Русское народное декоративно-прикладное искусство.
Века.
Резьба по дереву . Из дерева делали мебель, посуду, орудия труда, возводили избы. Народ выработал много приемов резьбы: геометрическая, скобчатая, сквозная, рельефная и др. Крыши крестьянских изб увенчивались монументальной скульптурой коня, птицы. Деревянная резная и долбленая посуда (чаши, фигурные сосуды, ставы –глубокие чаши с крышкой).
Роспись по дереву и лубу. Расписывали посуду, прялки, шкафы, колыбели, сундуки, сани. Было две росписи: живописная и графическая. Из живописных –хохломская роспись масляными красками на точеной деревянной посуде. Хохломские ложки, чаши, миски
Резьба по кости. В Белом море добывался материал – моржовый клык, он способствовал успехам косторезного дела. Основные приемы украшения изделий – гравировка и плоский рельеф. Изображали животных, целые сцены охоты, чаепития, прогулок, библейские сюжеты. Расписывали табакерки, различные коробочки, то в виде туфелек, то сердец, гребни, ларцы, веера. Для крестьянского быта выполняются недорогие изделия – гребни, ларцы в виде теремков, серьги.
Керамика . Занимаются гончарством, лепят игрушки. Чернолощеная посуда иссиня-черного цвета, полученная от воздействия коптящегося пламени, декорируется лощением – сплошным или орнаментальным. Миски, кувшины, рукомои. Простые формы глазурованной посуды оживляются цветными потечными глазурями, зелеными, красно-коричневыми, растекающимися во время обжига. Гжельская майоликовая посуда – изделия из цветной глины, покрытые непрозрачным стекловидным составом – эмалью. Изображают – домики, птиц, зверей, деревья, травы, цветы.
Игрушка. Одним из крупнейших центров выработки деревянной раскрашенной игрушки стал Троице-Сергиев посад. Сергиевские свистульки, птички, коньки, куклы. Во 2пол. 19в. распространение получила гжельская майоликовая игрушка. Она лепилась от руки или в двустворчатых формах. Игрушка из глины – женщины в конусообразных юбках, всадники, птицы. . Известностью пользовались вятские игрушки (слобода Дымково) – глиняные кавалеры на коне в шляпе, важные барыни, водоноски., птицы, полусказочные звери.
Ткани, вышивка, кружева. Ручное ткачество – на ручном станке женщины ткали холст, полотно, узорные ткани. Материал – лен, конопля, хлопок. Украшали ткани вытканные узоры, набойка. Основа ручного ткачества – переплетение по счету нитей: вертикальных и горизонтальных. Узорным тканьем украшали рубахи, передники, полотенца, простыни. Набойка – способ нанесения на ткань узора посредством резной доски, предварительно покрытой краской. Вышивка украшение праздничной одежды и бытовых предметов – полотенец, платков, скатертей. Золотое шитье украшали свадебные головные уборы. Кружево в праздничной одежде и предметах быта применяется вместе с вышивкой. Наиболее раннее плотное и простое по технике Михайловское кружево (его выплетали из суровых льняных или хлопчатобумажных нитей). Знаменитое вологодское кружево (элементы узора – цветок, напоминающий ромашку, стилизованная птица – пава, выкладывают тесьмой – вилюшкой).
Архитектура Беларуси.
Архитектура новейшего времени 1990 нач. 2000-х характерна новаторскими поисками. Происходят изменения в градостроительной концепции: развитие планировочной структуры городов идет путем перехода к системе «город-пригород». Возрастает роль строительства малоэтажных и индивидуальных жилых домов. Получили распрастранение дороги-обходы, позволяющие миновать город (Логойск, Кобрин, Гомель). Распрастранение получила скульптура и колористика (памятники князьям Давиду в Даивд-Городке, Борису в Борисове, Ф.Скорыне, М.Гусовскому и К.Туровскому во внутреннем дворике БГУ). С нач. 2000г. становление художественного облика белорусских городов осуществляется с использованием графических средств и декоративного освещения, которые служат ориентиром в пространстве, выполнения информационных функций, открывают новые эстетические грани зданий и сооружений (здания на проспектах Независимости, Партизанском, Победителей – в Минске, Петропавловский собор и дворец Румянцевых-паскевичей в Гомеле, стела Победы в Мозыре), храм во имя Преподобной Ефрасиньи княжны Полоцкой в Минске, Свято-Крещенская церковь в Гродно. Из новых строительных материалов используются тонированные и зеркальные стекла (Ледовый дворец в Минске, Гомеле, Гродно, Жлобине, Витебске) главный корпус железнодорожного вокзала, офисный центр 21 века в Минске, здание Национальной библиотеки в Минске. Современные конструкции основаны на сочетании металлических каркасов и внешнего остекленения и стен выпоёлняющих утилитарную и декоративную функцию. Связи с разнообразием строительных материалов возведение жилья осуществляется с использованием железобетонных конструкций, панельное строительство, применяется кирпич. Возрождается высотные малоэтажные и индивидуальные жилые дома, построенные по типовым проектам. В 1992-1997 создан жилой городок для военнослужащих в г.п. Россь Волковыского района. Широкое распрастранение получило строительство индивидуальных жилых домов котежного типа на пригородных территориях (поселки Боровляны, Новинки Минского района). В архитектуре коттеджей воплотились мотивы барокко, классицизма, модерна, готики, народного зодчества. В 2000 г. построены мемориальный ансамбль воинам-пограничникам в Гродно, архитектурный знак «Белоруским партизанам в Минске». Здание главного корпуса железнодорожного вокзала в Минске архитекторы – Крамаренко, Виноградов они удостоены Государственной премии Б. 2004г.
К архитектурным памятникам относятся: Мирский замок, Несвижский замок, Гродненский замок, Агинский канал, Крепостная стена в Гродно, Благовещенская церковь в Витебске, Лидский замок, костел Терезы в Щучине.
Изобразительное искусство в конце 20 века начало 21 века.
Во 2-ой половине 80-х годов 20 века сложились все основные направления изобразительного искусства 20в. - начала 21в.: церковная живопись, в том числе иконопись (Н.Мухин, В.Балабанов, И.Глазунов, Е.Максимов, В.Шилов); «этюдная школа» живописи для которой характерен традиционный русский пейзаж (В.Сидоров, В.Щербаков, В.Телин, В.Полотнов); авангард (Злотников, Янкилевский, Наседкин); русский постмодерн (Дубов, Кислицин, Маркелова, Терещенко); «актуальное искусство». Особенностью изобразительного искусства рубежа 20-21в. является то, что оно стало свободно от цензурного гнета, от влияния государства, но не от рыночной экономики. Если в советское время профессиональные художники были обеспечены пакетом социальных гарантий, их картины закупались в национальные выставки и галереи, то теперь они могут рассчитывать только на свои силы.
В 1947 была создана Академия художеств. В 50-х годах была установлена жестая система. Художник обучающийся в вузе должен пройти ряд этапов.
1 этап – окончить художественную школу
2 этап – окончить художественное училище или институт.
Свое обучение закончить большой тематической картиной. Затем становится членом союза художников. Периодически представляя на официальной выставке свои новые работы. Главным заказчиком художественных работ у мастеров было государство. Конец 50-х над Москвой взметнулись высотные здания со шпилями. Они назывались «Высотки». Их было 7 штук. 1967 в Москве построена Астанскинская телевизионная башня. Автопроект Никитина 1907-1973 этот архитектор участвовал в строительстве комплексов Дворца культуры в Варшаве, монумент «Родина-мать зовет!» телевизионная башня и ресторан «Седьмое небо». Стали появляться жилищные комплексы напоминающие постмодернистическую культуру Запада. Потом в Москве на смену блочной архитектуре пришло разнообразие форм, стиля материал (стекло). В стиле хайтек построена в Минске Национальная библиотека 2002. Особенно популярен Московский стиль – восстановленный храм Христа Спасителя, который возглавил список крупнейших. Но самый грандиозный проект в Москве «СИТИ» с десятками небоскребов. В 21 веке осуществляется строение 25-этажное. Ристоврируется комплекс «Хатынь» (Силиханов, Занкович). «Брестская крепость» - Волчок, Сысоев, Занкович, Назаров участие принимали скульпторы – Бобыль, Бембель. В живописи стало распространяться ваблио. Это жанр иронических рисунков, который включает в себя вербальность перекличку с популярным в народе фильмом Гугарев его работа «ночной дозор». Следующий период эгоцентризм. Новаторство и конформизм это когда в работах прослеживается метафора и концепция, которой пришли на смену тематические направления. А.Босолыга – «Молитва». В 21 веке возвращается христианство, возрождается икона, ристоврируются храмы, церкви. В современной школе 21 века отсутствует влияние заподноевропейского искусства. В графике – свободная линия это интеллектуальная игра линий. Ю.Подолин «Люстэрка». В 21 веке в графике возрождаются малые формы открытки, объявления, афиши и книжная графика. Появляется графика с цветом. Развитие получает компьютерная графика. В этом направлении: Борозна, Яковенко. Печатная графика ослабило свое развитие литография, эстант выполняется на металлических пластинах. Автор Звенцов «Основы графики». Возрождается художественное фото и оказывает сильное воздействие на графику. Развивается интуитивное искусство.
Реферат по учебной дисциплине "Культурология"
на тему: "Русская живопись XX-XXI веков".
План
1. Введение.
2. Основные направления в живописи XX века и яркие их представители.
3. История создания ГМИИ А. С. Пушкина.
4. Живопись России XXI века.
5. Заключение.
6. Список литературы.
1. Введение.
Русская живопись ХХ - XXI веков - чрезвычайно сложное явление, в котором переплелись различные направления, жанры, имена, события, объединения. Всё вместе это составляет довольно пёструю картину, отражающую все те перемены и тенденции, которые происходили в российском обществе.
Отечественная живопись - это целая панорама, несущая в себе не только внешнее эстетическое изображение, но и внутреннее духовному богатству. Каждый из значимых представителей отечественной живописи заслуживает своего зрителя и своего исследователя. И даже картины соцреализма, которые сегодня ввиду перемены идеологии могут показаться чуждыми современному человеку, не должны исключаться из изучения и эстетической программы по нескольким причинам. Они оказываются свидетелем и воплощением исторических событий недавнего прошлого. Но также эти полотна ценны и по своим художественным качествам. Этого нельзя отрицать и перечёркивать.
Всплеск интересных явлений в живописи 70 - 80 гг. свидетельствует о том, что в отечественное искусство таило в себе немалый потенциал, который, несмотря на все препоны и запреты, сумел прорваться наружу.
Всеобщий упадок 90-х годов тоже не стал полным препятствием для развития живописи. Множество наносного и бездарного со временем начало уходить, а 2000-е, благодаря коренному перелому, получили возрождённые меценатские и духовные традиции. Сегодня для развития живописи есть все условия: отсутствие запретов, множество учебных заведений, возобновлённая практика частных заказов, огромное количество галерей, в которых можно выставляться. Главное слово у новой российской живописи ещё впереди.
2. Основные направления в живописи XX века и яркие их представители.
Закат Российской империи сопровождался - в широком смысле - противодействием светлого и тёмного начал. Культура, являясь своеобразным индикатором на перемены в обществе, немедленно откликнулась на происходящее в стране.
Вместе с произведениями эпохи Серебряного века, которые обладали несомненной эстетической и художественной значимостью, было немалое количество ничего не значащих картин. Очень часто эксперименты в области живописи буквально переходили грань, за которой терялись нравственные ориентиры и создавались произведения, по сути своей враждебные человеку.
Во избежание путаницы в многочисленных модных тенденциях, возникших в начале ХХ века, их разделили на два основных направления - авангард и модернизм.
Начало ХХ века - это торжество Серебряного века, наступление которого ознаменовалось рождением художественного объединения «Мир искусства». В него вошла элита того времени, лучшие критики, публицисты, музыканты и, конечно, художники этого периода: А.Н. Бенуа (1870 - 1960), М.В. Добужинский (1857 - 1957), Л.С. Бакст (1866 - 1924), К.А. Сомов (1869 - 1939), Е.Е. Лансере (1875 - 1946) и другие - каждый из них привносил в эту группу единомышленников что-то своё. Их стали называть «мирискусниками», подчёркивая и принадлежность к содружеству, в котором они состоялись, и одновременно отдавая им должное как создателям феерии бесконечных фантазий, стилизаций импровизаций.
Деятельность «мирискусников» была направлена против творчества передвижников. Они считали их традиции отжившими. К главным фигурам объединения принадлежал и С.П. Дягилев (1872 - 1929), несмотря на то, что он не был художником. Однако благодаря именно ему организовывались регулярные выставки участников «Мира искусств», а позже начал издаваться и одноимённый журнал, каждый номер из который можно назвать шедевром. Концепция «Мира искусства» - это соединение старых дворянских традиций и культуры разночинцев. Диапазон их деятельности был широк, он включал в себя и иконопись, и современную живопись.
Другой гранью русского искусства начала ХХ века был символизм. Художники этого содружества были объединены в группу, носившую название «Голубая роза» - по названию своей выставки в 1907 году. Свою цель символисты видели в напоминании людям о другой жизни - высокой, недоступной, той, что находится в горнем мире. Задачей символистов было приобщение своих зрителей к этой жизни, олицетворяющей прекрасное. Участниками содружества были С.Ю. Судейкин (1882 - 1964), Н.П. Феофилактов (1878 - 1941), М.А. Борисов-Мусатов (1870 - 1905), М.А. Врубель (1856 - 1910), М.С. Сарьян (1880 - 1972) и другие.
Ещё одним крупным художественным явлением следует назвать содружество «Бубновый валет». Представители объединения - московские художники - объединились вместе для того, чтобы осуществить поиски истинного искусства, заключавшегося, по их мнению, в постимпрессионистском пути. При этом они допускали и поддерживали и другие направления в искусстве - фовизм, кубизм, примитивное народное искусство, в том числе, и русский лубок. Организатором «Бубнового валета» следует назвать М.П. Ларионова (1881 - 1964), а самыми выдающимися участниками - П.П. Кончаловского (1876 - 1956), А.В. Куприна (1880 - 1960), братьев Бурлюков, И.И. Машкова (1881 - 1964), Р.Р. Фалька (1856 - 1958), А.В. Лентулова (1882 - 1943).
Вызов всем направлениям бросили авангардисты, которые стремились к отказу от всех предыдущих правил и норм. Цвет русской авангардной живописи - это М. Ларионов, Н. Гончарова, В. Кандинский, К. Малевич, П. Филонов. Провозгласив новое свободное искусство, они с энтузиазмом устраивали шумные встречи в московском Политехническом музее, где происходили их горячие дискуссии по поводу искусства.
Представители авангардизма каждый по-своему создавали сложный калейдоскоп из цветовых пятен, распадавшихся на углы, линии, яркие точки фигур, всё дальше уходя от реального мира и узнаваемого изображения. Парящие над городом люди на картинах М. Шагала, кубистские настроения Р. Фалька, конструирующие свои портреты и натюрморты на объёмных, преломлённых на плоскости форм; карта Северного полушария под потолком Исаакиевского собора П. Филонова - все эти опыты свидетельствовали об отказе от привычных изображений, стремлении к беспредметности [Соловьёв; 606 - 607].
Несмотря на все эти яркие проявления новых стилей и направлений, нельзя сказать, что реализм остановился в своём развитии. В начале века всё ещё продолжали творить И.Е. Репин (1844 - 1930), В.А. Серов (1865 - 1911). Уникальнейшими мастерами того времени, навсегда вошедших в историю искусства, являются М.А. Врубель (1856 - 1910), в картинах которого магическим образом переданы красота мира, тайна жизни человека и величие его духа; К.А. Коровин (1861 - 1939), сумевший на своих полотнах мастерски передать неуловимое, мгновенно промелькнувшее и ускользающее впечатление игры и света; В.Э. Борисов-Мусатов (1870 - 1905) - представитель символизма и певец созерцательности, мягкой грусти и поэтичности.
Корифеем русской живописи является Б.М. Кустодиев (1878 - 1927), на картинах которого навеки запечатлён быт российской провинции и роковые последствия революционных событий. Со вкусом и сочностью написанные сцены из жизни купцов и мещан производят невероятное впечатление своей свежестью и праздничностью.
Значительный вклад в развитие живописи внесло объединение под названием «Союз русских художников», в состав которого входили А.Е. Архипов (1862 - 1930), К.А. Коровин (1861 - 1939), Л.В. Туржанский (1875 - 1945), С.А. Виноградов (1869 - 1938), К.Ф. Юон (1875 - 1958), С.Ю. Жуковский (1873 - 1944) и другие. Участники этого объединения предпочтение отдавали пейзажу, органично продолжая традиции этого жанра, тянущиеся из XIX века.
Логичным было появление и объединения, являющегося порождением эпохи. В 1922 году была образована АХРР - Ассоциация художников революционной России. Назначение своё они видели, согласно декларации, в живописном документировании процесса становления и формирования Советской России в реалистическом ключе. Ассоциация отвергала авангардные и иные изыскания. В Ассоциацию входили П.А. Радимов (1887 - 1967), Е.А. Кацман (1890 - 1976), Г.К. Савицкий (1887 - 1949), Е.М. Чепцов (1874 - 1950), И.И. Бродский (1884 - 1939), Ф.С. Богородский (1895 - 1959), А.М. Герасимов (1881 - 1963) и другие.
В дальнейшем это направление станет главенствующим на долгие годы. Ассоциация просуществовала до 1929 года, но её распад не означал окончание «документирования» советской жизни, а напротив, её активное продолжение. В 30-х гг. ХХ века укоренился соцреализм. О неофициальных течениях в живописи уже не было и речи. Более того, искусство теперь проходило отбор и по идейно-идеологическим критериям. Главным в нём стало не стиль, манера, художественный язык, а партийность и выражение социалистической идеи построения общества.
В этот период выдвигаются такие художники, как А.А. Дейнека (1899 - 1969), Б.В. Иогансон (1893 - 1973), Ю.И. Пименов (1903 - 1977). Среди направлений главенствующим делается станковая и монументальная живопись. Однако отвоёвывает себе место и исторический жанр (С. Герасимов), и народная тема (А. Пластов), и бытовой жанр (Ю.И. Пименов), и портретный (П.П. Кончаловский, М.В. Нестеров, П.Д. Корин). Однако по-прежнему в русской живописи остаются уникальные мастера, находящиеся в непрерывном поиске (К.С. Петров-Водкин, 1878 - 1939).
В 40-е годы развитие живописи, как и других видов искусств, подчинено основному трагическому событию этого времени - Великой Отечественной войны. В этот период развивается не только живопись на героическую тематику, но и карикатура, плакат (ярчайшие представители - Кукрыниксы), а также художники, вошедшие в студию военных художников имени М.Б. Грекова (1882 - 1934). Батальная живопись находит в их работах достойное воплощение (А.А. Дейнека, А.А. Пластов, К.Ф. Юон, П.Д. Корин, А.П. Бубнов).
В 1930-х. гг. развитие соцреализма продолжается. Наиболее крупные художники этого периода предпочитают исторические темы, вследствие чего на первый план выходит историко-революционный жанр. Прошедшая война обострила патриотические чувства художников, чем и объясняется их интерес к истории отечества и её сюжетам.
Находит своё отражение ленинская тема (В.А. Серов «Ходоки у Ленина»; коллективная работа под руководством Б. Иогансона «Выступление В.И. Ленина на III съезде комсомола»).
Отмечается интересный синтез бытового и исторического жанров (Б.М. Неменский, Ю.М. Непринцев, А.И. Лактионов). Как особое проявление жизни советских людей, переживших войну и отвоевавших победу, возникает тема мирного труда и мирной жизни. Эти полотна наполнены светом, счастьем, тихой радостью. Таковы картины А.А. Пластова, Т.Н. Яблонской, С.А. Чуйкова.
Установление мирной жизни позволило вновь обратиться к радостям жизни, красоте родной природы, вследствие чего приобретает своё первоначальное значение пейзажный жанр в своём лирическом прочтении (в противовес фоновой функции на батальных полотнах времён Великой Отечественной войны). В этом плане талантливо проявляют себя Г.Г. Нисский, Н.М. Ромадин, В.В. Мешков. В портретном жанре по-прежнему лидирует П. Корин. Период 40-х гг. знаменателен ещё и тем, что на живописном поприще практически не появляются, и все достижения базируются на опыте и мастерстве уже устоявшихся художников.
50 - 60-е гг. - это формирование новых тенденций в живописи. Художники с прогрессивными взглядами стремятся к новизне, идеологических оков, парадности, помпезности. Целью мастеров нового поколения становится адекватная передача действительности, однако не в грубой и прямой форме, а посредством через гражданственно-романтический флёр. Им важно было передать свои идеи через индивидуально-образное воплощение.
На живописной арене совместно действовали как молодые художники, стремящиеся к импрессионистскому началу в своих работах, ярко выраженной непосредственности, так и старые мастера, проявившие себя в предыдущие десятилетия. Среди новшеств 60-х гг. - появление т.н. «сурового стиля», представители которого в своём творчестве отражали суровую действительность, но опять-таки через романтическую призму. Таковы полотна А. и П. Смолиных («Полярники», «Стачка»), П.Ф. Никонова («Стачка»), Н. Андронов «Плотогоны».
Не остаётся без внимания и портретный жанр. В этом плане примечательны имена Т.Т. Салахова, И.А. Серебряного, Д.Д. Жилинского и, конечно, П.Д. Корина.
Историческая тема в 60-е годы начинает звучать в современном воплощении. Здесь крупнейшим художником оказывается Г.М. Коржев (1925 - 2012), творчеству которого присущи обострённость чувств и драматизм.
Примечательно творчество В.Е. Попкова (1932 - 1974), который отличался не только особым, гражданственным настроем своих картин, но и постоянными творческими поисками («Двое», «Ой, как всех мужей побрали на войну», «Мой день»).
Деревенская тема расцветает в творчестве В.И. Иванова (р.1924), гармонично соединившего в своих произведениях тонкий лиризм и композиционную чёткость. Тема деревни находит своё продолжение и в живописи 70-х гг., как и монументальное направление в живописи, которое было свойственно и шестидесятым и семидесятым годам. Без монументальной живописи невозможно было себе представить различные новые постройки, комплексы и другие урбанистические объекты.
70 - 80-е гг. - время выхода на авангардные позиции искусства ряда новых мастеров, среди которых выделяется имя Т.Г. Назаренко (р. 1944), которая вошла в советское искусство вслед за такими крупными живописцами, как Виктор Попков, Гелий Коржев, Виктор Иванов. Назаренко продолжила развитие современной тенденции реализма в изобразительном искусстве. В широком спектре разнообразных творческих устремлении живописцев этого периода заметна её тяготение к традициям прошлого и особенно к живописи раннего Возрождения и фольклору. Среди новых имён 70-х - А.Н. Волков, О.В. Булгакова, А.Г. Ситников, Н.И. Нестерова, В.С. Орлов.
В живописи 70 - 80-гг. наблюдается разностилье, тяготение к символистическому выражению, отказ от строгих правил и канонов, размывание жанровых границ. Интересным проявлением этих годов является развитие неофициального искусства, андеграунда. Работы представителей этого жанра зачастую экспонировались за рубежом. Это искусство не признавалось властями, подвергалось преследованию со стороны официальных кругов.
Неофициальное искусство в основу свою положило сложный художественный язык. От зрителя требовались интеллектуальные усилия, чтобы понять такое искусство. Ярким носителем такой альтернативной культуры явилось течение под названием соц-арт, представителями которого традиционно считаются В.А. Комар, А.Д. Меламид, В.С. Орлов, Л.П. Соков, А.С. Косолапов, Д.А. Пригов.
Во второй половине 80-х гг. противостояние официальной и альтернативной культур достигает своего пика. Несмотря на эти тенденции, продолжают своё активное развитие традиционных жанров: портрета, пейзажа, натюрморта. Крупнейшими мастерами портретного жанра являются И.Я. Глазунов (р. 1930), который, впрочем, проявил себя и в историческом и других жанрах; А.М. Шилов (р. 1943).
Эти же имена продолжают звучать и в живописи 90-х гг. В этот период происходит смена ориентиров практически на официальном уровне. Общественная проблематика, тема труда и деревни уходят в прошлое. На их реалистического направления и свойственных ему жанров: натюрморта, пейзажа, бытовых изображений, портреты. Начинает возрождаться живопись на заказ, в том числе, и частный. В этом контексте особенно активно проявляет себя Н.С. Сафронов (р. 1956).
Можно отметить и возвращение на полотна в качестве героев «запрещённых» исторических личностей - царской семьи, святых, различных исторических деятелей, представителей русской православной церкви, генералов-белогвардейцев.
Открываются новые галереи, в том числе, и частные (например, галерея М. Гельмана). В этих учреждениях получают возможность выставляться как молодые художники, так и уникальные коллекции, собираемые веками.
Таким образом, можно сказать, что русская живопись ХХ века совершила своеобразный круговорот: от разнообразия стилей, имён, жанров и противоречий она прошла сквозь официоз советского периода для того, чтобы в конце ХХ - начале XXI века вернуться к спорам, противоречиям и поискам.
3. История создания ГМИИ А. С. Пушкина.
ГМИИ А.С. Пушкина - это осуществление всероссийской мечты об общедоступном музее. Его история началась в 1886 году с момента объявления о конкурсе на лучший проект здания, предназначенного для музея изящных искусств. Важнейшая заслуга в задумке и осуществлению этого проекта принадлежит И.В. Цветаеву (1847 - 1913). Первой премии конкурса был удостоен Г.Д. Гримм (1865 - 1942).
Строительство здания музея осуществлялось по новейшим достижениям техники в этой области. Было решено придать будущему музею облик античного храма. Кроме того, музей этот, по концепции И.В. Цветаева, должен был нести не только эстетическую, но и познавательную функцию.
Музей изящных искусств был открыт в 1912 году. Дата открытия была рассчитана специально, ведь в этом году отмечалось столетие Отечественной войны 1812 года. Рождение «цветаевского» музея вывело важность русских музеев на совершенно иной - социальный уровень. Кроме того, дело Цветаева содержало в себе важнейшее нравственное и идейное начало, ведь музей был создан не по личной прихоти, а на основе научной мысли, с расчётом на будущие поколения. На открытии музея присутствовала императорская чета.
Цветаев сам подготовил и руководителей музея в лице своих учеников - Н.И. Романова (1867 - 1948) и В.К. Мальберга (1860 - 1921), которые не изменяли научной концепции своего учителя и развивали учреждение именно в этом ключе. В 20-х гг. именно Романов осуществил реорганизацию музея, способствующую его преобразованию из университетского собрания коллекций в музей мирового уровня.
Ещё с университетских времён, когда музей ещё существовал на основе Кабинета изящных искусств, в его собрании имелась великолепная коллекция античных предметов: монеты, скульптуры, вазы и т.д. Приход Цветаева способствовал тому, что кабинетная коллекция выросла до уровня музея изящных искусств. До определённого момента музей базировался именно на античном искусстве, коллекция которого активно пополнялась Цветаевым, которые заказывал слепки с оригиналов из разных стран мира.
Параллельно с этим шёл и другой важный процесс - формирование коллекции из произведений живописи, графики, скульптуры, декоративного искусства. Во многом её пополнение происходило за счёт частный коллекций (В.С. Голенищева, М.С. Щёкина, С.С. Пенского, А.А. Бобринского, Д.А. Хомякова и даже великой княгини Елизаветы Фёдоровны).
Благодаря этим дарителям, коллекция музея обогатилась экспонатами различных жанров, принадлежащих европейскому и русскому искусству. Пополнение коллекций происходило параллельно с расширением и реконструкцией здания музея. Благотворителями проекта выступали крупнейшие меценаты, предприниматели и коллекционеры.
Музей изящных искусств среди других выделяло принципиальное новшество, а именно - чтение курса по истории искусств, связанное с содержанием музейных коллекций. Впоследствии кафедра истории искусств Московского университета превратилась отделение искусств, а сам предмет приобрёл самостоятельность.
Музей стал очень популярным у публики практически с первых дней открытия. Примечательно, что И.В. Цветаев оставался директором музея вплоть до своей смерти в 1911 году. В период его правления музей процветал.
С приходом советской власти музея коснулись ожидаемые перемены. Влияние новой идеологии не обошло ни одно из учреждений культуры. Произошло перераспределение ценностей, в том числе и из других музеев (например, из ликвидируемого Румянцевского музея). Частные коллекции Д.И. Щукина, Г.А. Брокара активно вливались в фонды цветаевского музея. На этой основе Н.И. Романов и создал новую экспозицию музея, базирующуюся на научных принципах. 10 ноября 1924 года состоялось открытие первых залов.
При этом процесс передачи в галерею экспроприированных и национализированных коллекций продолжался до 1930 года. Поступали экспонаты и из других музеев - Третьяковки, Исторического, Эрмитажа и других. Таким образом, собралась великолепная и практически не имеющая аналогов коллекция. В 1932 году произошло новое переименование музея, который стал Государственным музеем изобразительных искусств, а в 1937 году ему было добавлено имя А.С. Пушкина.
В период Великой Отечественной войны экспонаты музея большей частью были перевезены в Новосибирск. К сожалению, само здание было частично разрушено бомбёжками, и в 1944 году начались работы по его восстановлению. После войны сотрудники музея продолжили научную деятельность, начатую его основателями. Они вели работу по популяризации искусства, и археологические раскопки. В 50-е гг. фонды музея пополнялись во многом за счёт археологических находок.
В 1949 году был закрыт ГМНЗИ, и его экспонаты были направлены в фонд Пушкинского музея. Это больше восьмисот скульптурных работ мастеров Западной Европы и США, а также больше трёхсот живописных полотен художников различных стран. Это обстоятельство ещё более укрупнило статус музея. Однако широкий зритель получил возможность увидеть эту уникальную коллекцию лишь в 1974. В период с 1949 по 1953 гг. большая часть залов была занята подарками И.В. Сталину. После смерти вождя постоянная экспозиция, значительно обновившись, вновь стала открытой для посетителей. С этого момента начинают проводиться одна за другой выставки отечественного и зарубежного искусства.
Весьма крупными событиями, произошедшими в Пушкинском музее во второй половине ХХ века, считаются экспозиция спасённых полотен Дрезденской галереи и выставка П.Д. Корина, а также создание Отдела личных коллекций (по инициативе И.А. Антоновой).
Сегодня в музее имени А.С. Пушкина существует четыре основных вида экспозиций: слепков, античности, эпохи Средних веков и Возрождения - первый; оригиналы древнего искусства - второй; непосредственно картинная галерея, включающая полотна XVIII - ХХ веков, ровно, как и скульптуру - третий; и личные коллекции - четвёртый.
Музей ведёт активную просветительскую и учебную работу, в том числе, для детей и юношества; содержит в себе библиотеку. Всего в этом культурно-просветительском заведении насчитывается больше шестисот семидесяти тысяч произведений искусства. Это предметы живописи, графики, декоративного искусства, скульптуры, нумизматики, археологических памятников, художественной фотографии. Сегодня ГМИИ им. А.С. Пушкина включён в число особо значимых и ценных культурных объектов.
4. Живопись России XXI века .
О современной живописи XXI века ещё рано делать заключения и подводить итоги. Можно отметить одну общую тенденцию - современная живопись активно развивается по регионам, и практически в каждой области есть когорта мастеров, представляющих интерес для искусства.
Живописные направления представлены во всём своём многообразии. Помимо традиционных направлений, появились совсем новые, связанные с развитием компьютерных технологий или с другими проявлениями современности. Имеются в виду такие новаторские проявления, как фантастический реализм, минимал-арт, фотореализм, различные ответвления абстракционизма, стакизм, оптическая живопись, метафизическая живопись, наивное искусство.
Трудность заключается в том, что времена строгого отбора прошли. Сегодня не образование, не исключительный талант являются гарантией пропуска в мир искусства, а эпатаж и вызов. Зачастую за картинами современных художников, во главу угла ставящих именно эти принципы, ничего не стоит (ситуация напоминает противоречия Серебряного века).
Живопись XXI века содержит в себе очень много имён - представителей перечисленных направлений, но их значимость ещё предстоит оценить.
5. Заключение.
На основании всего вышесказанного можно сделать ряд заключений. Начало ХХ века ещё охватывает Серебряный век - последний пышный расцвет русской культуры перед мрачным засильем революционной идеологии. Серебряный век дарует искусству живописи множество гениальных имён, направлений, активное развитие жанров.
Начало советского период делит живопись на два конфликтующих лагеря - авангард и соцреализм. Последний период выходит из этой борьбы победителем и на долгие годы остаётся им. Однако назвать этот лагерь однородным нельзя. Входящие в Ассоциацию художников революционной России живописцы были очень талантливы и оставили после себя достойное наследие. То же самое можно сказать и о советских художниках-живописцах. При этом среди представителей соцреализма было немало и противоположных примеров.
В дальнейшем каждый исторический этап влиял на живопись и её развитие. 30-е гг. - это время воспевания социалистического строя; 40-е - отражение героической борьбы советского народа, развитие исторического и батального жанров; 50 - 60-е гг. характеризуются активизацией художественной жизни, воспеванием мирной жизни и труда. 70 - 80-е гг. - период обострения конфликта между официальной и неофициальной живописи, активизация неформальных художников-авангардистов, желающих сказать своё слово в искусстве, несмотря на запреты.
90 - 2000-е гг. отличаются как множеством событий и перемен, так и кризисным состоянием, наступившим в живописи. На сегодняшний момент наблюдается переизбыток имён, среди которых есть и талантливые представители и конъюнктурщики. Но история показала, что потенциал отечественного искусства неисчерпаем, и оно способно развиваться в любых условиях. Следовательно, история российской живописи ещё не дописана до конца.
6. Список литературы .
1. Гордеева М. Художественное объединение «Бубновый валет». Т.94./М. Гордеева. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.
2. Гордеева М. Художественное объединение «Голубая роза». Т.95./М. Гордеева. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.
3. Гришина Е. Союз художников России. Т.100/Е. Гришина. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.
4. Гришина Е. Художественное объединение «Мир искусства». Т.92/ Е. Гришина. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.
5. История русского искусства: В 2-х томах. - М.: Белый город, 2007. - 889 с.
6. История русского искусства. В 2-х т./ Под ред. М.Г. Неклюдовой. - М.: Изобразительное искусство, 1980. - 634 с.
7. Каган Ю.М. И.В. Цветаев. Жизнь, деятельность, личность/Ю.М. Каган. - М.: Наука, 1987. - 192 с.
8. Кравченко А.Н. Культурология /А.Н Кравченко. - М.: Академический Проект; Трикста, 2003. - 496 с.
9. Морозов А.И. Татьяна Назаренко/А.И. Морозов. - Л.: Аврора, 1988. - 69 с.
10. Перова Д. Ассоциация художников революционной России. Т.97/Д. Перова. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.
11. Соловьёв В.М. Русская культура. С древнейших времён до наших дней/В.М. Соловьёв. - М.: Белый город, 2004. - 736 с.
12. 50 лет советского искусства. Живопись. - М.: Советский художник, 1967. - 474 с.
Поль Сезанн
Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль
постимпрессионизм
Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».
130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах
Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.
Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.
Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.
В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.
Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани
Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.
Джексон Поллок
Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».
122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе
Sotheby’s
Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.
Виллем де Кунинг
Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.
121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.
С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.
На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей. Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.
Густав Климт
Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль
модерн
Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.
138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s
Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.
Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.
В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.
Эдвард Мунк
Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль
экспрессионизм
Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».
73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.
Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.
На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.
Пабло Пикассо
Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль
кубизм
По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.
130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.
Энди Уорхол
Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт
«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.
358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах
Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.
Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.
Марк Ротко
Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.
206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.
Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.
Фрэнсис Бэкон
Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм
Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.
147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».
Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.
Клод Моне
Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль
импрессионизм
Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.
210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.
Джаспер Джонс
Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт
В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.
137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.
Амедео Модильяни
Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм
Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.
65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s
В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.
Ци Байши
Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа
Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.
10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian
Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.
Клиффорд Стилл
Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм
В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание
79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.
Казимир Малевич
Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм
Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат. «доминирование»).
71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.
Поль Гоген
Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм
До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.
93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s
В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.
Анри Матисс
Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм
В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.
65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s
Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.
Рой Ли
хтенштейн
Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт
Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.
91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.
Пит Мондриан
Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм
Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.
27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s
Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.
Василий Кандинский
Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм
Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.
275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s
Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.
Фернан Леже
Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм
Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.
96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.
Эрнст Людвиг Кирхнер
Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм
Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.
95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s
После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.
Эдгар Дега
Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм
История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.
64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?
Хуан Миро
Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стильабстрактное искусство
Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.
89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.
Ив Кляйн
Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись
Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.
153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.
Сэр Лоуренс Альма-Тадема
Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм
Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.
213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.
Люсьен Фрейд
Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись
Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.
219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.
Х уан Грис
Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм
Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.
5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.
Сальвадор Дали
Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм
«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».
25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.
Марк Шагал
Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард
Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.
80x103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s
Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.
проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13
(май-июнь 2013)
Основные понятия и термины по теме: модерн, модернизм, фовизм, кубизм, сюрреализм, абстракционизм, супрематизм, конструктивизм, инсталляция, эклектизм, кинематограф, телевидение, массовое и элитарное искусство.
План изучения темы:
1.Новые виды искусства, художественные направления и стили.
Краткое изложение теоретических вопросов:
ХХ век - век торжества науки и человеческого интеллекта, век парадоксов и потрясений. Он подвел определенный итог развития мировой культуры. В это столетие культура разорвала узы региональной или национальной замкнутости и стала интернациональной. Мировая художественная культура интегрирует культурные ценности практически всех наций.
Характерным явлением для ХХ века стало заметное ослабление тех социальных механизмов - механизмов преемственности в культуре. Отдельной индивид стремится стать самостоятельным, не зависимым от культурных традиций, обычаев, установленных правил этикета, поведения, общения. При этом внутренняя свобода все больше заменяется свободой внешней, самостоятельность духа – самостоятельностью тела, что постепенно приводит к снижению духовности, уровня культуры.
Образную характеристику искусству ХХ века дал Ф. Ницше, утверждая, что «искусство нам дано, чтобы не умереть от истины».
Модернизм (новый, новейший, современный ) - совокупность эстетических школ конца XIX и начала XX столетия, которые характеризуются разрывом с традициями реализма.
К этому понятию близок авангард . Он объединяет наиболее радикальные разновидности модернизма. Эти понятия часто воспринимаются как синонимы. В нашей стране модернизм и авангард резко критиковались - в противовес «социалистическому реализму». Обычно эти понятия трактовались как показатель кризиса буржуазной культуры. Однако эта классовая точка зрения не выдерживает никакой критики. Модернистские и авангардистские тенденции – отличительная черта современного искусства.
Выступая против норм и традиций предшествующей эстетики, стремясь к новаторству любой ценой, модернизм в крайних своих проявлениях разрушает осмысленность художественного творчества и зачастую - шокирует. Но в своих лучших образцах модернизм значительно обогатил художественную культура человечества.
Ортега-и-Гассет: «Новые художники наложили табу на любые попытки привить искусству «человеческое». Личность отвергается новым искусством более всего. Со всех сторон мы приходим к одному и тому же – бегству от человека».
Именно Ортега - автор наиболее любопытной гипотезы об общем законе развития мирового искусства. Он считал, что искусство вслед за философией изменялось в зависимости от изменения точки зрения художника на окружающий мир – от вещественно-конкретного видения мира, через его субъективное восприятие – к господству чистых идей и абстракций.
Искусство всегда борется за то, чтобы человечество через все перипетии истории все же пронесло свое главное завоевание – духовность. Ибо с поражением и гибелью духовности поражен и гибнет, не имея более отличия от животных, и сам человек. В этом ракурсе и следует рассматривать то, что произошло с искусством ХХ века.
В ХХ веке произошел отход от традиций, в определенном смысле и слом традиций в искусстве. Но это не означает, что реализм и реалистические принципы изображения были отменены этим веком.
Авангард – пестрое созвездие школ, направлений, течений, которое ошеломляет каскадом красок и пестротой образов. Впечатление хаоса, обусловленного быстрой сменой вкуса. Любое Формула «Если так еще никогда не делалось, то это необходимо сделать».
Фовизм. Одними из первых представители фовизма определили переход от подготовки авангарда к собственно авангарду.
Главное – добиваться максимальной энергии краски.
А. Матисс - французский художник, основатель фовизма, стремился к обновлению декоративного искусства, ясность и радостная уравновешенность которого должны были, по его мнению, передаваться зрителю.
Светлое, жизнерадостное искусство Матисса. Наиболее известные произведения Матисса – «Танец» и «Музыка» (панно, написанные им в 1908 году по заказу С.И. Щукина) для декорации московского особняка известного мецената (ныне перенесены в Эрмитаж).
Экспрессионизм - «искусство кричать. Картина «Крик» Э. Мунка. «Никогда не было такого времени, потрясенного таким ужасом, таким смертельным страхом. Никогда мир не был так мертвенно нем. Никогда человек не был так мал. Никогда он не был так робок. Никогда радость не была столь мертва. Нужда вопит, человек зовет свою душу, время становится воплем нужды. Искусство присоединяет свой вопль в темноте, оно вопит о помощи, оно зовет дух. Это и есть экспрессионизм» (В. Турчин).
Экспрессионизм: от живописи до политики, от философии до музыки, от архитектуры до кинематографа, от театра до скульптуры.
Кубизм – творчество форм. Стремление геометризировать предмет, делая его форму архитектурной. Начало кубизма в работах Жоржа Брака и Пабло Пикассо.
Представители кубизма в России: К. Малевич, Л. Попова, Д. Бурлюк (общества «Бубновый валет», «Ослиный хвост» и др.).
П. Пикассо - универсальный художественный гений. Испанский художник, скульптор - величайший творец ХХ столетия. 15 тысяч картин, основатель кубизма.
«Герника» – шедевр живописи Пикассо, трудная для восприятия и анализа картина, где реальность выражена языком сложных субъективных ассоциаций.
Один из самых знаменитых рисунков Пикассо – «Голубь мира»,
Несовместимые крайности (реализм и модернизм) в творчестве Пикассо.
Абстрактное искусство. Первая абстрактная картина: А. Альфонс «Девушки под снегом» – чистая бумага, прикрепленная к картонному планшету. Традиционное абстрактное искусство начинается с 1910 года (с появлением первых изобразительных акварелей В. Кандинского).
В термине абстрактное искусство - глубокая двойственность, когда есть намек и на искусство, и на некую альтернативу. Это беспредметное искусство, основанное на абстрагировании изобразительных образов от конкретных объектов. Произведения абстракционистов представляют собой сочетание геометрических форм, цветовых пятен, линий. Для абстрактного искусства характерны две тенденции: абстрагирование образов от натуры до такой степени, что они перестают отражать действительность; чистые художественные формы, не имеющие связи с реальностью.
Первым художником-абстракционистом был В. Кандинский. Среди художников и скульпторов, развивавших это направление: П. Мондриан, К. Малевич, К. Брынкуши и др.
Сюрреализм (сверхреализм) как направление в искусстве сформировался во Франции в 20-е годы ХХ века. Это творчество – вне контроля разума. Французский поэт Андре Бретон издал «Манифест сюрреализма».
Согласно принципам сюрреализма, художник должен опираться на бессознательное, связанное со сновидениями, галлюцинациями, бредом, воспоминаниями младенческого возраста. А задача художника состоит в том, чтобы с помощью художественных средств достичь бесконечного и вечного. Свои произведения сюрреалисты строят как нечто алогичное, парадоксальное, неожиданное, как особую ирреальность.
Крупнейшим представителем сюрреализма был Сальвадор Дали.
Дали стремился создать фотографию бессознательного, достоверно запечатлеть свои сновидения, так как именно эта, не контролируемая извне спонтанная жизнь человеческого «Я» представлялась художнику подлинной реальностью. Он создает обобщенные художественные образы, выстраивает сложные, строго продуманные композиции «хаоса» болезненных видений.
Для воссоздания такого образа мира, где все разъединено разложением, необходима огромная сила трезвого ума, чтобы хоть как-то организовать этот бессмысленный абсурдный поток бытия. «Единственная разница между мною и сумасшедшим заключается в том, что я – не сумасшедший», – скажет однажды Дали.
Поп-арт - искусство популярное, рассчитанное на массовую аудиторию, легко распространяемое и массово производимое, отдающее большим бизнесом. Поп-арт – это своеобразное «искусство вне искусства». В композициях поп-арта часто используют реальные бытовые предметы (консервные банки, старые вещи, газеты) и их механические копии (фотографии, муляжи, вырезки из комиксов). Случайное их сочетание возводится в ранг искусства.
Художников поп-арта привлекал окружающий их мир массовой культуры, рассчитанной на потребление миллионов, когда эстетические и социальные ценности приравнивались к потребительским, обыденным, зачастую бездуховным. Они уничтожили иерархию образов и сюжетов. У них могли одинаково цениться и Леонардо да Винчи, и Микки Маус, живопись и технология, халтура и искусство, китч и юмор.
У поп-арта всегда есть дух массовости и вовлекаемости. Поп-арт явился первым большим течением авангарда, который был социализирован, вживлен в общество. Поп-арт вошел в кино, в рекламу, из которой сам первоначально исходил, в моду, в поведенческий тип жизни. Это преднамеренная неряшливость в одежде, ее разностильность, использование рекламных пластиковых пакетов в качестве сумок и т.д.
Лабораторные работы – не предусмотрено.
Практические занятия – не предусмотрено.
Задания для самостоятельного выполнения:
1. Подготовить сообщение «Разнообразие стилей и направлений в искусстве начала 20 века».
2. Подготовить фотогалерею репродукций с художественными примерами фовизма, кубизма, сюрреализма, абстракционизма, супрематизма.
Форма контроля самостоятельной работы:
- устный опрос,
Проверка конспекта, сообщения, фотогалереи.
Вопросы для самоконтроля
22 апреля 2016 года в легендарном павильоне № 66 на ВДНХ, до недавнего времени носившем название «Культура», открылась «Галерея РОСИЗО». Она начала работу выставкой «Всегда современное. Искусство XX-XXI вв.». Зрителям покажут знаковые произведения художников за более чем сто лет - начиная с 1900-х годов и до нынешних дней: мастеров, признанных классиками ХХ века (Иван Клюн, Александр Дейнека, Аркадий Пластов) и культовых современников, чьи работы выставляются в крупнейших музеях мира (Александр Ситников, Эрик Булатов, Игорь Макаревич). Картины на выставке принадлежат к разным стилистическим направлениям и написаны в разные периоды в истории страны, но при этом не только не противоречат друг другу, напротив - вступают в «диалог»: работы наших дней продолжают художественные традиции предыдущих поколений.
Экспозиция включает в себя три раздела: искусство первой половины ХХ века, 1960-1980-е гг. и творчество наших современников. В центре внимания каждого периода - стилевые поиски и художественные решения, запросы времени и ответы на них художников.
Первый раздел начинается с работ, которые произвели революцию в представлении о задачах искусства - с произведений русского авангарда. Разрыв с классической школой живописи, стремление к эксперименту, поиск новых форм - важнейшие черты этого течения. Экспозиция демонстрирует основные направления русского авангарда: кубофутуризм ("Портрет актера" Михаила Ле Дантю) и кубизм ("Городской вид" Алексея Грищенко, "Композиция. Кубизм" Георгия Носкова), супрематизм ("Супрематизм" Ивана Клюна) и конструктивизм (работы Владимира Татлина).
Авангард развивался в 1910-1920-е годы, но в начале 1930-х, после постановления «О перестройке литературно-художественных организаций» стало окончательно ясно: творческим экспериментам приходит конец. Основной тенденцией этого десятилетия стало развитие искусства, доступного для понимания самой широкой аудиторией - так родился художественный метод «соцреализм». Картины этого периода посвящены индустриализации, военным победам и труду: «Демонстрация на площади Урицкого» Василия Викулова, «Прокладка железнодорожного пути в Магнитогорске» Кузьмы Николаева, «Колхозники приветствуют танкистов» Екатерины Зерновой и др.
Второй раздел выставки рассказывает о произведениях художников 1960-1980-х годов. В советском искусстве этого времени одновременно с реализмом в духе 1930-1950-х годов (скульптуры Николая Томского, Льва Кербеля) существовали и его стилистические модификации - например, «суровый стиль» («В чулане» Гелия Коржева, «Апшеронский интерьер Таира Салахова). Начиная с 1970-х годов, используются приемы, характерные для фотореализма («Смена» Леонида Семейко, «Эксперимент в космосе» Лемминга Нагеля), экспрессионизма («Персонажи, качающиеся на качелях» Натальи Нестеровой), фантастического реализма и сюрреализма («Золотой век» Александра Ситникова, «Семья. Мои современники» Ольги Булгаковой). Некоторые художники возрождали традиции русского авангарда. После выставок в Манеже в 1962 году и на пустыре в Беляево в 1974 году, получивших международный резонанс, эту линию искусства стали называть «альтернативной» и «неофициальной». В экспозиции она представлена произведениями Владимира Андреенкова, Бориса Орлова, Евгения Рухина, Бориса Турецкого.
Третий раздел посвящен современному искусству - начиная с конца ХХ века и вплоть до текущего момента. Экспозиция третьего раздела продемонстрирует, как в наше время разные стили в живописи стали инструментами художественного языка. Художники часто цитируют известные работы своих предшественников и используют узнаваемые приемы, формируя новый визуальный язык. Вместе с классиками современного искусства в этом разделе также будут представлены работы молодых художников, которые вдохновляются эстетикой новых медиа.
Искусство XXI века в экспозиции представлено произведениями культовых художников. Зрители увидят «Вид Москвы из Мадрида» Эрика Булатова, «Жизнь небесная» Игоря Макаревича, «Амстердам» Георгия Гурьянова, «Форциссия» Ирины Наховой и др.
На выставке будут представлены картины из собраний Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО», Ярославского художественного музея, Серпуховского историко-художественного музея, Государственного центрального музея современной истории России, Всероссийской творческой общественной организации «Союз художников России», а также из частных коллекций и ряда московских галерей.
