Материал из Википедии - свободной энциклопедии
Ба́рнетт Нью́ман, также Нью́мен (англ. Barnett Newman ; 29 января , Нью-Йорк - 4 июля , Нью-Йорк) - американский художник, видный представитель абстрактного экспрессионизма .
Ньюмен родился в семье еврейских эмигрантов из Польши. После обучения живописи в Художественной студенческой лиге (Art Students League ) у Дункана Смита и Джона Слоана сумел лишь с 1937 года целиком посвятить себя искусству. Вначале работал в манере автоматизма , создав в -1945 годах серию каллиграфически -сюрреалистских рисунков и основав 3 годами позже совместно с Марком Ротко , Уильямом Базиотисом и Робертом Мазервеллом художественную школу. В это время художник пишет свои абстрактно-экспрессионистские полотна.
Только в 1950 году Барнетт Ньюмен организует свою первую персональную выставку, которая была встречена уничтожающей критикой. После этого художник делает 8-летнюю паузу, которую посвятил развитию своего мастерства. Результатом стала ретроспектива его работ в 1958 году , которую он представил общественности. Его картины представляют собой в большинстве одноцветные поверхности, как бы «прошитые» контрастирующими основному тону цветными линиями.
Все свои ранние работы (сделанные за сорок лет жизни) Ньюман уничтожил. За оставшуюся карьеру он создал 120 работ, получил признание как один из выдающихся художников Америки только в 60 лет.
Ньюмана называли образцом высокого модернизма, предшественником минимализма, экзистенциалистом и духовным художником, черпающим вдохновение в еврейском мистицизме. Сам Ньюман заявил в 1947 году, когда пришел к зрелому стилю, что любое искусство, достойное своего имени, должно обращаться к «жизни», «человеку», «природе», «смерти» и «трагедии». Ньюман всегда настаивал на богатом эмоциональном содержании своей работы, хотя при жизни его творчество вызывало непонимание и обвинения в «пустоте». Однажды Ньюман напечатал и приклеил на стене галереи инструкцию, призывавшую посетителей стать на очень близком расстоянии к его холстам. Он считал, что вблизи его работы способны вызвать в людях чувство самосознания.
Американский художник, скульптор, философ и публицист Барнетт Ньюман (Barnett Newman, 1905-1970) считал, что «творчество - не только высшее, но и первичное состояние человеческого сознания» .
Но чтобы доказать это миру, представителю абстрактного экспрессионизма пришлось пережить шквал недовольства и непонимания со стороны критиков, уничтожить свои работы, созданные за 40 лет, взять восьмилетнюю паузу и только после всего пережитого стать образцом высокого модернизма.
А теперь обо всем по порядку.
Нью-Йорк, США. 29 января 1905 год. В семье еврейских эмигрантов из Польши родился будущий художник Барнетт Ньюман. Интерес к живописи появился у мальчика еще в школе. Постепенно он перерос в дело всей жизни, а полученная философская степень, только усилила желание доказать миру, что «первый человек был художником!» , потому что «Адам, вкусив от Древа познания, стремился обрести творческую жизнь, дабы быть как Бог - «творцом миров» .
Ранние работы живописца - это свободные ассоциации, сновидения или, другими словами, манера автоматизма. В стиле Джексона Поллока Ньюман в 1944-1945 годах создает серию каллиграфически-сюрреалистических рисунков Untitled («Без названия»), The Blessing («Благословение»).
Полотна, представленные на персональной выставке в 1950 году, отличаются использованием аллюзий и парадоксальным сочетанием форм. Означать многое или не значить ничего-принцип сюрреализма, поэтому раннего Ньюмана каждый понимает по-своему. Сам же художник заявлял, что его работы богаты эмоциональным содержанием. Он поставил для себя высокую цель - обращаться к эпохальным понятиям: человек, природа, жизнь, смерть.
Названия картин Ньюмана призваны вызывать те чувства и эмоции, которые автор передает одним лишь цветом в беспредметном мире. К сожалению, критики обвинили его работы в пустоте. В свою очередь, нелестные отзывы заставили Ньюмана на какое-то время уйти с арены искусства, но, как оказалось, не уйти, а затаиться. Восьмилетний перерыв привел художника к абстрактному экспрессионизму.
Точкой отсчета нового витка творчества экспрессиониста стала ретроспектива его работ. Произведения Барнетта Ньюмана, представленные публике в 1858 году, были выполнены в совершенно новой манере. Его полотна стали большего формата и были выполнены в ярких тонах. На них появилась так называемая «застежка-молния» или вертикальная полоса - визитная карточка Ньюмана.
Серия Onement («Искупление»), состоящая из шести картин, отражает гармонию и полноту жизни. Художник черпал вдохновение из философских величин, поэтому все работы можно считать символичными, а их название - метафоричны. Границы тонов на них на самом деле ничего не разделяют, а провозглашают один из главных американских принципов - свободу. Американский арт-критик Клемент Гринберг писал:
«Границы больших полотен Ньюмана играют ту же роль, что и внутренние линии форм. Они делят, но ничего не разделяют, не замыкают и не изолируют. Они устанавливают границы, но ничего не ограничивают»
Кроме живописи Ньюман работал и над скульптурой. Broken Obelisk («Разбитый обелиск») впечатляет своей монументальностью. Это перевернутый обелиск, который кажется парящим в воздухе. Пирамиды и обелиски издавна считались символом смерти, но художник переосмысливает это понятие, превращая смерть в бесконечную жизнь.
Создавая абстрактные полотна, Барнетт Ньюман изобрел собственную инструкцию для понимания его работ. Он настаивал, что его полотна, вопреки действующему принципу, необходимо рассматривать не с расстояния, равного высоте полотна, а находясь исключительно вблизи него. Это создает эффект погружения в мир красочных полей.
Немного позже великий представитель абстрактного экспрессионизма стал размещать таблички с инструкциями прямо на выставках, считая, что вблизи его работы способны взывать к самосознанию человека.
Барнетт Ньюман - виднейший представитель американского дивизиона абстракционизма. Он родился в 1905 году в Нью-Йорке. Также распространено другое написание его фамилии: Ньюмен. В англоязычных источниках он известен как Barnett Newman.
К слову, художник Барнетт Ньюман уничтожил абсолютно все свои ранние полотна, около сорока лет труда были перечеркнуты и, к сожалению, вовсе не взмахом кисти. Поэтому сегодня, говоря о творчестве Ньюмана, исследователи разбирают исключительно «выжившие» полотна позднего периода в количестве 120 штук, уложившиеся по временным рамкам почти в двадцать пять лет.
Его родители были выходцами из Польши, евреями по происхождению. Живописи молодой Барнетт Ньюман обучался в Art Students League, известной также как Художественная студенческая лига. Этот период творчества характеризуется экспериментами в стиле автоматизма Джексона Поллока, затем Барнетта Ньюмана увлекает графика, и он с головой уходит в плоскость рисунка с сюрреалистическими тенденциями. Примечательно, что в это же время он создал художественную школу совместно с такими фигурами американской живописи ХХ века, как Ротко, Мазервелл и Базиотис.
Первая персональная выставка, где были представлены исключительно картины Барнетта Ньюмана, была буквально разгромлена художественными критиками в обзорных статьях. Результатом стали затянувшаяся депрессия и нежелание показывать свои работы публике, справиться с чем художник смог только спустя восемь лет, когда решил выставить ретроспективу имеющихся работ. Кроме того, именно в тот период Ньюман уничтожил все свои ранние произведения, так что можно с уверенностью сказать, что он был не только требовательным к себе мастером кисти, но и ранимым.
Наиболее известные работы Барнетта Ньюмана - картины, написанные в период с 1947 по 1970 год. Это программные полотна, названные в патетическом ключе, рассказывающие о беспредметном мире исключительно движением кисти. «Заповедь», «Единство», «Пропасть Эвклида», «Полночная синева» и другие произведения абстракциониста сегодня составляют частные собрания, в том числе коллекцию семьи художника, а также экспонируются в ряде музеев США. Музей современного искусства в Нью-Йорке обладает, пожалуй, наиболее полной коллекцией, охватывающей различные периоды жизни художника.
Критики причисляют его к представителям американского Такой виднейший теоретик, как Клемент Гринберг, дал этой живописи буквально приклеившееся к ней определение field painting, что ясно показывает разницу между созданными в линеарной манере автоматизма и сверкающими яркими красками большими плоскостями Ротко и Ньюмана. «Живопись поля» намекает вовсе не на пасторальные пейзажи, а характеризует любовь двух мастеров к однотонным большим горизонтальным плоскостям в их работах. Исследователи посчитали, что данная стилистика имеет выраженный философский подтекст, и представленные на полотне границы тонов на самом деле ничего не разделяют, а значит, это живопись, провозглашающая один из главных американских принципов - свободу.
Вдохновение Барнетт Ньюман (художник) черпал из философских величин. Еще в 1947 году он провозгласил высокую цель любого искусства - не быть сиюминутным, обращаться к эпохальным понятиям: жизни, смерти, человеку и природе. Сложные названия, данные полотнам, подчеркивали ту палитру чувств и эмоций, которую художник пытался передать одним лишь цветом в беспредметном мире. К сожалению, художественные критики смогли оценить подобный подход много позже.
В среде художников и любителей искусства существует негласное правило: чтобы составить общее впечатление о полотне, необходимо отойти от него на расстояние, равное его высоте. Подобный принцип действовал от Средневековья до Возрождения и много после, однако Барнетт Ньюман настаивал, что его полотна необходимо рассматривать исключительно с близкого расстояния. Что дает такой подход? Эффект погружения зрителя в мир красочных полей. Позднее нью-йоркский мастер даже начал размещать инструкцию о том, как необходимо смотреть на его полотна, прямо на выставках.
То, что не было принято современниками вплоть до позднего периода его творчества, оценили позже и особенно в наше время. Полотна американского мастера абстракционизма периодически всплывают на виднейших торгах, в том числе известнейшем аукционе Sotheby’s. Одно из них, ушедшее с молотка в последнее время, было оценено в 30 миллионов долларов.
И в то же время творчество художника не у всех вызывает исключительно положительные эмоции. Работа Барнетта Ньюмана Onement VI некоторыми названа одним из самых никчемных и отвратительных арт-объектов, когда-либо поступавших на торги. Цена за картину при последней продаже в 2013 году на Sotheby’s составила более 43 миллионов долларов, работа же представляла собой масштабное полотно, залитое синей краской с вертикальной, достаточно ровной полосой.
Творение относят к так называемым молниям в противовес горизонтальным «полям». Общие размеры работы - 2,6 х 3 м.
Барнетт Ньюман «Свет Анны» посвятил своей почившей матери. Строго говоря, эта вещь представляет собой горизонтальный холст внушительных размеров, залитый карминово-красной краской. В 2013 году «шедевр» также был выставлен на аукционе и ушел с молотка за сумму в 106 (!) миллионов долларов.
С технической стороны полотно примечательно тем, что Ньюману пришлось бороться со светоносной силой красного цвета, берущей дополнительную яркость от просвечивающего белого грунтованного холста. Несколько слоев красной краски лишили цвет этого качества и сделали его «глухим» и «скорбящим», таким, каким, по мнению художника, он и должен быть в этой ситуации.
Барнетт Ньюман — известный художник. Краткое описание его деятельности.
Барнетт Ньюман – представитель американского абстрактного экспрессионизма. Художник-абстракционист родился в 1905 году в Нью-Йорке. Именно в этом городе в Музее современных искусств сегодня экспонируется самое большое количество работ художника.
Всего известно 120 полотен художника, так как остальные свои творения раннего периода Барнетт попросту уничтожил, начав карьеру живописца заново. Ранние его работы были отмечены влиянием Джексона Поллока и метода автоматизма, а поздние принадлежат к подразделу американского абстрактного экспрессионизма под названием field painting. Чаще всего это широкие горизонтальные плоскости или даже целые работы, выкрашенные одной краской. К последним относят известное полотно «Свет Анны», написанное художником после смерти матери с использованием одной лишь карминово-красной и проданное за рекордную сумму в 106 миллионов долларов на аукционе Sotheby’s.
Также творчество Ньюмана иногда озаряется «молниями» — так художественные критики прозвали его работы, в которых одна или несколько вертикальных полос озаряют равномерно окрашенное полотно. Одна из известнейших работ такого плана «Onement vi» представляет собой синее поле с белой вертикальной полосой на холсте размером в 2,6 х 3 м. Полотно также было продано на Sotheby’s за 43 миллиона долларов.
Мир картин Ньюмана всегда беспредметный, недооцененный критиками в ранний период его творчества. Художник черпал вдохновение из еврейской мифологии и философских величин. А также мастер прославился тем, что в рамках выставок развешивал инструкции, как правильно смотреть на его работы. Не как это принято на протяжении всей истории живописи, отдаляясь от картины на расстояние, равное ее высоте, а находясь непосредственно перед ней.
Все важнейшие полотна Ньюмана созданы в период с 1947 по 1970 год. То, что изначально не приносило ему признания, сегодня оценено как золотой фонд американской живописи начала ХХ века наряду с такими мастерами, как Ротко, Мазервелл и Базиотис.
Исполнитель Феодора (fijioto)
Ба́рнетт Нью́ман, также Нью́мен (англ. Barnett Newman; 29 января 1905, Нью-Йорк - 4 июля 1970, Нью-Йорк) - американский художник, видный представитель абстрактного экспрессионизма.
Ньюмен родился в семье еврейских эмигрантов из Польши. После обучения живописи в Художественной студенческой лиге (Art Students League) у Дункана Смита сумел лишь с 1937 года целиком посвятить себя искусству.
Вначале работал в манере автоматизма, создав в 1944-1945 годах серию каллиграфически-сюрреалистских рисунков и основав 3 годами позже совместно с , Уильямом Базиотисом и Робертом Мазервеллом художественную школу. В это время художник пишет свои абстрактно-экспрессионистские полотна.
Только в 1950 году Барнетт Ньюмен организует свою первую персональную выставку, которая была встречена уничтожающей критикой. После этого художник делает 8-летнюю паузу, которую посвятил развитию своего мастерства. Результатом стала ретроспектива его работ в 1958 году, которую он представил общественности. Его картины представляют собой в большинстве одноцветные поверхности, как бы «прошитые» контрастирующими основному тону цветными линиями.
В 1966 Лоренс Эллоуэй организовал выставку в музее Соломона Гуггенхейма в Нью-Йорке под названием “Крестный путь”. Она развеяла последние сомнения даже у тех художников, которые ценили в Ньюмане технические качества (яркость цвета, большой формат), а не истинный, метафизический смысл его творчества.
“Мастерская — это святилище”, — заявлял художник.
Последние работы Ньюмана — композиции в форме равнобедренного треугольника. Ретроспективные выставки работ Ньюмана прошли в 1972 в Нью-Йорке, а затем в Лондоне, Амстердаме и Париже. Его картины представлены во многих частных и публичных собраниях в Нью-Йорке (Музей современного искусства), Лос-Анджелесе (“Onement VI”, 1953, собрание Вейсмана), Базеле (“Day before one”, 1951), Лондоне (“Адам”, 1951- 1952, гал. Тейт), Стокгольме (“Терция”, 1964, Нац. музей) и Хьюстоне (собрание Менил). В Нац. музее современного искусства. Центре Помпиду в Париже хранится картина “Shining Forth” (1961) и собрание гравюр.
Клемент Гринберг писал: “Границы больших полотен Ньюмана играют ту же роль, что и внутренние линии форм. Они делят, но ничего не разделяют, не замыкают и не изолируют. Они устанавливают границы, но ничего не ограничивают”.
Ньюмана называли образцом высокого модернизма, предшественником минимализма, экзистенциалистом и духовным художником, черпающим вдохновение в еврейском мистицизме. Сам Ньюман заявил в 1947 году, когда пришел к зрелому стилю, что любое искусство, достойное своего имени, должно обращаться к «жизни», «человеку», «природе», «смерти» и «трагедии». Ньюман всегда настаивал на богатом эмоциональном содержании своей работы, хотя при жизни его творчество вызывало непонимание и обвинения в «пустоте».
Ньюман является одним из ведущих представителей американского послевоенного искусства. Наряду с Ротко и Стиллом, он представляет часть нью-йоркской школы, враждебно настроенную по отношению к живописи действия. До 1960 он играл довольно скромную роль. Однако строгие формы и широкие поверхности Ньюмана оказали особенно заметное влияние на и, особенно, для которых главной проблемой были вертикальные поля цвета и их расположение в пространстве.
Затем художник начал работать в большом формате и в ярких тонах, так, что вертикальные цветовые поля приобрели рельефность и их протяженность в пространстве полностью поглотила внимание зрителей (“Абрахам”, 1949, НьюЙорк, Музей современного искусства). Так был нарушен примитивный прямоугольник картины. Вписанное в прямоугольник вертикальное деление стало следующим фактором между частями; оно подтверждает внутри плоскости первоначальную схему: каждая часть картины находится в другой в отношениях формальной аналогии, так же, как и вся картина соотносится со стеной (“Кто боится красного, желтого, синего?”, 1966-1967, Амстердам, Гор. Музей).
Но нельзя рассматривать это направление с чисто формальной точки зрения. Сам художник считает свои работы почти символичными. Как и у других мастеров того поколения, названия его картин часто метафоричны и многозначны, одновременно интеллектуальны и поэтичны.
“Onement” (шесть картин носят это название) отражает гармонию, совокупность, полноту. Биограф художника Томас Хесс замечает, что в английском языке не существует слова “onement”, оно происходит от “atonement”, что означает “искупление”.
Серия “Onement” – один из основополагающих проектов творчества Ньюмана. Полотна этой серии, не вдаваясь в тонкости, демонстрируют характерный для художника творческий метод работы: разноцветный или однородный фактурный фон с вертикальными полосами. Их сам художник называл молниями (zip). Говорил, этот термин более подходящий – ассоциировавшийся с движением и незавершенностью. Фразу «законченное произведение» Ньюман считал шарлатанской. “Onement1” (1948) — первая живописная работа, в которой ясно выразилось направление поисков: большая оранжевая лента, проходящая не по центру картины, создает эффект постоянного динамизма.
Кроме того, художник работал и над скульптурой, главным образом из стали (“Here 1”, 1962; “Here II”, 1965; “Here III”, там же; “Разбитый обелиск”, 1963-1967; “ЗимЗум”, 1962), над макетом синагоги (1963) и литографиями (“Кантос”, 1963-1964, Париж, Нац. Музей современного искусства. Центр Помпиду). Творчество этого самобытного художника, который порой достигал истинной глубины и редко впадал в поверхностность и напыщенность, надолго останется в памяти.
