Одним из самых известных видов японского искусства является гравюра, получившая название укиё-э (浮世絵). Дословно «укиё-э» переводится как «плывущий мир», что отсылает нас к буддийской философии, в которой словом «укиё» обозначался «бренный мир». Но с появлением в эпоху Эдо «веселых кварталов» (публичных домов), понятие было переосмыслено и стало обозначать «мир мимолётных явлений». Впервые слово «укиё-э» было упомянуто писателем Асай Рёи в 1661 г.
Стиль укиё-э относится с ксилографии, печатной графике на дереве или оттиске на бумаге. Создателем укиё-э считается живописец и график Хисикава Моронобу (菱川 師宣).
Предшественниками укиё-э стали эхон (絵本) – сборники рассказов с сопровождающими их картинками. Затем гравюры обрели самостоятельность и использовались в качестве афиш к постановкам театра кабуки или свитков с изречениями какэмоно (掛け物), помещаемых в нишах токонома (床の間), своеобразных домашних святилищах.
Первоначально картины укиё-э возникли в конце 17 века. Первые гравюры были черно-белыми, так как для их создания использовалась тушь, а с 18 века картинки стали цветными, так как мастера начали раскрашивать их киноварью вручную, используя кисть. Затем появилась техника полихромной печати, получившая название нисики-э (錦絵) — «парчовые картинки».
Гравюры были очень дешёвыми, так как техника была достаточно проста и позволяла выпускать большие «тиражи», и предназначались для широких слоёв, в основном, городского населения. И лишь когда европейцы начали массово скупать картины, японцы поняли всю ценность этих произведений, и им пришлось выкупать картины производства своей же страны у иноземцев. Из-за того, что оттиском можно было создать не одну сотню одинаковых картин, можно увидеть одну и ту же работу в нескольких точках земного шара, и все они будут подлинными.
Так как основными потребителями картин были горожане, сюжеты отражали типичный образ жизни японского города: прекрасные дамы, ежедневные бытовые ситуации, сумоисты, актёры театра кабуки, сюжеты легенд. Позже стали изображаться пейзажи и военная тематика. Соответственно, картины укиё-э являются не только произведениями искусства, но и важными историческими источниками, из которых мы можем узнать многое о жизни эпохи Эдо.
Гравюры предназначались для того, чтобы любоваться ими в горизонтальном положении, поэтому их не вешали на стену, кроме какэмоно. Из-за этого некоторые произведения имеют свой «секрет». Например, кимоно героя могло быть с рисунком, который возможно было разглядеть, только когда картина лежала горизонтально или при взгляде на неё снизу, если она висела на стене.
Для создания японской гравюры требовалось три человека: художник, резчик и печатник. Качество и красота работы зависели от всех трёх мастеров. Первый тушью наносил прототип картины на прозрачную бумагу, резчик приклеивал его на деревянную дощечку из вишни, груши или самшита и вырезал области, оставшиеся белыми. Это была первая печатная форма, а рисунок фактически уничтожался. Затем делалось несколько оттисков с разными цветами (для каждого цвета или тона своя форма), и печатник, заранее обговорив с художником цветовую гамму, наносил на набор форм краску и печатал гравюру на рисовой бумаге.
Бидзин-га
(美人が) - изображение красавиц. Как понятно из названия, основным предметом изображения
этого жанра являлись прекрасные женщины. Чаще всего на гравюрах можно было увидеть обитательниц весёлого квартала Ёсивара: гейш, куртизанок и просто известных прекрасных женщин. Типичная красавица тех времён имела овальную форму лица, изогнутую шею и маленький рот. Сюжеты, в которых фигурировали красавицы, были повседневными: чайная церемония, туалет, прогулки, игры. В этом жанре возник стиль окуби-э (お首絵) — «большие головы», где изображалась крупным планом голова девушки.
Мастера: Судзуки Харунобу, Тории Киёнага, Китагава Утамаро.
Якуся-э (役者絵)- портреты популярных актёров театра. Художник должен был придерживаться определённых строгих правил в изображении: например, косые глаза, собранные в кучу, обозначали гнев; если герой закусывал платок, то это показывало безудержную страсть, а волосатость отсылала к дикости и животной необузданности. Гравюры якуся-э имеют интересную особенность: на головах героев можно заметить фиолетовое пятно. На самом деле, это пятно обозначало шапочку, символизирующую высоко выбритый лоб, как у всех мужчин Эдо, которую надевали на голову актёры, изображающие женщин (а как известно, в кабуки все роли, в том числе женские, изображали мужчины).
Мастера: Тории Киёнобу, Кацукава Сюнсё, Тосюсай Сяраку, Утагава Тоёкуни.
Сюнга (春画 «весенние картинки») - эротические гравюры.
При слове «укиё-э» у японца, прежде всего, всплывает в голове образ картины в жанре сюнга, а затем уже и всех остальных. Сюнга представляет собой жанр, в котором изображались очень откровенные интимные сцены с преувеличенными анатомическими подробностями, шокирующие европейцев, воспитанных в строгих христианских обычаях. Но шок сменился популярностью — на Западе таких изображений быть никогда не могло, и иностранцы скупали их очень активно.
Он относится к периоду от Великого пожара годов Мэйрэке до эпохи Хорэки. Укиё-э на ранних стадиях в основном представляла собой оригинальные рисунки и одноцветную ксилографию (сумидзури-э).
После середины XVII века человека, который делал оригинальные рисунки для ксилографии, называли «хансита-эси» (профессиональный рисовальщик), затем появился Моронобу Исикава, который рисовал иллюстрации для книжек с картинками и укиё-дзоси (популярные истории повседневной жизни эпохи Эдо). Знаменитая «Mikaeri Bijin zu» («Картина с оглядывающейся назад красавицей»), его самая значительная работа, является оригинальным рисунком.
Книга «Koshoku ichidai otoko» («Жизнь любящего мужчины») Сайкаку (издана в 1682 году) описывает, что укиё-э была нарисована на складывающемся веере с 12 ребрами, и это самая старая литература, в которой можно найти слово «укиё-э».
Когда началась эпоха Тории Киёнобу, появился вид сумидзури-э, окрашиваемы кистью и чернилами. Для таких гравюр в основном использовали красные пигменты, с желтовато-коричневым оттенком (красная земля) назывались «тан-э», а с оттенком бени (румянец) назывались «бени-э». Кроме того, сумидзури-э с несколькими цветами, добавленными к бени-э, назывались бенидзури-э. С того времени школа укиё-э Тории тесно связана с кабуки (традиционный театр, роли в котором исполнялись актёрами мужского пола) и используется на рекламных щитах кабуки даже сегодня.
Он относится к периоду с 1765 года, когда родилась нисики-э (печать), до приблизительно 1806 года.
В 1765 году стали модными эгоёми (календари с изображениями), особенно среди поэтов хайку, и начали организовываться вечера по обмену эгоёми. Чтобы удовлетворить спрос, Харунобу Судзуки и другие разработали «адзума-нисики», напечатанные в нескольких цветах, и культура укиё-э вступила в полный расцвет. Что касается факторов, позволяющих сделать многоцветную печать, то было указано, что «кенто» (метки приводки) были введены, чтобы отметить точки для надпечатки, и появилась плотная высококачественная японская бумага, которая выдерживала многоцветную печать. Использовали бумагу, сделанную из кодзо (бруссонетии бумажной), такую как этидзен-хосогами (тяжелая японская бумага отличного качества из провинции Этидзен), иё-масагами, нисами-утигами, и т. д. Кроме того, важную роль сыграло экономическое развитие, так как было введено разделение труда для сложных процессов между ситаэси (художники укиё-э), хориси (гравёры) и суриси (печатники).
После смерти Харунобу Судзуки, образы в бидзинга начали меняться от андрогинных, похожих на куклу, к реалистичным.
В эпоху Анъэй Сигэмаса Китао пользовался популярностью благодаря бидзинга. Реалистичное разграничение также было добавлено к якуся-э, а Сюнсё Кацукава рисовал скучные нигао-э (портреты).
Кроме того, появился Утамаро Китагава Utamaro, который рисовал много окуби-э (погрудных портретов), которые были типом бидзинга с тонкой, изящной и приятной манерой.
В 1790 году была создана система одобрения «Аратаме-ин», и к печатным изданиям были применены различные ограничения.
В 1795 году ханмото (издатель) с именем Дзюдзабуро Цутая, чьи активы были конфискованы за его нарушение запрета, представил Сяраку Тосюсай в качестве меры возрождения. Несмотря на то, что он привлёк внимание общественности уникально преувеличенными якуся-э, его популярность создала плохое впечатление из-за чрезмерного преувеличения черт, и он был побежден серией Тоёкуни Утагавы «Yakusha butai no sugatae» («Образы актёров на сцене»), которая была чрезвычайно популярна.
Впоследствии, начала зарождаться крупнейшая школа художников эси укиё-э, школа Утагава, состоящая из учеников Тоёкуни.
Он относится к периоду с 1807 года до примерно 1858 года.
После смерти Утамаро Китагавы основное направление бидзинга обратилось к чувственной, сексуальной красоте и привлекательности такой, какую изображал Кэйсай Эйсэн.
Хокусай Кацусика, один из учеников Сюнсё Кацукавы, на фоне расцвета путешествий, нарисовал «Fugaku sanju rokkei» («Тридцать шесть видов горы Фудзи»), что привело к печати «Tokaido Gojusan-tsugi» («Пятьдесят три станции Токайдо») Хиросиге Утагавы. Благодаря этим двум художникам был развит мейсо-э (пейзажный рисунок) в жанре укиё-э.
В жанре якуся-э, Кунисада Утагава, как преемник его учителя Тоёкуни Утагавы, рисовал сильные якуся-э.
В кусадзоси, муся-э начали рисовать Куниёси Утагава и другие, наряду с популярностью фантастических сказок.
В то время популярность приобрела серия «Suikoden» («Водный берег») Куниёси Утагавы, и произошёл «бум Suikoden».
«Edo sunako saisenki», изданная в 1853 году, описывала «Тоёкуни Нигао (нигао-э), Куниёси Муся (муся-э) и Хиросиге Мейшо (мейсо-э)».
Он относится к периоду с 1859 года до примерно 1912 года. Йокогама-э (йокогама укиё-э) стал модным среди людей, которые были вдохновлены курофуне («черные корабли» коммодора Мэтью Перри) и заинтересовались западными культурами. После реставрации Мэйдзи кайка-э (просветительские картины), изображающие редкую западную архитектуру и железные дороги, заменили йокогама-э.
В то время как в Японии, которая была разрушена в результате реставрации Мэйдзи, в кабуки и других развлекательных представлениях появились гротескные вещи, Ёсиику Отиаи и Йоситоси Цукиока, которые были учениками Куниёси Утагавы, нарисовали «Eimei nijuhachishuku», которая изображала кровавые сцены и назывались музан-э, а также иллюстрации к статьям в нисикиэ-симбун.
Ёситоси Цукиока, с его утончёнными рисунками, основанными на эскизах, создавал не только мудзан-э, но также много рекисига (исторические картины) и фудзокуга и стал называться «последним художником укиё-э». Поскольку он решительно поддерживал своих учеников относительно знакомства с другими жанрами изобразительного искусства, многие ученики достигли величия в качестве иллюстраторов и художников японского стиля, как например Киёката Кабураки; таким образом, традиция укиё-э перешла в другие жанры.
Кроме того, укиё-э начали рисовать некоторые художники школы Кано, в том числе Кёсай Каватабэ.
Киёсика Кобаяси создал новые пейзажные рисунки под названием косенга, в которых не использовались линии профилей.
Йсифудзи Утагава применял укиё-э на омотя-э, который теперь называются газетными приложениями, и, благодаря популярности идеи, играл активную роль как художник эси, специализирующийся на ототя-э. Его даже называли «Омотя Йосифудзи».
Укиё-э постепенно уменьшалась, теряя популярность в газетах, фотографиях, новых технологиях, таких как литография и т. д. Художники укиё-э проявили свою изобретательность в отношении фотографий, в основном зря, и были вынуждены стать иллюстраторами и т. д. История укиё-э, которая длилась с периода Эдо, почти закончилась тем, что последней гравюрой стала сенсо-э, изображающая китайско-японскую войну.
Начиная с периода Тайсё до периода Сёва, Хасуй Кавасэ и другие намеревались возродить укиё-э новыми ксилографиями, а также оставили много работ, в которых использовалась технология многоцветной печати укиё-э.
Укиё-э, первоначально появились как картины, изображающие обычаи и нравы повседневной жизни «укиё». Изображались пейзажи, портреты актёров кабуки, борцы сумо и юдзё (проститутки). Многие подпадают под категорию современных комиксов и содержат элементы карикатуры. Традиционные темы, которые должны были быть материалом для китайской живописи и картин ямато-э, иногда преобразовались для укиё-э.
Что касается сюнга (эротического искусства), изображающего любовные сцены, то рисовали их самые известные художники эси. Сюнга часто продавали в комплексных сделках. Поскольку их продажные цены были высокими, на создание тратилось много денег, и использовались сложные методы производства. Имея элемент насмешки (высмеивания) над реальной сексуальной культурой, они не обязательно были сенсационными, и отмечалось, что они не должны рассматриваться только в качестве порнографии.
Бидзинга (Bijinga): Рисунки с изображением молодых женщин.
Изображались канбан-музуме (девушки с афиши) и юдзё, которые были популярны в то время.
Якуся-э (Yakushae): Рисунки с изображением популярных актёров кабуки и т. д.
Некоторые из них были похожи на клише, а некоторые служили тираси (листовками).
Карикатура: Комично нарисованные картинки.
Включали тоба-э. Встречались юмористические сцены и персонификации. Они сдерживали элементы карикатуры, но неизменно подчёркивали развлекательный аспект.
Тоба-э (Tobae): Карикатуры, изображающие человеческие персонажи с длинными руками и ногами. Они произошли от имени Тоба Содзё (ведущего деятеля). Комиксы на раннем этапе иногда упоминаются таким образом.
Комиксы: Этехон (художественное пособие).
Рисунки, изображающие всё мироздание. Они отличались от современных комиксов. Манга Хокусая (зарисовки Хокусая) были показательным примером.
Сюнга (Shunga): Рисунки с изображением сексуальных сцен и других чувственных вещей.
Были небольшие печатные издания с секс-игрушками и персонифицированным половым органом и т. д. Они были настолько распространены в сельской местности, что под нисики-э фактически подразумевались сюнга. Они могли быть частью приданого.
Мэйсо-э (Meishoe): Рисунки, изображающие знаменитые пейзажи.
Рисунки разрешались простым людям того периода, которые не могли свободно путешествовать, чтобы увидеть желанные знаменитые достопримечательности. Они также использовались в качестве туристических брошюр.
Муса-э (Mushae): Рисунки с изображением знаменитого самурая, появляющегося в легендах, фантастических сказках и историях.
Они вошли в моду, особенно с бумом фантастических сказок. Бакуфу (японское феодальное правительство, возглавляемое сёгуном) запрещало изображать Нобунагу Ода и воинов после него.
Рекисига (Rekishiga): Рисунки, изображающие исторически известные сцены.
После реставрации Мэйдзи были произведения, изображающие последних императоров в целях содействия легитимности императорской семьи.
Омотя-э (Omochae): Рисунки для детей.
Среди них были произведения, которые нужно было наклеивать на сугороку (японские нарды) и мэнко (сотки в японском стиле), миниатюры популярных укиё-э, модные бумажные куклы, работы, называемые дзукуси-э, под которыми были собраны многие призраки, воины и так далее. Множество идей переняли для использования в детских игрушках.
Митате-э (Mitate-e): Пародии классических произведений.
Сумоу-э (Sumoue): Рисунки, изображающие сумо. Среди них были стереотипные рисунки, представляющие борцов сумо в то время.
Харимадзе-э: Работы, на которых было нанесено несколько изображений на один лист бумаги.
Сини-э: Ксилография издавалась в результате смерти знаменитости.
Некоторые из них были для знаменитых художников эси.
Кодомо-э: Рисунки, изображающие детей во время игры.
Нагасаки-э: Рисунки, изображающие иностранные культуры, которые видели в Нагасаки. Йокогама-э: Рисунки, наполненные экзотической атмосферой Йокогамы.
Намадзу-э: Рисунки, появившиеся после Больших землетрясений в Ансей.
Согласно популярному суеверию намазу (сом) приносит землетрясения.
Носо-э: Оберег, что отвести оспу.
Утива-э: Рисунки, которые приклеивались на веера.
Люди, которые рисовали укиё-э, назывались художниками укиё-э или художниками эси (эдакуми [художник]). Людьми, которые вырезали рисунки художников укиё-э на деревянных клише, были хориси (тёко [резчики]), а людьми, которые раскрашивали деревянные клише и печатали были суриси (печатники). Хотя процесс создания укиё-э представлял собой совместную работу, обычно запоминались только имена художников эси. Требовалось по крайне мере четыре стороны, включая дополнительную сторону в качестве покупателя.
«Кенто» (современные приводочные метки [печать]) были прикреплены для проверки положения бумаги и предотвращения смещения цветов в многоцветной печати. Некоторые предполагали, что они были придуманы оптовым торговцем для издания Китиэмона Уэмуры в 1744 году, но другие утверждали, что в 1765 году их использовал суриси по имени Кинроку. Также говорится, что их изобрёл Гэннай Хирага, который был связан с Харунобу Судзуки. Такие фразы, как «Kento wo tsukeru» (выбрать в качестве цели), «Kento chigai» (неточно), «Kentou hazure» (с отклонением от приводки), которые используются даже сегодня, происходят из этого «Кенто».
В эпоху Мэйдзи или позже, укиё-э получала мало внимания в Японии, и многие из работ были вывезены из страны. Следовательно, для укиё-э не было проведено законных, систематических и академических исследований как произведения изобразительного искусства, а мнения, основанные на различных источниках знаний, частично и постоянно повторялись только отдельными коллекционерами и исследователями.
Более того, как обычно, создавались подделки многих известных произведений, в том числе Харунобу Судзуки, Утамаро Китагавы и других, распространенных со времён Эдо.
С другой стороны в западных странах укиё-э открыли и высоко оценили великие мастера школы импрессионистов, чьи работы находились под влиянием укиё-э, даже были созданы их репродукции в масляных картинах. По-видимому, по крайней мере, 200,000 или более предметов укиё-э находится в хранилище в 20 или более самых престижных западных музеев; кроме того, различные лица владеют частными коллекциями, таким образом, указывая, что укиё-э является единственным иностранной формой искусства, которая коллекционируется в таких большие количествах. Многие музеи хранят более 10,000 предметов укиё-э, как например, Музей изящных искусств в Бостоне - 50,000 предметов, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина с 30,000 предметов и т. д.
Укиё-э является единственной в мире яркой цветной гравюрой на дереве; в западном изобразительном искусстве нет такого жанра, который, как считается, способствует её высокой оценке. Среди множества рассеянных укиё-е, было большое количество работ со сравнительно простыми рисунками, включая Утамаро, а укиё-э с богато окрашенными (броскими) сложными рисунками были неожиданно мало.
Поскольку внутри страны укиё-э продаётся в сетевых магазинах тех, которые распространились за границей, есть надежда, что в дальнейшем укиё-э будут рассматривать как редкую художественную работу в мире, чтобы эта высокая оценка этого вида искусства не ограничивалась Западом.
Также ценно то, что укиё-э - единственный материал в мире, который изображает различные жизни обычных людей в период средневековья.
Согласно документам периода Мэйдзи, до этого времени было около 2000 художников эси, при условии, что были включены неизвестные художники. Поскольку в то время было напечатано от 100 до 200 работ, в городах появилось огромное количество укиё-э, и, в отличие от любого другого места в мире, высококачественные произведения искусства были очень популярны среди простых людей.
Одновременно с влиянием укиё-э на японизм в западных странах, он также получил влияние из-за границы. Синтетический пигмент берлинская лазурь («беро» от Берлин), которая происходит из Германии, производящей яркий цвет и был использован Хокусаем Кацусикой и др. Также были переняты западные техники перспективы и тушёвки.
В 1865 году французский художник Бракемон показал своим друзьям «Мангу Хокусая», которая была на оберточной бумаге глиняных изделий, и в итоге это оказало большое влияние на импрессионистов. Это вызвало такую ситуацию в Европе, когда произведения укиё-э продавались по высоким ценам, которые были невообразимы для Японии в то время, так как в самой Японии укиё-э были развлечением обычных людей, и подержанные и повреждённые работы продавались по ценам настолько низким, что их использовали в качестве упаковочного материала для морских грузов.
Укиё-е даже повлияла на классическую музыку, так как Клод Дебюсси был вдохновлён «Kanagawa oki nami ura» («Большая волна в Канагаве») Хокусая и написал «La Mer» («Море») (гравюра использовалась на обложке оркестровой партитуры, опубликованной в 1905 году, и есть фотография, на которой гравюра может быть идентифицирована как украшение в рабочем кабинете).
| Стиль Укиё-э (японская живопись) |
| Школа Сидзё (японская живопись) |
| 10 самых известных шедевров японской живописи |
| Японский художник Маруяма Окё, картины (японская живопись) |
| Спальня в японском стиле |
| Японский стиль в интерьере |
| Японская живопись (древние периоды, современная), ведущие художники |
Япония наблюдает за авантюрными приключениями современного искусства уже в течение века. Однако, перед тем как страна стала открываться для иностранцев, всякий творческий дух, похоже, покинул искусство живописи, которое превратилось в ремесленничество. Только в нескольких шедеврах живописи сохранялось что-то живое и человеческое.
Уже тогда налицо был упадок повествовательной назидательной «жанровой» живописи, известной под названием укиё-э - «изображение бренного мира»; это течение популярного искусства находило свое выражение как в живописи, так и в графике. Этот жанр стремился сохранять традиции чисто японской живописи (ямато-э ) и вскоре стал вытеснять аристократическую живопись школы Тоса, которую поддерживал двор, равно как и живопись «в китайском стиле» школы Кано, которая пользовалась покровительством самураев. Живопись укиё-э выполнялась на тонкой пористой бумаге или на шелке, обычно более грубом, чем шелк эпохи классической живописи, что позволяло создавать определенную рельефность поверхности с помощью красок. Последние составляли сущность живописного поиска, как в отношении эффектов перспективы, так и в объемности. Линия демонстрировала гибкость кисти и придавала силуэтам естественный и живой характер. Укиё-э, кажется, берет свое начало в школе Кано в Киото: именно она ввела в моду в конце XVI века росписи ширм, где разыгрывались сцены повседневной жизни и праздники в Киото. Произведения Иваса Матабэи (1578–1650), вдохновленные жанровой живописью, создают вторую составляющую этой школы. Начало живописи укиё-э отмечено деятельностью четырех художников школы Кано. Двое из них никогда не обращались к гравюрам: это Миягава Тёсун (1683–1753) и Нисикава Сукэнобу (1671–1751), который работал по преимуществу как иллюстратор. Его изысканный и совершенствующийся стиль проявлялся первоначально в жанре портрета (красавицы). Два других художника, Хисикава Моронобу (1618–1694) и Окумура Масанобу (1686–1764), как мы увидим, известны главным образом как создатели рисунков для гравюр.
В глазах японцев XIX века гравюра не представляла собой значительного искусства. Именно во Франции гравюры в жанре укиё-э получили невероятную популярность, после того как в 1856 году Феликс Бракмон показал Эдгару Дега произведение Хокусая. В 1868 году Манэ под влиянием японской живописи пишет портрет Эмиля Золя; в 1876 году Моне писал девушек в кимоно на декоративном панно; Ван Гог, наконец, был чрезвычайно увлечен этим неизвестным дотоле искусством и использовал японские образцы.
Гравюра (ханга), которая позволяет тиражировать произведение на основе первого листа, представляет собой «средство массовой информации», и ее развитие начиная с середины XVII века по времени точно совпадает с развитием городов, где зарождалась новая форма цивилизации. Конечно, сам способ имел китайское происхождение и был известен уже давно: в Сёсоине хранится дощечка, вырезанная в VII веке, которая предназначалась для того, чтобы наносить рисунок на ткань. В 764 году императрица Кокэн (749–759) приказала вырезать деревянные и медные доски для того, чтобы воспроизвести молитвы и буддийские изображения. Эти резные доски она пожертвовала храмам Нара. Этот эффективный способ продолжали использовать, но только в религиозных целях. Вельможи, для которых создавалось искусство, могли достаточно хорошо оплачивать художников и иллюстраторов свитков; при этом они оценивали в той же мере, что и творчество, качество материалов и презирали дешевизну гравюры. Положение изменилось, когда торговцы и ремесленники, разбогатев, составили средний класс, слишком бедный, чтобы покупать дорогостоящие произведения искусства, но достаточно состоятельный для того, чтобы иметь тягу к некоторой роскоши. Именно они образовывали в собственных интересах настоящий рынок искусства. Именно тогда художник из Эдо Хисикава Моронобу (1618–1694) придумал оригинальную идею - воспроизводить при помощи гравюры рисунки, сюжеты которых взяты из самой жизни, что было присуще традиционной манере японского искусства (ямато-э ). Он набрасывал свои рисунки в знаменитом квартале наслаждения Ёсивара: образы дорогих гейш, увеселительные компании, далекие от добродетели, актеры зарождающегося театра кабуки - резал проволокой на дощечках из мягкого дерева. Горожанам понравились эти картинки, эти жанровые сценки стали называть укиё-э рю, буддийское понятие «бренный мир» (укиё-э ) тогда часто применялось по отношению к домам свиданий и развлечениям; итак, изображение бренного мира - укиё-э. Сюжетов становилось больше, художники начинают воспроизводить и цветы, и птиц, и любые декоративные мотивы, которые нравились заказчикам. Если Моронобу, несмотря на свое влияние, не имел прямых учеников, то иначе обстояло дело с его последователем Тории Киёнобу (1664–1729), школа которого, специализировавшаяся на изображении актеров и молодых красавиц, процветает еще и в наши дни.
Первые гравюры были представлены на суд публики в виде отдельных листков и книжечек, которые в эпоху Моронобу изготавливались фальцеванием двойных листков бумаги. Японская гравюра требовала сотрудничества трех художников или ремесленников: художник, гравер, печатник. Первые оттиски выполнялись в черно-белом (суми-э или суми дзури-э ) сочетании; иногда использовался свинцовый сурик (тан-э ); но начиная с 1720 года благодаря некоторым усовершенствованиям использовали разнообразные и богатые оттенки: пурпуровым красным цветом (бени-э ) заменили свинцовый сурик, применяли также желтый, фиолетовый и зеленый цвет, стали добавлять клей в китайскую тушь (этим новшеством были обязаны Окумара Масанобу (1686–1764), что позволяло придавать большую глубину и объемность черному цвету, разграничивающему изображение. Блестящая поверхность напоминала лаки (уруси-э ).
Первые гравюры, цвета которых устанавливали кистью прямо на дощечке, старались тщательно имитировать картину. Все изменилось с 1743 года, когда практика бене дзури-э , которая использовала китайские техники ксилографии, предоставила укиё-э независимость стиля и фактуры. Отныне полученная накатами и последовательными оттисками, ставшими возможными благодаря технике маркировки, гравюра добилась за двадцать лет такой роскоши колорита, что ее сравнивали с парчой (нисики-э ): десять основных цветов позволяли достичь богатых оттенков и полутонов. Творчество знаменитого Судзуки Харунобу (1725–1770), который увековечил хрупкую привлекательность красавиц (бидзин ) своей эпохи, стало вершиной расцвета этого жизнерадостного искусства эстампа, предмета - воспоминания о приятных часах, проведенных в приятной компании. Кацукава Сюнсо (1726–1792) и Иппицусай Бунтё (1725–1794), подражавшие технике Харунобу, работавшие в одном направлении (бутай оги), создали в 1770 году жанр, вскоре ставший очень популярным, - портреты актеров (нигао-э ). Новые изменения были внесены позже Китагава Утамаро (1753–1806): он, отказавшись от классического портрета во весь рост, придавал исключительное значение изображению лица. Его открытие тотчас же заимствовал Тёсусай Сяраку (работал в 1794–1795 гг.) и использовал его для изображения мужчин - актеров театра. Хотя искусство граверов-портретистов и достигло тогда своего апогея, постепенно оно стало исчезать. Что касается укиё-э, то самому жанру в целом было суждено испытать новый взлет. Мода на него опять распространилась, в значительной степени этому способствовали романы. Их полагалось иллюстрировать, так что возникает интерес к поиску новых сюжетов. Любые явления могли стать сюжетом для гравюры, так что и в Японии, несомненно, могли бы согласиться с мыслью Себастьяна Мерсье. Он в то же самое время отметил с досадой в своих «Парижских картинах»: «…в наши дни наблюдается смешное злоупотребление гравюрой» (цит. по: Адемар Ж. Оригинальная гравюра XVIII века) . Однако среди этой столь быстро оказавшейся банальной продукции появляются два светлых пятна: пейзажи Кацусика Хокусая (1760–1849) и Андо Хиросигэ (1797–1858). К заслугам Хокусая следует отнести то, что он сумел освободить гравюру от изображения узких улочек города и его обитателей, открыв гораздо более широкие горизонты. Вдохновение к нему пришло (что любопытно) в 1798 году при виде пейзажа, выгравированного на меди голландским художником. «Тридцать шесть видов горы Фудзи», а затем «Пятьдесят три станции Токайдо» (1833) Хиросигэ представляют собой вершину японской гравюры. Смелость и нервозность линий, взвешенное неистовство цветов, всегда согласованных с пестрыми контрастами природы, воспевали тысячи видов моря и туманов, мягкость сельской местности и геометрическую правильность красоты горы Фудзи. Этот стиль, вскоре доведенный до совершенства, задохнулся и утратил остроту так же быстро, как и расцвел. С середины XIX века слишком большие тиражи с одной доски, всеобщее снижение вкуса и качества сделали гравюру простой «олеографией». Парадоксально, но именно эти посредственные и манерные произведения, случайно попавшие на Запад, оказали огромное влияние на импрессионизм и все современное искусство.
История гравюры на меди, которая прославила талант Хокусая, более древняя. Гравюры на меди нечасто использовались в эпоху Нара для потребностей буддийской веры, а затем и вовсе исчезли до XVI века. Христианские миссионеры, которые в этот период проповедовали в Японии евангельское учение, привезли с собой относительно большое количество досок на благочестивые сюжеты, как это делали буддийские проповедники в VIII столетии. В 1590 году из Европы был доставлен пресс, что позволило миссионерам Кюсю печатать с досок и обучать технике гравюры. Гравюра в западном стиле была унесена той же бурей, что обрушилась на христианство, и внимание к ней было привлечено вновь только к концу эпохи Эдо, в период, когда снова стал проявляться интерес к «голландским» наукам. Сиба Кокан (1738–1818) изучил у голландцев технику аквафорте, которую он успешно применял. Новое течение зародилось именно тогда, и с тех пор мода потребовала, чтобы офортами украшались обложки книг, переведенных с других языков; стиль этих гравюр (справедливое возвращение) во многом вдохновлялся творчеством Хокусая.
Таким образом, гравюра, популярный жанр, первоначально тяготевший к анекдотам, представляла собой один из последних взлетов (пусть он и оказался коротким) японского искусства, до того как оно стало резко противопоставляться западным произведениям, посланцам другой ментальности, использующим другие методы и другие материалы.
Гравюра составляет только незначительную форму выражения и, отрезанная от своих дальневосточных корней, становится непонятной. Качество ее основывается прежде всего на качестве линии, гравюра не допускает неловкости и ошибки. Эта особенность оказывается совершенно исключительной для всего искусства стран, пользующихся иероглифами: кисть искусно обмакивается в тушь и, в соответствии с тем, какого эффекта желает достичь художник, движется ритмично, мягко и мощно, но она не может ни остановиться, ни возвратиться назад. Если только творчество не полностью отдается на волю случая, художник или каллиграф должен очень точно мысленно представлять цель, к которой он стремится, и обладать достаточной практической сноровкой, чтобы его рука повиновалась приказаниям духа. Успех был возможен только благодаря постоянному обучению с детства, продолжительному опыту, приобретенному в течение длительного времени, и тому, что человек бескорыстно, не мечтая о славе, воспроизводил бесчисленные примеры - те, что представлены в тетрадях, предназначенных для обучения по образцам, созданным художниками или просто найденным в самой природе и окружающем мире.
История художественной жизни Японии отмечена непрерывными поисками и чередой удивительных открытий. На разных этапах исторического развития японского искусства зарождались, развивались, достигали совершенства разнообразные жанры, отражающие долгий путь познания законов окружающего мира, соразмерности человеческого бытия и природы. Мир художественно-декоративной деятельности японской нации чрезвычайно многообразен и отмечен особой эстетикой, сочетающей простоту замыслов с поэтическим восприятием законов мироздания, стремлением жить в гармонии с вечной и одновременно непрерывно изменяющейся природой.
Восхищение красотой окружающей жизни и природы, умение восторгаться каждым ее мгновением определило особенности национального характера японцев и получило свое выражение в разнообразных видах японского искусства. Художественное освоение реальности явилось главной эстетической тенденцией, определившей развитие искусства Японии в целом, в особенности развитие жанровой живописи. Одно из наиболее уникальных явлений в истории развития японского искусства - это гравюра на дереве, получившая в японском искусстве имя укие-э.
Приемы печати с деревянных досок японцы позаимствовали у китайцев еще в XII веке и применяли их, первоначально используя черную тушь, при изготовлении черно-белых оттисков буддийских текстов. Технология производства японской гравюры представляла коллективный творческий процесс, в котором принимал участие художник, создающий базовый эскиз будущего изображения на матовой волокнистой бумаге, резчик, переносивший созданное изображение на деревянную доску продольного распила и печатник, осуществляющий печать рисунка вручную.
Причем, резчики очень часто специализировались в какой-то определенной области художественных образов: людей, животных или природы, добиваясь особой виртуозности и тонкости линий. А печатник, следуя указаниям художника, подбирал нужные оттенки, определял интенсивность цвета, четко воплощая художественный замысел мастера.
Как самостоятельный жанр изобразительного искусства японская гравюра формируется в XVII веке, когда начинает меняться социально-экономическая жизнь общества. В этот исторический период в Японии формируется новая городская среда, появляются социальные классы мелких ремесленников, торговцев, принимающих активное участие в экономической и социальной жизни страны. Явления декоративно-прикладного искусства перестают быть только привилегией аристократических кругов японского общества, а становятся достоянием широких слоев городского населения. Именно в недрах городской культуры зародился жанр укие-э, в котором впервые в истории развития японского искусства отразилась реальная действительность, явившись нескончаемым источником художественных образов.
Творчество Хисикава Моронобу
Жанровая живопись, а именно японская гравюра, возникшая на соприкосновении искусства и ремесла, прошла динамичный путь развития, запечатлевая в художественных образах картины обыденной жизни общества. Слово укие-э в переводе с японского означает «картины проплывающего мимо мира». Постепенно в этом жанре воедино слились традиции и приемы изобразительного искусства Китая с исключительно японским взглядом на окружающий мир.
Первые гравюры, завоевавшие огромную популярность у городского населения, выполнялись в черно-белом варианте, были безыскусны по композиции, цветовой гамме и доступны по цене широкому кругу городского населения. Развиваясь как особое жанровое направление японского искусства, укие-э способствовало появлению выдающихся художников, каждый из которых работал в собственной манере.
Первым мастером авторской гравюры, считающимся ее основоположником, был художник Хисикава Моронобу, начавший свою творческую жизнь с книжной графики. Он первый начал оставлять свое имя на созданных гравюрах, и именно его работы определили стиль ранней японской гравюры. Выбирая простые и доходчивые сюжеты, художник с каллиграфической точностью линий и лаконичностью выразительных средств рисовал жанровые сценки из обыденной жизни японского города и его обитателей.
С именем Хисикава Моронбу связано и становление направления, воспевающего женскую красоту. Эти работы сконцентрированы в альбоме мастера «Сто изображений женщин этого бренного мира» и являются своеобразным гимном культу женской красоты.
Творчество Судзуки Харунобу
К середине XVIII века в Японии появилась цветная гравюра и первым мастером, творившим в жанре многоцветной гравюры, был Судзуки Харунобу. Первоначально некоторые гравюрные работы для внесения разнообразной колористической гаммы начали окрашиваться вручную с помощью кисти, затем появляется новая техника двухцветной печати, при которой использовались два цвета: зеленый и розовый.
Используя новые технические приемы полихромной ксилографии, Судзуки Харунобу привнес в гравюру разнообразные оттенки красок, расширил жанровую тематику, наполнил художественный мир японской гравюры широчайшим спектром человеческих чувств и переживаний. За яркость красок, точность оттенков и тонов гравюры Судзуки Харунобу получили имя «парчовые картинки».
На каждом этапе своего исторического развития японская гравюра приобретала все новые черты в освоении окружающего мира. Появление и становление пейзажа как самостоятельной жанровой разновидности в японской гравюре связано с проникновением европейских методов создания линейной перспективы, использования игры света и тени. Слияние европейской техники живописи с японским мироощущением способствовало появлению новой концепции пейзажного рисунка.
Творчество Кацусика Хокусаи
Истинным мастером видовых пейзажных гравюр был Кацусика Хокусаи, оставивший огромное наследие в виде более тридцати тысяч гравюр и рисунков, среди которых одна из самых знаменитых серий «36 видов Фудзи» явилась наивысшей точкой творческого мастерства художника. Вся серия, состоящая из 46 листов, посвящена национальному священному символу японцев – горе Фудзи, ее величию и значимости в жизни японского общества.
В пейзажных сериях Кацусика Хокусаи философски осмысленная природа является полноправным, самостоятельным участником сюжета. Запечатлевая в своих работах хорошо знакомые картины природы, художник использует мотив Фудзи, как неизменный символ красоты, величия и неизменности окружающего мира.
В период открытия европейцами культурного пространства страны Восходящего солнца японская гравюра вместе с другими формами декоративно-прикладного искусства заняла достойное место на мировых выставках искусства, проходивших в Европе в конце ХIХ века, а затем и в собраниях коллекционеров с мировым именем.
Кацусика Хокусай. Мост Тэммабати в провинции Сэттсу. Из серии «Выдающиеся виды прославленных мостов провинций», между 1824 и 1834
Техника гравюры на дереве известна в Японии с древнейших времен. Она пришла из Китая через Корею вместе с буддизмом в ранний период японской истории. Но своего художественного расцвета ксилография достигла в XVIII-XIX столетиях. Гравюры в стиле укиё-э - основной вид ксилографии в Японии. Основоположником укиё-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу.
Изначально гравюры были чёрно-белыми - использовалась лишь тушь, с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»). Известными художниками этого периода были Утамаро, Хокусай, Хиросигэ и Тосюсай Сяраку. Изучая европейское искусство, японские художники переняли технику изображения перспективы на рисунке, также в гравюре развились пейзаж и другие жанры. Хокусай на своих гравюрах изображал в основном пейзажи и природу. В 1831 году был издан его знаменитый сборник «Тридцать шесть видов Фудзи (Хокусай)». Почти каждый из отпечатков отличается высоким художественным качеством и профессиональным мастерством, благодаря чему японская гравюра стала значительным явлением не только национальной, но и мировой художественной культуры. Гравюры укиё-э были доступны по цене из-за возможности их массового производства. Они предназначались в основном для городских жителей, которые не могли позволить себе потратить деньги на картины.
Японский художник, известный под ником Segawa 37 , осовременил старинные гравюры, анимировав классические японские ксилографии при помощи программных пакетов Adobe Photoshop и After Effects. Статические изображения превратились в анимированные GIF, также в них привнесены элементы фантастики и современных технологий - сегвей, скоростной поезд или инопланетный космический корабль. Анимированные изображения художника участвуют в конкурсе the GIFs - Award of GIF creator 2015 , проводимом при поддержке компании Adobe.
Гравюра из серии «53 станции Токайдо» Утагавы Хиросигэ, написанная им после путешествия в 1832 году по дороге Токайдо между Эдо и Киото.
Токайдо была одной из пяти дорог, соединявших Эдо с другими частями Японии. Токайдо пролегала вдоль восточного берега Хонсю, из-за чего и получила своё название «Восточный приморский тракт». Вдоль неё были расположены 53 почтовые станции, где путникам предлагался ночлег, еда и конюшни. В 1832 году Хиросигэ преодолел Токайдо в составе официальной делегации, перевозившей лошадей для императорского двора. Лошади были символическим подарком от сёгуна, ежегодно преподносимым императору как признание его божественного статуса.
Пейзажи на протяжении путешествия произвели такое сильное впечатление на художника, что он сделал множество эскизов, как во время дороги из Эдо в Киото, так и на обратном пути. По возвращении домой он немедленно принялся за работу над первыми гравюрами. Первые работы из серии «53 станции Токайдо» печатались одновременно издательствами Хоэйдо и Сэнкакудо. Гравюры продавались по цене 12-16 медных монет за штуку, что соответствовало паре соломенных сандалий или тарелке супа. Колоссальный успех этой серии сделал Хиросигэ одним из самых значительных и признанных мастеров гравюры периода Токугавы Иэясу.
На анимации по дороге проезжает путешественник на сегвее.
Тема города Эдо (Токио) была одной из самых любимых художником, родившемся в нём. Всего на протяжении своей жизни он создал порядка 1080 листов, где бы фигурировала эта столица. В данной серии он осветил не только красоту Эдо, но включил также отсылки на историю, обычаи и легенды. Темой изображения гравюр послужили не самые известные места города, а те, которые заинтересовали мастера своей живописностью.
В жанре укиё-э обычно не принято изображать тени, но на данной гравюре они смело и в изобилии нарисованы художником, что ещё более подчёркнуто в анимации.
Моритадза - один из трёх больших театров кабуки в Эдо.
За годы своего творчества Утагава Кунисада создал от 20 до 25 тысяч «сюжетов». Наибольшее внимание Утагава уделял изображениям, связанным с театром кабуки и играющим актёрам. На долю этого жанра приходится около 60% работ Кунисады.
«Большая волна в Канагаве» является самым известным произведением Кацусики Хокусая. Копии гравюры висят в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, Британском музее в Лондоне, и ещё одна в доме Клода Моне в Живерни, Франция. На гравюре изображена огромная волна, нависшая над лодкой близ префектуры Канагава. Гора Фудзи виднеется вдалеке и является фоном к основному действию на картине.
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
№ 11. Снежное утро на реке Коисикава
Здесь изображена небольшая река, в которой много мелких камней. Поэтому местность у этой реки так и стали называть, Коисикава («коиси» - маленький камень, «кава» - река). Бывшая река Коисикава - это общий участок от моста Суйдохаси, до района горы Хакусан, как говорится в «Собрании изображений достопримечательностей Эдо», при переходе через обширную местность, от района Отова, возвышенность Сэкигути, доходит до станции Дзосигая. Хокусай изображает редкий для Эдо снегопад. В левом углу гравюры он помешает ресторанчик «рётэй», с которого открывается вид на Фудзи. Вероятно, посетители пьют «юкимисю» (сакэ для любования снегом) и любуются видом Фудзи. Возможно, это момент «юкими» (любования снегом).
На анимации посетитель ресторана сбивает лазерным лучом МиГ-29, который при падении в реку вызывает Большую волну в Канагаве .
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
«Река Тама в Бусю», или «Река Тамагава», является одной из так называемых «Шести рек Тамагава» и издавна была излюбленным мотивом изображения художников укиё-э. На переднем плане зритель видит человека с навьюченной лошадью, одиноко бредущего по берегу. Рыбачья лодка, пробивающаяся в волнах перпендикулярно диагонали берега, усиливает впечатление уходящего вдаль пространства. Колористическое решение листа способствует ощущению целостности и завершенности композиции. Три главных цветовых акцента - дерево, Фудзи и темно-синяя полоса раската у верхнего края гравюры - усиливают впечатление гармонии и уравновешенности в системе мироздания.
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
На станции Эдзири по тракту Токайдо, недалеко от порта Аомидзуко, в районе дороги, ведущей к этому порту, находилось знаменитое озеро Убакэикэ. Вероятно, это оно белеет в правой части гравюры. За изгибом дороги виднеется маленькая часовня. По существующему преданию здесь обитает «женский злой дух», привидение. Говорят, что если путешественник позовёт «Ня-ня!», то со дна озера поднимется пена. Но Хокусая больше всего интересовало состояние, настроение природы, и лист, в этом плане, является наиболее интересным. Художник изображает порыв ветра, пригнувший дерево, запутавший одежды путников, идущих по извилистой дороге. Белые листы бумаги, выхваченные из рук порывом ветра, взвились в небо, подобно стае птиц. Кажется, все вокруг вовлечено в этот круговорот. Только четкий контур Фудзи, прочерченный точной линией, остается неподвижным и еще больше подчеркивает динамичное движение переднего плана.
Художник более всего известен благодаря своим гравюрам о пригородах Токио, где изображено становление новой Японии эпохи Мэйдзи. Его называют последним мастером традиционной живописи укиё-э. Ряд его работ посвящён японо-китайской войне 1894-1895 годов и русско-японской войне 1904-1905 годов.
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
В небо поднимаются два воздушных змея с письмами пожелания счастья «котобуки», они поднялись даже выше Фудзи. Мы видим ее между двумя крышами зданий, как бы фланкируюших Фудзи. На высокой большой крыше справа три кровельщика выполняют свою опасную работу. Взгляд притягивают вывески на магазине тканей справа и на магазине ниток слева, они гласят: «Оплата наличными. Иена без запроса». Хокусай изображает известные магазины, принадлежащие Котакоси, одному из представителей семейства Мицуи. Эти магазины были открыты в 1673 году и были особенно популярны в период Токугава. Если верить надписям на гравюре, то благодаря методам торговли, которые он ввел: «наличные деньги, распродажа, фиксированные иены», сеть его магазинов процветала. Он первым позволил самураям оплату наличными (гэнкин-какэнаси), до этого существовала система кредитования, а значит и иены выставлялись «с запросом». Изображение магазина Мицуи было популярной темой среди художников укиё-э.
Гравюра из серии «Тридцать шесть видов Фудзи» Кацусики Хокусая.
№ 7. Садзаэ-до, один из 500 храмов Раккандзи.
Это самый большой из пяти храмов в Эдо, который был построен к югу от реки Татэгава. Садзаэ-до был возведен в 1741 году и был знаменит отдельно построенной лестницей, ведущей на вершину трехъярусной пагоды. На гравюре изображены мужчина и женщина справа, которые, закончив паломничество по святым местам, в изнеможении опустились прямо на пол галереи. В противоположность им, слева изображен бритоголовый буддийский монах с «фуросики» за плечами. Он, энергично показывает пальцем на Фудзи. Гравюра отличается богато разработанной колористической гаммой. Мастерское использование полутонов черного и синего цвета, образуемых с помощью приема «итабокаси» – раската для передачи светотени, делает лист незабываемо ярким по колориту.
На анимации буддийский монах показывает пальцем на НЛО, похищающее Фудзи.
В публикации использованы статьи русской, английской и японской Википедии; тексты из книги: Мировое искусство. Кацусика Хокусай. Серии гравюр «36 видов Фудзи» и «100 видов Фудзи». - СПб., 2006.
