Nyligen öppnade en utställning tillägnad INAKI-konstnärsgruppens 40-årsjubileum, som inkluderar Viktor Bogorad, Sergei Kovalsky och Boris Mitavsky, på konstcentret Pushkinskaya-10. Deras verk genom åren presenteras. Vad kan du se här? De gamla goda verken har förmodligen redan sålt slut, så för var tionde nya (skapad efter 1991) finns det bara ett gammalt (före 1991). Därav problemet.
Det finns ett manifest från 1973 där konstnärer insisterade på att deras verk inte skulle klassificeras som abstraktion eller surrealism. Tyvärr går detta inte att undvika, åtminstone i förhållande till nya verk. För att vara exakt, vi har att göra med salongssurrealism, lätt att förstå.
Inom film finns det en term "exploitationsbio", när en film utnyttjar ett visst banalt tema för att maximera intäkterna med minimala investeringar. Vi kan se något liknande i exemplet med nuvarande nonkonformism, som ofta är engagerad i att utnyttja sig själv, av de bilder som uppfanns i Sovjetunionen. Naturligtvis händer det att vissa ämnen inte förlorar relevans under lång tid. Men det finns faktiskt inte så många av dem som artister föreställer sig.
Ett av problemen för den generationen konstnärer var förtrycket av officiell konst av de behöriga myndigheterna under Sovjetunionen. Av denna anledning, eftersom de var på toppen av kreativ aktivitet, kunde de inte hitta lämpliga förutsättningar för utveckling. Som ett resultat skapades konst för intern konsumtion, endast matad av sin miljö, och detta fortsatte under ganska lång tid. Det var svårt att inte vänja sig vid detta. Än i dag fortsätter spelet om nonkonformism, som slutar med produktionen av Sotsart-intriger som liknar varandra. Det finns ett problem till som jag inte vill prata om, men du kan inte ignorera det. Alkohol. Han förstörde många artister...
Konstnären Sergei "Africa" Bugaev identifierar ett annat problem, ett mer globalt. Isoleringen av den ryska, och framför allt St. Petersburg, konstnärliga gemenskapen, besattheten av sig själv. Det är inte konstigt att konstnärer befinner sig avskurna från allt som händer inom världskonsten.
”Det finns ingen cirkulation inom konstnärlig verksamhet. Det finns ett ögonblick av stagnation, säger Bugaev. "Samtidigt har vi fortfarande en uppdelning i officiell och inofficiell konst." I denna mening kan gränserna nu helt raderas, eftersom den tidigare nonkonformismen för länge sedan kunde ha blivit officiell glamour.
"Afrika" antyder också att det för närvarande inte finns någon bra utställnings- och museiinfrastruktur som ger konstnärer möjlighet att visa sina verk i andra städer. Konstföremål stagnerar. Men faktiskt, utställningens livslängd är mindre än en månad. Vad då? Sedan kommer målningarna tillbaka till ateljéerna...
När det gäller frågan om intern konsumtion av konst är detta i själva verket en manifestation av snobberi mot dem som "inte förstår." Det visar sig att ägande av konstföremål är de som "förstår" (men inte alla har pengar för denna "förståelse").
Folkkonst i det moderna samhället behandlas ofta som något skamligt och overkligt. Trots att det ryska museet är fyllt med verk av folkkonst.
Men i till exempel Tyskland anses en vanlig persons köp av en målning av en ung, intressant, relevant konstnär, som i sina verk visar motstånd mot systemet, vara ett normalt fenomen.
Konsthögskolans rektor. Dvs. Repin Semyon Mikhailovsky uppmanar till att inte reflektera över Pushkinskaya-10, eftersom varken den som sådan eller allt som är kopplad till den har funnits på länge. Naturligtvis är konstnärerna från den gamla generationen värda att komma ihåg, men det är dags att sluta uppfatta deras verk som samtidskonst. Begreppen nonkonformistisk konst är förlegade, och om vi på något sätt positionerar oss i ett museumssammanhang, då på ett lämpligt sätt. Det är ingen mening att på konstgjord väg marginalisera oss själva, annars blir det bara ett försök att skapa en konstruerad konflikt. För det mesta är sådana utställningar verkligen gjorda för en själv, och konstmarknaden är inte intresserad av författarna själva. De människor för vilka Pushkinskaya-10 är ett främmande fenomen är helt enkelt inte intresserade av sådana ämnen.
Vill du agera som en sann nonkonformist i dessa dagar, att göra något som strider mot officiell ideologi och inofficiell konst? Häng hemma en målning i genren socialistisk realism, gjord på ett klassiskt sätt, som skildrar elever som reser jungfrulig jord. Vackert och mot systemet.
I Sovjetunionen fick dessa konstnärer inte bara arbeta utan också leva normalt. De utvisades från universiteten, släpptes inte in i kreativa fackföreningar och placerades till och med på psykiatriska sjukhus. Och det beror bara på att de inte fungerade som föreskrivet.
Maxim Kantor. "Röda huset"
"Måleri från Glasnosts tid" ("Malerei der Glasnost-Zeit") är titeln på utställningen, som äger rum i Niedersachsen Emden, på Kunsthalle Museum of Contemporary Art, som i år firar 25-årsjubileum. De icke-konformistiska konstnärerna, förbjudna i Sovjetunionen, vars verk visas här, upptäcktes på 1980-talet för väst av skaparen av detta museum, även grundaren och tidigare chefredaktören för den berömda tyska tidskriften Stern, Henri Nannen. Men hur kom dessa verk till Tyskland? Hur lyckades de få dem ut ur Sovjetunionen? Och varför hittade de sin "registrering" i Emden?
Psykiatriska patienter
Sjukhusavdelning. Kallt klinkergolv. Dåliga sängar längs väggarna. De olyckliga patienterna på detta troligen psykiatriska sjukhus ligger och sitter på dem. Sju män var böjda vid bordet över en tidning med ett korsord – den enda tankeställaren här, verkade det. Dessa sju är inte som andra patienter: deras ansikten är för uttrycksfulla, deras ögon är för intelligenta... Är de verkligen upptagna med att lösa ett korsord? Eller är detta en hemlig sammankomst av dissidenter gömda på ett mentalsjukhus? Författaren till målningen "Korsord" Maxim Kantor ger inget direkt svar. Vi måste göra detta.
Maxim Kantor. "Crossword" (1985)
Kantors verk är kärnan i utställningen "Måleri från Glasnosts tider." Kunsthalle presenterade först många av sina utställningar redan på 80-talet. Den första utställningen tillägnad verk av unga expressionister, realister och spiritualister i Moskva och Leningrad (som tyskarna klassificerade de sovjetiska icke-konformisterna) organiserades just då.
Konstnärernas verk som fann modet att inte skapa som föreskrivits ovan, utan gjorde ett kompromisslöst val till förmån för fri kreativitet, skapade en verklig sensation. Västtysk media talade entusiastiskt om Maxim Kantor, Leonid Purygin, Lev Tabenkin, Alexei Sundukov. Idag är deras namn kända över hela världen. Och sedan blev det faktum att det i Sovjetunionen fanns så modiga och samtidigt extremt begåvade mästare en verklig upptäckt för väst. Den sovjetiska konsten förknippades trots allt vanligtvis med tråkig och pretentiös socialistisk realism.
"Cruisa" genom studion av förbjudna artister
Som curatorn för utställningen, konstkritikern Lena Nievers, sa, kom målningarna till Emden tack vare Henri Nannen, infödd i denna stad, en berömd journalist, grundare och sedan många år chefredaktör för tidskriften Stern. Han reste ofta till Sovjetunionen, där han samlade material till sina rapporter. En gång följde han till och med Tysklands förbundskansler Konrad Adenauer under hans första möte med Chrusjtjov i Moskva.
Under åren bildade han en vänkrets i den sovjetiska huvudstaden. Genom dem kom Nannen, som var en stor älskare av konst och ägare till en utmärkt samling målningar, i kontakt med representanter för "inofficiell" konst i Sovjetunionen.
I början av 1980-talet gjorde Henry Nannen en slags 14-dagars "kryssning" genom halvunderjordiska workshops för 50 informella konstnärer i Moskva och Leningrad. Och det han såg i dessa eländiga källare sänkte honom. Han köpte allt han kunde och lyckades till och med ta med sig tavlorna till Tyskland. Sant, för detta var han tvungen att slå många trösklar och använda alla sina Moskva-förbindelser. Och 1982 anordnade Nannen en utställning som besökte München, Stuttgart, Düsseldorf, Wiesbaden och naturligtvis Emden och blev en stor framgång.
Några år senare åkte journalisten, tillsammans med sin fru Eske Ebert-Nannen och den berömde konstkritikern Gerhard Fink, återigen till Moskva och Leningrad studios. Totalt skaffade han mer än 100 verk där på 80-talet. 1986 finansierade filantropen skapandet av Kunsthalle i Emden. Konstbeundraren investerade nästan alla sina besparingar i byggandet av detta museum, som blev Nannens gåva till hans hemstad. 1996 gick Henry Nannen bort, och Kunsthalle leddes av hans änka.
Att känna ingen rädsla
"Den här utställningen chockade mig Under andra världskriget kämpade jag på östfronten, sedan var jag i sovjetisk fångenskap. Och nu har vi, de besegrade, njutit av livet och friheten segrare, levde i så många år som i ett läger.
"Fantastiska, rent hjärtskärande dukar Under den sovjetiska diktaturen kunde detta bara skapas av människor som inte kände någon rädsla och djupt älskade sitt hemland."
Sådana recensioner av utställningen "Painting from the Times of Glasnost" finns att läsa i Emdenmuseets recensionsbok.
På stubben står en katt med vidöppna ögon av fasa. Hon försöker fly ur den lilla flickans händer. Hon dör också av rädsla och försöker att inte titta på det stackars djuret, men med all kraft trycker hon det mot trädet. I närheten finns en fruktansvärt smal kvinna. Hon har redan höjt yxan. "Jag vill leva..." är titeln på en målning skriven av Lenina Nikitina, en överlevande från Leningrads belägring, en representant för den äldre generationen av den sovjetiska underjorden.
Alexey Sundukov. "Transition" (1988)
"Transition" av Alexey Sundukov. Den breda passagen till tunnelbanan rymmer knappt den tätt packade publiken. Alla är olika klädda: vissa är i vinterdräkter, andra är i sommarkostymer. Det är inte klart vilken tid på året det är. Det finns läderregnrockar, kappor med pälskrage, officersuniformer och öppna ljusa klänningar. Landshalsdukar, stickade mössor, kepsar. Kala huvuden, eleganta frisyrer, blygsamma hårklippningar. Bilden är övermättad av bilder. Det är ljus i slutet av tunneln. Folk rör sig i hans riktning. Fast – flyttar de? Eller står de bara där? Endast ryggar, huvuden och armar är avbildade. Ben - liksom ansikten - är inte synliga. Och därför förblir det ett mysterium om denna skara kommer att göra övergången till ett nytt tillstånd, om den kommer att fångas av frihetens starka ljus.
50-60-tal "tina". Den 1 mars 1953 dör Stalin. Många intellektuella på den tiden var väldigt glada och bestämde sig för att allt äntligen skulle bli annorlunda. Landet började återgå till ett normalt liv efter det kulturella misslyckande som inträffade under Stalins tid. Konsten kännetecknades av monstruös konservatism. Socialistisk realism (baserad på sent Peredvizhniki-måleri, nyklassicistisk och 1900-talsskulptur som tolkats av Maillol och Bourdelle) fick stöd. Detta var en effektiv antimodernistisk strategi. För en levande konstnärlig process är detta ett monstruöst misslyckande. Undertryckande av oliktänkande. Arvingarna till allt som var mest efterblivet kom till rodret för den nationella regeringen. Stängd period. Konstnärer övergav sina idéer och utvecklingar. Den socialistiska realismen är helt heterogen, men ändå fanns det enande för hela landet. Picasso sa ironiskt nog att sovjetiska konstnärer måste ha speciell färg på sina uniformer och stövlar. Konstnärernas individualitet syns inte. Under sovjettiden fanns det ingen som helst figur av en fri konstnär (frilansare). Allt var strikt organiserat. Pittoresk växt (som en fabrik). Där inkom ansökningar om kompositioner. En monumental växt, en skulpturväxt... Beställningen kan utföras av en konstnär ensam, eller en grupp kan arbeta. Konstnären försågs med arbete och inkomsterna var goda. Det fanns en komplex mekanism för att ge och ta emot arbete: både enastående figurer av anläggningen och några inbjudna personer utvärderade det. Det fanns ingen riktig inspiration och passion. Det var många uppgifter, så det fanns inte tid att sköta allt arbete ansvarsfullt. Det fanns en bank av ämnen av olika kroppsdelar och andra saker (det var möjligt att montera Lenin bit för bit). I Ryssland förväntades alltid något stort från en konstnär, men den sovjetiska konstnären var oftast ett samvetsgrant hack. Konsten under de sista åren av Stalins regeringstid och de första verken av Tö-perioden sammanfaller inte med tidigare års patos. (trött på stalinistisk konst: målningen "Deuce Again" av Fjodor Reshetnikov är ett anekdotiskt verk). Rätten till integritet återställs.
Tina: den äldre generationen med ackumulerad trötthet (reshetnikovs konservativa konst) och den yngre generationen, som insåg förtryckets outhärdlighet (sammanfallande med början av en mer öppen politik).
På 50-talet ägde ett antal utställningar rum (Festival of Youth and Students). Abstrakt expressionism är fantastiskt. Det fanns inte ens Vrubel och Serov på museerna. En specifik bild av världskonsten skapades. Och så faller västerlandets senaste konst på en sådan oförberedd sovjet. Det finns inget att jämföra sådana avslöjanden med. Världsbildsparadigmets kollaps.
Våra artisters kreativa initiativ för att övervinna sådan stagnation:
Uppdelad i höger (engagemang till 1800-talet, Wanderers) och vänster (Andronov, Nikonov, vänder sig till arvet från pre-avantgarde och avantgarde, OST "a) riktningar.
Nikolai Andronov "Rafters", 1960-1961.
Representerar förklaringen om en ny tid, en ny människa. Förkärlek för rysk impressionism. Det var otänkbart för en konstnär från Stalinperioden att överge en målnings fullständighet. Människor av svårt öde avbildas. Eftertryckligt monumentaliserad. Formen är enklare, tuffare, mer monumental. Understryker hjältarnas silhuetter. Neo-OST bildstrategi. Det här är en predikan. Moralisk guide. ("ni borde vara så enkla byggare av vår framtid"). Den atypiska placeringen av figuren med ryggen är ett djärvt bildmässigt uttalande.
Konst tillgänglig för massorna. Hårdstilsartister kommer att bli mainstream. Försvagningen av ideologiskt förtryck och allmän kulturell öppenhet väckte liv till många konstnärer utan anknytning till den allmänna konstscenen och med konstutbildning. Konstnärer dök upp från den nybildade bohemen (Oscar Rabin, Ilya Kabakov).
Konsten är indelad i orelaterade lager.
Vladimir Yakovlev "Katt och fågel", 1981
Påminner mig om Picasso. Sekundärt komplex. Konstant av den sovjetiska konstnären. Man kan se hur artisterna försöker överbrygga klyftan som har uppstått. Många citat. Många konstnärer stannade kvar i historien som uttolkare utan egen individualitet. Och många nonkonformister är sårade av denna sekundära natur.
Figuren av en messiansk figur från sextiotalet, en profetisk roll.
Ett kraftfullt kulturellt lyft, men allt är inte så bra. Till en början tog myndigheterna lätt på dem, som konstigheter. Men på 60-talet. de kan inte längre ignoreras. 1962 - utställningen "New Reality" (Yankilevsky, Okänd, etc.). En västeuropeisk korrespondent besökte av misstag denna utställning och skrev en kort anteckning, vilket var en chock för Chrusjtjov (i Europa vet alla om detta, men här gör vi inte det?!). Det här är fel konst som ställs ut i rätt miljö. En utställning tillägnad trettioårsjubileet för Moskvas konstnärsförbund anordnas i Manege, där Deineka, Falk och andra visas där också. Vår ledning har aldrig besökt en utställning i ett sådant antal. "blödning i Moscow Union of Artists". Chrusjtjov står inför cezanismen och andra nya experiment. De fick smeknamnet "freaksfabriken".
Dagen efter skrev de om denna utställning på förstasidan av tidningen Pravda.
Ernst Neizvestny
Skulptur "Centaur with Raised Hand", 1962.
Hade en lång korrespondens med Henry Moore. Huvudpersonen i det okändas kreativa värld är en kentaur. Dels djur, del människa och del maskin. Det finns likheter med verktygsmaskiner. Särskilt uttrycksfull. Det finns inga lugna, statiska poser. Hans plastiska konst är influerad av Rodin, Moore och andra. Idén om konstnärens medborgerliga plikt.
"Hand of Hell" 1971
Ett överflöd av hål i kompositionen.
Som en skadad människokropp.
han förde den tvångsformiga formen ut ur kriget.
"Livets träd"
Från början ville jag ha en struktur med många skulpturer, inuti vilka det skulle finnas en byggnad. Skulpturerna var tänkta att visa mänsklighetens historia sedan tidernas begynnelse. Den var monterad i en kammarversion.
"Chrusjtjovs gravsten" Den mest betydelsefulla gravstenen. Använde färg som uttrycksmedel.
Ett antal monument över offer för förtryck.
"Mask of Sorrow" nära Magadan.
Vadim Sidur
Utexaminerad från Stroganovka. Han gick igenom kriget och blev allvarligt skadad.
"Självreplikerande maskin" sent 50-tal. Den skulpturala motsvarigheten till en mekanism. Beundran för bilarna ger vika för skräck.
"Inaktiverad" Den centrala delen ser ut som en köttkvarn.
GrobArt är en ironisk variant av popkonst.
"Man from the Coffin" ("Dead Man") Sammanställd från saker som hittats på en soptipp.
"Profeter" Vattenarmatur och uppblåsta handskar.
Han arbetar mycket som monumental skulptör.
"Monument till de dödade av bomber", 1965
En skulptör av tragiska proportioner.
"Monument till dem som dog av kärlek"
"Sorrow" 1972
"Monument till dem som dödats av våld", 1965
"Caller" Noggrannhet i den formella lösningen. Huvudet ersätts av en kraftfull gest av öppna handflator.
Eliy Belyutin
Han skrev en bok om möblernas historia och var i allmänhet en framgångsrik inredningsarkitekt. Han satte upp gemensamma kreativa vandrarhem och organiserade utställningar i skogen.
"Lenins begravning", 1962
En narrativ duk med det abstrakta måleriets prestationer. Bredden i den bildmässiga gesten, det fantastiska omfånget. Dukens längd är 4 meter. Porträttigenkänning av Lenin. En fantastisk paradox, något som inte kan existera. Det var lätt att förverkliga på en våg av kreativ entusiasm. En av 60-talets mest vågade och innovativa opus inom måleri.
"Woman and Child" påminner mig om bortgångne Picasso. Stort format. Djärv applicering av färger.
Konst är beroende av västerländsk konst. Inhemsk konst kommer alltid ikapp. Surrealismen var helt frånvarande. Senare uppstod intresse för honom som ett missat fenomen. Fast på den tiden var det inte alls nytt, utan i allmänhet redan historia.
Hulo Sooster
Närmast hans konst är Max Ernst. Fast på ett äggmotiv.
"Rött ägg", 1964. grov konsistens och fläckar.
Vladimir Yankilevsky
"Rymden av upplevelser" 1961. "någon kom ikapp Miro!"
Lianozovskaya konstkommun. Runt familjen Kropivnitsky (Evgeny Rukhin, Oscar Rabin, Nemukhin, en galax av poeter...).
Oscar Rabin
Tidigare konstnärer var inom ramen för systemet, men han överensstämmer inte på något sätt med verkligheten. I en utstött position.
Den bär på kulturen från det ryska avantgardet från Jack of Diamonds-gruppen. Misslyckades med att slutföra sin konstutbildning. I målningarna finns "chernukha, dyster, vardagsliv."
"Pass" är det mest kända och skandalösa verket. Påminner mig om Jasper Johns (Flagga). Det dras mot ekvationen för passet och planet. Det var för detta arbete som han utvisades från landet.
I hans lägenhet i Lianozovo samlades hela den inofficiella konstnärliga delen av Moskva. Organiserade det inofficiella konstnärliga livet i Moskva. Alla konstnärer förenade juridiskt liv med subversiv konstnärlig verksamhet.
Anatoly Zverev
Jag studerade ett år på Pyatak. Fick huvudpriset på ungdoms- och studentutställningar. En lysande improvisatör. I själva verket var han hemlös. Han skapade inte sitt eget konstnärliga system. Han var känd för sin kreativa exhibitionism.
Vladimir Nemukhin
"Stilleben med kort" 1989.
I allmänhet är kort ett ständigt motiv i hans verk. Bilden är indikativ för ett post-avantgarde-fenomen, ett försök att övervinna avantgardet. Gränsläge mellan bild och objekt. Kortet är en av plastmodulerna. Konventionellt suprematist, ett gränstillstånd för ett verkligt föremål och en geometrisk komposition. Målningen är ett objekt, samtidigt ett kartongbord och ett plan. Ytterligare rörelser beskrivs med krita.
"Oavslutad Solitaire" 1966.
Homage till Tachisme (gestmålning).
"Poker on the Beach" 1974. Vid första anblicken betonas abstrakta illusoriska indelningar.
Eduard Steinberg
kreativ konstnär okänd belyutin
Han har inget komplex om sitt beroende av 20-talets konst. Han känner sig som en innovatör, även om han bara reagerar på det som redan har uppfunnits. Men han försöker inte bokstavligen återuppliva suprematismen. Det finns inga skarpa röda, svarta, vita, rika färgnyanser.
Komposition från 1972. En kvadrat tas som referenspunkt, men den blir liten, så den introducerar en skarp skugga. Förfinad utveckling av Suprematism. En förvrängd vision av Malevichs verk.
"Komposition med cirkulära sektioner" Planen roterar, skär varandra, en variant av att föreställa sig en geometrisk abstraktion.
”Komposition 1983” Rotationer, cirklar. Metafysisk övernaturlig verklighet är aktiv vid denna tid.
Dmitry Plavinsky
Typ av jordkonstnär. Fokuserar på problemen i det ryska livet. Tar upp den bortglömda världen i den ryska byn. Fragment av hyddor, stockar (metafor för förstörelsen av det inhemska ryska livet).
"Big Butt" 1978.
Konstnären är en filosof. Gedigna metaforer i bilderna av ruttnande kojor.
Nikolai Kharitonov
Primitivt idylliska bilder. Konservativ soilism i Moskvas metafysiska målning. De flesta av dukarna är tillägnade gamla ryska kyrkor. Något som liknar Kustodievs konst. Konsonans med neo-impressionism. Det ser väldigt provinsiellt ut mot bakgrund av världskonsten. Bilden av en romantisk utstötning.
"Semester"
Det fanns olika sätt att komma överens med verkligheten. Vissa artister kastade sig djupare in i den fula sovjetiska verkligheten. Sovjetiskt gemensamt samliv håller på att bli ett av nyckelteman för Moskvas inofficiella konst.
Mikhail Roginsky
Han avbildade olika sorters tekannor, primuskaminer, tändstickor... Parallellt med popkonsten, men vi har ett helt annat sätt att leva. Rabins dysterhet är dock främmande för honom, han förnekar inte verkligheten.
"Tekanna" 1963.
Eftertryckligt djärv, tjock målning. Visar naturens plastkvalitet. När jag tittade på miljön valde jag den lämpliga bilden för den. Demonstrativ antiesteticism.
”På köttavdelningen” 1981-1982.
Bildtekniken och den psykologiska situationen är viktiga.
”Sniper Pavlyuchenko” 1966 Bilden av ett vardagsföremål förstoras. Lådan växer ur storleken på tavlan. Den närmaste parallellen till popkonsten.
Oleg Tselkov
Verkade aktivt på 60-70-talet. Konstnären är individualist och undviker allmänna rörelser. Tema av antropomorfa varelser (nosparti, bilder). Märkliga antropomorfa varelser målade i ljusa färger. Konstig mask. En typisk person för en totalitär regim, en ansiktslös hjälte i systemet. Det knyter ihop alla.
"Akrobater och trollslända" 1974. En hög med färgat kött.
"Nekrolog" 1971. Ett skrämmande, pittoreskt rekviem. Hotande rött ansikte.
"Sextiotalets genier" är en speciell individualism. Viljan att skapa din egen stil. Sedan började det irritera dem. Generationen efter det andra avantgardet skiljer sig radikalt från dem.
Moskva romantiska konceptualism
(termen introducerades av Boris Groys)
Representanter: Ilya Kabakov, Erik Bulatov, Viktor Pivovarov, Oleg Vasiliev, Andrey Monastyrsky.
Väl integrerad i systemet. Vi illustrerade barnböcker (ett lukrativt segment av statliga kontrakt). Barnlitteraturen erbjuder många möjligheter till självuttryck och sökande efter nya former. Etiken i Kabakovs krets är att få samvetsgrann hack att fungera.
60-70-tal - konceptualism.
MOSKVA KONCEPTUALISM
Joseph Kosuth tar upp frågan om idén som det huvudsakliga inom konsten. Närvaron av en idé bestämmer värdet av verk.
Fauvism, kubism - en ny tolkning av ämnet.
Den ryske konstnären längtar efter något utanför den konstnärliga världen. Kandinsky och Malevich förvisar ämnet från konstnärens intresseområde. För en rysk konstnär är ämnet inte så viktigt (med undantag för Monastyrskys verk). En språkkonflikt, inte en uppgörelse med ämnet. Allt är fiktion och fantasi.
I sovjetisk konst finns det konflikter mellan beskrivningsspråk (språket i hushållsreklam). Obscent ordförråd är mycket viktigt i konceptualism. Sextiotalets människor uttryckte sig på ett språk – var och en på sitt eget.
"Konceptualism är inte målningen, utan betraktaren" (I. Kabakov)
För en konceptualist är betraktaren en medbrottsling. En konceptualist är en samvetsgrann sovjetmedborgare. Duktiga människor, inte marginaliserade. Andra typer av beteende i rysk konst som inte ens de som är "insatta" kan förstå.
Innehållets uttrycksfullhet (rysk konst handlar alltid om något, konstnären försöker berätta något). De tillgriper den talande personen. Detta är inte en konstnärs tal, utan av en fiktiv karaktär.
Ilja Kabakov
"Vems fluga är detta?" 1960-talet
Ser ut som en sovjetisk anslagstavla. Det finns en fluga i mitten, längst upp är det lite dialog om flugan. En sorglig berättelse om det gemensamma livet. Texten är helt involverad. Typsnittet är som en väggtidning.
En totalinstallation är ett slags totalutrymme för användning av flera typer av konst.
Totalinstallationer är installationer byggda på att betraktaren inkluderas i sig själva, designade för deras reaktion i ett slutet utrymme utan "fönster", ofta bestående av flera rum. Den huvudsakliga, avgörande betydelsen i det här fallet är dess atmosfär, den aura som uppstår på grund av målning av väggar, belysning, konfiguration av rum, etc., medan många, "vanliga" deltagare i installationen - föremål, teckningar, målningar, texter – blir vanliga komponenter i helheten. I. Kabakov. Om total installation. Kanz, 1994.
"Gemensamt kök"
Tar gärna upp museets ämne.
"Förklaringstavla för 3 förklaringar av 6 målningar" Texten i instruktionerna intog en mycket viktig plats. Det finns instruktioner, men inga bilder, bilder är inte viktiga, men instruktioner är odödliga. Konstnärlig kvalitet jämnas ut.
Han är intresserad av den genomsnittliga personen, inte genier.
Illustration till barnboken "Sagan om Terro Ferro"
All modern rysk konst är ett resultat av kreativitet.
En av de första installationsmästarna.
"Mannen som flög ut ur sitt eget rum" 1986
Idén om att fly, att övervinna gränser, är ett vanligt tema. Det för situationen till en absurd punkt. En viss sovjetisk invånare planerade noggrant sin flykt. Det finns ett stort hål i taket. Skor på golvet är allt som finns kvar av den här mannen. Rummet är litet, det finns en hopfällbar säng, en stol, något som liknar ett bord, alla väggar är täckta med affischer. Mikromuseum för sovjetisk masskultur. En installation om en människas flykt från den socialistiska nutiden. Undviker text; den förlorade berättelsen måste återställas i detalj. Maximal fristående attityd hos författaren.
"The Man Who Flew into His Own Picture" En antydan till någon absurd situation. Att övervinna gränsen mellan verklighet och illusion. Stol - frånvaro och närvaro av en person.
Aktiv vädjan till målning från kretsloppet
"Semester" eller "Semester", 1987.
Slumpmässigt collagerade bilder. Scener av lyckligt sovjetiskt liv. Klipp ut blommor på toppen.
En svår cykel att förstå.
"Rysk målning är en ständig förändring av simulacra, en samling förfalskningar"
I måleriet är han intresserad av det genomsnittliga bildsättet, det genomsnittliga, inget bildspråk.
Demonstrativ ignorering av bildens integritet. Den dominerande delen av kompositionen är fylld av vardagliga scener. Jämförelse av scener med tedrickande och simning, sovjetiska medborgares lyckliga vardag.
Den genomsnittliga målarstilen används ofta av Kabakov.
Charles Rosenthal är en fiktiv karaktär, en genomsnittlig bortglömd konstnär. Malevichs förlorade elev. En grotesk karaktär som kombinerar olika riktningar. Värdefull som en genomsnittlig misslyckad artist. Konstens historia är geniernas historia, och han är inte intresserad av dem, han är intresserad av normen. Han har sin egen "alternativ konsthistoria". Han uppfinner ”normala” konstnärer som också hade sin egen kreativa väg, sin egen utveckling. Inte ett etablerat konstnärligt öde, utan en exemplarisk typ.
Referensinstallation för "Röd bil".
Sovjetisk historia håller på att komprimeras till en. Sovjetisk verklighet. Skissen är tydligare än själva installationen. Delar upp arbetet i tre delar. Villkorlig konstruktion: superkomplexa ställningar med trappstegar. Där kan tittaren gå in. Att uttrycka en idé är en rörelse uppåt. Metafor om ohämmad optimism. Konstruktionen är meningslös – de byggde bara en röd vagn. Missmatch mellan ambitioner och resultat. Vagnen är som ett slutet, skrämmande utrymme. Den sista delen av installationen är soptippen. Resultatet av alla ansträngningar. Det är dit den sovjetiska historien leder. Ett försök att bildligt förkroppsliga sovjetisk historia.
På kort tid blev han den mest kända ryska konstnären utomlands. Bildade bilden av en typisk rysk konstnär. Det faller precis in i klichén om hur rysk konst uppfattas utomlands.
Eric Bulatov Bild-text.
De fanns bland olika konstnärer i rysk konst, de användes i avantgardet och konstruktivismen.
”Ära till SUKP” Inre konflikt med den traditionella bilden, textens verklighet projicerad på verkligheten. Extremt kallt arbete utfört.
Shishkin stil. Nära Bulatovs krets, till exempel Oleg Vasiliev.
Bilder av ledare, slagord, åsikter om VDNKh - bakom allt detta finns ingen belastande information. Han ser helt enkelt och hittar ett korrekt sätt att representera det han såg.
"Ryskt XX-talet"
Oleg Vasiliev
"Rotation"
Motivet ljus är ofta givet, som i detta verk. Avrättad i grisaille. Hämtar inspiration från 1800-talskonstnärer.
"Väg"
Endast vägmarkeringar anger en modern karaktär. Traditionellt landskap.
Victor Pivovarov
Använder färdiga blanketter.
"Meddelandetavla", ett förråd av kompositioner om drift av brandsläckare, brandförebyggande etc. En märklig diskrepans mellan språk och innehåll.
"Maria Maksimovna, din vattenkokare kokar" Förlöjligar rysk empati för litteratur. Avslöjar för tittaren vad han vill se där. Älskar paradoxer.
"Nej, du kommer inte ihåg mig" 1975
Nära till dadaistiska och surrealistiska landskap.
Konceptualister har stunder av surrealitet.
Fungerar med absurda former.
Han arbetar mycket med att förstå de konstnärliga frågorna i sig.
Konstantin Zvezdochetov
"Två hjältar" 2005
Språket är mer beklagligt. Förenklade silhuetter. Bilden tolkas i Pivovarov-stilen.
"Viola på bordet"
Avslag från bilden av en stor mästare, från museikvaliteten på målningen.
Konstantin Zvezdochetov, Sven Gundlach, bröderna Mironenko.
Uttalad lekfull karaktär. Gratis huliganbehandling, och inte några specifika enastående konstverk. Invertera konceptualistiska metoder. Djärv, chockerande ung energi. Handlingarna var roliga, djärva och farliga. En dag begravde de en av gruppmedlemmarna i skogen och sökte efter honom i två timmar tills de insåg att de verkligen inte visste var han var. Aggressiv hård kontakt med publiken. Parodier på kollektiv handling. De använde provokation; avvisade skarpt konceptualisternas allvar. Tydlig minskning av plastkraven. Demonstrativ användning av barnteckningar. Hemlagad popkonst.
"Lång rubel" Ineptitude och överdriven munterhet.
Föregångare till auktionismen i Moskva.
De spelade in "Golden Album", ett collage av humoristiska dikter och popparodier. Gjort som ett skämt, för vänner. Men oväntade framgångar inträffar.
Nonkonformism eller inofficiell - en märklig, till stor del paradoxal reflektion i de sköna konsterna av den andliga, psykologiska och sociala situationen i Sovjetunionen på 1960- och 1980-talet av 1900-talet.
Till skillnad från tjänstemannen gav den inofficiella inte företräde åt innehåll, utan till konstnärlig form, i vars skapelse konstnärerna var helt fria och oberoende. Separationen av form från innehåll ledde, enligt den officiella doktrinen, till förlust av innehåll, därför inofficiell konst nonkonformism– definierades som formalism och förföljdes.
Konsten att nonkonformism, trots att de konstnärer som klassificerats i denna riktning oftast inte var medvetna anhängare av den huvudsakliga filosofiska trenden på 1900-talet, kan väl kallas existentialistisk, eftersom den bekräftade individens absoluta unikhet. Idealistisk estetik nonkonformism baserades på idén om konstnärens själ (inre jag) som källan till skönhet. Denna idé innehöll en rebellisk protest mot den objektiverade världen, som överbryggade klyftan mellan subjektivitet och objektivitet, vilket ledde till att problemet med att vara i störande och ovanliga former uttrycktes. Nonkonformismens existentiella uppror var i samklang med 1900-talets världskonst och, flera decennier sent, inkluderade den i världskonstrummet.
Kärnan i det existentialistiska upproret var hotet om förlust av individualitet, maximerad av sovjetisk totalitarism. 1900-talets globala oro för att den av människan skapade föremålsvärlden underkuvar den som skapat den och som, som är inne i denna värld, förlorar sin subjektivitet, intensifierades under sovjetiska förhållanden av den kollektivistiska ideologins dominans. Denna ideologi, upphöjd till statspolitikens rang, tillät existensen av uteslutande konformister, orubbliga i sin önskan att inte vara sig själva, utan en del av helheten.
S. Kierkegaard förstod tillvaron (tillvaron) som något extremt subjektivt. " Tillvaron är ständigt singularis, det allmänna (abstrakta) existerar inte" Existentialism icke-konformistiska konstnärer(i de flesta fall omedvetet) var en manifestation av skaparens mod att vara sig själv, att inte vara rädd för att möta det universella mänskliga problemet med bristen på mening med livet. Sökandet efter mening och uppkomsten av förtvivlan under 1900-talet hänger samman med Guds morgon under det föregående 1800-talet. " Tillsammans med Honom dog hela systemet av värderingar och betydelser inom vilket människan fanns. Denna vändpunktshändelse upplevs som både förlust och befrielse och leder till modet att ta på sig ingenting."(P. Tillich, 1952). Nonkonformism som en konstnärlig rörelse ägde den i högsta grad det inneboende samtidskonst kreativt mod att möta verklighetens förtvivlan och, efter att ha uttryckt det i sina verk, visa modet att vara sig själv.
Den raseri som sovjetisk ideologi föll på nonkonformism, vittnade om känslan av ett allvarligt hot mot samhällets andlighet, som kommer inifrån, från en del av det. Neurotiskt symptom på motstånd mot icke-existens genom att reducera vara, d.v.s. förnekande av alla aspekter av verkligheten indikerar neurotiska försvarsmekanismer i myran själv och det existentiella begäret efter traditionella garantier, för den socialistiska realismens idealiserade naturalism. Existentialistisk konst under 1900-talet kännetecknas av förtvivlans mod, genererat av frånvaron av meningen med tillvaron, och självbekräftelse trots allt. I förhållande till konstnärens personlighet var oro för ödet och döden huvudproblemet samtidskonst och nonkonformism som en del av det.
Nonkonformism kännetecknas av en fördjupning i konstnärens själ (inre jag) och ovanliga uttrycksformer av nytt psykologiskt material. Konstnärens "vaknande själ" kommer i kontakt med vilket som helst, även det minsta fenomen i den samtida verkligheten, belyser nya aspekter av föremålet när det kommer i kontakt med mentallivet. "Känslig tanke", som dras mot intryckens meningsfullhet, ger med hjälp av associationer mening åt varje bild eller antydan till den i en bild.
Spänningen av mentala krafter kan skärpa och styra konstnärens tanke och själ till transcendentala områden som är otillgängliga för vanlig upplevelse, men nödvändiga för kreativitet. Av de mest varierande och oväntade skäl kan han visa uppmärksamhet mot sin omgivning med inblandning av högre krafter i sin kreativitet.
På jakt efter en ny verklighet nonkonformismens konstövervann djärvt barriärerna från det förflutnas kanoner.
I rysk klassisk konst, då i socialistisk realism, dominerade den berättande intonationen, konstnärernas uppmärksamhet var inriktad på känslor som motsvarar direkta namn: kärlek, ilska, förtjusning, förtvivlan. Presentationen av handlingen färgades ofta av ideologisk retorik. Våldsamt avbruten i hans existens början av 1900-talet vände sig till mer subtila och djupa nyanser av mänskliga känslor. Nonkonformismens historiska förtjänst ligger i den ryska konstens uppståndelse att uppmärksamma all den oändliga mångfalden av egenskaper hos det mänskliga psyket.
Nonkonformism, som existentialistisk konst, bygger på konstnärens samtal med sin själ, och en målning kan uppstå inte bara ur starka, entydiga känslor, utan också ur en kombination av intryck, referenser och det inre behovet av att vidmakthålla den ordlösa skönheten, som om ropa på hjälp - skönheten som uppstår från konstnärens behov av att se den och känna den. Den dolda innebörden av bilden erhålls genom ansträngning av medvetande som syftar till vaga förnimmelser och detaljer i djupt mentalt liv.
Sökandet efter en svårfångad verklighet inom nonkonformismens konst färgas av en eskatologisk bild av kollapsen av det traditionella värdesystem som har utvecklats under totalitarismens nästan halvsekel. Allt detta skapade en mängd olika stilar och rörelser inom nonkonformism som en enda konstnärlig rörelse.
En mängd olika kreativa tekniker genererade också den mänskliga faktorns axel. För att ägna sig åt inofficiell konst under nonkonformismens år behövdes en storskalig personlighet mer än någonsin tidigare. Starka och djupa själar (svaga förkastades av själva nonkonformismens historia) gav upphov till starka och djupa känslor. En historiskt aldrig tidigare skådad upprepning av fenomenet har uppstått Van Gogh, och i förhållande inte till en mästare, utan till en hel grupp konstnärer, när bristen på professionalism i vanlig mening inte hindrade skapandet av något nytt inom konsten. Konstnären arbetade under ett omedelbart hot mot den fysiska existensen av både sitt verk och sig själv. Till detta kom omöjligheten av flykt (till skillnad från Nazityskland, varifrån emigration var möjlig), och bristen på kontakt med omvärlden, "Modet att vara sig själv" för icke-konformistiska konstnärer var mod inte bara kreativt, utan också mänskligt. Kanske är det därför som nonkonformism visade sig vara så intressant som en konstriktning, eftersom en bild skapad under dödshot bär på en inre spänning som kommuniceras till betraktaren.
Unikt i konsthistorien, en gemenskap av starka individer visade världen en lika unik variation av stilar och konstnärliga sätt som utmärker nonkonformism
Störtandet av det totalitära förtrycket i det sovjetiska samhället och konsten är jämförbart med revolutionen som vände upp och ner på livet i det ryska imperiet och den ryska konsten i början av seklet. Den sovjetiska totalitarismen förtryckte konsten historiskt under en kort tid - lite mer än ett halvt sekel, men intensiteten i förtrycket var sådan att denna tid måste räknas som de räknas i krig - om två eller till och med tre år.
Konsten att non-konformism är fylld av en känsla av världens chock, som ekar i universums viddighet. Den är komplex och associativ, metaforer om frihet uttrycker i den den mänskliga skaparens inre väsen. I detta liknar nonkonformisterna avantgardekonstnärerna i början av förra seklet, när " Tidens fläkt har särskilt format nya konstnärers synvinkel"(A. Kamensky, 1987).
Verkligheten under de avlägsna åren var allt i övergång och jäsning, den betydde något snarare än utgjorde något, den tjänade mer som ett tecken än den tillfredsställde. Det var en virvel av konventioner mellan ovillkorlighet kvar och ännu inte uppnådd. Ett halvt sekel senare upprepade situationen sig. På 1960-talet hade den sovjetiska totalitarismen uppenbarligen överlevt sin användbarhet och blivit en absolut övergivenhet, och frihet och demokrati tog platsen för en dröm, förväntad men ännu inte uppnådd.
Från tidens oro nonkonformister som arbetade under jorden bokstavligen (som Arefiev på trappavsatsen, andra i vaktmästar- och stokersrummen) och gick bildligt talat vidare till drömmar och förhoppningar. Liksom visioner framför dem, tillsammans med upphetsat febriga, ofta fyllda av hat, uppstod plötsligt scener av det verkliga livet, bilder av oändligt utrymme och lycka, som gav plats för reflektioner av själens tragiska förvirring. Många av dem bevisade i sitt arbete att en person, i ännu högre grad, kan förkasta den sociala nivån av existens och leva i det gränslösa väsendet, äta autotrofiskt, dra verkligt innehåll i sig själv, i sensualiseringen av förnimmelser, i det inre livets subtiliteter , i metafysik och estetik. För andra fungerade konsten som en sfär för social aktivitet. Följande M.Vlaminck de tillfredsställde önskan" olyda, skapa en värld levande och befriad" Den enda utgångspunkten för nonkonformism var konstnärens personlighet, " känna sig själv, och hennes gränser, och hennes rättigheter, och synder och närhet till galenskapen» ( P. Lillikh 1952). Konstnären, som kastade sig in i djupet av sin ande, med hjälp av introspektion, insåg sina möjligheter i sitt arbete. Det fanns ett behov av att utveckla en ny kreativ metod, en uppsättning formalistiska tekniker, såsom stilisering - att stärka verklighetens särdrag med hjälp av samma verklighet, eller deformation - en metod för att abstrahera från verkligheten, ett sätt att manifestera det irrationella, med flera.
Med all komplexitet och rikedom hos originaltekniker var nonkonformism en enda konstnärlig rörelse, modernistisk till sin natur, baserad på idealistiska filosofiska teorier och estetiska system från 1900-talet.
I den mest allmänna formen kan vi inom denna konstnärliga rörelse urskilja grupper av kreativt nära konstnärer, som liknar varandra i sin vision av världen och sin själ, i metoderna för att överföra denna konstnärliga vision till betraktaren. Samtidigt avslöjas en viss konsekvens i graden av känslomässig abstraktion från verkligheten, från den sociala nivån av konstnärens existens.
/
– De konstnärer som är mest förknippade med den omgivande verkligheten och tänker kritiskt i sitt arbete är konceptualister.
II- Att spegla verkligheten och deras intryck med nya konstnärliga medel - neorealister och nyimpressionister.
III– De som ser högre makters manifestationer i verkligheten är nysymbolister.
IV- Brännande av känslor, bryta verkligheten i ljuset av deras starka och
av tvetydiga känslor - expressionister.
V– Drömmare är surrealister.
VI- Att förmedla sina känslomässiga rörelser och sinnesstämningar genom att kombinera
färger och former - abstraktionister.
Inom Sovjetunionens inofficiella konst fanns det inga lagar för statlig reglering av den konstnärliga processen. Konstens utveckling överlämnades till sina egna lagar, i sin renaste form, i vilka, enligt den berömda specialistens rättvisa anmärkning Yu.V.Novikova, utvecklade konsten tidigare bland dem som senare kom att kallas resande, konstvärlden och impressionisterna. Med en betydande skillnad - skapelseprocessen nonkonformism tyngdes av den "ännu inte smälta glaciären av det allvarligaste sociala trycket."
Starka personligheter som ägnade sig åt inofficiell konst var individuella och originella i sina konstnärliga sökande. Peredvizhniki eller impressionisterna bildade små samhällen som bestod av flera konstnärer liknande stil.
Nonkonformism, som ett konstnärligt fenomen inom världskonsten, förvånar med det stora antalet artikulationer (många hundra) och mångfalden av rörelser som ingår i den. I avsaknad av information ("järnridån") väckte själva tidsandan, några obetydliga informationsbitar, rykten i litteratur och musik liv till konstnärliga former som sammanföll med samtida former av världskonst. Ibland fynd nonkonformism före innovationerna i väst.
Nonkonformism i allmänhet anses av många som " en galen blandning av russofiler och västerlänningar, salongen och djupet av konstnärer som arbetar på en mängd olika sätt, förenade genom att vara på samma sida av barrikaderna"(A. Khlobystin, 2001). Denna militära terminologi bör dock inte skymma den huvudsakliga, djupare likheten mellan den existentiella grund som bestämde gemenskapen inom mångfalden och förenade den till ett enda konglomerat – konstnärernas ömsesidiga närhet "i deras estetik" (S. Kovalsky, 2001).
Plastisk mångfald, formskapande experiment gav upphov till genre- och stilvarianter av kreativitet nonkonformister:, traditionell och intellektuell primitivitet, surrealism, (med en blandning av kristna och orientalistiska motiv), genre, genreporträtt m.m.
I detta arbete är endast huvudströmmarna i nonkonformism. Samtliga har vidareutvecklats under det moderna postmodernistiska 2000-talet.
Dagar med gratis besök på museet
Varje onsdag är entré till den permanenta utställningen "Art of the 20th Century" och tillfälliga utställningar i (Krymsky Val, 10) gratis för besökare utan en rundtur (förutom utställningen "Ilya Repin" och projektet "Avantgarde in three" dimensioner: Goncharova och Malevich").
Rätten till fri tillgång till utställningar i huvudbyggnaden på Lavrushinsky Lane, Engineering Building, New Tretyakov Gallery, V.M. Vasnetsov, museumslägenhet för A.M. Vasnetsov tillhandahålls följande dagar för vissa kategorier av medborgare:
Första och andra söndagen i varje månad:
för studenter vid högre utbildningsinstitutioner i Ryska federationen, oavsett studieform (inklusive utländska medborgare-studenter vid ryska universitet, doktorander, adjungerade, invånare, assisterande praktikanter) mot uppvisande av ett studentkort (gäller inte personer som uppvisar studentkort "student-praktikant" );
för studenter från sekundära och sekundära specialiserade utbildningsinstitutioner (från 18 år) (medborgare i Ryssland och OSS-länderna). Studenter som innehar ISIC-kort den första och andra söndagen i varje månad har rätt till fri entré till utställningen "Art of the 20th Century" på New Tretyakov Gallery.
varje lördag - för medlemmar av stora familjer (medborgare i Ryssland och OSS-länderna).
Observera att villkoren för fri entré till tillfälliga utställningar kan variera. Se utställningssidorna för mer information.
Uppmärksamhet! I galleriets biljettkontor tillhandahålls entrébiljetter till ett nominellt värde av "gratis" (mot uppvisande av lämpliga dokument - för ovan nämnda besökare). I detta fall betalas alla tjänster från Galleriet, inklusive utflyktstjänster, i enlighet med det fastställda förfarandet.
Besöker museet på helgdagar
Kära besökare!
Var uppmärksam på öppettiderna för Tretyakov Gallery på helgdagar. Det tillkommer en avgift för att besöka.
Observera att inträde med elektroniska biljetter sker enligt först till kvarn-principen. Du kan bekanta dig med reglerna för retur av elektroniska biljetter på.
Grattis till den kommande semestern och vi väntar på dig i salarna i Tretyakov Gallery!
Rätt till förmånsbesök Galleriet, utom i de fall som föreskrivs i en separat order från galleriledningen, tillhandahålls mot uppvisande av dokument som bekräftar rätten till förmånsbesök på:
Gratis besök rätt Galleriets huvudsakliga och tillfälliga utställningar, utom i de fall som föreskrivs i en separat order från galleriets ledning, tillhandahålls följande kategorier av medborgare mot uppvisande av dokument som bekräftar rätten till fri entré:
Besökare till ovanstående kategorier av medborgare får en "gratis" entrébiljett.
Observera att villkoren för rabatterad entré till tillfälliga utställningar kan variera. Se utställningssidorna för mer information.
