Средневековье – большая эпоха человеческой истории, время господства феодального строя.

Периодизация культуры:

Раннее Средневековье – V - X вв.

Зрелое Средневековье – XI – XIV вв.

В 395 г. Римская империя распалась на две части: Западную и Восточную. В Западной части на развалинах Рима в V-IX веках существовали варварские государства: остготов, вестготов, франков и др. В IX веке в результате распада империи Карла Великого здесь образовалось три государства: Франция, Германия, Италия. Столицей Восточной части стал Константинополь, основанный императором Константином на месте греческой колонии Византии – отсюда и название государства.

§ 1. Западноевропейское Средневековье

Материальную основу Средневековья составили феодальные отношения. Средневековая культура формируется в условиях сельского поместья . В дальнейшем социальной основой культуры становится городская среда – бюргерство. С образованием государств формируются основные сословия: духовенство, дворянство, народ.

Искусство Средневековья теснейшим образом связано с церковью . Христианское вероучение – основа философии, этики, эстетики, всей духовной жизни этого времени. Наполненное религиозной символикой, искусство устремлено от земного, преходящего - к духовному, вечному.

Наряду с официальной церковной культурой (высокой) существовала светская культура (низовая) – фольклорная (низших общественных слоёв) и рыцарская (куртуазная).

Основные очаги профессиональной музыки раннего Средневековья – соборы, певческие школы при них, монастыри – единственные центры образования того времени. В них изучали греческий язык и латынь, арифметику и музыку.

Главным центром церковной музыки в Западной Европе в эпоху Средневековья был Рим. В конце VI – начале VII в. формируется основная разновидность западноевропейской церковной музыки – григорианский хорал , названный так по имени папы Григория I, осуществившего реформу церковного пения, собрав воедино и упорядочив различные церковные песнопения. Григорианский хорал – одноголосное католическое песнопение, в котором слились многовековые певческие традиции различных ближневосточных и европейских народов (сирийцы, иудеи, греки, римляне и др.). Именно плавное одноголосное развёртывание единой мелодии призвано было олицетворять единую волю, направленность внимания прихожан в соответствии с догматами католицизма. Характер музыки строгий, внеличный. Исполнялся хорал хором (отсюда название), некоторые разделы – солистом. Преобладает поступенное движение на основе диатонических ладов. Григорианское пение допускало немало градаций, начиная от сурово-медлительной хоровой псалмодии и кончая юбиляциями (мелизматическое распевание слога), требующими для своего исполнения виртуозного вокального мастерства.

Григорианское пение отдаляет слушателя от действительности, вызывает смирение, приводит к созерцательности, мистической отрешённости. Такому воздействию способствует и текст на латинском языке, непонятном основной массе прихожан. Ритм пения определялся текстом. Он расплывчат, неопределёнен, обусловлен характером акцентов декламирования текста.

Многообразные виды григорианского пения были сведены воедино в главном богослужении католической церкви – мессе , в которой установилось пять устойчивых частей:

Kyrie eleison (Господи, помилуй)

Gloria (слава)

Credo (верую)

Sanctus (свят)

Agnus Dei (агнец божий).

С течением времени в григорианский хорал начинают просачиваться элементы народной музыки через гимны, секвенции и тропы. Если псалмодии исполнялись профессиональным хором певчих и священнослужителями, то гимны на первых порах - прихожанами. Они представляли собой вставки в официальное богослужение (им были присущи черты народной музыки). Но вскоре гимнические части мессы стали вытеснять псалмодические, что привело к появлению полифонической мессы.

Первые секвенции представляли собой подтекстовку под мелодику юбиляции так, чтобы один звук мелодии имел бы отдельный слог. Секвенция становится распространённым жанром (наиболее популярны « Veni , sancte spiritus » , « Dies irae », « Stabat mater » ). «Dies irae» использовали Берлиоз, Лист, Чайковский, Рахманинов (очень часто как символ смерти).

Первые образцы многоголосия происходят из монастырей – органум (движение параллельными квинтами или квартами), гимель, фобурдон (параллельные секстаккорды), кондукт . Композиторы: Леонин и Перотин (12-13 вв. – собор Парижской Богоматери).

Носителями светской народной музыки в Средневековье были мимы, жонглёры, менестрели во Франции, шпильманы – в странах немецкой культуры, хоглары – в Испании, скоморохи – на Руси. Эти странствующие артисты были универсальными мастерами: они сочетали пение, пляску, игру на различных инструментах с фокусничеством, цирковым искусством, кукольным театром.

Другой стороной светской культуры была рыцарская (куртуазная) культура (культура светских феодалов). Рыцарями были почти все знатные люди – от неимущих воинов до королей. Формируется особый рыцарский кодекс, в соответствии с которым рыцарь, наряду с отвагой и доблестью, должен был обладать изысканными манерами, быть образованным, щедрым, великодушным, преданно служить Прекрасной Даме. Все стороны рыцарской жизни нашли отражение в музыкально-поэтическом искусстве трубадуров (Прованс – южная Франция), труверов (северная Франция), миннезингеров (Германия). Искусство трубадуров связано преимущественно с любовной лирикой. Наиболее популярным жанром любовной лирики была канцона (у миннезингеров – «Утренние песни» - альбы).

Труверы, широко используя опыт трубадуров, создали свои оригинальные жанры: «ткацкие песни », «майские песни ». Важную область музыкальных жанров трубадуров, труверов и миннезингеров составляли песенно-танцевальные жанры: рондо, баллада, виреле (рефренные формы), а также героический эпос (французский эпос «Песнь о Роланде», немецкий - «Песнь о Нибелунгах»). У миннезингеров были распространены песни крестоносцев.

Характерные черты искусства трубадуров, труверов и миннезингеров:

Одноголосие - является следствием неразрывной связи напева со стихотворным текстом, что вытекает из самой сути музыкально-поэтического искусства. Одноголосие соответствовало и установке на индивидуализированное выражение собственных переживаний, на личную оценку содержания высказывания (часто выражение личных переживаний обрамлялось обрисовкой картин природы).

Преимущественно вокальное исполнение. Роль инструментов не была значительной: она сводилась к исполнению вступлений, интермедий и постлюдий, обрамляющих вокальный напев.

О рыцарском искусстве ещё нельзя говорить как о профессиональном, но впервые в условиях светского музицирования было создано мощное музыкально-поэтическое направление с развитым комплексом выразительных средств и относительно совершенной музыкальной письменностью.

Одним из важных достижений зрелого средневековья, начиная с X-XI веков, явилось развитие городов (бюргерской культуры). Основными чертами городской культуры были антицерковная, вольнолюбивая направленность, связь с фольклором, её смеховый и карнавальный характер. Развивается готический архитектурный стиль. Формируются новые многоголосные жанры: с 13-14 по 16 вв. - мотет (от франц. – «слово». Для мотета типично мелодическое несходство голосов, интонировавших одновременно разные тексты – часто даже на разных языках), мадригал (от итал. – «песня на родном языке», т.е. итальянском. Тексты любовно-лирические, пасторальные), качча (от итал. – «охота» - вокальная пьеса на текст, живописующий охоту).

Народные странствующие музыканты переходят от кочевого образа жизни к оседлому, заселяют целые городские кварталы и складываются в своеобразные «музыкантские цехи». Начиная с XII века, к народным музыкантам примкнули ваганты и голиарды – деклассированные выходцы из разных классов (школяры-студенты, беглые монахи, скитающиеся клирики). В отличие от неграмотных жонглёров – типичных представителей искусства устной традиции – ваганты и голиарды были грамотными: они владели латинским языком и правилами классического стихосложения, сочиняли музыку – песни (круг образов связан со школьной наукой и студенческим бытом) и даже сложные сочинения типа кондуктов и мотетов.

Значительным очагом музыкальной культуры стали университеты. Музыка, точнее – музыкальная акустика – вместе с астрономией, математикой, физикой входила в квадриум, т.е. цикл из четырёх дисциплин, изучавшихся в университетах.

Таким образом, в средневековом городе существовали различные по характеру и социальной направленности очаги музыкальной культуры: объединения народных музыкантов, придворная музыка, музыка монастырей и соборов, университетская музыкальная практика.

Музыкальная теория Средневековья была тесно связана с богословием. В немногих дошедших до нас музыкально-теоретических трактатах музыка рассматривалась как «служанка церкви». Среди видных трактатов раннего Средневековья выделяются 6 книг «О музыке» Августина, 5 книг Боэция «Об установлении музыки» и др. Большое место в этих трактатах уделялось абстрактно-схоластическим вопросам, учению о космической роли музыки и т.д.

Средневековая ладовая система была разработана представителями церковного профессионального музыкального искусства – поэтому за средневековыми ладами и закрепилось название «церковные лады». В качестве главных ладов утвердились ионийский и эолийский.

Музыкальная теория Средневековья выдвинула учение о гексахордах. В каждом ладу использовались в практике 6 ступеней (например: до, ре, ми, фа, соль, ля). Си тогда избегалось, т.к. образовывало вместе с фа ход на увеличенную кварту, которую считали очень неблагозвучной и образно именовали «дьяволом в музыке».

Широко применялась невменная запись. Гвидо Аретинский усовершенствовал систему нотной записи. Суть его реформы заключалась в следующем: наличие четырёх линий, терцовое соотношение между отдельными линиями, ключевой знак (первоначально буквенный) или раскраска линий. Он также ввёл слоговые обозначения для первых шести ступеней лада: ут, ре, ми, фа, соль, ля.

Вводится мензуральная нотация , где за каждой нотой закреплялась определённая ритмическая мера (лат. mensura – мера, измерение). Название длительностей: максима, лонга, бревис и т.д.

XIV век – переходный период между средневековьем и эпохой Возрождения. Искусство Франции и Италии XIV века получило название «Ars nova » (от лат. - новое искусство), причём в Италии оно обладало всеми свойствами раннего Возрождения. Основные черты: отказ от использования исключительно жанров церковной музыки и обращение к светским вокально-инструментальным камерным жанрам (баллада, качча, мадригал), сближение с бытовой песенностью, использование различных музыкальных инструментов. Ars nova противоположно т.н. арс антиква (лат. ars antiqua - старое искусство), подразумевающему музыкальное искусство до начала XIV века. Крупнейшими представителями аrs nova были Гийом де Машо (14 в., Франция) и Франческо Ландино (14 в., Италия).

Таким образом, музыкальная культура Средневековья, несмотря на относительную ограниченность средств, представляет более высокую ступень по сравнению с музыкой Древнего мира и содержит предпосылки для пышного расцвета музыкального искусства в эпоху Ренессанса.

Средневековье – наиболее длительная культурная эпоха в истории Западной Европы. Она охватывает девять столетий – с VI по XIV век. Это было время господства католической церкви, которая с первых шагов являлась покровительницей искусств. Церковное слово (молитва) в разных странах Европы и в различных социальных слоях было неразрывно связано с музыкой: звучали псалмы, гимны, хоралы – сосредоточенные, отрешенные мелодии, далекие от повседневной суеты.

Также по заказу церкви возводили величественные храмы, украшали их скульптурами и красочными витражами; благодаря покровительству церкви архитекторы и художники, скульпторы и певцы посвящали себя безраздельно любимому искусству, т. е. католическая церковь поддерживала их с материальной стороны. Таким образом, самая значительная часть искусства вообще и музыкального, в частности, находилась под ведением католической религии.

Церковное пение во всех странах Западной Европы звучало на строгом латинском языке и для того, чтобы еще более усилить единство, общность католического мира, папа Григорий I, вступивший на престол в начале IV века, собрал воедино все церковные песнопения и предписал для исполнения каждого из них определенный день церковного календаря. Собранные папой мелодии получили название григорианских хоралов, а певческая традиция, основанная на них, называется григорианское пение.

В мелодическом смысле григорианский хорал ориентирован на октоих – систему восьми ладов. Именно лад часто оставался единственным указанием на то, как нужно исполнять хорал. Все лады составляли октаву и были модификацией античной трихордной системы. Лады имели только нумерацию, понятия «дорийский», «лидийский» и проч. исключались. Каждый лад представлял соединение двух тетрахордов.

Григорианские хоралы идеально соответствовали своему молитвенному назначению: неторопливые мелодии складывались из незаметно перетекающих друг в друга мотивов, мелодическая линия была ограничена по тесситуре, интервалы между звуками были небольшими, ритмический рисунок был также плавным, строились хоралы на основе диатонического звукоряда. Григорианские хоралы исполнялись одноголосно мужским хором и обучались такому пению преимущественно в устной традиции. Письменные источники григорианики являются образцом невменной нотации (специальные значки, стоявшие над латинским текстом), однако такой тип нотной записи указывал только приблизительную высоту звука, обобщенное направление мелодической линии и совсем не касался ритмической стороны и поэтому считался сложным для прочтения. Певцы, исполнявшие церковные хоралы не всегда были образованы и обучались своему ремеслу в устной форме.

Григорианский хорал стал символом огромной эпохи, которая отразила в нем свое понимание жизни и мира. Смысл и содержание хоралов отражали представление средневекового человека о сущности бытия. В этом смысле Средние века часто называют «юностью европейской культуры», когда, после падения античного Рима в 476 году, племена варваров, галлов и германцев вторглись в Европу и начали строить свою жизнь заново. Их вера в христианских святых отличалась безыскусностью, простотой и мелодии григорианских хоралов базировались на том же принципе естественности. Некоторая монотонность хоралов отражает представление средневекового человека о пространстве, которое ограничивается полем его зрения. Также и представление о времени было связано с идеей повторяемости и неизменности.

Григорианское пение, как господствующий музыкальный стиль, к IX веку окончательно утвердилось на всей территории Европы. Тогда же в музыкальном искусстве произошло величайшее открытие, оказавшее влияние на всю его дальнейшую историю: ученый-монах, итальянский музыкант Гвидо из Ареццо (Аретинский) изобрел нотную запись, которой мы пользуемся и по сей день. Отныне и григорианский хорал можно было спеть по нотам, и он вступил в новую фазу своего развития.

С VII по IX век понятия «музыка» и «григорианский хорал» существовали нераздельно. Изучая мелодику хоралов, средневековые музыканты и певчие хотели украсить их, но изменять церковное пение не разрешалось. Выход был найден: над хоральной мелодией на равном удалении от всех ее звуков был надстроен второй голос, который в точности повторял мелодический рисунок хорала. Мелодия казалась утолщенной, удвоенной. Такие первые двухголосные сочинения получили названия органумов, так как нижний голос, в котором звучал хорал, назывался vox principalis (основной голос), а верхний, присочиненный – vox organalis (дополнительный голос). Звучание органумов вызывало ассоциации с акустикой храма: оно было гулким, глубоким. Далее, на протяжении XI-XIII веков, двухголосие выросло до трех- (triptum) и четырехголосия.

Ритмические формы органумов - пример модусной (модальной) ритмики. Их шесть: ямб (l ¡), трохей (хорей) (¡ l), дактиль (¡. l ¡), анапест (l ¡ ¡. ), спондей (¡. ¡. ), тритрахий (l l l).

Помимо церковного искусства, с развитием европейских городов и экономики, в Средние века произошло рождение нового искусства. Простые люди (горожане, крестьяне) часто видели в своих поселениях бродячих актеров и музыкантов, которые танцевали, разыгрывали театрализованные представления на разные темы: об ангелах и Пресвятой Богородице или о чертях и адских муках. Это новое светское искусство пришлось не по вкусу аскетическим служителям церкви, которые находили в легкомысленных песнях и представлениях происки дьявола.

Расцвет средневековых городов и феодальных замков, интерес к светскому искусству, который охватывал все сословия, привели к появлению первой профессиональной школы светской поэзии и музыки – школы трубадуров, которая возникла на юге Франции в XII веке. Аналогичные немецкие поэты и музыканты назывались миннезингерами (мейстерзингерами), северофранцузские – труверами. Будучи авторами стихов, поэты-трубадуры выступали одновременно и как композиторы, и как певцы-исполнители.

Музыка песен трубадуров выросла из поэзии и подражала ей своей простотой, шутливостью, беззаботностью. Содержание таких песен обсуждало все жизненные темы: любовь и разлуку, наступление весны и ее радости, веселую жизнь странствующих студентов-школяров, шалости Фортуны и ее капризный нрав и др. Ритмичность, четкое членение на музыкальные фразы, акцентность, периодичность – все это было свойственно песням трубадуров.

Григорианское пение и лирика трубадуров – два самостоятельных направления в средневековой музыке, однако, при всей их контрастности, можно отметить и общие черты: внутреннее родство со словом, склонность к плавному, витиеватому голосоведению.

Вершиной раннего многоголосия (полифонии) стала школа Нотр-Дам. Музыканты, принадлежавшие к ней, работали в Париже в соборе Парижской Богоматери в XII-XIII веках. Им удалось создать такие многоголосные структуры, благодаря которым музыкальное искусство стало более самостоятельным, менее зависимым от произнесения латинского текста. Музыка перестала восприниматься как его поддержка и украшение, она теперь предназначалась специально для слушания, хотя органумы мастеров этой школы по-прежнему исполнялись в церкви. Во главе школы Нотр-Дам стояли профессиональные композиторы: во второй половине XII века – Леонин, на рубеже XII-XIII веков – его ученик Перотин.

Понятие «композитор» в эпоху Средневековья существовало на втором плане музыкальной культур и само слово происходило от «компонировать» - т.е. сочетать, создавать нечто новое из известных элементов. Профессия композитора появилась лишь в XII веке (в творчестве трубадуров и мастеров школы Нотр-Дам). Например, найденные Леонином правила композиции уникальны потому, что, начав с глубокого исследования музыкального материала, созданного до него, композитор сумел впоследствии сочетать традиции строгого григорианского пения со свободными нормами искусства трубадуров.

Уже в органумах Перотина был придуман способ продления музыкальной формы. Так, музыкальная ткань расчленялась на короткие мотивы, построенные по принципу подобия (все они представляют довольно близкие варианты друг друга). Перотин передает эти мотивы из одного голоса в другой, создавая нечто вроде мотивной цепочки. Пользуясь такими сочетаниями и перестановками, Перотин позволил органумам разрастись по масштабам. Звуки григорианского хорала, помещенные в голос cantus firmus, располагаются на большом расстоянии друг от друга – и это также способствует расширению музыкальной формы. Так возник новый жанр – МОТЕТ; как правило, это трехголосное сочинение, получившее распространение в XIII веке. Красота нового жанра заключалась в одновременном сочетании разных мелодических линий, хотя они, по сути, являлись вариантом, дублировкой, отражением основного напева – cantus firmus. Такие мотеты назывались «упорядоченными».

Однако большей популярностью у публики пользовались мотеты, которые, в противоположность мотетам на cantus firmus, утрировали принципы разноголосия: некоторые из них даже сочинялись на разноязыкие тексты.

Средневековые мотеты могли быть как духовного, так и светского содержания: любовного, сатирического и т.п.

Раннее многоголосие существовало не только как вокальное искусство, но и как инструментальное. Для карнавалов и праздников сочинялась танцевальная музыка, песни трубадуров также сопровождались игрой на инструментах. Были популярны и своеобразные инструментальные фантазии, похожие на мотеты.

XIV век в западноевропейском искусстве называется «осенью» Средневековья. В Италию уже пришла новая эпоха – Возрождение; уже творили Данте, Петрарка, Джотто – великие мастера раннего Ренессанса. Остальная Европа подводила итоги средних веков и ощущала рождение новой темы в искусстве – темы индивидуальности.

Вступление средневековой музыки в новую эпоху было ознаменовано появлением трактата Филиппа де Витри «Ars Nova» - «Новое искусство». В нем ученый и музыкант пытался обрисовать новый образ музыкально-прекрасного. Название этого трактата дало имя и всей музыкальной культуре XIV века. Отныне музыка должна была отказаться от простых и грубых звучаний и устремиться к мягкости, очарованию звука: вместо пустых, холодных созвучий Ars antiqua предписывалось использовать полные и певучие созвучия.

Рекомендовалось оставить в прошлом и однообразный ритм (модальный) и пользоваться вновь открытой мензуральной (измерительной) нотацией, когда короткие и длинные звуки относятся друг к другу как 1:3 или 1:2. Таких длительностей много – максима, лонга, бревис, семибревис; каждая из них имеет свое начертание: более длинные звуки не заштриховываются, более краткие изображаются черным цветом.

Ритм стал более гибким, разнообразным, можно использовать синкопы. Менее строгим стало ограничение на использование иных, кроме диатонических церковных ладов: можно употреблять альтерации, повышения, понижения музыкальных тонов.

Средневековье – наиболее длительная культурная эпоха в истории Западной Европы. Она охватывает девять столетий – с VI по XIV век. Это было время господства католической церкви, которая с первых шагов являлась покровительницей искусств. Церковное слово (молитва) в разных странах Европы и в различных социальных слоях было неразрывно связано с музыкой: звучали псалмы, гимны, хоралы – сосредоточенные, отрешенные мелодии, далекие от повседневной суеты.

Также по заказу церкви возводили величественные храмы, украшали их скульптурами и красочными витражами; благодаря покровительству церкви архитекторы и художники, скульпторы и певцы посвящали себя безраздельно любимому искусству, т. е. католическая церковь поддерживала их с материальной стороны. Таким образом, самая значительная часть искусства вообще и музыкального, в частности, находилась под ведением католической религии.

Церковное пение во всех странах Западной Европы звучало на строгом латинском языке и для того, чтобы еще более усилить единство, общность католического мира, папа Григорий I, вступивший на престол в начале IV века, собрал воедино все церковные песнопения и предписал для исполнения каждого из них определенный день церковного календаря. Собранные папой мелодии получили название григорианских хоралов, а певческая традиция, основанная на них, называется григорианское пение.

В мелодическом смысле григорианский хорал ориентирован на октоих – систему восьми ладов. Именно лад часто оставался единственным указанием на то, как нужно исполнять хорал. Все лады составляли октаву и были модификацией античной трихордной системы. Лады имели только нумерацию, понятия «дорийский», «лидийский» и проч. исключались. Каждый лад представлял соединение двух тетрахордов.

Григорианские хоралы идеально соответствовали своему молитвенному назначению: неторопливые мелодии складывались из незаметно перетекающих друг в друга мотивов, мелодическая линия была ограничена по тесситуре, интервалы между звуками были небольшими, ритмический рисунок был также плавным, строились хоралы на основе диатонического звукоряда. Григорианские хоралы исполнялись одноголосно мужским хором и обучались такому пению преимущественно в устной традиции. Письменные источники григорианики являются образцом невменной нотации (специальные значки, стоявшие над латинским текстом), однако такой тип нотной записи указывал только приблизительную высоту звука, обобщенное направление мелодической линии и совсем не касался ритмической стороны и поэтому считался сложным для прочтения. Певцы, исполнявшие церковные хоралы не всегда были образованы и обучались своему ремеслу в устной форме.

Григорианский хорал стал символом огромной эпохи, которая отразила в нем свое понимание жизни и мира. Смысл и содержание хоралов отражали представление средневекового человека о сущности бытия. В этом смысле Средние века часто называют «юностью европейской культуры», когда, после падения античного Рима в 476 году, племена варваров, галлов и германцев вторглись в Европу и начали строить свою жизнь заново. Их вера в христианских святых отличалась безыскусностью, простотой и мелодии григорианских хоралов базировались на том же принципе естественности. Некоторая монотонность хоралов отражает представление средневекового человека о пространстве, которое ограничивается полем его зрения. Также и представление о времени было связано с идеей повторяемости и неизменности.

Григорианское пение, как господствующий музыкальный стиль, к IX веку окончательно утвердилось на всей территории Европы. Тогда же в музыкальном искусстве произошло величайшее открытие, оказавшее влияние на всю его дальнейшую историю: ученый-монах, итальянский музыкант Гвидо из Ареццо (Аретинский) изобрел нотную запись, которой мы пользуемся и по сей день. Отныне и григорианский хорал можно было спеть по нотам, и он вступил в новую фазу своего развития.

С VII по IX век понятия «музыка» и «григорианский хорал» существовали нераздельно. Изучая мелодику хоралов, средневековые музыканты и певчие хотели украсить их, но изменять церковное пение не разрешалось. Выход был найден: над хоральной мелодией на равном удалении от всех ее звуков был надстроен второй голос, который в точности повторял мелодический рисунок хорала. Мелодия казалась утолщенной, удвоенной. Такие первые двухголосные сочинения получили названия органумов, так как нижний голос, в котором звучал хорал, назывался vox principalis (основной голос), а верхний, присочиненный – vox organalis (дополнительный голос). Звучание органумов вызывало ассоциации с акустикой храма: оно было гулким, глубоким. Далее, на протяжении XI-XIII веков, двухголосие выросло до трех- (triptum) и четырехголосия.

Ритмические формы органумов - пример модусной (модальной) ритмики. Их шесть: ямб (l ¡), трохей (хорей) (¡ l), дактиль (¡. l ¡), анапест (l ¡ ¡. ), спондей (¡. ¡. ), тритрахий (l l l).

Помимо церковного искусства, с развитием европейских городов и экономики, в Средние века произошло рождение нового искусства. Простые люди (горожане, крестьяне) часто видели в своих поселениях бродячих актеров и музыкантов, которые танцевали, разыгрывали театрализованные представления на разные темы: об ангелах и Пресвятой Богородице или о чертях и адских муках. Это новое светское искусство пришлось не по вкусу аскетическим служителям церкви, которые находили в легкомысленных песнях и представлениях происки дьявола.

Расцвет средневековых городов и феодальных замков, интерес к светскому искусству, который охватывал все сословия, привели к появлению первой профессиональной школы светской поэзии и музыки – школы трубадуров, которая возникла на юге Франции в XII веке. Аналогичные немецкие поэты и музыканты назывались миннезингерами (мейстерзингерами), северофранцузские – труверами. Будучи авторами стихов, поэты-трубадуры выступали одновременно и как композиторы, и как певцы-исполнители.

Музыка песен трубадуров выросла из поэзии и подражала ей своей простотой, шутливостью, беззаботностью. Содержание таких песен обсуждало все жизненные темы: любовь и разлуку, наступление весны и ее радости, веселую жизнь странствующих студентов-школяров, шалости Фортуны и ее капризный нрав и др. Ритмичность, четкое членение на музыкальные фразы, акцентность, периодичность – все это было свойственно песням трубадуров.

Григорианское пение и лирика трубадуров – два самостоятельных направления в средневековой музыке, однако, при всей их контрастности, можно отметить и общие черты: внутреннее родство со словом, склонность к плавному, витиеватому голосоведению.

Вершиной раннего многоголосия (полифонии) стала школа Нотр-Дам. Музыканты, принадлежавшие к ней, работали в Париже в соборе Парижской Богоматери в XII-XIII веках. Им удалось создать такие многоголосные структуры, благодаря которым музыкальное искусство стало более самостоятельным, менее зависимым от произнесения латинского текста. Музыка перестала восприниматься как его поддержка и украшение, она теперь предназначалась специально для слушания, хотя органумы мастеров этой школы по-прежнему исполнялись в церкви. Во главе школы Нотр-Дам стояли профессиональные композиторы: во второй половине XII века – Леонин, на рубеже XII-XIII веков – его ученик Перотин.

Понятие «композитор» в эпоху Средневековья существовало на втором плане музыкальной культур и само слово происходило от «компонировать» - т.е. сочетать, создавать нечто новое из известных элементов. Профессия композитора появилась лишь в XII веке (в творчестве трубадуров и мастеров школы Нотр-Дам). Например, найденные Леонином правила композиции уникальны потому, что, начав с глубокого исследования музыкального материала, созданного до него, композитор сумел впоследствии сочетать традиции строгого григорианского пения со свободными нормами искусства трубадуров.

Уже в органумах Перотина был придуман способ продления музыкальной формы. Так, музыкальная ткань расчленялась на короткие мотивы, построенные по принципу подобия (все они представляют довольно близкие варианты друг друга). Перотин передает эти мотивы из одного голоса в другой, создавая нечто вроде мотивной цепочки. Пользуясь такими сочетаниями и перестановками, Перотин позволил органумам разрастись по масштабам. Звуки григорианского хорала, помещенные в голос cantus firmus, располагаются на большом расстоянии друг от друга – и это также способствует расширению музыкальной формы. Так возник новый жанр – МОТЕТ; как правило, это трехголосное сочинение, получившее распространение в XIII веке. Красота нового жанра заключалась в одновременном сочетании разных мелодических линий, хотя они, по сути, являлись вариантом, дублировкой, отражением основного напева – cantus firmus. Такие мотеты назывались «упорядоченными».

Однако большей популярностью у публики пользовались мотеты, которые, в противоположность мотетам на cantus firmus, утрировали принципы разноголосия: некоторые из них даже сочинялись на разноязыкие тексты.

Средневековые мотеты могли быть как духовного, так и светского содержания: любовного, сатирического и т.п.

Раннее многоголосие существовало не только как вокальное искусство, но и как инструментальное. Для карнавалов и праздников сочинялась танцевальная музыка, песни трубадуров также сопровождались игрой на инструментах. Были популярны и своеобразные инструментальные фантазии, похожие на мотеты.

XIV век в западноевропейском искусстве называется «осенью» Средневековья. В Италию уже пришла новая эпоха – Возрождение; уже творили Данте, Петрарка, Джотто – великие мастера раннего Ренессанса. Остальная Европа подводила итоги средних веков и ощущала рождение новой темы в искусстве – темы индивидуальности.

Вступление средневековой музыки в новую эпоху было ознаменовано появлением трактата Филиппа де Витри «Ars Nova» - «Новое искусство». В нем ученый и музыкант пытался обрисовать новый образ музыкально-прекрасного. Название этого трактата дало имя и всей музыкальной культуре XIV века. Отныне музыка должна была отказаться от простых и грубых звучаний и устремиться к мягкости, очарованию звука: вместо пустых, холодных созвучий Ars antiqua предписывалось использовать полные и певучие созвучия.

Рекомендовалось оставить в прошлом и однообразный ритм (модальный) и пользоваться вновь открытой мензуральной (измерительной) нотацией, когда короткие и длинные звуки относятся друг к другу как 1:3 или 1:2. Таких длительностей много – максима, лонга, бревис, семибревис; каждая из них имеет свое начертание: более длинные звуки не заштриховываются, более краткие изображаются черным цветом.

Ритм стал более гибким, разнообразным, можно использовать синкопы. Менее строгим стало ограничение на использование иных, кроме диатонических церковных ладов: можно употреблять альтерации, повышения, понижения музыкальных тонов.

Музыка Средневековья

Музыкальная культура Средневековья – чрезвычайно объемное и разностороннее историческое явление, хронологически располагающееся между эпохами античности и Возрождения. Его трудно представить себе как единый период, т. к. в разных странах развитие искусства шло своими особыми путями.

Специфической особенностью эпохи Средневековья, наложившей отпечаток на все сферы жизнедеятельности человека в то время, являлась руководящая роль церкви в политике, этике, искусстве и т. д. Музыка также не избежала такой участи: она еще не была отделена от религии и имела в основном духовную функцию. Ее содержание, образность, вся ее эстетическая сущность воплощали отрицание ценностей земной жизни ради воздаяния после смерти, проповедь аскетизма, отрешенности от внешних благ. Народное искусство, продолжавшее нести отпечаток языческих верований, нередко подвергалось нападкам со стороны «официального» искусства католической церкви.

Первый период – раннее Средневековье – принято исчислять с эпохи, последовавшей сразу после падения Римской империи, т. е. с VI века н. э. В это время на территории Европы существовало и мигрировало множество племен и народов, находящихся на разных ступенях исторического развития. Однако сохранившимися памятниками музыкального искусства этого периода является только музыка христианской церкви (в основном в более поздней нотации), наследующая, с одной стороны, культуре Римской империи, с другой – музыке Востока (Иудея, Сирия, Армения, Египет). Предполагается, что исполнительские традиции христианского пения – антифон (противопоставление двух хоровых групп) и респонсорий (чередование сольного пения и «ответов» хора) – сложились на основе восточных образцов.

К VIII веку в европейских странах постепенно формируется традиция литургического пения, основой которого становится григорианский хорал – свод систематизированных Папой Григорием I одноголосных хоровых песнопений. Здесь следует подробнее остановиться на личности самого Григория, удостоенного, благодаря значимости своей фигуры в истории, титула Великий.

Он появился на свет в Риме в 540 году в семье знатного происхождения, не испытывавшей денежных затруднений. После смерти родителей Григорий получил богатое наследство и смог основать несколько монастырей в Сицилии и один в Риме, на Целийском холме, в своем родовом доме. Последнюю обитель, называвшуюся монастырем Святого апостола Андрея, он избрал местом для проживания.

В 577 году Григорий был посвящен в сан дьякона, в 585 году – избран настоятелем основанного им монастыря, в 590 году его по единогласному решению римского сената, клира и народа избрали на папский престол, который он занимал вплоть до своей кончины, последовавшей в 604 году.

Еще при жизни Григорий пользовался огромным уважением на Западе, не забыли его и после смерти. Существует множество рассказов о чудесах, совершенных им. Прославился он и как писатель: биографы приравнивают его в этом отношении к великим философам и мудрецам. Кроме того, Григорий Великий является одним из главнейших деятелей в области разработки церковной музыки. Ему принадлежит заслуга в расширении системы амв-росианских ладов и в создании особой школы пения, называющейся cantus gregorianus.

Григорий многие годы собирал напевы разных христианских церквей, сделав из них впоследствии сборник под названием «Антифонарий», который приковали цепью к алтарю церкви Святого Петра в Риме как образец христианского пения.

Папа ввел октавную систему взамен греческой системы тетрахордов, а названия тонов, бывшие ранее греческими, обозначил латинскими буквами A, В, С и т. д., причем восьмой тон получал опять название первого. Весь звукоряд Григория Великого состоял из 14 тонов: А, В, c, d, e, f, g, a, b, c 1 , d 1 , e 1 , f 1, g 1 . Буква В (b) имела двоякое значение: В круглое (В rotundum) и В квадратное (В quadratum), т. е. си-бемоль и си-бекар, смотря по необходимости.

Но вернемся к Папе Григорию, который, ко всему прочему, стал основоположником певческой школы в Риме, ревностно следил за обучением и даже сам преподавал, строго наказывая учеников за нерадивость и леность.

Следует заметить, что постепенно григорианский хорал, состоящий из песнопений двух типов – псалмодий (мерной речитации текста Священного Писания, преимущественно на одной звуковой высоте, при которой на один слог текста приходится одна нота напева) и гимнов-юби-ляций (свободные распевы слогов слова «аллилуйя»), вытеснил из церкви амвросианское пение. От последнего он отличался тем, что был ровным, независимым от текста. Это в свою очередь давало возможность мелодии литься естественно и гладко, а музыкальный ритм отныне становился самостоятельным, что явилось важнейшим событием в истории музыки.

Воздействие хорального пения на прихожан усиливалось акустическими возможностями церквей с их высокими сводами, отражающими звук и создающими эффект Божественного присутствия.

В последующие века с распространением влияния Римской церкви григорианский хорал вводился (порой насильственно насаждался) в богослужениях практически всех европейских стран. В результате к концу XI века вся католическая церковь была объединена общими формами богослужения.

Музыкальная наука в это время развивалась в тесной связи с монастырской культурой. В VIII – IX веках на основе григорианского хорала складывается система церковных ладов Средневековья. Эта система связана с одноголосным музыкальным складом, с монодией, и представляет собой восемь диатонических звукорядов (дорийский, гиподорийский, фригийский, гипофригийский, лидийский, гиполидийский, миксолидийский, гипомиксолидийский), каждый из которых воспринимался средневековыми теоретиками и практиками как сочетание определенных выразительных возможностей (первый лад – «ловкий», второй – «серьезный», третий – «стремительный» и т. д.).

В этот же период начинает формироваться нотация, на первых порах представленная так называемыми невмами – значками, наглядно показывавшими движение мелодии вверх или вниз. Из невм впоследствии развились нотные знаки. Реформу нотного письма осуществил во второй четверти XI века итальянский музыкант Гвидо Д’Ареццо, который родился в 990 году. О его детских годах известно немного. Достигнув же зрелого возраста, Гвидо стал монахом бенедиктинского монастыря Помпозы близ Равенны.

Гвидо Д’Ареццо

Природа щедро одарила его различными талантами, что давало ему возможность в учении без труда превосходить своих товарищей. Последние завидовали его успехам и тому, как хорошо проявил себя Гвидо в качестве преподавателя пения. Все это влекло за собой резко негативное, а отчасти даже и враждебное отношение окружающих к Гвидо, и тот в конце концов вынужден был перейти в другой монастырь – в Ареццо, от названия которого и получил свое прозвище Аретинский.

Итак, Гвидо был одним из выдающихся музыкантов своего времени, и его нововведения в области преподавания духовного пения дали блестящие результаты. Он обратил внимание на нотацию и изобрел четырехлинейную систему, на которой точно определил местонахождение полутонов (от них, попадавшихся между ступенями григорианских ладов, зависели характерные черты того или иного лада, а также основанной на этом ладу мелодии).

Стремясь как можно точнее записать мелодию, Гвидо придумывал различные правила, которые были им оформлены в сложную и запутанную систему с новыми названиями тонов: ut, re, mi, fa, sol, la. Несмотря на различные затруднения, вызываемые использованием такой системы, она продержалась весьма долго, и ее следы встречаются у теоретиков XVIII века.

Интересно, что сначала Гвидо Д’Ареццо за свои нововведения подвергся гонениям. Но поскольку система талантливого музыканта во многом облегчала запись и чтение мелодий, Папа с почестями возвратил его в монастырь Помпозы, где Гвидо Д’Ареццо и прожил до самой смерти, т. е. до 1050 года.

В XI – XII веках в развитии художественной культуры Средневековья наметился перелом, обусловленный новыми социально-историческими процессами (рост городов, Крестовые походы, выдвижение новых общественных слоев, в том числе рыцарства, складывание первых центров светской культуры и т. д.). Новые культурные явления распространяются по всей Европе. Происходит складывание и распространение средневекового романа, готического стиля в архитектуре, в музыке идет развитие многоголосного письма, формирование светской музыкально-поэтической лирики.

Главной особенностью развития музыкального искусства в этот период становится утверждение и развитие многоголосия, в основу которого был положен григорианский хорал: к основной церковной мелодии певцы присоединяли второй голос. В ранних примерах двухголосия, зафиксированных в нотных образцах IX – XI веков, голоса движутся параллельно в едином ритме (в интервалах кварты, квинты или октавы). Позже появляются образцы непараллельного движения голосов («Один певец ведет основную мелодию, другой искусно бродит по другим звукам», – пишет теоретик Гвидо Д’Ареццо). Такой тип двух– и многоголосия по названию присоединяемого голоса именуется органумом. Позже присоединяемый голос начали украшать мелизмами, он стал двигаться свободнее в ритмическом отношении.

Развитие новых форм многоголосия особенно активно проходило в Париже и Лиможе в XII – XIII веках. В историю музыкальной культуры этот период вошел как «эпоха Нотр-Дама» (по названию всемирно известного памятника архитектуры, где работала певческая капелла). Среди авторов, имена которых сохранила история, – Леонин и Перотин, сочинители органумов и других многоголосных произведений. Леонин создал «Большую книгу органумов», рассчитанную на годовой круг церковного пения. С именем Перотина связан переход к трех– и четырехголосию, дальнейшему обогащению мелодического письма. При этом следует заметить, что значение школы Нотр-Дам существенно не только для Франции, но и для всего европейского искусства того времени.

Формирование светских жанров в этот период было подготовлено творчеством бродячих народных музыкантов – жонглеров, менестрелей и шпильманов. Отвергаемые и даже гонимые официальной церковью, бродячие музыканты явились первыми носителями светской лирики, а также чисто инструментальной традиции (использовали различные духовые и смычковые инструменты, арфу и т. д.).

В то время артисты были актерами, циркачами, певцами и инструменталистами в одном лице. Они путешествовали из города в город, выступали на празднествах при дворах, у замков, на ярмарочных площадях и т. д. К жонглерам, шпильманам и менестрелям присоединялись также ваганты и голиарды – неудачливые студенты и беглые монахи, благодаря которым в «артистической» среде распространялась грамотность. Постепенно в этих кругах наметилась специализация, бродячие артисты стали образовывать цехи, оседать в городах.

В этот же период выдвигается своеобразная «интеллигентская» прослойка – рыцарство, в среде которого (в периоды перемирий) также разгорается интерес к искусству. В XII веке в Провансе зарождается искусство трубадуров, ставшее основой особого творческого движения. Трубадуры по большей части были выходцами из высшей знати, владели музыкальной грамотой. Они создавали сложные по форме музыкально-поэтические произведения, в которых воспевали земные радости, героику Крестовых походов и т. д.

Трубадур был прежде всего стихотворцем, мелодия же нередко заимствовалась им из бытового обихода и творчески переосмысливалась. Иногда трубадуры нанимали менестрелей для инструментального сопровождения своего пения, привлекали жонглеров к исполнению и сочинению музыки. Среди трубадуров, чьи имена дошли до нас сквозь пелену веков, – Джуафрэ Рюдель, Бернарт де Вентадорн, Бертран де Борн, Рамбаут де Вакейрас и др.

Поэзия трубадуров оказала непосредственное влияние на формирование творчества труверов, которое было более демократичным, т. к. большинство труверов – выходцы из горожан. Некоторые труверы создавали произведения на заказ. Наиболее же известным из них являлся Адам де ла Аль, уроженец Арраса, французский поэт, композитор, драматург второй половины XIII века.

Искусство трубадуров и труверов распространялось по всей Европе. Под его воздействием в Германии столетием позже (XIII век) сложились традиции школы миннезингеров, представители которой, одаренные музыканты и композиторы, в основном служили при дворах.

Своеобразным переходом к эпохе Ренессанса можно рассматривать XIV век. Данный период по отношению к французской музыке принято обозначать «Аrs Nova» («Новое искусство») по названию научного труда, созданного около 1320 года парижским теоретиком и композитором Филиппом де Витри.

Следует отметить, что в указанное время в искусстве действительно появляются принципиально новые элементы: например, происходит утверждение (в том числе на теоретическом уровне) новых принципов ритмического деления и голосоведения, новых ладовых систем (в частности, альтераций и тональных тяготений – т. е. «диезов» и «бемолей»), новых жанров, выход на новый уровень профессионального мастерства.

В ряд крупнейших музыкантов XIV века, помимо Филиппа де Витри, создававшего на собственные тексты мотеты, нужно поставить и Гийома де Машо, родившегося в городе Машо, в Шампани, около 1300 года.

Гийом де Машо одно время состоял на службе при дворе Иоанны Наваррской, супруги Филиппа Красивого, позднее стал личным секретарем короля Богемии Иоанна Люксембургского, а под конец жизни находился при дворе Карла V Французского. Современники почитали его необыкновенный музыкальный талант, благодаря которому он был не только блестящим исполнителем, но и прекрасным композитором, оставившим после себя громадное количество произведений: до нас дошли его мотеты, баллады, рондо, каноны и другие песенные (песенно-танцевальные) формы.

Музыка Гийома де Машо отличается утонченной экспрессивностью, грациозностью и, по мысли исследователей, является выразителем духа эпохи «Ars Nova». Главная же заслуга композитора состоит в том, что он написал первую в истории авторскую мессу по случаю вступления на престол Карла V.