Impressionismen är en rörelse inom måleriet som har sitt ursprung i Frankrike på 1860-talet och till stor del bestämde konstens utveckling på 1800-talet. Mästarna registrerade sina flyktiga intryck och försökte fånga den verkliga världen i dess rörlighet och variation på det mest naturliga och opartiska sätt. De centrala gestalterna i denna rörelse var Cézanne, Degas, Manet, Pizarro, Renoir och Sealey, och var och en av dems bidrag till dess utveckling var unikt. Impressionisterna motsatte sig klassicismens, romantikens och akademismens konventioner, bekräftade skönheten i den vardagliga verkligheten, enkla, demokratiska motiv, uppnådde bildens levande autenticitet och försökte fånga "intrycket" av vad ögat ser i ett visst ögonblick. Det mest typiska temat för impressionisterna är landskap, men de berörde också många andra teman i sitt arbete. Degas, till exempel, avbildade hästkapplöpningar, ballerinor och tvätterskor, och Renoir avbildade charmiga kvinnor och barn. I impressionistiska landskap skapade utomhus förvandlas ett enkelt, vardagligt motiv ofta av genomträngande rörligt ljus, vilket ger en känsla av festlighet till bilden. I vissa tekniker för impressionistisk konstruktion av komposition och rymd märks inflytandet av japansk gravyr och delvis fotografi. Impressionisterna var de första som skapade en mångfacetterad bild av vardagen i en modern stad, och fångade originaliteten i dess landskap och utseendet på människorna som bor i den, deras liv, arbete och underhållning.
Monet Claude Oscar En av impressionismens grundare, i sina målningar, försökte konstnären Monet från andra hälften av 1860-talet att genom utomhusmålning förmedla variationen i ljus-luftsmiljön, världens färgrika rikedom, samtidigt som friskheten i den första bibehölls. visuella intryck av naturen. Från namnet på Monets landskap "Impression. Rising Sun” (”Impression. Soleil levant”; 1872, Marmottan Museum, Paris) var impressionismens namn. I sina landskapskompositioner ("Kapuchinernas boulevard i Paris", 1873, "Stenar vid Étretat", 1886, båda i Pushkin-museet, Moskva; "Valmofält", 1880-talet, State Hermitage Museum, St. Petersburg) återskapade Monet vibrationen av ljus och luft med hjälp av små separata slag av ren färg och ytterligare toner av huvudspektrumet, räknar med deras optiska kombination i processen för visuell uppfattning. I ett försök att fånga naturens olika övergångstillstånd vid olika tider på dygnet och i olika väder, skapade Monet på 1890-talet en serie målningar-variationer på ett tomtmotiv (serie av målningar "Rouen Cathedrals", State Museum of Fine Konst uppkallad efter A. S. Pushkin, Moskva och andra möten). Den sena perioden av Monets arbete kännetecknades av dekorativism, en ökande upplösning av föremålsformer i sofistikerade kombinationer av färgfläckar.
Degas Edgar Från och med historiska målningar och porträtt som var strikta i kompositionen ("The Bellelli Family", cirka 1858), kom Degas på 1870-talet nära representanter för impressionismen och vände sig till att skildra modernt stadsliv - gator, kaféer, teaterföreställningar ("Place de" la Concorde", cirka 1875; "Absinthe", 1876). I många verk visar Degas människors karaktäristiska beteende och utseende, genererat av deras livs egenheter, avslöjar mekanismen för professionell gest, hållning, mänsklig rörelse, hans plastiska skönhet (“Ironers”, 1884). Bekräftelsen av den estetiska betydelsen av människors liv och deras vardagliga aktiviteter speglar den unika humanismen i Degas verk. Degas konst kännetecknas av en kombination av det vackra, ibland fantastiska, och det prosaiska: att förmedla teaterns festliga anda i många balettscener (“Star”, pastell, 1878). Konstnären, som en nykter och subtil betraktare, fångar samtidigt det tråkiga vardagsarbetet som döljs bakom det eleganta showmanshipen (“Dance Examination”, pastell, 1880). Degas verk, med sin strikt verifierade och samtidigt dynamiska, ofta asymmetriska komposition, exakta flexibla teckning, oväntade vinklar, aktiv interaktion mellan figur och rum, kombinerar den skenbara opartiskheten och slumpmässigheten i motivet och bildens arkitektur med noggrant eftertanke och beräkning. Degas sena verk kännetecknas av färgens intensitet och rikedom, som kompletteras av effekterna av artificiell belysning, förstorade, nästan platta former och trånga utrymmen, vilket ger dem en intensivt dramatisk karaktär (“Blue Dancers”, pastell). Sedan slutet av 1880-talet har Degas varit mycket inblandad i skulptur och uppnått uttrycksfullhet när det gäller att förmedla momentana rörelser ("Dancer", brons).
Renoir Pierre Auguste 1862-1864 studerade Renoir i Paris vid Ecole des Beaux-Arts, där han kom nära sina framtida kollegor inom impressionismen, Claude Monet och Alfred Sisley. Renoir arbetade i Paris, besökte Algeriet, Italien, Spanien, Holland, Storbritannien och Tyskland. Renoirs tidiga verk var influerade av Gustave Courbet och verken av den unge Edouard Manet ("Mother Anthony's Tavern", 1866). I början av 1860-1870-talen övergick Renoir till att måla i det fria, organiskt inkluderande mänskliga figurer i en föränderlig ljus-luft-miljö (“Bathing in the Seine”, 1869). Renoirs palett ljusnar, det lätta dynamiska penseldraget blir transparent och vibrerande, färgen är mättad med silverpärloreflexer ("Lodge", 1874). Renoir skildrade episoder som ryckts ur livets ström, slumpmässiga livssituationer, och gav företräde åt festliga scener i stadslivet - baler, danser, promenader, som om han försökte förkroppsliga den sensuella fullheten och glädjen i att vara (“Moulin de la Galette” 1876). En speciell plats i Renoirs verk upptas av poetiska och charmiga kvinnobilder: internt olika, men externt något lika varandra, de tycks vara märkta av tidens gemensamma stämpel ("After Dinner", 1879, "Umbrellas", 1876; porträtt av skådespelerskan Jeanne Samary, 1878). I skildringen av nakenbilder uppnår Renoir en sällsynt sofistikering av nejlikor, byggd på en kombination av varma kötttoner med glidande ljusgrönaktiga och gråblå reflektioner, vilket ger en slät och matt yta till duken ("Naked Woman Sitting on a Couch" 1876). En anmärkningsvärd kolorist, Renoir får ofta intrycket av monokrom målning med hjälp av subtila kombinationer av toner som är nära i färg (“Girls in Black”, 1883). Sedan 1880-talet har Renoir i allt högre grad dragit sig mot klassisk klarhet och generalisering av former har drag av dekorativitet och fridfull idyllism vuxit fram i hans målning (“Stora badarna”, 1884-1887). Många teckningar och etsningar ("Bathers", 1895) av Renoir kännetecknas av lakonism, lätthet och luftighet i slaget.
Manet Edouard Manets utveckling som konstnär påverkades avsevärt av verk av Giorgione, Titian, Hals, Velazquez, Goya och Delacroix. I sina verk från slutet av 1850-talet och början av 1860-talet, som utgjorde ett galleri av skarpt förmedlade mänskliga typer och karaktärer, kombinerade Manet bildens verklighetstrogna äkthet med romantiseringen av modellens utseende ("Lola från Valencia," 1862). Genom att använda och omtolka ämnen och motiv för de gamla mästarnas målningar, försökte Manet fylla dem med relevant innehåll, ibland på ett chockerande sätt för att introducera bilden av en modern person i berömda klassiska kompositioner ("Luncheon on the Grass", " Olympia” - båda 1863). På 1860-talet tog Édouard Manet upp teman i den moderna historien ("The Execution of Emperor Maximilian," 1867), men Manets genomträngande uppmärksamhet på moderniteten manifesterades främst i scener som tycktes vara ryckta från det vardagliga flödet av livet, fulla av lyrisk andlighet och inre betydelse ("Frukost i studion", "Balkong" - båda 1868), såväl som i porträtt som liknar dem i konstnärlig miljö (porträtt av Emile Zola, 1868, porträtt av Berthe Morisot, 1872). Med sitt arbete förutsåg Edouard Manet uppkomsten av, och blev sedan, en av impressionismens grundare. I slutet av 1860-talet kom Manet nära Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, och gick från matta och täta toner, intensiva färger med en dominans av mörka färger till ljus och fri luftmålning (“In the Boat”, 1874, Metropolitan Museum of Art; "I fader Lathuiles krog", 1879). Många av Manets verk kännetecknas av impressionistisk bildfrihet och fragmentering av kompositionen, ett ljusmättat färgstarkt vibrerande område ("Argenteuil"). Samtidigt upprätthåller Manet tydligheten i teckningen, grå och svarta toner i färg, föredrar inte ett landskap, utan en vardaglig handling med en uttalad sociopsykologisk grund (kollisionen mellan drömmar och verklighet, lyckans illusoriska natur i en gnistrande och festlig värld - i en av Manets sista målningar "Bar at the Folies Bergere", 1881-1882). Under 1870-1880-talen arbetade Manet mycket inom porträttområdet, utvidgade denna genres möjligheter och gjorde den till ett slags studie av en samtidas inre värld (porträtt av S. Mallarmé, 1876), målade landskap och stilleben ("Bouquet of Lilacs", 1883), fungerade som ritare, etsning och litograf.
Pissarro Camille var influerad av John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet. En av impressionismens ledande mästare, Pissarro, avslöjade i många lantliga landskap poesin och charmen i Frankrikes natur, med hjälp av en mjuk målarpalett, en subtil överföring av tillståndet i ljus-luftmiljön, han gav charm av friskhet till de mest opretentiösa motiven ("Ploged Land", 1874; "Kollkärra", 1879). Därefter vände sig Pissarro ofta till stadslandskapet ("Boulevard Montmartre", 1897; "Operapassagen i Paris", 1898). Under andra hälften av 1880-talet använde Pissarro ibland nyimpressionismens målarteknik. Pissarro spelade en av huvudrollerna i att organisera utställningar av impressionisterna. I sina verk lyckades Camille Pissarro undvika den extrema manifestationen av plein air, när materiella föremål tycks lösas upp i ljus-luftens flimmer ("Snow in Louveciennes"; "Street in Louveciennes", 1873). Många av hans verk kännetecknas av ett intresse för den karakteristiska uttrycksfullheten, till och med porträtt, som är inneboende i stadslandskapet (“View of Rouen”, 1898)
Sisley Alfred influerad av Camille Corot. En av impressionismens ledande mästare, Sisley målade opretentiösa landskap i utkanten av Paris, präglade av subtil lyrik och upprätthållen i en fräsch och återhållsam ljuspalett. Sisleys landskap, som förmedlar den autentiska atmosfären i Ile-de-France, behåller den speciella transparensen och mjukheten hos naturfenomen under alla årstider ("Little Square in Argenteuil", 1872, "Flood in Marly", 1876; "Frost in Louveciennes", 1873, "Skogens kant vid Fontainebleau", 1885).
De förtrollande naturbilderna av konstnären Alfred Sisley med en lätt känsla av sorg fascinerar med deras fantastiska förmedling av stämningen vid ett givet ögonblick (“The Bank of the Seine at Bougival”, 1876). Sedan mitten av 1880-talet har drag av färgstark dekorativism vuxit fram i Sisleys verk.
Slutsats: Impressionismens mästare registrerade sina flyktiga intryck och försökte fånga den verkliga världen i dess rörlighet och variation på det mest naturliga och opartiska sätt. E. Manet (formellt inte en del av den impressionistiska gruppen), O. Renoir, E. Degas förde in friskhet och spontanitet i uppfattningen av livet till konsten, övergick till skildringen av ögonblickliga situationer som ryckts från verklighetens flöde, människans andliga liv , skildringen av starka passioner, naturens spiritualisering, intresse
till det nationella förflutna kombineras begäret efter syntetiska former av konst med motiv av världssorg, en önskan att utforska och återskapa "skuggan", "nattsidan" av den mänskliga själen, med den berömda "romantiska ironin", som tillät romantikerna att djärvt jämföra och likställa det höga och låga, tragiska och komiska, verkliga och fantastiska. de använde fragmentariska verkligheter i situationer, använde fragmentariska, vid första anblicken obalanserade kompositionsstrukturer, oväntade vinklar, synpunkter, tvärsnitt av figurer. Under 1870–1880-talen bildades den franska impressionismens landskap: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley utvecklade ett konsekvent system av plein air, skapade i sina målningar en känsla av glittrande solljus, rikedomen i naturens färger , upplösningen av former i vibrationen av ljus och luft.
Allt har sitt ursprung någonstans i det förflutna, inklusive målningar, som har förändrats med tiden, och nuvarande trender är inte tydliga för alla. Men allt nytt är välglömt gammalt, och för att förstå modern måleri behöver du inte känna till konstens historia från antiken, du behöver bara komma ihåg målningen från 1800- och 1900-talen.
Mitten av 1800-talet var en tid av förändring inte bara i historien, utan även i konsten. Allt som kom innan: klassicism, romantik och speciellt akademisism - rörelser begränsade till vissa gränser. I Frankrike på 50-60-talet sattes trender inom målning av den officiella salongen, men typisk "Salon"-konst passade inte alla, detta förklarade de nya riktningarna som dök upp. Det skedde en revolutionerande explosion i dåtidens måleri, som bröt mot månghundraåriga traditioner och grundvalar. Och ett av epicentren var Paris, där unga målare, bland vilka Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir och Cézanne, våren 1874 organiserade sin egen utställning. Verken som presenterades där var helt annorlunda än de i salongen. Konstnärerna använde en annan metod - reflexer, skuggor och ljus förmedlades med rena färger, individuella drag, formen på varje föremål verkade lösas upp i en luft-ljus miljö. Ingen annan riktning inom måleriet kände till sådana metoder. Dessa effekter hjälpte mig att uttrycka mina intryck av ständigt föränderliga saker, natur och människor så mycket som möjligt. En journalist kallade gruppen "impressionister" och ville därmed visa sitt förakt för unga konstnärer. Men de accepterade denna term, och den slog så småningom rot och kom i aktiv användning och förlorade sin negativa betydelse. Så såg impressionismen ut, till skillnad från alla andra trender inom 1800-talets måleri.
Till en början var reaktionen på innovationen mer än fientlig. Ingen ville köpa för djärva och nya målningar, och de var rädda, eftersom alla kritiker inte tog impressionisterna på allvar och skrattade åt dem. Många sa att de impressionistiska konstnärerna ville uppnå snabb berömmelse, de var missnöjda med den skarpa brytningen med konservatism och akademiskism, såväl som det ofullbordade och "slarviga" utseendet på verket. Men inte ens hunger och fattigdom kunde tvinga konstnärerna att överge sin tro, och de höll på tills deras målningar slutligen blev erkända. Men det tog för lång tid att vänta på erkännande, några impressionistiska konstnärer levde inte längre vid den tiden.
Som ett resultat av detta fick den rörelse som uppstod i Paris på 60-talet stor betydelse för världskonstens utveckling under 1800- och 1900-talen. Framtida riktningar inom måleriet baserades ju just på impressionism. Varje efterföljande stil dök upp på jakt efter en ny. Postimpressionismen föddes av samma impressionister som bestämde att deras metod var begränsad: djup och polysemantisk symbolism var ett svar på måleriet som hade "förlorat sin mening", och modernismen, även med sitt namn, kräver något nytt. Naturligtvis har många förändringar skett i konsten sedan 1874, men alla moderna trender inom måleriet bygger på ett eller annat sätt på det flyktiga parisiska intrycket.
Impressionismen är en riktning i måleriet som har sitt ursprung i Frankrike på 1800- och 1900-talen, vilket är ett konstnärligt försök att fånga ett ögonblick av livet i all dess föränderlighet och rörlighet. Impressionistiska målningar är som ett vältvättat fotografi, som i fantasin återupplivar fortsättningen på berättelsen. I den här artikeln kommer vi att titta på de 10 mest kända impressionisterna i världen. Lyckligtvis finns det många fler än tio, tjugo eller till och med hundra begåvade artister, så låt oss fokusera på de namnen som du definitivt behöver känna till.
För att inte förolämpa vare sig konstnärerna eller deras beundrare ges listan i rysk alfabetisk ordning.
1. Alfred Sisley
Denna franska målare av engelskt ursprung anses vara den mest kända landskapsmålaren under andra hälften av 1800-talet. Hans samling innehåller mer än 900 målningar, varav de mest kända är "Rural Alley", "Frost in Louveciennes", "Bridge in Argenteuil", "Early Snow in Louveciennes", "Lawns in Spring" och många andra.
2. Van Gogh
Känd över hela världen för den sorgliga historien om hans öra (förresten, han skar inte av hela örat, utan bara loben), blev Van Gon populär först efter hans död. Och under sitt liv kunde han sälja en enda målning, fyra månader före sin död. De säger att han var både entreprenör och präst, men ofta hamnade på psykiatriska sjukhus på grund av depression, så allt uppror i hans existens resulterade i legendariska verk.
3. Camille Pissarro
Pissarro föddes på ön St Thomas, i en familj av borgerliga judar, och var en av få impressionister vars föräldrar uppmuntrade hans passion och snart skickade honom till Paris för att studera. Mest av allt gillade konstnären naturen, han avbildade den i alla färger, och för att vara mer exakt hade Pissarro en speciell talang för att välja färgernas mjukhet, kompatibilitet, varefter luft tycktes dyka upp i målningarna.
4. Claude Monet
Sedan barndomen bestämde pojken att han skulle bli konstnär, trots familjeförbud. Efter att ha flyttat till Paris på egen hand kastade Claude Monet sig in i den gråa vardagen i ett hårt liv: två års tjänst i de väpnade styrkorna i Algeriet, rättstvister med borgenärer på grund av fattigdom och sjukdom. Men man får en känsla av att svårigheterna inte deprimerade, utan tvärtom inspirerade konstnären att skapa så levande målningar som "Impression, Sunrise", "Houses of Parliament in London", "Bridge to Europe", "Autumn". i Argenteuil", "On the Shore" Trouville" och många andra.
5. Konstantin Korovin
Det är trevligt att veta att vi bland fransmännen, impressionismens föräldrar, stolt kan placera vår landsman, Konstantin Korovin. En passionerad kärlek till naturen hjälpte honom intuitivt att ge en statisk bild ofattbar livlighet, tack vare kombinationen av lämpliga färger, linjernas bredd och valet av tema. Det är omöjligt att passera hans målningar "Pier in Gurzuf", "Fisk, vin och frukt", "Höstlandskap", "Månskensnatt". Winter" och en serie av hans verk tillägnad Paris.
6. Paul Gauguin
Fram till 26 års ålder tänkte Paul Gauguin inte ens på att måla. Han var företagare och hade en stor familj. Men när jag först såg målningarna av Camille Pissarro bestämde jag mig för att jag definitivt skulle börja måla. Med tiden förändrades konstnärens stil, men de mest kända impressionistiska målningarna är "Garden in the Snow", "At the Cliff", "On the Beach in Dieppe", "Nude", "Palm Trees in Martinique" och andra.
7. Paul Cezanne
Cezanne, till skillnad från de flesta av sina kollegor, blev känd under sin livstid. Han lyckades organisera sin egen utställning och tjäna stora inkomster på den. Människor visste mycket om hans målningar - han, som ingen annan, lärde sig att kombinera ljus- och skuggaspel, lade stor vikt vid regelbundna och oregelbundna geometriska former, svårighetsgraden av teman i hans målningar var i harmoni med romantik.
8. Pierre Auguste Renoir
Fram till 20 års ålder arbetade Renoir som fandekoratör åt sin äldre bror, och flyttade först därefter till Paris, där han träffade Monet, Basil och Sisley. Denna bekantskap hjälpte honom i framtiden att ta impressionismens väg och bli berömd på den. Renoir är känd som författare till sentimentala porträtt, bland hans mest framstående verk är "On the Terrace", "A Walk", "Portrait of the Actress Jeanne Samary", "The Lodge", "Alfred Sisley and His Wife", " På gungan”, “Splash Pool” och många andra.
9. Edgar Degas
Om du inte har hört något om "Blue Dancers", "Ballet Rehearsal", "Ballet School" och "Absinthe", skynda dig och ta reda på Edgar Degas arbete. Urvalet av originalfärger, unika teman för målningar, känslan av rörelse i bilden - allt detta och mycket mer gjorde Degas till en av de mest kända konstnärerna i världen.
10. Edouard Manet
Blanda inte ihop Manet med Monet - det här är två olika personer som arbetade samtidigt och i samma konstnärliga riktning. Manet var alltid attraherad av scener i vardagen, ovanliga utseenden och typer, som om oavsiktligt "fångade" ögonblick, som sedan fångats i århundraden. Bland Manets berömda målningar: "Olympia", "Luncheon on the Grass", "Bar at the Folies Bergere", "The Flutist", "Nana" och andra.
Om du har ens den minsta möjlighet att se målningarna av dessa mästare live, kommer du för alltid att bli kär i impressionismen!
Alexandra Skripkina,
Detaljer Kategori: Olika stilar och rörelser inom konsten och deras egenskaper Publicerad 2015-04-01 14:11 Visningar: 11081Impressionism är en konströrelse som växte fram under andra hälften av 1800-talet. Hans främsta mål var att förmedla flyktiga, föränderliga intryck.
Framväxten av impressionismen är förknippad med vetenskap: med de senaste upptäckterna inom optik och färglära.
Denna trend påverkade nästan alla typer av konst, men den manifesterades tydligast i måleriet, där överföringen av färg och ljus var grunden för impressionistiska konstnärers arbete.
Betydelsen av termen
Impressionism(franska Impressionnisme) från intryck - intryck). Denna målarstil dök upp i Frankrike i slutet av 1860-talet. Han representerades av Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Men själva termen dök upp 1874, när Monets målning "Impression. Den uppgående solen" (1872). I målningens titel menade Monet att han bara förmedlade sitt flyktiga intryck av landskapet.
K. Monet ”Intryck. Soluppgång" (1872). Marmottan-Monet-museet, Paris
Senare började termen "impressionism" i måleriet förstås bredare: en noggrann studie av naturen i termer av färg och ljus. Impressionisternas mål var att skildra momentana, till synes "slumpmässiga" situationer och rörelser. För att göra detta använde de olika tekniker: komplexa vinklar, asymmetri, fragmenterade kompositioner. För impressionistiska konstnärer blir en målning ett fruset ögonblick av en ständigt föränderlig värld.
De mest populära genrerna av impressionister är landskap och scener från stadslivet. De målades alltid ”i det fria”, d.v.s. direkt från naturen, i naturen, utan skisser eller preliminära skisser. Impressionisterna lade märke till och kunde förmedla färger och nyanser på duk som vanligtvis var osynliga för blotta ögat och ouppmärksam betraktare. Till exempel att återge blått i skuggorna eller rosa vid solnedgången. De sönderdelade komplexa toner till sina beståndsdelar rena färger i spektrumet. Detta fick deras målningar att framstå som ljusa och levande. Impressionistiska konstnärer applicerade färger i separata drag, på ett fritt och till och med slarvigt sätt, så deras målningar ses bäst på avstånd - det är med denna syn som effekten av levande färgflimmer skapas.
Impressionisterna övergav konturen och ersatte den med små, separata och kontrasterande drag.
C. Pissarro, A. Sisley och C. Monet föredrog landskap och stadsscener. O. Renoir älskade att avbilda människor i naturens knä eller i det inre. Fransk impressionism väckte inte filosofiska och sociala problem. De vände sig inte till bibliska, litterära, mytologiska, historiska ämnen som var inneboende i den officiella akademisismen. Istället dök en bild av vardagsliv och modernitet upp på målningar; en bild av människor i rörelse, medan de kopplar av eller har roligt. Deras huvudämnen är flirt, dans, människor på kaféer och teatrar, båtturer, stränder och trädgårdar.
Impressionisterna försökte fånga ett flyktigt intryck, de minsta förändringarna i varje föremål beroende på belysning och tid på dygnet. I detta avseende kan Monets cykler av målningar "Höstacks", "Rouen Cathedral" och "Parliament of London" betraktas som den högsta prestationen.
C. Monet "Katedralen i Rouen i solen" (1894). Orsay-museet, Paris, Frankrike
"Rouen-katedralen" är en cykel av 30 målningar av Claude Monet, som representerar utsikter över katedralen beroende på tid på dygnet, år och belysning. Denna cykel målades av konstnären på 1890-talet. Katedralen tillät honom att visa förhållandet mellan byggnadens konstanta, solida struktur och det föränderliga, lättspelande ljuset som förändrar vår uppfattning. Monet koncentrerar sig på enskilda fragment av den gotiska katedralen och väljer portalen, St. Martins torn och Albans torn. Han är enbart intresserad av ljusets spel på stenen.
K. Monet ”Rouens katedral, västra portalen, dimmigt väder” (1892). Orsay-museet, Paris
K. Monet ”Rouens katedral, portal och torn, morgoneffekt; vit harmoni" (1892-1893). Orsay-museet, Paris
K. Monet "Rouens katedral, portal och torn i solen, harmoni av blått och guld" (1892-1893). Orsay-museet, Paris
Efter Frankrike uppträdde impressionistiska konstnärer i England och USA (James Whistler), i Tyskland (Max Liebermann, Lovis Corinth), i Spanien (Joaquin Sorolla), i Ryssland (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).
Claude Monet, fotografi 1899
Fransk målare, en av impressionismens grundare. Född i Paris. Han var förtjust i att teckna sedan barndomen och vid 15 års ålder visade han sig vara en begåvad karikatyrtecknare. Han introducerades till landskapsmålning av Eugene Boudin, en fransk konstnär, en föregångare till impressionismen. Senare kom Monet in på universitetet vid Konstnärliga fakulteten, men blev desillusionerad och lämnade den och skrev in sig i Charles Gleyres målarstudio. I studion träffade han konstnärerna Auguste Renoir, Alfred Sisley och Frédéric Bazille. De var praktiskt taget jämnåriga, hade liknande syn på konst och utgjorde snart ryggraden i den impressionistiska gruppen.
Monet blev känd för sitt porträtt av Camille Doncieux, målat 1866 ("Camille, eller porträtt av en dam i en grön klänning"). Camilla blev konstnärens hustru 1870.
C. Monet "Camille" ("Lady in Green") (1866). Kunsthalle, Bremen
C. Monet "Promenad: Camille Monet med sin son Jean (Kvinna med ett paraply)" (1875). National Gallery of Art, Washington
1912 diagnostiserade läkarna C. Monet med dubbel grå starr, och han var tvungen att genomgå två operationer. Efter att ha tappat linsen i sitt vänstra öga återfick Monet sin syn, men började se ultraviolett ljus som blått eller lila, vilket fick hans målningar att anta nya färger. Till exempel, när han målade de berömda "näckrosorna", såg Monet liljorna som blåaktiga i det ultravioletta området för andra människor, de var helt enkelt vita.
C. Monet "Näckrosor"
Konstnären dog den 5 december 1926 i Giverny och begravdes på den lokala kyrkogården.
C. Pissarro "Självporträtt" (1873)
Fransk målare, en av impressionismens första och mest konsekventa företrädare.
Född på ön St. Thomas (Västindien), i en borgerlig familj av en sefardisk jude och infödd i Dominikanska republiken. Han bodde i Västindien tills han var 12 år och vid 25 års ålder flyttade han och hela hans familj till Paris. Här studerade han vid School of Fine Arts och Académie de Suisse. Hans lärare var Camille Corot, Gustave Courbet och Charles-François Daubigny. Han började med lantliga landskap och utsikt över Paris. Pissarro hade ett starkt inflytande på impressionisterna och utvecklade självständigt många av de principer som låg till grund för deras målarstil. Han var vän med artisterna Degas, Cezanne och Gauguin. Pizarro var den enda deltagaren i alla 8 impressionistiska utställningar.
Han dog 1903 i Paris. Han begravdes på Père Lachaise-kyrkogården.
Redan i sina tidiga verk ägnade konstnären särskild uppmärksamhet åt skildringen av upplysta föremål i luften. Ljus och luft har sedan dess blivit det ledande temat i Pissarros verk.
C. Pissarro “Boulevard Montmartre. Eftermiddag, soligt" (1897)
1890 blev Pizarro intresserad av pointillismens teknik (separat applicering av stroke). Men efter ett tag återgick han till sitt vanliga sätt.
Under de sista åren av hans liv försämrades Camille Pissarros syn märkbart. Men han fortsatte sitt arbete och skapade en serie vyer av Paris, fyllda med konstnärliga känslor.
C. Pissarro "Street in Rouen"
Den ovanliga vinkeln på några av hans målningar förklaras av att konstnären målade dem från hotellrum. Denna serie blev en av impressionismens högsta prestationer när det gäller att förmedla ljus och atmosfäriska effekter.
Pissarro målade också i akvareller och skapade en serie etsningar och litografier.
Här är några av hans intressanta uttalanden om impressionismens konst: "Impressionisterna är på rätt väg, deras konst är hälsosam, den är baserad på sensationer och den är ärlig."
"Lycklig är den som kan se skönhet i vanliga saker, där andra inte ser något!"
C. Pissarro "The First Frost" (1873)
Den ryska impressionismen utvecklades från slutet av 1800-talet till början av 1900-talet. Den var influerad av de franska impressionisternas arbete. Men den ryska impressionismen har en uttalad nationell särart och sammanfaller på många sätt inte med läroboksidéer om klassisk fransk impressionism. I målningen av ryska impressionister råder objektivitet och materialitet. Den är mer laddad med mening och mindre dynamisk. Rysk impressionism är närmare än fransk realism. De franska impressionisterna fokuserade på intrycket av vad de såg, och ryssarna lade också till en återspegling av konstnärens inre tillstånd. Arbetet skulle slutföras på en session.
En viss ofullständighet hos den ryska impressionismen skapar den "livsspänning" som var karakteristisk för dem.
Impressionism inkluderar arbete av ryska konstnärer: A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov och andra.
Denna målning anses vara standarden för rysk impressionism i porträtt.
Valentin Serov "Flicka med persikor" (1887). Olja på duk. 91×85 cm Statliga Tretyakov Gallery
Målningen målades på Savva Ivanovich Mamontovs gods i Abramtsevo, som han förvärvade av författaren Sergei Aksakovs dotter 1870. Porträttet föreställer 12-åriga Vera Mamontova. Flickan dras sittande vid ett bord; hon är klädd i en rosa blus med en mörkblå rosett; det ligger en kniv, persikor och löv på bordet.
"Allt jag strävade efter var friskhet, den där speciella fräschören som man alltid känner i naturen och inte ser i målningar. Jag målade i mer än en månad och tröttade ihjäl henne, stackarn, jag ville verkligen bevara målningens fräschör samtidigt som jag var helt komplett, precis som de gamla mästarna” (V. Serov).
I litteraturen utvecklades inte impressionismen som en separat rörelse, men dess drag återspeglades i naturalism Och symbolism .
Edmond och Jules Goncourt. Bild
Principer naturalism kan spåras i Goncourt-brödernas och George Eliots romaner. Men Emile Zola var den första som använde termen "naturalism" för att referera till sitt eget verk. Författarna Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans och Paul Alexis grupperade sig kring Zola. Efter utgivningen av samlingen "Medan Evenings" (1880), med uppriktiga berättelser om katastroferna under det fransk-preussiska kriget (inklusive Maupassants berättelse "Dumpling"), tilldelades namnet "Medan group" till dem.
Emile Zola
Den naturalistiska principen i litteraturen har ofta kritiserats för sin brist på konstnärskap. Till exempel skrev I. S. Turgenev om en av Zolas romaner att "det grävs mycket i kammarkrukor." Gustave Flaubert var också kritisk till naturalismen.
Zola upprätthöll vänskapliga relationer med många impressionistiska konstnärer.
Symbolister använda symboler, underdrift, tips, mystik, gåta. Den huvudsakliga stämningen som fångades av symbolisterna var pessimism, som nådde gränsen till förtvivlan. Allt "naturligt" representerades endast som ett "utseende" som inte hade någon självständig konstnärlig betydelse.
Sålunda uttrycktes impressionismen i litteraturen genom författarens privata intryck, förkastandet av en objektiv bild av verkligheten och skildringen av varje ögonblick. I själva verket ledde detta till frånvaron av handling och historia, att tanken ersattes med perception och förnuftet med instinkt.
G. Courbet "Porträtt av P. Verlaine" (cirka 1866)
Ett slående exempel på poetisk impressionism är Paul Verlaines samling "Romances without Words" (1874). I Ryssland upplevde Konstantin Balmont och Innokenty Annensky påverkan av impressionismen.
V. Serov "Porträtt av K. Balmont" (1905)
Oskuld Annensky. Bild
Dessa känslor påverkade också dramaturgin. Pjäserna innehåller en passiv uppfattning om världen, analys av sinnesstämningar och mentala tillstånd. Dialogerna koncentrerar flyktiga, spridda intryck. Dessa egenskaper är karakteristiska för Arthur Schnitzlers arbete.
Musikalisk impressionism utvecklades i Frankrike under den sista fjärdedelen av 1800-talet. – tidigt 1900-tal Han uttryckte sig tydligast i verk av Erik Satie, Claude Debussy och Maurice Ravel.
Erik Satie
Musikalisk impressionism ligger nära impressionismen i franskt måleri. De har inte bara gemensamma rötter, utan också orsak-och-verkan relationer. Impressionistiska kompositörer sökte och fann inte bara analogier, utan också uttrycksfulla medel i verk av Claude Monet, Paul Cézanne, Puvis de Chavannes och Henri de Toulouse-Lautrec. Naturligtvis kan målningsmedlen och musikkonstens medel endast kopplas till varandra med hjälp av speciella, subtila associativa paralleller som bara finns i sinnet. Om du tittar på den suddiga bilden av Paris "i höstregnet" och samma ljud, "dämpad av bruset från fallande droppar", så kan vi här bara prata om egenskapen hos en konstnärlig bild, men inte en verklig bild.
Claude Debussy
Debussy skriver "Moln", "Tryck" (av vilka den mest figurativa, en ljudskiss i akvarell - "Gardens in the Rain"), "Images", "Reflections on the Water", som väcker direkta associationer till den berömda målningen av Claude Monet "Impression: Sunrise" " Enligt Mallarmé lärde impressionistiska kompositörer att "höra ljus", att i ljud förmedla vattnets rörelse, lövens vibrationer, vindens blåsning och solljusets brytning i kvällsluften.
Maurice Ravel
Direkta kopplingar mellan måleri och musik finns hos M. Ravel i hans ljudvisuella "Play of Water", pjäscykeln "Reflections" och pianosamlingen "Rustles of the Night".
Impressionisterna skapade förfinade konstverk som samtidigt var tydliga i sina uttrycksmedel, känslomässigt återhållna, konfliktfria och stränga i stilen.
O. Rodin "Kyssen"
Impressionismen i skulpturen uttrycktes i mjuka formers fria plasticitet, vilket skapar ett komplext ljusspel på materialets yta och en känsla av ofullständighet. De skulpturala karaktärernas poser fångar ögonblicket av rörelse och utveckling.
O. Rodin. Foto från 1891
Denna riktning inkluderar skulpturala verk av O. Rodin (Frankrike), Medardo Rosso (Italien), P.P. Trubetskoy (Ryssland).
V. Serov "Porträtt av Paolo Trubetskoy"
Pavel (Paolo) Trubetskoy(1866-1938) – skulptör och konstnär, verksam i Italien, USA, England, Ryssland och Frankrike. Född i Italien. Oäkta son till en rysk emigrant, prins Pjotr Petrovitj Trubetskoy.
Sedan barnsben har jag varit självständigt engagerad i skulptur och måleri. Han hade ingen utbildning. Under den första perioden av sin kreativitet skapade han porträttbyster, verk av små skulpturer och deltog i tävlingar för att skapa stora skulpturer.
P. Trubetskoy "Monument till Alexander III", St. Petersburg
Den första utställningen av verk av Paolo Trubetskoy ägde rum i USA 1886. 1899 kom skulptören till Ryssland. Deltar i en tävling för att skapa ett monument över Alexander III och får, oväntat för alla, första pris. Detta monument har orsakat och fortsätter att orsaka motstridiga bedömningar. Det är svårt att föreställa sig ett mer statiskt och tungt monument. Och endast en positiv bedömning av den kejserliga familjen tillät monumentet att ta sin lämpliga plats - i den skulpturala bilden fann de likheter med originalet.
Kritiker trodde att Trubetskoy arbetade i en anda av "föråldrad impressionism".
Trubetskoys bild av den lysande ryska författaren visade sig vara mer "impressionistisk": det finns tydligt rörelse här - i skjortans veck, det fladdrande skägget, huvudvändningen, det finns till och med en känsla av att skulptören lyckades fånga spänningen i L. Tolstojs tanke.
P. Trubetskoy "Byst av Leo Tolstoy" (brons). Statens Tretjakovgalleri
Europeisk konst från slutet av 1800-talet berikades av modernismens framväxt. Dess inflytande spred sig senare till musik och litteratur. Den kallades "impressionism" eftersom den var baserad på konstnärens subtilaste intryck, bilder och stämningar.
Flera unga konstnärer bildade en grupp under andra hälften av 1800-talet. De hade ett gemensamt mål och samma intressen. Huvudsaken för detta företag var att arbeta i naturen, utan verkstadsväggar och olika begränsande faktorer. I sina målningar sökte de förmedla all sensualitet, intrycket av ljusets och skuggans spel. Landskap och porträtt speglade själens enhet med universum, med omvärlden. Deras målningar är sann poesi av färger.
1874 hölls en utställning av denna grupp konstnärer. Landskap av Claude Monet “Impression. Sunrise" fångade kritiken, som i sin recension för första gången kallade dessa skapare impressionister (från det franska intrycket - "intryck").
Förutsättningarna för födelsen av impressionismstilen, vars representanters målningar snart skulle få otrolig framgång, var renässansens verk. Arbetet av spanjorerna Velazquez, El Greco, den engelska Turner, Constable påverkade villkorslöst fransmännen, som var impressionismens grundare.
Framstående representanter för stilen i Frankrike var Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cézanne, Monet, Renoir och andra.
Konstnärerna som målade i denna stil satte sig inte till uppgift att locka allmänhetens uppmärksamhet till problem. I deras verk kan man inte hitta ämnen om dagens ämne, man kan inte få en moralisk läxa eller lägga märke till mänskliga motsättningar.
Målningar i impressionistisk stil syftar till att förmedla en tillfällig stämning, utveckla färgscheman av mystisk karaktär. Det finns bara utrymme för en positiv början i verken, dysterhet undvek impressionisterna.
Faktum är att impressionisterna inte brydde sig om att tänka igenom handlingen och detaljerna. Den viktigaste faktorn var inte vad man skulle rita, utan hur man avbildar och förmedlar sitt humör.
Skillnaden mellan den akademiska teckningsstilen och impressionisternas teknik är kolossal. De övergav helt enkelt många metoder och ändrade några till oigenkännlighet. Här är innovationerna de introducerade:
Naturligtvis följde inte alla konstnärer de exakta dragen i den impressionistiska stilen. Edouard Manets målningar deltog till exempel aldrig i gemensamma utställningar, och han positionerade sig som en separat konstnär. Edgar Degas arbetade bara i verkstäder, men detta skadade inte kvaliteten på hans verk.
Den första utställningen med impressionistiska verk går tillbaka till 1874. 12 år senare ägde deras sista utställning rum. Det första verket i denna stil kan kallas "Lunch on the Grass" av E. Manet. Denna målning presenterades i "Salongen för de avvisade". Den möttes av fientlighet eftersom den skilde sig mycket från de akademiska kanonerna. Det är därför Manet blir en figur kring vilken en krets av anhängare av denna stilistiska rörelse samlas.
Tyvärr uppskattade samtida inte en sådan stil som impressionism. Målningar och konstnärer fanns i oenighet med officiell konst.
Efter hand kom Claude Monet i förgrunden i gruppen målare, som senare skulle bli deras ledare och impressionismens främsta ideolog.
Denna konstnärs verk kan beskrivas som en hymn till impressionismen. Det var han som var den första att överge användningen av svart i sina målningar, med hänvisning till det faktum att även skuggor och natt har olika toner.
Världen i Monets målningar är oklara konturer, rymliga drag, tittar på vilka du kan känna hela spektrumet av färgspelet dag och natt, årstider och harmonin i den sublunära världen. Bara ett ögonblick som rycktes från livets flöde, enligt Monets förståelse, är impressionism. Hans målningar verkar inte ha någon materialitet de är alla mättade med ljusstrålar och luftströmmar.
Claude Monet skapade fantastiska verk: "Gare Saint-Lazare", "Rouen Cathedral", serien "Charing Cross Bridge" och många andra.
Renoirs skapelser skapar intrycket av extraordinär lätthet, luftighet och eteriskhet. Handlingen föddes som av en slump, men det är känt att konstnären noggrant tänkt igenom alla stadier av sitt arbete och arbetat från morgon till kväll.
Ett utmärkande drag för O. Renoirs verk är användningen av glasyr, vilket bara är möjligt när målning i konstnärens verk manifesteras i varje slag. Han uppfattar en person som en partikel av naturen själv, varför det finns så många målningar med nakenbilder.
Renoirs favoritsysselsättning var att föreställa en kvinna i all sin attraktiva och attraktiva skönhet. Porträtt intar en speciell plats i konstnärens kreativa liv. "Paraplyer", "Girl with a Fan", "Broddens frukost" är bara en liten del av den fantastiska samlingen av målningar av Auguste Renoir.
Seurat förknippade processen att skapa målningar med det vetenskapliga underlaget för färgteorin. Ljus-luftmiljön ritades baserat på beroendet av huvudtonerna och extratonerna.
Trots att J. Seurat är en representant för impressionismens slutskede, och hans teknik på många sätt skiljer sig från grundarna, skapar han på samma sätt med hjälp av drag en illusorisk representation av en objektform, som bara kan ses och ses på avstånd.
Målningarna "Söndag eftermiddag", "Cancan", "Modeller" kan kallas kreativitets mästerverk.
Den ryska impressionismen uppstod nästan spontant och blandade många fenomen och metoder. Grunden var dock, liksom fransmännen, en naturlig vision av processen.
I rysk impressionism, även om fransmännens egenskaper bevarades, gjorde särdragen av nationell natur och sinnestillstånd betydande förändringar. Till exempel uttrycktes visioner av snö eller nordliga landskap med ovanliga tekniker.
I Ryssland var det få konstnärer som arbetade i impressionistisk stil än i dag.
Den impressionistiska perioden kan urskiljas i Valentin Serovs arbete. Hans "Girl with Peaches" är det tydligaste exemplet och standarden på denna stil i Ryssland.
Målningarna fängslar med sin friskhet och harmoni av rena färger. Huvudtemat för denna konstnärs verk är skildringen av människan i naturen. "Northern Idyll", "In a Boat", "Fedor Chaliapin" är ljusa milstolpar i K. Korovins verk.
För närvarande har denna riktning inom konsten fått ett nytt liv. Flera konstnärer målar sina målningar i denna stil. Modern impressionism finns i Ryssland (Andre Cohn), i Frankrike (Laurent Parselier), i Amerika (Diana Leonard).
Andre Cohn är den mest framstående representanten för den nya impressionismen. Hans oljemålningar är slående i sin enkelhet. Konstnären ser skönhet i vardagliga saker. Skaparen tolkar många föremål genom rörelsens prisma.
Hela världen känner till Laurent Parseliers akvarellverk. Hans serie verk "Strange World" släpptes i form av vykort. Magnifika, levande och sensuella, de kommer att ta andan ur dig.
Liksom på 1800-talet, för närvarande, förblir konstnärer utomhusmålning. Tack vare henne kommer impressionismen att leva för evigt. konstnärer fortsätter att inspireras, imponeras och uppmuntras.
