nascita del "gotico italiano". Alla fine del XIV secolo, l'Europa fu inghiottita dal cosiddetto gotico internazionale. Il gotico penetrò successivamente nei paesi dell'Europa orientale e vi rimase un po 'più a lungo, fino al XVI secolo.
Architettura. Il duomo cittadino divenne la tipologia architettonica di punta: il sistema di intelaiatura dell'architettura gotica (gli archi ogivali poggiano su pilastri; la spinta laterale delle volte a crociera disposte su nervature è trasmessa da archi rampanti a contrafforti) consentiva di realizzare interni di cattedrali senza precedenti in altezza e vastità, a tagliare le pareti con enormi finestre dalle vetrate policrome. L'aspirazione verso l'alto della cattedrale è espressa da gigantesche torri traforate, monofore e portali, statue curve e ornamenti complessi. I portali e le transenne dell'altare erano completamente decorati con statue, gruppi scultorei e ornamenti. I portali erano dominati da tre temi di decorazione scultorea: il Giudizio Universale, il ciclo dedicato a Maria e il ciclo associato al patrono del tempio o al santo locale più venerato. Sulle facciate e sul tetto sono state collocate sculture di animali fantastici (chimere, doccioni). Tutto ciò ha avuto un forte impatto emotivo sui credenti: lirismo e tragedia, sublime spiritualità e satira sociale, fantastiche osservazioni grottesche e accurate della vita si sono intrecciate organicamente nell'arte del gotico. Le opere eccezionali dell'architettura gotica sono: in Francia - Cattedrale di Notre Dame, cattedrali a Reims, Amiens, Chartres; in Germania - la cattedrale di Colonia; in Inghilterra - Abbazia di Westminster (Londra), ecc.
Scultura. Le caratteristiche principali che caratterizzano la scultura gotica possono essere riassunte come segue: in primo luogo, il predominio nei concetti artistici dell'inizio astratto è sostituito dall'interesse per i fenomeni del mondo reale, i temi religiosi mantengono la loro posizione dominante, ma le sue immagini cambiano, dotate di caratteristiche di profonda umanità.
Allo stesso tempo, il ruolo delle trame secolari sta aumentando e la trama inizia a occupare un posto importante, anche se non immediatamente.In secondo luogo, la plastica rotonda appare e gioca un ruolo dominante, sebbene esista anche il rilievo.
Il Giudizio Universale è rimasto uno dei soggetti più comuni nel gotico, ma il programma iconografico si sta ampliando. L'interesse per l'uomo e l'attrazione per l'aneddotica della storia trovarono espressione nella raffigurazione di scene della vita dei santi. Un eccezionale esempio di raffigurazione di leggende sui santi è il timpano "La storia di Santo Stefano" risalente all'ultimo quarto del XIII secolo sul portale della cattedrale di Notre Dame.
L'inclusione di motivi reali è anche caratteristica di molti piccoli rilievi. Come nelle chiese romaniche, le immagini di mostri e creature fantastiche, le cosiddette chimere, occupano un posto importante nelle cattedrali gotiche.
La pittura. Nel Medioevo la pittura divenne una delle forme d'arte più importanti. I cambiamenti nella vita della società e le nuove tecniche hanno dato agli artisti l'opportunità di creare opere realistiche intrise di un profondo umanesimo, destinate a fare una vera rivoluzione nell'arte dell'Europa occidentale. Lo stile allegro e aggraziato nelle arti visive si manifestava più chiaramente nel ritratto (dipinto e matita) di maestri straordinari come J. Fouquet (noto anche come un eccezionale maestro della miniatura), J. e F. Clouet, Cornel de Lyon .
Dal 2800 a.C e. fino al 2300 a.C e. nelle Cicladi, trenta minuscole isole del Mar Egeo in Grecia, nasce uno stile definito "arte cicladica". I tratti caratteristici di questo stile erano prevalentemente figure femminili con ginocchia leggermente piegate, mani piegate sotto il petto, con teste piatte. Le dimensioni dell'arte delle Cicladi variavano da statue di dimensioni umane a piccole figurine, non più alte di pochi centimetri. È ragionevole presumere che l'idolatria fosse molto comune.
Sculture delle Cicladi al Museo Archeologico Nazionale di Atene
Idolo delle Cicladi
"Suonatore di Flauto", Museo Archeologico Nazionale. Atene
"Violino", 2800 aC, British Museum, Londra
L'arte delle Cicladi è diventata una fonte di ispirazione per molti artisti contemporanei che apprezzano la sobrietà e la raffinatezza delle linee semplici e della geometria, il minimalismo. L'influenza dell'arte cicladica può essere vista nelle opere di Modigliani, in particolare nella sua scultura "Testa femminile", così come nel lavoro di altri artisti, tra cui Picasso.
Amedeo Modigliani, Testa, 1910, National Gallery of Art, Washington
Figurina delle Cicladi e Modigliani
Pablo Picasso, Donna, 1907, Museo Picasso, Parigi
Giorgio de Chirico, Ettore e Andromaca
Henry Moore
Constantin Brancusi, Muse, 1912
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Hans Arp
Barbara Hepworth
Alberto Giacometti
Due settimane fa a New York ho visitato una mostra dedicata al futurismo italiano. I movimenti d'avanguardia del primo Novecento sono il mio amore speciale. Il mondo stava cambiando rapidamente, le persone cercavano di stare al passo con i tempi, a volte avanti, a volte non al passo con il progresso, e tutto questo caos ha dato origine a molte decisioni e direzioni artistiche interessanti. Per comprendere il futurismo è necessario conoscere la storia della sua creazione, oltre a ricordare il contesto storico dei paesi in cui questo movimento si sviluppò particolarmente: l'Italia e la Russia di quegli anni.
Distruggi il vecchio, spazza via i musei, le vecchie esperienze e le autorità per aprire il mondo al nuovo: auto, velocità, aggressività. Per presentare subito i postulati fondamentali di questo nuovo movimento, ecco alcune citazioni dal Manifesto di Marinetti, pubblicato su Le Figaro, 20 febbraio 1909:
- Diciamo: il nostro bellissimo mondo è diventato ancora più bello - ora ha velocità. Sotto il bagagliaio di un'auto da corsa, i tubi di scappamento serpeggiano e sputano fuoco. Il suo ruggito è come una raffica di mitragliatrice, e nessuna Nika di Samotracia può essere paragonata in bellezza a essa.
- Vogliamo cantare di un uomo alla guida di un'auto che scaglia una lancia del suo spirito sulla Terra, nella sua orbita.
Distruggeremo musei, biblioteche, istituzioni educative di ogni genere, lotteremo contro il moralismo, il femminismo, contro ogni vigliaccheria opportunistica o utilitaristica.
Essere un futurista è essere moderno, giovane e ribelle. Una metropoli industriale, automobili e velocità: gli aderenti al futurismo celebrano la distruzione e glorificano la guerra. Cercano di dare nuova vita a una vecchia cultura statica.
Nel 1912, anche la Russia aveva il suo manifesto, che accompagnava la prima raccolta di poesie Slap in the Face of Public Taste, che accompagnava l'omonimo Manifesto russo. Confronta i postulati:
- Il passato è stretto. L'Accademia e Pushkin sono più incomprensibili dei geroglifici. Lancia Pushkin, Dostoevskij, Tolstoj e così via. e così via. dalla nave Modernità.
- Lavati le mani che hanno toccato la sudicia melma dei libri scritti da quegli innumerevoli Leonid Andreev. A tutti questi Maxim Gorky, Kuprin, Blok, Sologub, Averchenko, Cherny, Kuzmin, Bunin e così via. e così via. - Tutto ciò di cui hai bisogno è un cottage sul fiume. Tale premio è assegnato dal destino ai sarti. Dall'alto dei grattacieli osserviamo la loro insignificanza!
A mio avviso, il manifesto russo ha una carica più distruttiva di quello italiano, e non sorprende: tali erano gli umori nel Paese prima della rivoluzione.
Il futurismo nasce nella letteratura, ma ben presto assume altre forme: pittura, politica, persino pubblicità. L'energia della giovinezza e della velocità trabocca in questi giovani rivoluzionari, è impossibile rimanere indifferenti alla carica di energia che portano. Se ti sembra di pensare progressivamente, rilassati: i futuristi hanno già pensato a tutto prima di te.
E con questa consapevolezza arrivo alla mostra del Futurismo italiano al Guggenheim, 1909-1944.
In totale, la mostra presenta sette temi, mostrerò i frammenti più memorabili di ciascuno di essi presentati in mostra.
Tema uno: futurismo eroico. Questa fase durò fino al 1916. L'inizio del movimento futuristico si distingue per un'atmosfera di ottimismo, dinamismo e ritmo. I futuristi hanno cercato di trasmettere le dinamiche in modi diversi. Ad esempio, Giacomo Balla ha studiato in dettaglio e ha cercato di rappresentare le dinamiche universali attraverso la stratificazione del movimento, ad esempio attraverso l'immagine della dispersione della luce (l'immagine non è mostrata in mostra):
Giacommo Balla, Compenetrazioni cangianti n. 7, 1912
Il vocabolario visivo di Giacomo Balla consisteva nel coniugare i principi della dinamica e della sincronicità, con il tentativo di trasmettere un'atmosfera di luci, suoni e odori.
Altri due futuristi, Umberto Boccioni e Gino Severini, cercarono di rappresentare l'effetto del movimento attraverso un oggetto. Boccioni ha trasmesso il movimento attraverso un corpo sportivo, unendo la figura di una persona e il paesaggio circostante. Allontanati dallo schermo e vedrai come l'immagine qui sotto si trasformerà nell'immagine di un ciclista che vola a grande velocità (l'immagine non è mostrata nella mostra):
Umberto Boccioni, Dinamismo di un ciclista” 1913
Severini, il mio futurista italiano preferito, crea il suo concetto di rappresentazione dinamica attraverso lo spostamento dello spazio nell'immagine, attraverso la frammentazione, collegando lo spazio spostato e sproporzionato, aggiungendo un effetto mosaico frammentato agli oggetti quotidiani (ha preso in prestito questa idea dai cubisti).
Posso ammirare questa immagine per ore, guardando il bizzarro intreccio del paesaggio, il treno in corsa e il villaggio. Anche se la prima volta non ti lasci trasportare da questa magia di frammenti, pensa a come rappresenteresti il movimento di un treno ad alta velocità (non un treno ad alta velocità, ma il suo movimento) e confrontalo con quanto ha fatto Severini :
G. Severini "Treno ambulanza che sfreccia per la città", 1915
Voglio citare anche la foto di Carr, il funerale dell'anarchico Galli. Il soggetto della foto era una scaramuccia ai funerali di Angelo Galli, ucciso dalla polizia in uno sciopero. Il governo temeva che gli anarchici facessero del funerale una manifestazione politica e proibì loro di entrare nel cimitero. Le scaramucce non potevano essere evitate, gli anarchici iniziarono a resistere e la polizia li represse brutalmente. L'artista era presente a questa scena; e il suo lavoro è pieno di vividi ricordi di una scena crudele e del caos: il movimento dei corpi, lo scontro di anarchici e polizia, bandiere nere che sventolano nell'aria. L'artista scriverà più tardi nelle sue memorie: “Vidi davanti a me una bara ricoperta di garofani rossi, che ondeggiava pericolosamente sulle spalle delle persone che portavano la bara. Vedevo cavalli irrequieti, bastoni e lance, scontri, e mi sembrava che da un momento all'altro il cadavere cadesse a terra e fosse calpestato dai cavalli”…
Carlo Carrà, Funerali dell'anarchico Galli (Funerali dell'anarchico Galli), 1910–11
Tema due. Parole-in-libertà, o, come nel manifesto russo, “parola-innovazione”. Come ho già scritto, il futurismo è iniziato con la poesia e la sua invenzione chiave è la forma libera della poesia. Seguendo Marinetti, i futuristi liberano le parole dalla loro forma abituale, distruggono la sintassi, annullano la punteggiatura, eliminano aggettivi e avverbi, usano verbi in forma indefinita, inseriscono nella poesia simboli musicali e matematici, usano onomatopea (onomatopea). Tali poesie vengono lette come letteratura, vissute come arte visiva ed eseguite come opere drammatiche. I futuristi le pubblicano in vari formati e le recitano in serate speciali (serate futuriste). Marinetti ha introdotto l'idea della poesia senza forma, molti futuristi hanno inventato le proprie interpretazioni. La “Scala” di Majakovskij ci è più familiare come questa parte dell'opera futurista, ma ce n'erano altre: Balla con le costruzioni fonovisive, Fortunato Depero e il linguaggio astratto dei suoni (onomalingua), la struttura circolare di Carlo Carr con un turbinio di voci e suoni.
Francesco Cangiullo, Piedigrotta. Libro (Milano: Edizioni futuriste di Poesia, 1916)
Tema tre. Architettura. Il futurismo, con il suo rifiuto della tradizione e dell'oltraggio, poteva esistere solo all'interno della città, ei futuristi si crogiolavano nella città moderna. Molti architetti hanno proposto i loro progetti per le aree metropolitane, utilizzando nuovi materiali e metodi industriali. I progetti futuristici hanno un aspetto slanciato, leggerezza, modernità, con un'enfasi sulla velocità e sul buon funzionamento dei sistemi di trasporto (il trasporto aereo e ferroviario dovrebbe integrarsi perfettamente nell'architettura urbana). I loro progetti non erano destinati a diventare realtà, ad eccezione di alcune avveniristiche strutture erette per fiere temporanee su bozzetti di Enrico Prampolini. Confronta schizzo e realtà:
Enrico Prampolini, Progetto per sala, decorazioni e arredi per Azienda Aeronautica: Progetto per l'allestimento della Triennale di Milano, ca. 1932-1933
Il Padiglione Futurista alla mostra al Parco Valentino di Torino (1928) è stato progettato da Enrico Prampolini.
Allora le loro idee non erano destinate a diventare realtà, ma ora guardate le città moderne: non è questo il sogno dei futuristi?
Tema quattro. Ricostruire l'universo. Poesia, letteratura, pittura: questo non era abbastanza. Per spostare i vecchi ideali e vivere nel nuovo tempo, era necessario cambiare ogni dettaglio del mondo quotidiano. Nel 1915 Balla e Depero, a noi già familiari, scrivono un altro manifesto, che amo particolarmente per il titolo: "Ricostruzione dell'Universo". Usando un linguaggio abitualmente aggressivo, chiedono la ricostruzione di ogni oggetto del mondo che li circonda, chiedendo persino giocattoli futuristici. Un futurista dovrebbe essere circondato da un ambiente futuristico, nuovi vestiti, nuovo design dei locali, nuovi mobili, piatti e vestiti. Balla e Depero hanno creato tali spazi nella loro vita: uno ha ricostruito una casa a Roma, l'altro uno studio nella sua città natale, Roverto. La mostra ha presentato molti oggetti dal design futuristico: ceramiche, servizi, gilet e abiti. Ora sembra tutto abbastanza divertente e di certo non corrisponde alla visione futuristica del design a cui siamo abituati. Per me il design futuristico è olandese e scandinavo. Ma se allora i futuristi non si fossero rivolti a tali minuzie, chissà se avremmo ottenuto il design moderno (così come l'architettura) nella forma in cui è ora?
Ciò che mi sorprende di più qui è la scala: dalle velocità e dagli aerei ai servizi da tè. Come possono coesistere così tanto e così poco in un'idea? Mi sembra che qui la nazionalità sia di grande importanza, l'estetica della vita quotidiana è importante per gli italiani, ma nel futurismo russo tutto è finito a livello di idee globali, senza servizi da tè.
Gerardo Dottori, set da pranzo di casa Cimino, primi anni '30
Tema cinque. Arte meccanica, ovvero l'estetica delle macchine. Dopo la prima guerra mondiale, nuovi artisti arrivarono al futurismo, apportando nuove qualità, una delle quali era l'estetica degli oggetti meccanici. Non posso dire che questo sia qualcosa di fondamentalmente nuovo nel futurismo, poiché inizialmente il movimento era basato sulla glorificazione del progresso e della velocità. I nuovi membri del movimento sottolinearono il duraturo interesse dei futuristi per gli oggetti meccanici. Il potente treno raffigurato nel dipinto di Ivo Panadji rotola diagonalmente verso di te, il che aumenta l'effetto della presenza (ciao fan del 3D!), Senti il fischio assordante del treno, il forte lavoro del motore. Panaji non dipinge un quadro, trasmette un'esperienza sensoriale. Le tecniche artistiche utilizzate qui trasmettono movimento, velocità e potenza. Guarda questa immagine, trasmette la traiettoria del treno in frammenti (come Severini), o, più semplicemente, come in animazione, in parti:
Ivo Pannaggi, Treno in corsa, 1922
Argomento sei. Aeropittura o pittura ispirata al volo. Volando o tuffandosi, a volte semplicemente astratti, la pittura aerea apparve nel 1930, in una fase avanzata del futurismo. Gli aeroplani si inseriscono perfettamente nell'idea del culto delle auto nel futurismo, sia come simbolo di progresso che come incarnazione della velocità, quindi spostano immediatamente l'attenzione su se stessi, lasciando dietro di sé auto e treni. Inoltre, gli aerei aprono nuove prospettive su oggetti familiari grazie a nuovi angoli di visione mai visti prima. La pittura aerea inizia con una semplice documentazione dei voli e passa alla rappresentazione del volo nello spazio. Rappresenta un nuovo approccio al mondo, che unisce velocità, tecnologia, guerra e orgoglio nazionale. All'inizio degli anni Trenta in Italia, è chiaro che i sentimenti nazionalisti erano molto forti, e la potenza e l'equipaggiamento tecnico dell'esercito italiano spinsero i futuristi ad aumentare l'orgoglio nazionale. Sembrerebbe che i futuristi avessero tutto per diventare arte ufficiale nell'Italia fascista: questa è la glorificazione del progresso, l'adorazione dell'aggressione e della guerra, la negazione del vecchio mondo e la distruzione. Una sfumatura interferiva: Hitler non sopportava "l'arte degenerata" (qualsiasi arte non classica), e alla fine costrinse Mussolini a sbarazzarsi del favoritismo dei futuristi.
Gerardo Dottori, Battaglia aerea sul Golfo di Napoli o Battaglia infernale sul Paradiso del Golfo, 1942
Argomento sette. Foto. I futuristi non potevano ignorare la fotografia, che iniziarono ad adattare a partire dal 1911. I fratelli Bragaglia hanno cercato di dare vita al dipinto e hanno sviluppato un intero metodo per catturare il movimento: il fotodinamismo. Il movimento della figura nelle loro fotografie di solito va da destra a sinistra, con fasi sfocate dell'inizio del movimento. Dopo questi esperimenti i futuristi abbandonarono la fotografia fino agli anni Trenta, finché Marinetti, in collaborazione con Tato, nel suo successivo manifesto (nessun altro ne aveva tanti!) dichiarò la fotografia un ottimo strumento per abbattere le barriere tra arte e vita, poiché con Con con l'aiuto di una macchina fotografica, si può sia creare arte che esplorarne la funzione sociale (tuttavia, Tato usava la macchina fotografica per scopi diametralmente opposti, le sue opere esprimevano sostegno ideologico al regime fascista).
Anton Giulio Bragaglia, Salutando, 1911
Nel 1944 muore il fondatore e ispiratore ideologico del futurismo, Marinetti. Con la sua morte cessa di esistere anche il futurismo. Il futurismo russo iniziò a scomparire anche prima, alla fine degli anni '20, con l'instaurazione del potere sovietico in Russia, e alla fine sopravvisse a se stesso con la morte di Mayakovsky e l'emigrazione dei principali autori (tuttavia, in Russia, il futurismo era più una tendenza letteraria piuttosto che pittorico). Gli autori che hanno iniziato con il futurismo si sono uniti ad altre tendenze.
Cosa ha portato il futurismo all'umanità? I modi oltraggiosi e aggressivi, caratteristici del futurismo, hanno contribuito a rendere popolare e glorificare il progresso. Lo sviluppo moderno dell'arte deve molto al futurismo: i loro meriti includono la liberazione della poesia dalla forma abituale, performance poetiche, un nuovo sguardo all'immagine del movimento, frammentazione della velocità. La negazione dell'autorità è sempre una ricerca di una nuova, sempre un'espansione di una visione familiare del mondo che ci circonda. La ricerca di nuovi ideali e la creazione di nuove norme aiuta l'umanità a non fermarsi, aiuta a svilupparsi. E, naturalmente, il canto del "bello lontano", il progresso, il potere del pensiero umano, per questo desiderio di un mondo ideale, un ringraziamento speciale a loro.
