"Målning- kanske den äldsta konst som mänskligheten känner till. Bilder av djur och människor gjorda i det primitiva samhällets era på grottornas väggar har överlevt till denna dag. Många årtusenden har gått sedan dess, men målning har alltid förblivit en oföränderlig följeslagare till en persons andliga liv.
Liksom alla oberoende grenar av konstnärlig kreativitet har målning ett antal unika, originella egenskaper. Den berättar om livet, skildrar människor, naturen, den objektiva världen som omger en person genom visuella bilder. Dessa bilder är skapade med hjälp av ett helt system av tekniker utvecklade och förbättrade av många generationer av konstnärer.
Till skillnad från en författare kan en konstnär inte visa en kedja av händelser som äger rum på olika platser vid olika tidpunkter. Genom att förkroppsliga handlingen begränsas målaren av gränserna för ett ögonblick och en oföränderlig miljö. Därför strävar han efter att hitta och levande skildra en situation där karaktärernas karaktärer, deras relationer och hela meningen med den fångade livshändelsen avslöjas mest fullständigt.
Måleriets konstnärliga "språk" hjälper till att uppnå detta mål. Författaren till målningarna berättar trots allt genom att visa. Och i denna "visuella berättelse" är färgen ljus eller matt, lugn eller eldig, och linjernas rörelser är snabba, intensiva eller jämna, långsamma, och många, många andra funktioner i bildlösningen har stor uttrycksfullhet, vilket bidrar till avslöjandet av känslor, tankar, stämningar. Därför förstås innehållet i en plotmålning till fullo endast av betraktaren som inte bara "läser" en viss handling i den, utan också "ser" dess bildmässiga förkroppsligande.
Om teckningen så att säga utgör "skelettet" av en målning, så är dess "kött och blod" färg. Konstnärer använder färg inte bara för att förmedla den verkliga färgen på föremål, utan också för att skapa en viss stämning, i syfte att poetiskt förkroppsliga en idé. Kom ihåg "Girl with Peaches" av V.A. Serov: den övergripande blågrå tonen, skuggad av den rosa fläcken på flickans klänning, nyanserna och reflektionerna av darrande, flimrande ljus som genomsyrar varje millimeter av duken - trots allt skapar detta intrycket av friskhet, renhet, ungdomlig glädje av livet, som utgör själva kärnan i bilden. Och vilken enorm semantisk roll har de många nyanserna av rött som finns i I. E. Repins duk "Ivan den förskräcklige och hans son Ivan"! Hur viktiga är kontrasterna mellan svart och vitt i den tragiska berättelsen om "Boyaryna Morozova" av V.I. Surikova!
Finns två huvudtyper av målning: monumental och staffli. Monumental målningär alltid förknippad med arkitektur - det här är att måla väggar och tak i byggnader, dekorera dem med bilder från mosaik och andra material, målat glas - målningar och ornament från färgat glas, etc. Staffli målningär inte förknippad med en specifik byggnad och kan flyttas från ett rum till ett annat.
U stafflimålning det finns många varianter ("genrer"). De viktigaste av dem är ämnesmålning, porträtt, landskap och stilleben.
I verk av vissa målargenrer tycks vissa aspekter av tillvaron sticka ut. Så, porträttåterger en persons utseende. I andra fall visas porträttmålningarnas hjältar i sin vanliga vardagsmiljö, i andra ser vi inga ytterligare detaljer. Den huvudsakliga och, naturligtvis, den svåraste uppgiften för en konstnär i denna genre är att avslöja den inre världen hos personen som avbildas, huvuddragen hos hans karaktär och psykologi.
Målningar som visar naturens liv tillhör genren landskap. Sanna mästare i landskapskonst skildrar inte bara naturen hos ett visst land, region, plats, utan förmedlar också i sina målningar den mänskliga uppfattningen av naturen, som alltid är kopplad till konstnärens världsbild och erfarenheter. Till exempel, i den berömda "Vladimirka" av I. Levitan, som skildrar vägen längs vilken fångar under tsartiden drevs till hårt arbete, tycktes känslor av tyngd, sorg och djup bitterhet tjockna. I A. Savrasovs landskap "The Rooks Have Arrived" inspirerar synen av den tidiga ryska våren en känsla av ljust hopp, lätt, eftertänksam sorg. Vi finner också insiktsfulla bilder av nationell natur hos sovjetiska konstnärer. Så, mästare i det sovjetiska landskapet: G. Nissky, M. Saryan, S. Gerasimov och ett antal andra - visade underbart i sina målningar de förändringar som åren av det sovjetiska systemet förde med sig till utseendet på deras hemland, sjöng poesin och skönheten i nya tider.
franska ordet "stilleben" betyder Bokstavligen översatt, "död natur". Mästare i denna genre skildrar frukt, grönsaker, blommor, inredning etc. Men verkligt konstnärliga stilleben är inte på något sätt en blind upprepning av naturens former, linjer och färger. Precis som i landskap speglar stilleben unikt samtidens idéer om skönhet, deras tankar och stämningar.
I den sovjetiska avdelningen av Tretjakovgalleriet finns stilleben av I. Mashkov “Moskva Snack. Bröd", "Moskva mat. Kött, vilt." Konstnären här skildrar heroiska produkter, kraftfulla, saftiga, retsamma i sin högtidliga prakt. Han sjöng om jordens överflöd av gåvor, dess fruktbarhet och generositet. Denna karaktär av bilden talar vältaligt om den livsbejakande synen på världen, den fullblodsoptimism som är så karakteristisk för sovjetfolket. Vi kan hitta liknande drag, även om de varje gång uttrycks på sitt eget sätt, i de sovjetiska konstnärerna P. Konchalovsky, M. Saryan och andras underbara stilleben. Alla målargenrer - var och en på sitt sätt - kan uttrycka stora idéer och känslor som upphetsar människor.
Hur man målar ett stafflimålning? Under de senaste århundradena var dess grund trä av olika arter, och i öster, dessutom silke, pergament, rispapper, etc. Moderna mästare använder som regel duk som bas. För att duken ska absorbera och behålla färg limmas den först och grundmålas sedan med ett tätt lager av en speciell blandning. En bild målas på en grundmålad duk. Moderna konstnärer använder oftast oljefärger. Mycket mindre ofta skapas målningar med vattenfärger - akvareller. Ännu mindre vanligt pastell- torrpressade färger blandade med flytande lim.
Innan han tar upp penseln ritar konstnären vanligtvis in preliminära skisser (skisser) och sedan på duken, karaktärernas utseende, formerna på föremål, konturerna av miljön och skisserar framtidens konstruktion (komposition) målning.
Sedan studerar han noggrant, i noggrant utförda verk från livet (studier), poser och psykologiska tillstånd hos människor han behöver, inredning, ljus, och först därefter fortsätter han med att skapa själva målningen.
I slutändan får konstnärens idé ett fullt och fullständigt uttryck, och hans målning blir för oss en källa till stor glädje i att lära oss om livet."
Alla typer av konst tenderar att spegla verkligheten uteslutande i visuella, visuella bilder. Först och främst är detta målning, grafik, skulptur, samt dekorativ och brukskonst. Alla återskapar synliga former i verkligt eller villkorligt rum, men inte i tiden. Om sådana typer av konst som musik, teater, film utvecklar en handling eller handling i tiden, så är det inom bildkonsten bara möjligt att visa ett specifikt ögonblick, men det gör kraften i dess inverkan inte mindre. Om vi kommer ihåg att vision för en person är huvudkanalen för att ta emot information, så fungerar konstnärliga visuella bilder som speciella medier som tillåter oss att förmedla väldigt, väldigt mycket.
En av huvudtyperna av konst är utan tvekan måleri. Det återspeglar noggrant all mångfald i den omgivande världen, såväl som stämningen, intrycket och i färgen på många färger och nyanser. Baserat på utförandetekniken är målningen uppdelad i olja, akvarell, tempera, fresk, mosaik, vax, målat glas, pastell, gouache. Tja, efter genre kan målning vara staffli, monumental, dekorativ, teatralisk och dekorativ, miniatyr.
Staffli målning– det är målningar som har en helt självständig karaktär och betydelse. Idén som är inbäddad i verket kommer inte att ändra sin innebörd beroende på var den befinner sig, men det konstnärliga ljudet och uppfattningen kommer fortfarande att bero på utställningsplatsen. Eftersom stafflimålning har fått sitt namn från ordet maskin – en anordning på vilken konstnärer målar stora tavlor, är det tydligt att rummets proportionalitet, dess design, belysning är viktigt för att ställa ut ett staffliverk.
Målning "Stenbro"
Monumental målning- dessa är som regel verk av stor skala fästa vid arkitektoniska strukturer, dekorera tak, väggar och olika fragment. Oftast är det en fresk, mosaik, panel.
Monumental målning "Vinterafton"
Vicenz Villa Valmaran. Fresco, 1757
Kejsarinnan Theodora. Fragment av en mosaik i kyrkan San Vitale
Dekorativ målning Det tjänar också till att dekorera arkitektoniska strukturer, men används också ofta för att dekorera olika produkter. Genom att agera i enhet med den volymetrisk-spatiala kompositionen (med produktens interiör, exteriör eller form), accentuerar den hela kompositionens uttrycksfullhet eller till och med omvandlar den och introducerar sin egen skala, rytm och färg.
Takmålning i dekorativ stil
Teatermålning och dekorativ målning strävar genom kulisser, kostymer, smink, ljussättning för att skapa en visuell bild för föreställningen. Grunden för allt detta är artisternas skisser, som hjälper till att avslöja föreställningens innehåll, karaktärernas karaktärer och hjälper tittaren att uppfatta vad som händer på scenen.
Teater och dekorativ komposition: Roerich N.K. "Gård"
Miniatyr kan kallas konstverk, kännetecknade av sin ringa storlek och, naturligtvis, subtiliteten i konstnärliga tekniker. Bokminiatyrer förekom till exempel i handskrivna böcker och i början av tryckningen utvecklades de och boksidor var inte längre otänkbara utan sådana dekorationer. Porträttminiatyrer är inte mindre utbredda. Detta är som regel ett bildporträtt i litet format. Man tror att sådana porträtt först dök upp under renässansen. Idag finns det ett mycket brett utbud av material och tekniska medel för att göra miniatyrer. Många har kanske sett dem med emaljteknik, men de kan göras med keramiska färger på porslin, gouache, akvareller på pergament, papper, kartong, elfenben och även med olja på metall. Till allt som har sagts ovan kan vi tillägga att alla typer av verk kan kombineras till en eller annan genre utifrån liknande teman. Alla vet att det finns genrer av stilleben, landskap, porträtt, interiör, tomtmålning, och det finns också genrer: vardagligt, historiskt, strid, och var och en av dem har sina fans och beundrare.
”Konst är samma behov för en person som att äta och dricka. Behovet av skönhet och kreativitet, som förkroppsligar det, är oskiljaktigt från människan”, skrev F. M. Dostojevskij.
Historien visar verkligen att människan alltid har varit oskiljaktig från konsten. Gamla hällmålningar har bevarats i bergen och i grottor runt om i världen. Dessa uttrycksfulla teckningar av djur och jägare gjordes på den tiden då folk inte visste hur man skulle skriva.
Konstmonument berättar vilken enorm betydelse den hade i människans och det mänskliga samhällets liv. De gamla grekerna skapade en underbar myt om muserna - evigt unga systrar som personifierade konst och vetenskap. Melpomene är tragedins musa, Thalia - komedi, Terpsichore - dans, Clio - historiens musa... Myten berättar att när guden Apollo - konstens, poesin och musikens beskyddare - dök upp tillsammans med muserna, då alla naturen lyssnade på deras sång... Musik, museum - dessa ord kommer från ordet Muse.
Den poetiska myten om systermuserna har inte förlorat sin mening. Varje typ av konst har sina egna uttrycksmedel: i musik är det ljud, i konst är det färg, linje etc., i litteraturen är det ordet. Men den relaterade essensen av alla typer är att konst är en av formerna för socialt medvetande, som bygger på en bildlig återspegling av verklighetens fenomen.
Konst relaterade till visuell perception inkluderar: måleri, grafik och skulptur. Dessa konster skapar en bild på ett plan (målning och grafik) och i rymden (skulptur).
Vi kallar en målning, teckning, tryck, skulptur som har självständig betydelse, det vill säga inte förknippas med någon konstnärlig ensemble eller med ett rent praktiskt syfte staffli fungerar. Denna definition kommer från ordet "maskin" (i det här fallet ett staffli), på vilket duken placeras när en bild målas. Och även det faktum att tavlan måste sättas in i en ram understryker självständigheten, det vill säga stafflimålningens isolering från omgivningen. Ramen skiljer målningen åt och skapar möjligheten att uppfatta den som en självständig konstnärlig helhet. Några stafflimålningar finns återgivna i boken.
Till skillnad från staffli monumentalmålning i sitt syfte och karaktär är den förknippad med den arkitektoniska ensemblen. Fresker, mosaiker, paneler, glasmålningar ingår organiskt i arkitekturen och kompletterar och berikar den konstnärliga utformningen av interiören eller hela byggnaden. Utmärkta exempel på monumentalmålning är Rafaels fresker i Vatikanpalatset och målningarna av Michelangelo i Sixtinska kapellet. Monumentalmålning nådde sin högsta nivå i bysantinsk och gammal rysk konst.
Nuförtiden används monumentalmålning flitigt i kulturpalats, klubbar, teatrar, tunnelbanestationer, tågstationer etc. Många av er har sett mosaiker i tunnelbanan, skapade enligt skisser av P. Korin, A. Deineka och andra sovjetiska mästare . Interiörmålningar av busstationen och försvarsmaktens museum i Moskva (konstnären Yu. Korolev), målningar av Tsiolkovsky-museet i Kaluga (en grupp konstnärer under ledning av A. Vasnetsov), målade glasfönster av litauiska mästare och präglade paneler av georgiska konstnärer dekorerade många nya byggnader i våra städer.
Den monumentala konsten i det moderna Mexiko har fått internationell berömmelse. Mosaikerna av Siqueiros och andra stora konstnärer återspeglar det mexikanska folkets heroiska kamp för deras självständighet.
Det är inte alltid möjligt att dra en skarp gräns mellan ett staffli och ett monumentalt konstverk. Detta förklaras av att stafflimålning ofta har en monumental kvalitet. Och monumentala verk har ibland en självständig betydelse, som uppfattas som färdiga stafflimålningar.
Det finns också ett mycket stort område av dekorativ och brukskonst. Dessa är konstnärligt tillverkade möbler, fat, kläder, tyger, mattor, broderier, smycken etc. Vissa typer av dekorativ och brukskonst (gobeläng, prägling, dekorativ skulptur) kan dock också betraktas som självständiga verk. Målning som är avsedd att dekorera eller avslöja ett föremåls utformning och syfte och som inte tydligt har självständig betydelse kallas dekorativ.
Måleri är alltså uppdelat i staffli, monumental och dekorativ.
Stafflimålning är en teknik där färg appliceras på en rörlig yta för att skapa en självständig målning. Namnet på denna typ kommer från ordet "vävstol", som oftast är en konstnärs staffli. Idag är stafflimålning den mest utbredda konsten.
Tack vare verkens rörlighet blev målningarna tillgängliga för en bred publik. Dessutom, tack vare förmågan att flytta dukar, underlättas restaureringen av stafflimålningar avsevärt, särskilt i jämförelse med monumental konstverk.
Att måla är ett av de äldsta sätten att uttrycka sig själv och förmedla sin egen vision av verkligheten. Hon lär ut hur man skildra världen omkring oss med hjälp av visuella bilder, tekniker och tekniker som utgör konstens språk. Det har skapats och utvecklats av konstnärer och teoretiker under tusentals år, och idag tillåter det moderna målare att skapa sin egen "narrativ".
Traditionellt särskiljs följande typer av målning:
Ett staffliverk är ett självständigt konstobjekt. Den kan röra sig i rymden och till och med korsa statsgränser. Detta är det viktigaste kännetecknet för stafflimålning - att det inte ska knytas till platsen för skapelsen.
En målning är ämnet och resultatet av sådan konst. Idag finns det ingen enig åsikt om vilka tekniker och material som anses vara stafflimålning och vilka som anses vara grafik. Vi kommer att hålla fast vid åsikten att stafflimålning är applicering av vilken typ av färg som helst på vilken rörlig yta som helst, oavsett material och storlek. Således är verk skapade i akvarell, gouache och till och med pastell exempel på denna teknik.
Historien om stafflimålning började med användning av stenplattor och träpaneler. De verk som lade grunden för den moderna förståelsen av sådan konst är ikoner. Den äldsta icke-stationära bilden av Kristus går tillbaka till 600-talet och gjordes på en träpanel täckt med specialbehandlat tyg.
De första målningarna på trä var av religiös karaktär, men var inte ikoner. Innovatören av stafflimålning var representanten för proto-renässansen, Giotto di Bondone. Han skapade flera verk - alla gjordes i tempera på tunna poppelträpaneler täckta med duk behandlad med en blandning av gips och animaliskt lim. Denna teknik användes för att skapa ikoner i Bysans.
Beroende på de material som används för att skapa målningen, är stafflimålning uppdelad i flera typer:
Dessutom tillåter stafflimålning användning av ett antal hjälpmaterial, såsom penslar, svampar, rullar, kartongremsor, palettknivar och aerosolburkar.
Med konstens utveckling har också tekniken för stafflimålning förändrats. Den moderna världen utökar tillgången till kunskap och material, vilket ger grogrund för experiment och sökandet efter nya möjligheter. Idag kan stafflimålningar skapas med stenciler och mönster. Färger utvinns från nya material och pigment. Det är svårt att inte gå vilse i en sådan virvel av pengar och resurser.
Oljemålningar, liksom målning av stafflitempera, har dock genomgått århundraden av utveckling. Det är därför det idag finns en traditionell, eller akademisk, teknik för stafflimålning, som innebär att man följer ett antal regler och traditioner. Oljefärger är de mest populära på grund av deras lätta applicering och förmåga att behålla färger under lång tid. Tempera är i sin tur mer komplext. Tekniken för att skapa esel tempera målning har ett antal specifika regler - till exempel att mörkare tonen i ett pigment uppnås bäst genom att skugga eller applicera ett lager på ett annat.
Genrerikedomen i stafflimålning beror på dess rörlighet. Det är trots allt lättare att flytta in ett staffli i skogen än träd inomhus. Stafflimåleri utökar alltså möjligheterna att måla dukar från livet. Detta är särskilt viktigt för genrer som landskap, porträtt och stilleben.
Bland dem som hade störst inflytande på bildandet och utvecklingen av stafflimålning är det nödvändigt att lyfta fram religiösa och mytologiska genrer, såväl som historiska, porträtt och motiv. För modernt stafflimåleri är porträtt, landskap och stilleben av särskild betydelse.
Denna genre är mycket dynamisk, ibland suddas dess gränser ut och smälter samman med genrer som mytologiska, allegoriska och religiösa. Kärnan i ett porträtt är att använda konstnärliga medel för att på duk skildra en person med sina karakteristiska former, ansiktsdrag och karaktärsdrag.
I stafflimålning smälter modellens utseende, dess påtagliga och synliga egenskaper samman med de interna egenskaper som kännetecknar den. Allt detta är direkt beroende av författarens uppfattning, såväl som konstnärens koppling till modellen och porträttet.
Verk gjorda i denna genre skildrar naturen. Liksom porträtt suddar landskap ofta ut gränserna för strikta genredefinitioner och egenskaper. Förmodligen på grund av det faktum att det under många århundraden bara användes som ett fyllmedel av utrymme i en målning, nu när det är en oberoende genre, används det fortfarande för att skapa en bakgrund i verk av andra genrer.
Landskapet skildrar naturen i flera av dess skepnader – orörd av människan, förvandlad av människan och i samspel med henne. Bland subgenrerna är det värt att notera havet, staden och landsbygden.
Från franska översätts detta namn som "död natur". Denna genre av stafflimålning fokuserar på skildringen av livlösa föremål. Som en självständig teknik tog stilleben form på 1600-talet tack vare insatser från nordeuropeiska mästare. Under renässansen var den populär inom dekorationsmåleriet och blev ofta en dekoration för möbler och serviser.
Andra populära genrer av stafflimålning inkluderar vardagsliv, illustration, allegori och djurmålning.
- detta är en av huvudtyperna av konst; är en konstnärlig skildring av den objektiva världen med hjälp av färgade färger på en yta. Måleri är uppdelat i: staffli, monumental och dekorativ.
- huvudsakligen representerad av arbeten gjorda med oljefärger på duk (kartong, träskivor eller nakna). Det är den mest populära typen av målning. Det är denna typ som vanligtvis används för termen " målning".
är en teknik för att måla på väggar när man dekorerar byggnader och arkitektoniska element i byggnader. Särskilt vanligt i Europa fresk - monumentalmålning på våt puts med vattenlösliga färger. Denna teckningsteknik har varit välkänd sedan antiken. Senare användes denna teknik i utformningen av många kristna religiösa kyrkor och deras valv.
Dekorativ målning — (från det latinska ordet från decoro - att dekorera) är ett sätt att rita och applicera bilder på föremål och inredningsdetaljer, väggar, möbler och andra dekorativa föremål. Avser dekorativ och brukskonst.
Bildkonstens möjligheter har särskilt tydligt avslöjats av stafflimålning sedan 1400-talet, sedan den massbrukade oljefärgen. Det är i den som en speciell variation av innehåll och djupt utvecklad form är tillgänglig. Grunden för bildkonstnärliga medel är färger (färgernas möjligheter), i oupplöslig enhet med chiaroscuro och linje; färg och chiaroscuro utvecklas och utvecklas genom målningstekniker med en fullständighet och ljusstyrka som inte är tillgänglig för andra typer av konst. Detta bestämmer perfektionen av volymetrisk och rumslig modellering som är inneboende i realistisk målning, den levande och korrekta återgivningen av verkligheten, möjligheten att förverkliga de plotter som konstnären tänkt ut (och metoder för att konstruera kompositioner) och andra visuella fördelar.
En annan skillnad i skillnaderna mellan typer av målning är tekniken för utförande enligt typ av färg. Allmänna tecken räcker inte alltid för att avgöra. Gränsen mellan måleri och grafik i varje enskilt fall: till exempel kan verk gjorda i akvarell eller pastell tillhöra båda områdena, beroende på konstnärens tillvägagångssätt och de uppgifter han ställer. Även om ritningar på papper klassas som grafik, suddar användningen av olika målningstekniker ibland ut skillnaden mellan måleri och grafik.
Det måste beaktas att den semantiska termen "målning" i sig är ett ord på ryska språket. Det togs för användning som en term under bildandet av konst i Ryssland under barocktiden. Användningen av ordet "målning" på den tiden gällde bara en viss typ av realistisk målning. Men ursprungligen kommer det från kyrkotekniken att måla ikoner, som använder ordet "skriva" (relaterat till att skriva) eftersom detta ord är en översättning av betydelsen i grekiska texter (de är "förlorade i översättning"). Utvecklingen i Ryssland av sin egen konstskola och arvet av europeisk akademisk kunskap inom konstområdet utvecklade omfattningen av det ryska ordet "målning", och skrev in det i pedagogisk terminologi och litterärt språk. Men på det ryska språket bildades en egenhet av betydelsen av verbet "att skriva" i förhållande till att skriva och rita bilder.
Under utvecklingen av konsten bildades flera klassiska genrer av målningar, som fick sina egna egenskaper och regler.
Porträttär en realistisk skildring av en person där konstnären försöker uppnå en likhet med originalet. En av de mest populära genrerna inom målning. De flesta kunder använde artisters talang för att föreviga sin egen image eller, för att vilja få en bild av en älskad, släkting, etc. Kunder försökte få en porträttliknande (eller till och med försköna den) och lämnade en visuell förkroppsligande i historien. Porträtt av olika stilar är den mest populära delen av utställningen av de flesta konstmuseer och privata samlingar. Till denna genre hör också en sådan typ av porträtt som självporträtt
- en bild av konstnären själv, målad av honom själv.
Landskap- en av de populära målargenrerna där konstnären försöker skildra naturen, dess skönhet eller egenhet. Olika typer av natur (säsongens humör och väder) har en stark känslomässig inverkan på alla tittare - detta är en psykologisk egenskap hos en person. Viljan att få ett känslomässigt intryck från landskap har gjort denna genre till en av de mest populära inom konstnärlig kreativitet.
- den här genren liknar på många sätt landskap, men har ett nyckeldrag: målningarna skildrar landskap med deltagande av arkitektoniska föremål, byggnader eller städer. Ett särskilt fokus är gatuvyer över städer som förmedlar atmosfären av en plats. En annan riktning av denna genre är skildringen av skönheten i arkitekturen i en viss byggnad - dess utseende eller bilder av dess interiörer.
- en genre där målningarnas huvudämne är en historisk händelse eller dess tolkning av konstnären. Det som är intressant är att ett stort antal målningar på ett bibliskt tema tillhör denna genre. Sedan medeltiden ansågs bibliska scener vara "historiska" händelser och huvudkunderna till dessa målningar var kyrkan. "Historiska" bibliska ämnen finns i de flesta konstnärers verk. Den andra födelsen av historisk måleri inträffar under nyklassicismens tider, då konstnärer vänder sig till välkända historiska ämnen, händelser från antiken eller nationella legender.
- återspeglar scener av krig och strider. Det speciella är inte bara önskan att återspegla en historisk händelse, utan också att förmedla till betraktaren den känslomässiga höjden av bedrift och hjältemod. Därefter blir även denna genre politisk, vilket gör att konstnären kan förmedla till betraktaren sin syn (sin attityd) på vad som händer. Vi kan se en liknande effekt av politisk betoning och styrkan hos konstnärens talang i V. Vereshchagins arbete.
är en genre av målning med kompositioner från livlösa föremål, med hjälp av blommor, produkter och maträtter. Denna genre är en av de senaste och bildades i den holländska målarskolan. Kanske är dess utseende orsakat av den holländska skolans egenhet. Den ekonomiska boomen på 1600-talet i Holland ledde till en önskan om prisvärd lyx (målningar) bland ett betydande antal av befolkningen. Denna situation lockade ett stort antal konstnärer till Holland, vilket orsakade hård konkurrens bland dem. Modeller och verkstäder (människor i lämpliga kläder) var inte tillgängliga för fattiga konstnärer. När man målade tavlor till försäljning använde man improviserade medel (objekt) för att komponera målningarna. Denna situation i den holländska skolans historia är orsaken till utvecklingen av genremåleri.
Genremåleri
— ämnet för målningarna är vardagliga scener i vardagslivet eller högtider, vanligtvis med deltagande av vanliga människor. Precis som stilleben blev det utbrett bland holländska konstnärer på 1600-talet. Under romantikens och nyklassicismens period fick denna genre en ny födelse.
Marina- en typ av landskap som skildrar havsutsikt, kustlandskap med utsikt över havet, soluppgångar och solnedgångar till havs, fartyg eller till och med sjöstrider. Även om det finns en separat stridsgenre, tillhör sjöstriderna fortfarande "marinan"-genren. Utvecklingen och populariseringen av denna genre kan också tillskrivas den holländska skolan på 1600-talet. Han var populär i Ryssland tack vare Aivazovskys arbete.
— Ett kännetecken för denna genre är skapandet av realistiska målningar som skildrar djurens och fåglarnas skönhet. En av de intressanta dragen i denna genre är förekomsten av målningar som visar obefintliga eller mytiska djur. Konstnärer som är specialiserade på bilder av djur kallas djurister.
Behovet av realistiska bilder har funnits sedan urminnes tider, men hade en rad nackdelar på grund av bristen på teknik, systematiska skolor och utbildning. I gamla tider kan man oftare hitta exempel på tillämpad och monumental målning med tekniken att rita på gips. I forntida tider lades större vikt vid artisternas talang i tekniken för att göra färger och möjligheten att få en systematisk utbildning. Men redan under antiken bildades specialiserad kunskap och verk (Vitruvius), som kommer att ligga till grund för en ny blomning av europeisk konst under renässansen. Dekorativ målning fick betydande utveckling under den grekiska och romerska antiken (skolan gick förlorad under medeltiden), vars nivå nåddes först efter 1400-talet.
Målning av en romersk fresk (Pompeii, 1:a århundradet f.Kr.), ett exempel på tekniknivån för antik målning:
Medeltidens "mörka medeltid", militant kristendom och inkvisitionen leder till förbud mot studier av antikens konstnärliga arv. Den stora erfarenheten från forntida mästare, kunskap inom området proportioner, komposition, arkitektur och skulptur är förbjudna, och många konstnärliga skatter förstörs på grund av deras hängivenhet till antika gudar. En återgång till konstens och vetenskapens värden i Europa sker först under renässansen (återfödelse).
Konstnärer från den tidiga renässansen (väckelse) var tvungna att komma ikapp och återuppliva prestationerna och nivån hos antika konstnärer. Vad vi beundrar i verk av tidiga renässanskonstnärer var nivån på mästarna i Rom. Ett tydligt exempel på förlusten av flera århundraden av utveckling av europeisk konst (och civilisation) under medeltidens "mörka medeltid", militant kristendom och inkvisitionen - skillnaden mellan dessa 1300-talsmålningar!
Framväxten och spridningen av tekniken för att tillverka oljefärger och tekniken att måla med dem på 1400-talet gav upphov till utvecklingen av stafflimålning och en speciell typ av konstnärsprodukter - färgmålningar med oljefärger på grundmålad duk eller trä.
Måleriet fick ett stort steg i kvalitativ utveckling under renässansen, till stor del tack vare Leon Battista Albertis (1404-1472) arbete. Han var den förste som satte upp grunderna för perspektiv i måleriet (avhandlingen "Om målning" från 1436). Den europeiska konstskolan är skyldig honom (hans arbete med att systematisera vetenskaplig kunskap) uppkomsten (återupplivandet) av ett realistiskt perspektiv och naturliga proportioner i konstnärers målningar. Berömd och välbekant teckning av Leonardo da Vinci "Vitruvian man"(mänskliga proportioner) från 1493, tillägnad systematiseringen av Vitruvius gamla kunskap om proportioner och komposition, skapades av Leonardo ett halvt sekel senare än Albertis avhandling "Om målning". Och Leonardos arbete är en fortsättning på utvecklingen av renässansens europeiska (italienska) konstskola.
Men målningen fick en ljus och massiv utveckling från 1500- och 1600-talen, när oljemålningstekniken blev utbredd, olika tekniker för att tillverka färger dök upp och målarskolor bildades. Det var kunskapssystemet och konstnärlig utbildning (teckningsteknik), i kombination med efterfrågan på konstverk bland aristokratin och monarker, som ledde till den snabba uppblomstringen av konst i Europa (barocken).
De europeiska monarkiernas, aristokraternas och entreprenörernas obegränsade ekonomiska möjligheter blev en utmärkt jordmån för måleriets vidareutveckling under 1600- och 1800-talen. Och kyrkans försvagade inflytande och en sekulär livsstil (multiplicerad med utvecklingen av protestantismen) möjliggjorde födelsen av många ämnen, stilar och rörelser inom måleriet (barock och rokoko).
Under utvecklingen av konst har konstnärer utvecklat många stilar och tekniker som leder till den högsta nivån av realism i deras verk. I slutet av 1800-talet (med tillkomsten av modernistiska rörelser) började intressanta omvandlingar inom måleriet.
Tillgången till konstutbildning, masskonkurrens och höga krav på konstnärers kompetens från allmänheten (och köpare) ger upphov till nya riktningar i uttrycksmetoder.
