Publikationer i avsnittet Museer
Den 23 december 1799 föddes Karl Bryullov. Son till den franskfödde skulptören Paul Brulleau, Karl var ett av sju barn i familjen. Hans bröder Pavel, Ivan och Fedor blev också målare, och hans bror Alexander blev arkitekt. Men den mest kända var Karl, som målade "The Last Day of Pompeii" 1833, hans livs huvudverk. "Kultura.RF" kom ihåg hur denna målning skapades.
Karl Bryullov. Självporträtt. 1836
Målningen målades i Italien, där konstnären 1822 åkte på en fyraårig pensionsresa från Imperial Academy of Arts. Men han bodde där i 13 år.
Handlingen berättar om den antika romerska tragedin - döden av den antika staden Pompeji, som ligger vid foten av Vesuvius: 24 augusti 79 e.Kr. e. Vulkanutbrottet krävde livet på två tusen invånare.
År 1748 började militäringenjör Rocque de Alcubierre arkeologiska utgrävningar på platsen för tragedin. Upptäckten av Pompeji blev en sensation och återspeglades i olika människors verk. År 1825 dök alltså en opera av Giovanni Pacini upp, och 1834 en historisk roman av engelsmannen Edward Bulwer-Lytton, tillägnad Pompejis död.
Bryullov besökte utgrävningsplatsen första gången 1827. På väg till ruinerna hade den 28-årige artisten ingen aning om att denna resa skulle visa sig bli ödesdiger för honom: "Du kan inte passera genom dessa ruiner utan att känna någon helt ny känsla inom dig själv, som får dig att glömma allt utom den fruktansvärda händelsen med den här staden.", skrev konstnären.
Känslorna som Karl Bryullov upplevde under utgrävningarna lämnade honom inte. Så här föddes idén om en duk på ett historiskt tema. Under arbetet med handlingen studerade målaren arkeologiska och litterära källor. "Jag tog det här landskapet från livet, utan att dra mig tillbaka eller lägga till alls, stående med ryggen mot stadsportarna, för att se en del av Vesuvius som den främsta anledningen.". Modellerna för karaktärerna var italienare - ättlingar till de gamla invånarna i Pompeji.
I detta verk avslöjar Bryullov sig inte som en traditionell klassicist, utan som en konstnär av den romantiska rörelsen. Således är dess historiska handling inte tillägnad en hjälte, utan till tragedin för ett helt folk. Och som intrig valde han inte en idealiserad bild eller idé, utan ett verkligt historiskt faktum.
Det är sant att Bryullov bygger kompositionen av målningen i klassicismens traditioner - som en cykel av enskilda episoder inneslutna i en triangel.
På vänster sida av bilden, i bakgrunden, finns flera personer avbildade på trappan till den stora byggnaden av Scaurus grav. En kvinna tittar direkt på betraktaren, med skräck i ögonen. Och bakom henne finns en konstnär med en låda med färger på huvudet: detta är ett självporträtt av Bryullov, som upplever en tragedi tillsammans med sina karaktärer.
Närmare betraktaren står ett gift par med barn som försöker fly från lavan, och i förgrunden kramar en kvinna sina döttrar... Bredvid henne står en kristen präst som redan har anförtrott sitt öde åt Gud och är därför lugna. I bildens djup ser vi en hednisk romersk präst som försöker fly genom att bära bort rituella värdesaker. Här antyder Bryullov fallet av romarnas antika hedniska värld och början av den kristna eran.
Till höger på bilden i bakgrunden finns en ryttare på en häst som växte upp. Och närmare betraktaren finns brudgummen, gripen av skräck, som försöker hålla sin brud i hans famn (hon har en krans av rosor), som har tappat medvetandet. I förgrunden bär två söner sin gamle far i famnen. Och bredvid dem står en ung man som ber sin mamma att resa sig upp och springa längre från detta alltförtärande element. Den här unge mannen är förresten ingen mindre än Plinius den yngre, som faktiskt rymde och lämnade sina minnen av tragedin. Här är ett utdrag ur hans brev till Tacitus: "Jag ser tillbaka. En tjock svart dimma, som spred sig som en bäck över marken, överföll oss. Natten hade fallit runt omkring, till skillnad från en månlös eller molnig sådan: det blir bara så mörkt i ett låst rum med ljusen släckta. Kvinnors skrik, barns gnisslande och mäns skrik hördes en del ropade till sina föräldrar, andra till sina barn eller fruar och försökte känna igen dem på deras röster. Somliga sörjde sin egen död, andra käras död, några bad i fruktan för döden om döden; många höjde sina händer till gudarna; majoriteten förklarade att det inte fanns några gudar någonstans och för världen var detta den sista eviga natten.”.
Det finns ingen huvudkaraktär i bilden, men det finns centrala sådana: ett guldhårigt barn nära sin döda mammas liggande kropp i en gul tunika - en symbol för den gamla världens fall och födelsen av en ny, detta är motsättningen mellan liv och död - i romantikens bästa traditioner.
På den här bilden visade sig Bryullov också som en innovatör, med hjälp av två ljuskällor - varmt rött ljus i bakgrunden, som förmedlar känslan av att närma sig lava och kallt grönblått i förgrunden, vilket tillför ytterligare drama till handlingen.
Den ljusa och rika färgen på denna målning bryter också mot klassiska traditioner och låter oss tala om konstnären som en romantisk.
Karl Bryullov arbetade på duken i sex år - från 1827 till 1833.
Målningen presenterades första gången för allmänheten 1833 på en utställning i Milano – och skapade omedelbart en sensation. Konstnären hedrades som en romersk triumf, och lovordande recensioner skrevs om målningen i pressen. Bryullov hälsades med applåder på gatan, och under sina resor vid gränserna till de italienska furstendömena krävde de inget pass: man trodde att varje italienare redan kände honom av synen.
År 1834 presenterades Pompejis sista dag på Parissalongen. Den franska kritiken visade sig vara mer återhållsam än den italienska. Men proffs uppskattade arbetet och gav Bryullov en guldmedalj från den franska konstakademin.
Duken skapade en sensation i Europa och var efterlängtad i Ryssland. Samma år sändes den till Sankt Petersburg. Efter att ha sett målningen uttryckte Nicholas I en önskan att personligen träffa författaren, men konstnären åkte med greve Vladimir Davydov på en resa till Grekland och återvände till sitt hemland först i december 1835.
Den 11 juni 1836 samlades hedrade gäster, medlemmar av akademin, konstnärer och helt enkelt konstälskare i Round Hall of the Russian Academy of Arts, där målningen "The Last Day of Pompeii" ställdes ut. Författaren till målningen, "den store Karl", bars in i hallen i sina armar till gästernas entusiastiska skrik. "Mängder av besökare, kan man säga, rusade in i akademins salar för att titta på Pompeji.", skriver en samtida och vittnar om den framgången, som ingen rysk konstnär någonsin känt till.
Kunden och ägaren till målningen, Anatoly Demidov, presenterade den för kejsaren, och Nicholas I placerade den i Eremitaget, där den låg kvar i 60 år. Och 1897 överfördes den till Ryska museet.
Bilden upphetsade bokstavligen hela det ryska samhället och den tidens bästa hjärnor.
Konstfredstroféer
Du tog in den i din fars tak.
Och det var "Pompejis sista dag"
Första dagen för den ryska borsten! -
poeten Evgeny Boratynsky skrev om målningen.
Alexander Pushkin dedikerade också dikter till henne:
Vesuvius öppnade sin mun - rök strömmade ut i ett moln, lågor
Vida utvecklad som stridsflagga.
Jorden är upprörd - från de skakiga kolonnerna
Idoler faller! Ett folk som drivs av rädsla
Under stenregnet, under den inflammerade askan,
Folkmassor, gamla som unga, flyr ut ur staden.
Mikhail Lermontov nämner också "The Last Day of Pompeii" i romanen "Princess Ligovskaya": "Om du älskar konst, då kan jag berätta mycket goda nyheter: Bryullovs målning "The Last Day of Pompeii" kommer till St. Petersburg. Hela Italien visste om henne, fransmännen skällde ut henne.”, - Lermontov kände tydligt till recensionerna av den parisiska pressen.
Den ryske historikern och resenären Alexander Turgenev sa att denna bild var Rysslands och Italiens ära.
Och Nikolai Gogol dedikerade en lång artikel till målningen och skrev: "Hans pensel innehåller den där poesin som du bara känner och alltid kan känna igen: våra känslor känner alltid till och ser till och med särdrag, men ord kommer aldrig att berätta för dem. Dess färg är så ljus att den nästan aldrig har varit förut, dess färger bränner och rusar in i ögonen. De skulle vara outhärdliga om konstnären hade dykt upp på en lägre nivå än Bryullov, men med honom är de klädda i den harmonin och andas den inre musik som levande naturföremål fylls med.".
Med tiden får många konstverk ett helt spår av berättelser. Bra eller inte, helt annorlunda, ovanligt, ofta läskigt, de tillför en viss aura till den mest anspråkslösa bilden. Förresten, sådana auror är perfekt synliga för bioenergispecialister och synska. Till målningarna hör också evenemang. Om de uppstår som ett resultat eller helt enkelt sammanfaller i tiden - vi kommer inte att argumentera. Men vi ska göra en kort genomgång av sådana verk och berätta tavlornas historia.
En av de mest anmärkningsvärda bland de "fördömda" är en reproduktion av målningen "The Crying Boy" av spanjoren Giovanni Bragolin. Det är känt att konstnären målade den efter sin egen son. Men barnvakten kunde på grund av sin ålder inte gråta på beställning. Sedan satte fadern igång och förde barnet till rätt tillstånd. Han visste att barnet var livrädd för eld. Därför tände fadern tändstickor och höll dem nära pojkens ansikte, barnet började gråta och konstnären började arbeta.
Bragolin offrade sitt barns nerver för sin passion för att rita. Vidare säger legenden att en dag kunde barnet inte stå ut och önskade till sin far: "Bränn dig!", Och ett par veckor senare dog barnet av lunginflammation. Hans far överlevde honom också en kort tid, han brann ner i sitt hus.
Ytterligare historia fortsatte i England 1985. Vid denna tid började en epidemi av bränder i den norra delen av landet. Bostadshus brinner, helt godtyckligt, och människor dör.
Den enda intressanta detaljen är att efter branden återstår bara en sak orörd - en viss reproduktion. Antalet meddelanden växer och når en kritisk massa.
En av inspektörerna uppger att det är ”Gråtpojken” som visar sig vara ett vanligt inslag i alla bränder.
Efter detta får tidningar och polis en flod av meddelanden som beskriver alla fall som rör denna reproduktion. Det kommer till den punkten att det officiellt föreslås att bli av med denna olycksbådande bild i huset. Intressant nog anses själva originalet vara förlorat, det finns bara en kopia.
Nästa "brandfarliga duk" är skapandet av impressionisten Monet "Näckrosor".
En efter en, av okänd anledning, brann skaparens verkstad, sedan ägarnas hus - en kabaré i Montmartre i Paris, en fransk filantrops hus, New York Museum of Modern Arts. För tillfället uppträder målningen tyst och hänger lugnt i Mormotonmuseet (Frankrike).
En annan "brännare" finns i Edinburgh i Royal Museum. En synnerligen föga imponerande målning, ett porträtt av en gammal man med utsträckt arm. Enligt legenden rör sig fingrarna på den här handen, men inte alla kan se detta. Men de som såg det kommer snart att dö i eld.
Det finns två kända offer för denna målning - Belfast (en sjökapten) och Lord Seymour. Båda hävdade att de såg fingrarna röra sig och båda dog. Museets chef befann sig också mellan ett par bränder. Å ena sidan kräver allmänheten att bli av med den "förbannade" målningen, och å andra sidan är detta det främsta sättet att locka besökare. Så gubben trivs i museet.
Inte mindre mysterier förknippas med den berömda "Gioconda" av da Vinci. Och här är samernas intryck av bilden varierande: vissa blir glada av den, medan andra blir rädda och tappar medvetandet. Man tror att detta berömda porträtt har en mycket dålig effekt på tittaren. Mer än hundra sådana händelser har officiellt registrerats (!), då museibesökare tappade medvetandet när de betraktade målningen. Ett av dessa offer var den franske författaren Stendhal.
Det finns också information om att modellen Mona Lisa dog relativt ung, 28 år gammal, och den store Leonardo gjorde om målningen i sex långa år och korrigerade den fram till sin död.
En annan dålig målning, "Venus med en spegel", är av Velazquez. Man tror att alla som skaffat det antingen dog en våldsam död eller gick i konkurs...
Även museer var mycket ovilliga att ta med den i sina utställningar och bilden vandrade hela tiden. Tills en dag en dag attackerade en besökare henne och skar duken med en kniv.
Nästa skräckhistoria, "Hands Resist Him", skrevs av den kaliforniska surrealistkonstnären Bill Stoneham. Han skrev det med ett fotografi av sig själv och sin syster 1972. Bilden visade en pojke med ett ansikte som inte är ritat och en flickdocka, nästan lika stor som ett barn, som stod vid en glasdörr. Barnhänder vilar mot dörren från insidan.
Historien om problem med denna målning började med konstkritikern som bedömde den.
Han dog oväntat och snabbt. Nästa var en filmskådespelare. Vidare finns det en lucka i berättelsen, målningen ansågs ha försvunnit. Och så upptäcker en viss familj henne i papperskorgen och drar henne förstås in i huset. Dessutom hänger de den i barnkammaren. Som ett resultat sover dottern inte på natten, skriker och säger att barnen på bilden rör sig och slåss. De satte en kamera med rörelsesensor i rummet, och den slocknar på natten.
Familjen bestämmer sig för att göra sig av med tavlan och släpper ut den på auktion på nätet. Omedelbart började arrangörerna få ett hav av klagomål om att efter att ha sett filmerna under lång tid blev människor sjuka, till och med hjärtinfarkt.
Till slut köps "Hands Resist Him" av ägaren till ett privat konstgalleri. Som nu också blir ägare till en hög med klagomål mot henne. Han får för övrigt också erbjudanden från exorcister. Synska talar i allmänhet med en röst om det onda som härrör från målningen.
Det här fotot var prototypen för "Hands Resist Him":
Detta är också Stoneham men senare
Det ryska måleriet har också sina konstigheter. Ända sedan skolan känner alla till Perovs trojka. Roten till denna trio är en liten rättvis pojke. Perov hittade en modell för denna bild i Moskva. En kvinna med sin 12-årige son gick nerför gatan på en pilgrimsfärd.
Kvinnan förlorade alla sina andra barn och sin man, och Vasya blev hennes sista tröst. Hon ville verkligen inte att pojken skulle posera, men senare gick hon med ändå. Men efter att målningen var klar, mycket snabbt, dog Vasya... Kvinnan ber att få ge henne bilden, men konstnären kan inte längre göra det, bilden vid den tiden finns redan i Tretjakovgalleriet. Och Perov målar sedan ett porträtt av pojken och ger det till sin mamma.
Vrubel har också så hårt arbete. Porträttet av hans son Savva målades strax före pojkens oväntade död.
Men "Demonen besegrade"... Vrubel skrev om det hela tiden, ändrade färgen och verket hade en mycket allvarlig inverkan på konstnärens psyke.
Han slutade aldrig arbeta, även efter att verket placerats på utställningen... Vrubel kom till och med till utställningen och arbetade på duken. Bekhterev själv undersökte honom. Som ett resultat ringer de anhöriga psykiatern Bekhterev och han ställer en fruktansvärd diagnos. Vrubel placeras på ett sjukhus, där han snart dör.
Ännu ett intressant par målningar.
En av dem är "Maslenitsa" av Kuplin
den andra tillhör Antonov.
Målningarna blev särskilt kända 2006, när en inspelning dök upp på Internet, enligt uppgift på uppdrag av en elev. Vem påstod att kopian tillhör en galnings penna, men det finns en funktion i bilden som omedelbart indikerar författarens psykiska störning. Många människor börjar leta efter denna skillnad, men naturligtvis hittar de den inte... eller snarare, det finns många alternativ som erbjuds, men det är inte möjligt att kontrollera om det är korrekt... ännu)
En annan fågelskrämma var porträttet av Maria Lopukhina, målat under Pushkins tid.
Hennes liv var väldigt kort och nästan direkt efter att ha skapat bilden dog hon av tuberkulos.
Hennes far, som ryktas vara en Mason, lyckades fånga sin dotters ande i en målning. Och nu riskerar varje tjej som tittar på porträttet att dö. Hon har redan mer än ett dussin då unga flickor på sitt konto. 1880 köptes målningen av filantropen Tretyakov. Efter detta slocknar ryktena.
Nästa "mörka" målning är "Skriet" av Munch. Hans liv var en stor svart strimma av tragedi - hans mors död i tidig ålder, hans systers och brors död, sedan en annan systers "schizofreni". På 90-talet, efter ett nervöst sammanbrott, behandlades han med elektrisk stöt. Han är rädd för sex och därför inte att gifta sig. Munch dör vid 81 års ålder, efter att ha överlämnat sina målningar (1200), skisser (4500) och 18 000 fotografier.
Munchs huvudmålning var hans "Skriet".
Många som var tvungna att komma i kontakt med målningen får ett ödesslag – de blir sjuka, bråkar med nära och kära, hamnar i svår depression eller dör.
Det finns också några väldigt skrämmande historier. En anställd, en helt frisk person, tappade den av misstag och fick som ett resultat attacker av huvudvärk med ökande svårighetsgrad, detta varade tills den anställde begick självmord. En annan person som tappade tavlan var med om en bilolycka och fick svåra frakturer på armar, ben, revben, bäcken och hjärnskakning. Och här kan vi ta med en nyfiken besökare som petade på bilden med fingret. Några dagar senare brinner han levande i sitt eget hus.
Holländaren Pieter Bruegel den äldre skrev "The Adoration of the Magi" inom två år.
Modellen för Jungfru Maria var hans kusin, en karg kvinna som blev slagen av sin man för detta. Det var hon som orsakade bildens dåliga aura. Duken köptes av samlare fyra gånger och efter det föddes inga barn i familjerna på 10-12 år. 1637 köpte Jacob van Kampen tavlan. Vid den tiden hade han redan tre ättlingar, så han var inte rädd för förbannelsen.
Om du tittar på den här bilden i ungefär fem minuter i rad ändras flickan på bilden - hennes ögon blir röda, håret blir svart och huggtänder växer.
"The Rain Woman" skrevs av Svetlana Taurus 1996. Ett halvår innan började hon känna någon form av uppmärksamhet, observation.
Så en dag närmade sig Svetlana duken och såg den här kvinnan där, hela hennes bild, färger, texturer. Hon målade bilden väldigt snabbt, det kändes som om någon rörde konstnärens hand.
Efter detta försökte Svetlana sälja tavlan. Men den första köparen returnerade snabbt tavlan, eftersom det verkade för henne att det fanns någon i lägenheten, hon drömde om den här kvinnan.
Det fanns en känsla av tystnad, en känsla av rädsla och oro. Regn. Samma sak upprepades flera gånger till. Nu hänger tavlan i en av butikerna, men det finns inga fler köpare till den. Även om konstnären tror att målningen helt enkelt väntar på sin betraktare, den som den är avsedd för.
Den 3 december 1961 ägde en betydande händelse rum på New York Museum of Modern Art - Matisses målning "The Boat", som hade hängt upp och ner i 46 dagar, hängdes upp ordentligt. Det är värt att säga att detta inte är en isolerad rolig incident förknippad med målningar av stora konstnärer.
Ehrenburg uttryckte förvåning över hur snabbt arbetet utfördes, eftersom det inte ens hade gått 5 minuter, vilket Picasso svarade: "Jag har känt dig i 40 år. Och under alla dessa 40 år har jag lärt mig att måla porträtt på 5 minuter.”
Det är värt att notera att den 1967 i Italien, med påvens välsignelse, släpptes med illustrationer av Salvador Dali.
En av Munchmuseets anställda tappade på något sätt en tavla av misstag, varefter han började drabbas av fruktansvärd huvudvärk, vilket ledde till att denne man begick självmord. En annan museumsanställd, som inte kunde hålla i tavlan, var inblandad i en fruktansvärd bilolycka bara några minuter senare. Och en museibesökare, som tillät sig själv att röra vid målningen, brändes efter en tid levande i en eld. Det är dock möjligt att detta bara är tillfälligheter.
Väl på gatan såg konstnären en fyllare som utan framgång försökte ta sig ur en avloppsbrunn. Da Vinci tog honom till ett av dryckesställena, satte honom ner och började rita. Föreställ dig artistens förvåning när fylleristen, när han öppnade upp, erkände att han redan hade poserat för honom för flera år sedan. Det visade sig att det här var samma sångare.
Den 3 december 1961 ägde en betydande händelse rum på New York Museum of Modern Art - Matisses målning "The Boat", som hade hängt upp och ner i 46 dagar, hängdes upp ordentligt. Det är värt att säga att detta inte är en isolerad rolig incident förknippad med målningar av stora konstnärer.
Ehrenburg uttryckte förvåning över hur snabbt arbetet utfördes, eftersom det inte ens hade gått 5 minuter, vilket Picasso svarade: "Jag har känt dig i 40 år. Och under alla dessa 40 år har jag lärt mig att måla porträtt på 5 minuter.”
Det är värt att notera att 1967 i Italien, med påvens välsignelse, släpptes en unik version av Bibeln med illustrationer av Salvador Dali.
En av Munchmuseets anställda tappade på något sätt en tavla av misstag, varefter han började drabbas av fruktansvärd huvudvärk, vilket ledde till att denne man begick självmord. En annan museumsanställd, som inte kunde hålla i tavlan, var inblandad i en fruktansvärd bilolycka bara några minuter senare. Och en museibesökare, som tillät sig själv att röra vid målningen, brändes efter en tid levande i en eld. Det är dock möjligt att detta bara är tillfälligheter.
Sista måltiden. Leonardo da Vinci.
Väl på gatan såg konstnären en fyllare som utan framgång försökte ta sig ur en avloppsbrunn. Da Vinci tog honom till ett av dryckesställena, satte honom ner och började rita. Föreställ dig artistens förvåning när fylleristen, när han öppnade upp, erkände att han redan hade poserat för honom för flera år sedan. Det visade sig att det här var samma sångare.
Konstverk som alla känner innehåller ofta okända, fascinerande berättelser.
Kazimir Malevich var den sjätte konstnären som målade en svart fyrkant, Shishkin var med och skrev hans "Morgon i en tallskog", Dali drabbades av ett allvarligt psykosexuellt trauma och Pablo Picasso överlevde efter ett djärvt svar på Gestapo. Vi beundrar skönheten i de största målningarna, men berättelserna som hände före, under eller efter målningen av mästerverk förblir ofta bortom vår uppmärksamhet. Och helt förgäves. Ibland låter sådana berättelser dig bättre förstå konstnären eller helt enkelt bli förvånad över livets egendomlighet och kreativitet.
Bright Side har i detta material samlat de mest intressanta och okända berättelserna om stora målningar.
Malevichs "Svarta torget" - ett av de mest kända och omdiskuterade konstverken - är inte en sådan innovation.
Konstnärer har experimenterat med färgen "helsvart" sedan 1600-talet. Det första solidt svarta konstverket kallat The Great Darkness målades av Robert Fludd 1617, följt av Bertal 1843 med hans verk View of La Hougue (Under nattens täcke). Mer än tvåhundra år senare. Och sedan nästan utan avbrott - "Rysslands skymningshistoria" av Gustave Dore 1854, "Negrarnas nattkamp i en källare" av Paul Bilhold 1882, en helt plagierad "Battle of Negroes in a Cave in the Dead of Night" av Alphonse Allais. Och först 1915 presenterade Kazimir Malevich sin "Black Suprematist Square" för allmänheten, vilket är exakt vad målningen kallas i sin helhet. Och det är hans målning som är känd för alla, medan andra är bekanta bara för konsthistoriker.
Malevich själv målade minst fyra versioner av sin "Black Suprematist Square", som skilde sig åt i design, textur och färg, i hopp om att hitta absolut "tyngdlöshet" och formflykt.
Precis som med Black Square finns det fyra versioner av Scream i världen. Två versioner är målade i olja och två i pastell.
Det finns en åsikt att Munch, som led av manodepressiv psykos, skrev den flera gånger i ett försök att ta ut allt lidande som grep hans själ. Och det är möjligt att det hade funnits fler konstiga små människor som skrek av outhärdlig plåga om artisten inte hade gått till kliniken. Efter behandlingsförloppet försökte han aldrig mer reproducera sitt "Scream", som blev en kultklassiker.
Den enorma freskmålningen "Guernica", målad av Picasso 1937, berättar historien om en räd av en volontärenhet från Luftwaffe mot staden Guernica, som ett resultat av vilken staden med sextusen totalförstördes. Tavlan målades bokstavligen på en månad - de första arbetsdagarna med målningen arbetade Picasso i 10-12 timmar och redan i de första skisserna kunde man se huvudidén.
Detta är en av de bästa illustrationerna av fascismens mardröm, såväl som mänsklig grymhet och sorg.
"Den store onanisten", Salvador Dali
I en film med en konstig och arrogant titel även för vår tid finns det faktiskt ingen utmaning för samhället. Konstnären avbildade faktiskt sitt undermedvetna och bekände för betraktaren.
Duken föreställer hans fru Gala, som han älskade passionerat; gräshopporna, som han var livrädd för; fragment av en man med skurna knän, myror och andra symboler för passion, rädsla och avsky.
"Ivan den förskräcklige och hans son Ivan 16 november 1581", Ilya Repin
"Morgon i en tallskog", Ivan Shishkin
Mästerverket, bekant för varje sovjetiskt barn från dess hisnande läckra och knappa godis, tillhör inte bara Shishkin. Många konstnärer som var vänner med varandra tog ofta till "hjälpen av en vän", och Ivan Ivanovich, som målade landskap hela sitt liv, var rädd att hans rörande björnar inte skulle bli som han ville. Därför vände Shishkin sig till sin vän, djurkonstnären Konstantin Savitsky.
