Цитата сообщения Самые знаменитые и значимые для истории искусства картины мира. | 33 шедевра мировой живописи.
Бессмертными картинами великих художников восхищаются миллионы людей. Искусство, классическое и современное, это один из самых главных источников вдохновения, вкуса и культурного воспитания любого человека, а уж творческого и подавно.
Всемирно известных картин безусловно больше, чем 33. Их несколько сотен, и все они бы не поместились в один обзор. Поэтому для удобства просмотра мы отобрали несколько, наиболее значимых для мировой культуры и часто копируемых в рекламе картин. Каждая работа сопровождается интересным фактом, объяснением художественного смысла или историей ее создания.
Хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене.
У картины есть маленький секрет: задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов. А два ангелочка, изображенные на картине внизу, стали мотивом многочисленных открыток и плакатов.
Истинное название картины Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга». Обнаружившим в XIX веке картину искусствоведам показалось, что фигуры выступают на темном фоне, и ее назвали «Ночной дозор». Позднее обнаружилось, что темной картину делает слой копоти, а действие на самом деле происходит днем. Однако в сокровищницу мирового искусства картина уже вошла под названием «Ночной дозор».
За более 500-летнюю историю существования произведения фреска не раз подвергалась разрушениям: через роспись был проделан, а затем заложен дверной проем, трапезную монастыря, где находится изображение, использовали как оружейный склад, тюрьму, подвергали бомбежке. Знаменитую фреску реставрировали не менее пяти раз, причем последняя реставрация заняла 21 год. Сегодня, чтобы посмотреть произведение искусства, посетители должны заказывать билеты заранее и могут провести в трапезной только 15 минут.
По признанию самого автора, картина была написана в результате ассоциаций, возникших у Дали при виде плавленого сыра. Вернувшись из кино, куда она ходила в тот вечер, Гала совершенно правильно предсказала, что никто, раз увидевши «Постоянство памяти», уже его не забудет.
По мнению Брейгеля в неудаче, постигшей строительство Вавилонской башни, повинны не внезапно возникшие согласно библейскому сюжету языковые барьеры, а ошибки, допущенные в процессе строительства. На первый взгляд огромное строение кажется достаточно прочным, однако при ближайшем рассмотрении видно, что все ярусы положены неровно, нижние этажи либо недостроены, либо уже рушатся, само здание кренится в сторону города, и перспективы всего проекта весьма печальны.
По утверждению художника, он писал картину несколько месяцев. Впоследствии Малевич выполнил несколько копий «Черного квадрата» (по некоторым данным, семь). По одной из версий, художник не смог закончить работу над картиной в нужный срок, поэтому ему пришлось замазать работу черной краской. Впоследствии, после признания публики, Малевич писал новые «Черные квадраты» уже на чистых холстах. Малевичем были также написаны картины «Красный квадрат» (в двух экземплярах) и один «Белый квадрат».
Написанная в 1912 году, картина оказалась провидческой. Красный конь выступает в роли Судьбы России или самой России, которую не в силах удержать хрупкий и юный седок. таким образом, художник символически предсказал своей картиной «красную» судьбу России XX века.
Картина «Похищение дочерей Левкиппа» считается олицетворением мужественной страсти и телесной красоты. Сильные, мускулистые руки юношей подхватывают молодых нагих женщин, чтобы посадить их на коней. Сыновья Зевса и Леды крадут невест своих двоюродных братьев.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».
Делакруа создал картину по мотивам июльской революции 1830 года во Франции. В письме брату 12 октября 1830 года Делакруа пишет: «Если я не сражался за Родину, то я хотя бы буду для нее писать». Обнаженная грудь женщины, ведущей народ, символизирует самоотверженность французских людей того времени, которые с «голой грудью» шли на врага.
Название произведения «Impression, soleil levant» с легкой руки журналиста Л. Леруа стало именем художественного направления «импрессионизм». Картина написана с натуры в старом аванпорте Гавра во Франции.
Одну из наиболее известных картин нидерландского художника Яна Вермеера часто называют северной или голландской Моной Лизой. О картине очень мало известно: она не датирована, имя изображенной девушки не известно. В 2003 году по одноимённому роману Трейси Шевалье был снят художественный фильм «Девушка с жемчужной серёжкой», в котором гипотетически восстановлена история создания полотна в контексте биографии и семейной жизни Вермеера.
Иван Айвазовский — всемирно известный российский художник-маринист, посвятивший свою жизнь изображению моря. Им создано около шести тысяч произведений, каждое из которых получило признание при жизни художника. Картина «Девятый вал» включена в книгу «100 великих картин».
Икона Святой Троицы, написанная Андреем Рублевым в XV веке, является одной из самых прославленных русских икон. Икона представляет собой доску вертикального формата. Цари (Иван Грозный, Борис Годунов, Михаил Федорович) «обкладывали» икону золотом, серебром и драгоценными камнями. Сегодня оклад хранится в Сергиево-Посадском государственном музее-заповеднике.
Сюжет картины навеян поэмой Лермонтова «Демон». Демон — образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении невиданных цветов.
Название картины «The Ancient of Days» буквально переводится с английского как «Ветхий днями». Это словосочетание использовалось в качестве имени Бога. Главный персонаж картины — Бог в момент творения, который не устанавливает порядок, а ограничивает свободы и обозначает пределы воображения.
«Фоли-Бержер» — это варьете и кабаре в Париже. Мане часто посещал «Фоли-Бержер» и в итоге написал эту картину — последнюю перед своей смертью в 1883 году. За стойкой бара, посреди пьющей, едящей, разговаривающей и курящей толпы, стоит поглощенная собственными мыслями барменша, наблюдающая за акробатом на трапеции, которого можно заметить в верхнем левом углу картины.
Примечательно, что современное название картины не было дано самим художником, а начало употребляться лишь два века спустя. До этого времени у картины были различные названия: «Красота приукрашенная и неприукрашенная» (1613), «Три типа любви» (1650), «Божественная и светская женщины» (1700), и, в конце концов, «Любовь земная и Любовь небесная» (1792 и 1833).
Первая и самая значительная работа из цикла, посвящённого Сергию Радонежскому. До конца своих дней художник был убеждён в том, что «Видение отроку Варфоломею» — самое лучшее его произведение. На старости лет художник любил повторять: «Жить буду не я. Жить будет „Отрок Варфоломей“. Вот если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям — значит, он живой, значит, жив и я.»
Другие названия картины — «Слепые», «Парабола слепых», «Слепой ведет незрячего». Считается, что сюжет картины основан на библейской притче о слепых: «Если слепой ведет слепого, то оба они упадут в яму».
За основу взята сказка «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке». Изначально картина Васнецова называлась «Дурочка Алёнушка». «Дурочками» в то время называли сирот. «Аленушка», — рассказывал впоследствии сам художник, — «как будто давно жила в моей голове, но реально я увидел ее в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую мое воображение. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах... Каким-то особым русским духом веяло от нее».
В отличие от большинства картин художника, «Звездная ночь» была написана по памяти. Ван Гог находился в то время в лечебнице Сен-Реми, терзаемый приступами безумия.
На картине изображено известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора.
Картина оказалась в России благодаря промышленнику Ивану Абрамовичу Морозову, который в 1913 г. приобрел ее за 16 000 франков. В 1918 г. личная коллекция И. А. Морозова была национализирована. В настоящий момент картина находится в собрании Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина.
Первоначальное название картины — «Мадонна с младенцем». Современное название картины происходит от имени её владельца — графа Литта, владельца фамильной картинной галереи в Милане. Существует предположение, что фигура младенца была написана не Леонардо да Винчи, а принадлежит кисти одного из его учеников. Об этом свидетельствует необычная для авторской манеры поза младенца.
Энгр закончил писать эту картину, когда ему было уже за 80 лет. Этой картиной художник подводит своеобразный итог изображения купальщиц, тематика которых давно присутствовала в его творчестве. Изначально полотно было в форме квадрата, однако через год после его завершения художник превратил его в круглую картину — тондо.
«Утро в сосновом лесу» — картина русских художников Ивана Шишкина и Константина Савицкого. Савицкий нарисовал медведей, но коллекционер Павел Третьяков, когда приобрел картину, стер его подпись, так что сейчас автором картины указывается один Шишкин.
Картина написана на основе сценического образа героини оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» по сюжету одноименной сказки А. С. Пушкина. Врубель создал премьеры оперы 1900 года эскизы для декораций и костюмов, а партию Царевны-Лебеди пела его жена.
Одна из немногочисленных сохранившихся работ художника, который составлял портреты из фруктов, овощей, цветов, ракообразных, рыб, жемчужин, музыкальных и иных инструментов, книг и так далее. «Вертумн» — это портрет императора, представленного в виде древнеримского бога времен года, растительности и преобразования. На картине Рудольф полностью состоит из плодов, цветов и овощей.
Картина иллюстрирует миф рождения Афродиты. Обнаженная богиня плывет к берегу в раскрытой раковине, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир (западный ветер) в объятиях своей супруги Хлориды дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций. «Рождение Венеры» хорошо сохранилось благодаря тому, что Боттичелли нанес на картину защитный слой из яичного желтка.
Великолепные произведения искусства рук великих мастеров способны удивить даже людей, для которых искусство мало значит. Именно поэтому музеи с мировыми именами являются одними из самых популярных достопримечательностей, привлекающих миллионы посетителей в год.
Чтобы выделиться из огромного количества картин, написанных за всю историю искусства, художнику необходим не просто талант, но и умение выразить уникальный сюжет необычным и очень актуальным для своего времени способом.
Представленные ниже картины громко заявляют не только о таланте своих авторов, но и о многочисленных культурных тенденциях, которые появлялись и исчезали, и о важнейших исторических событиях, которые всегда находили отражение в искусстве.
Эта картина, написанная великим мастером возрождения Сандро Боттичелли, изображает момент появления прекрасной Венеры из морской пены. Одним их самых притягательных аспектов картины является скромная поза богини и ее простое, но прекрасное лицо.
Написанная Кассиусом Кулиджем в 1903 году серия из 16 картин изображает собак, собранных за игрой в покер вокруг журнального или игрального стола. Многие критики признают эти картины каноническим изображением американцев той эпохи.
Этот портрет, написанный Жаком-Луи Давидом, изображает блестящую светскую диву в контрастно минималистической и простой обстановке, одетой в простое белое платье без рукавов. Это - яркий пример неоклассицизма в портретном искусстве.
Эта знаменитая картина, написанная Джексоном Поллоком, является самым знаковым его произведением, которое ярко изображает весь тот хаос, который бушевал в душе и уме Поллока. Это - одна из самых дорогих работ, когда-либо проданных американским художником.
"Сын человеческий", написанный Рене Магриттом, является своеобразным автопортретом, изображающим самого художника в черном костюме, но с яблоком вместо лица.
Это довольно свежее произведение, написанное Марком Ротко, - не более чем мазки трех разных оттенков на холсте ручной работы. В настоящее время картина выставлена в Институте искусств в Чикаго.
На основе библейской истории об убийстве невинных младенцев в Вифлееме Питер Поль Рубенс создал эту жуткую и жестокую картину, которая затрагивает эмоции всех, кто на нее смотрит.
Созданная Жоржем Сера, эта уникальная и очень популярная картина изображает расслабленную атмосферу выходного дня в большом городе. Такая живопись является превосходным примером пуантилизма, который объединяет в одно целое множество точек.
"Танец" Анри Матисса является примером стиля под названием фовизм, который отличается яркими, практически неестественными цветами и формами и высокой динамикой.
"Американская готика" является произведением искусства, идеально символизирующим образ американцев во время Великой депрессии. На этой картине Грант Вуд изобразил строгую, наверняка религиозную пару, стоящую на фоне простого дома с окнами в готическом стиле.
Эта картина самого популярного мексиканского живописца ХХ века - Диего Риверы, изображает человека, который с трудом несет на спине корзину, перегруженную яркими тропическими цветами.
Также известная как "Аранжировка в сером и черном. Мать художника", это одна из наиболее знаменитых картин американского художника Джеймса Уистлера. На этой картине Уистлер изобразил свою мать, сидящей на стуле, на фоне серой стены. В картине использованы только черные и серые оттенки.
Это - культовое произведение не менее культового Сальвадора Дали, знаменитого на весь мир испанского сюрреалиста, выведшего это движение на передовую искусства.
Пабло Пикассо является одним из самых популярных и влиятельных испанских живописцев. Он - основатель нашумевшего в свое время стиля, названного кубизмом, который стремится раздробить любой объект и передать его четкими геометрическими формами. Эта картина - первый портрет в стиле кубизма.
Эта картина Ван Гога является автопортретом, причем уникальным, поскольку он изображает живописца без привычной всем бороды. Кроме того, это одна из немногих картин Ван Гога, которые были проданы в частные коллекции.
Написанная Винсентом ван Гогом, эта картина изображает привычное зрелище совсем по новому, с использованием удивительно ярких цветов и необычных форм.
Василий Кандинский признан основателем абстрактного искусства - стиля, который использует формы и символы вместо привычных предметов и людей. "Композиция VIII" является одной из первых картин художника, выполненных исключительно в этом стиле.
Одно из первых художественных произведений в стиле ар-нуво, эта картина почти полностью выполнена в золотых тонах. Картина Густава Климта - одно из самых ярких произведений стиля.
Картина Пьера Огюста Ренуара является ярким и динамичным изображением городской жизни. Кроме того, это одна из самых дорогих в мире картин.
В картине "Олимпия" Эдуард Мане создал настоящее противоречие, практически скандал, поскольку голая женщина с пристальным взглядом явно является любовницей, не завуалированной мифами классического периода. Эта одна из ранних работ в стиле реализма.
В этом произведении Франсиско Гойя изобразил нападение Наполеона на испанцев. Это - одна из первых испанских картин, которые рисуют войну в негативном свете.
Самая знаменитая картина Диего Веласкеса изображает пятилетнюю Инфанту Маргариту на фоне портрета ее родителей, написанного Веласкесом.
Эта картина является одним из старейших произведений живописи. Она была написана Яном ван Эйком и изображает итальянского бизнесмена Джованни Арнольфини и его беременную жену в их доме в Брюгге.
Картина норвежского художника Эдварда Мунка изображает искаженное страхом лицо человека на фоне кроваво-красного неба. Пейзаж на заднем плане добавляет мрачного очарования этой картине. Кроме того, "Крик" - одна из первых картин, выполненных в стиле экспрессионизма, где реализм сведен к минимуму, чтобы обеспечить больше свободы для эмоций.
"Кувшинки", написанные Клодом Моне, являются частью серии из 250 картин, изображающих элементы собственного сада художника. Эти картины выставлены в различных художественных музеях мира.
"Звездная Ночь" Ван Гога - одно из самых известных изображений в современной культуре. В настоящее время она выставлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
Эта картина, написанная голландским художником Питером Брейгелем, показывает безразличие человека к страданию своих ближних. Сильная социальная тема показана здесь довольно простым способом, с использованием образа Икара, тонущего под водой, и людей, игнорирующих его страдания.
"Сотворение Адама" - одна из нескольких великолепных фресок Микеланджело, украшающих потолок Сикстинской капеллы во дворце Ватикана. На ней изображено создание Адама. Кроме изображения идеальных человеческих форм, фреска является одной из первых в истории искусства попыток изобразить Бога.
Эта фреска великого Леонардо изображает последний ужин Иисуса до его предательства, ареста и смерти. Кроме композиции, форм и красок, обсуждение этой фрески пестрит теориями о скрытых символах и наличии Марии Магдалены рядом с Иисусом.
"Герника" Пикассо изображает взрыв одноименного испанского города во время испанской гражданской войны. Это - черно-белая картина, негативно изображающая фашизм, нацизм и их идеи.
Эту картину Йоханнеса Вермеера часто называют голландской Моной Лизой, не только из-за ее необычайной популярности, но и потому что выражение на лице девушки трудно уловить и объяснить.
Картина Караваджо очень реалистично изображает момент убийства Иоанна Крестителя в тюрьме. Полутьма картины и выражения лиц ее персонажей делают ее истинным классическим шедевром.
"Ночной дозор" является одной из самых знаменитых картин Рембрандта. На ней изображен групповой портрет стрелковой роты во главе с ее офицерами. Уникальным аспектом картины является полутьма, которая производит впечатление ночной сцены.
Написанная Рафаэлем в его ранний римский период, эта фреска изображает известных греческих философов, таких как Платон, Аристотель, Евклид, Сократ, Пифагор и другие. Многие философы изображены в виде современников Рафаэля, например, Платон - Леонардо да Винчи, Гераклит - Микеланджело, Евклид - Браманте.
Вероятно, самой знаменитой картиной в мире является "Джоконда" Леонардо да Винчи, более известная как "Мона Лиза". Это полотно - портрет госпожи Герардини, привлекающей внимание таинственным выражением лица.
Искусство почти столь же старо, как и само человечество, и за все века нашего существования было создано бесчисленное множество уникальных произведений.
Наверное, было бы слишком смело составить список самых выдающихся шедевров, ведь критерии оценки творчества слишком субъективны. Именно поэтому в нашем рейтинге собраны картины и скульптуры, которые уж точно самые узнаваемые в мире, что совсем не значит, что они чем-то лучше других гениальных работ.
Какие творения – самые известные? Узнай прямо сейчас! Возможно, ты знаком не со всеми, и время проверить свою эрудицию и кругозор.
Поль Сезанн
Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль
постимпрессионизм
Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».
130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах
Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.
Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.
Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.
В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.
Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани
Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.
Джексон Поллок
Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».
122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе
Sotheby’s
Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.
Виллем де Кунинг
Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.
121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.
С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.
На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей. Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.
Густав Климт
Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль
модерн
Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.
138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s
Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.
Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.
В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.
Эдвард Мунк
Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль
экспрессионизм
Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».
73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.
Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.
На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.
Пабло Пикассо
Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль
кубизм
По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.
130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.
Энди Уорхол
Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт
«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.
358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах
Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.
Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.
Марк Ротко
Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.
206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.
Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.
Фрэнсис Бэкон
Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм
Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.
147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».
Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.
Клод Моне
Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль
импрессионизм
Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.
210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.
Джаспер Джонс
Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт
В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.
137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.
Амедео Модильяни
Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм
Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.
65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s
В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.
Ци Байши
Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа
Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.
10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian
Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.
Клиффорд Стилл
Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм
В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание
79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.
Казимир Малевич
Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм
Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат. «доминирование»).
71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.
Поль Гоген
Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм
До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.
93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s
В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.
Анри Матисс
Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм
В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.
65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s
Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.
Рой Ли
хтенштейн
Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт
Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.
91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.
Пит Мондриан
Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм
Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.
27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s
Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.
Василий Кандинский
Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм
Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.
275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s
Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.
Фернан Леже
Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм
Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.
96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.
Эрнст Людвиг Кирхнер
Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм
Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.
95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s
После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.
Эдгар Дега
Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм
История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.
64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?
Хуан Миро
Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стильабстрактное искусство
Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.
89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.
Ив Кляйн
Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись
Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.
153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.
Сэр Лоуренс Альма-Тадема
Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм
Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.
213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.
Люсьен Фрейд
Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись
Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.
219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.
Х уан Грис
Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм
Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.
5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.
Сальвадор Дали
Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм
«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».
25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.
Марк Шагал
Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард
Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.
80x103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s
Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.
проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13
(май-июнь 2013)
Практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть.
Иероним Босх, "Сад земных наслаждений", 1500-1510.
Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала "песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет".
Знаменитая "Джоконда" существует в двух вариантах: обнаженная версия называется "Монна Ванна", ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.
В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари написал картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.
Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).
Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу».
Казалось бы, обычный пейзаж. Лодки, люди на берегу и пустынное море. И только рентгеновское исследование показало, что люди собрались на берегу не просто так - в оригинале они рассматривали тушу кита, выброшенного на берег.
Однако художник решил, что никто не захочет смотреть на мертвого кита, и переписал картину.
Эдуард Мане, "Завтрак на траве", 1863.
Клод Моне, "Завтрак на траве", 1865.
Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают - ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».
Леонардо да Винчи, "Тайная вечеря", 1495-1498.
Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет. Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.
Рембрандт, "Ночной дозор", 1642.
Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.
И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия - не более 14 часов.
Анри Матисс, "Лодка", 1937.
В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне. Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус - это отражение первого на глади воды.
Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.
Винсент ван Гог, "Автопортрет с трубкой", 1889.
О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника - Поля Гогена.
Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.
Иван Шишкин, "Утро в Сосновом лесу", 1889.
Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.
Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».
Грант Вуд, "Американская готика", 1930.
Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.
На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.
Картина "Фигура у окна" написана в 1925 году, когда Дали был 21 год. Тогда в жизнь художника еще не вошла Гала, и его музой была сестра Ана Мария. Отношения брата и сестры испортились, когда он на одной из картин написал "порой я плюю на портрет собственной матери, и это доставляет мне удовольствие". Ана Мария не смогла простить такой эпатаж.
В своей книге 1949 года "Сальвадор Дали глазами сестры" она пишет о брате без всякого восхваления. Книга привела Сальвадора в бешенство. Еще лет десять после этого он гневно вспоминал ее при каждом удобном случае. И вот, в 1954 появляется картина "Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия". Поза женщины, ее локоны, пейзаж за окном и цветовая гамма картины явно перекликаются с "Фигурой у окна". Есть версия, что так Дали отомстил сестре за ее книгу.
Рембрандт Харменс ван Рейн, "Даная", 1636 - 1647.
Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии - супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс - любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.
Винсент Ван Гог, "Спальня в Арле", 1888 - 1889.
В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать «Спальню Ван Гога в Арле». Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах.
Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку - средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.
Леонардо да Винчи, "Портрет госпожи Лизы дель Джокондо", 1503 - 1519.
Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза - совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так «улыбается» именно из-за того, что произошло с нею, - считает эксперт. - Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».
Павел Федотов, "Сватовство майора", 1848.
Публика, впервые увидевшая картину "Сватовство майора", смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.
Фердинан Виктор Эжен Делакруа, "Свобода на баррикадах", 1830.
По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки - прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.
Казимир Малевич, "Черный супрематический квадрат", 1915.
На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет - это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.
Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.
Густав Климт, "Портрет Адели Блох-Бауэр", 1907.
На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее.
Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.
Поль Гоген, "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?", 1897-1898.
Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно "читается" не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу).
Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.
Питер Брейгель - старший, «Нидерландские пословицы», 1559
Питер Брейгель - старший изобразил землю, населённую буквальными изображениями нидерландских пословиц тех дней. В написанной картине присутствуют приблизительно 112 распознаваемых идиом. Некоторые из них используются и по сей день, например, такие, как: «плыть против течения», «биться головой о стену», «вооружен до зубов» и «большая рыбка ест маленькую».
Другие пословицы отражают человеческую глупость.
Поль Гоген, «Бретонская деревня под снегом», 1894
Картина Гогена «Бретонская деревня в снегу» была продана после смерти автора всего за семь франков и, к тому же, под названием «Ниагарский водопад». Человек, проводивший аукцион, случайно повесил картину вверх ногами, разглядев в ней водопад.
Пабло Пикассо, «Голубая комната», 1901
В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение - портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», - объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.
Зинаида Серебрякова, «Нагая», 1928
Однажды Зинаида Серебрякова получила заманчивое предложение - отправиться в творческое путешествие, чтобы изобразить обнаженные фигуры восточных дев. Но оказалось, что в тех местах найти натурщиц просто невозможно. На помощь пришел переводчик Зинаиды - он привел к ней своих сестер и невесту. Никому до этого и после этого не удавалось запечатлеть закрытых восточных женщин обнаженными.
Валентин Серов, «Портрет Николая II в тужурке», 1900
Долгое время Серов не мог написать портрет царя. Когда художник совсем сдался, он извинился перед Николаем. Николай немного расстроился, сел за стол, вытянув руки перед собой... И тут художника осенило - вот он образ! Простой военный в офицерской тужурке с чистыми и грустными глазами. Этот портрет считается лучшим изображением последнего императора.
© Федор Решетников
Знаменитая картина «Опять двойка» - это всего лишь вторая часть художественной трилогии.
Первая часть - «Прибыл на каникулы». Явно обеспеченная семья, зимние каникулы, радостный ученик-отличник.
Вторая часть - «Опять двойка». Небогатая семья с рабочей окраины, разгар учебного года, понурый обалдуй, опять схвативший двойку. В левом верхнем углу видна картина «Прибыл на каникулы».
Третья часть - «Переэкзаменовка». Сельский дом, лето, все гуляют, один злостный неуч, проваливший годовой экзамен, вынужден сидеть в четырёх стенах и зубрить. В левом верхнем углу видна картина «Опять двойка».
Джозеф Тёрнер, «Дождь, пар и скорость», 1844
В 1842 году миссис Симон путешествовала на поезде по Англии. Внезапно начался сильный ливень. Пожилой джентльмен, сидевший напротив нее, встал, открыл окно, высунул голову и так смотрел минут десять. Не в силах сдержать свое любопытство, женщина тоже открыла окно и стала смотреть вперед. Через год она обнаружила картину «Дождь, пар и скорость» на выставке в Королевской академии художеств и смогла узнать в ней тот самый эпизод в поезде.
Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511
Пара американских экспертов в области нейроанатомии считают, что Микеланджело на самом деле оставил некоторые анатомические иллюстрации в одной из его самых известных работ. Они полагают, что в правой части картины изображен огромный мозг. Удивительно, но можно найти даже сложные его компоненты, такие как мозжечок, зрительные нервы и гипофиз. А броская зеленая лента идеально совпадает с местонахождением позвоночной артерии.
Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе», 1888
Исследователь Джаред Бакстер полагает, что на полотне Ван Гога «Ночная терраса кафе» зашифровано посвящение «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. В центре картины стоит официант с длинными волосами и в белой тунике, напоминающей одежды Христа, а вокруг него ровно 12 посетителей кафе. Также Бакстер обращает внимание на крест, расположенный прямо за спиной официанта в белом.
Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931
Не секрет, что мысли, посещавшие Дали во время создания его шедевров, всегда были в виде очень реалистичных образов, которые художник затем переносил на холст. Так, по признанию самого автора, картина «Постоянство памяти» была написана в результате ассоциаций, возникших при виде плавленого сыра.
Эдвард Мунк, "Крик", 1893.
Мунк так рассказывал о появлении у него идеи одной из самых загадочных картин в мировой живописи: "Я шёл по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу". Но что за закат мог так напугать художника?
Есть версия, что идея "Крика" родилась у Мунка в 1883 году, когда произошло несколько сильнейших извержений вулкана Кракатау - настолько мощных, что они изменили на один градус температуру атмосферы Земли. Обильное количество пыли и пепла распространилось по всему земному шару, добравшись даже до Норвегии. Несколько вечеров подряд закаты выглядели так, будто бы вот-вот настанет апокалипсис - один из них и стал источником вдохновения художника.
Александр Иванов, "Явление Христа народу", 1837-1857.
Десятки натурщиков позировали Александру Иванову для его главной картины. Один из них известен не менее самого художника. На заднем плане, среди путников и римских всадников, еще не слышавших проповедь Иоанна Предтечи, можно заметить персонажа в корчиневом хитоне. Его Иванов писал с Николая Гоголя. Писатель тесно общался с художником в Италии, в частности по религиозным вопросам, и давал ему советы в процессе написания картины. Гоголь считал, что Иванов "уже давно умер для всего мира, кроме своей работы".
Рафаэль Санти, "Афинская школа", 1511.
Создавая знаменитую фреску "Афинская школа", Рафаэль увековечил своих друзей и знакомых в образах древнегреческих философов. Одним из них стал Микеланджело Буонаротти "в роли" Гераклита. Несколько столетий фреска хранила тайны личной жизни Микеланджело, а современные исследователи сделали предположение, что странно угловатое колено художника свидетельствует о наличии у него болезни суставов.
Это вполне вероятно, если учесть особенности образа жизни и условий работы художников эпохи Возрождения и хронический трудоголизм Микеланджело.
Ян ван Эйк, "Портрет четы Арнольфини", 1434 г.
В зеркале позади супругов Арнольфини можно увидеть отражение еще двух человек, находящихся в комнате. Скорее всего, это свидетели, присутствующие при заключении договора. Один из них - ван Эйк, о чем свидетельствует и латинская надпись, помещенная, вопреки традиции, над зеркалом в центре композиции: «Ян ван Эйк был здесь». Так обычно скрепляли контракты.
Рембрандт Харменс ван Рейн, "Автопортрет в возрасте 63", 1669.
Исследователь Маргарет Ливингстон изучила все автопортреты Рембрандта и обнаружила, что художник страдал косоглазием: на изображениях его глаза смотрят в разные стороны, чего не наблюдается на портретах других людей кисти мастера. Недуг привел к тому, что художник лучше мог воспринимать реальность в двух измерениях, чем люди с нормальным зрением. Это явление называется "стереослепота" - неспособность видеть мир в 3D. Но так как живописцу приходится работать с двухмерным изображением, именно этот недостаток Рембрандта мог быть одним из объяснений его феноменального таланта.
Сандро Боттичелли, "Рождение Венеры", 1482-1486.
До появления "Рождения Венеры" изображение нагого женского тела в живописи символизировало только идею первородного греха. Сандро Боттичелли первым из европейских живописцев не нашел ничего греховного в нем. Более того, искусствоведы уверены, что языческая богиня любви символизирует на фреске христианский образ: ее явление - аллегория возрождения души, прошедшей обряд крещения.
Микеланджело Меризи да Караваджо, "Лютнист", 1596.
Долгое время картина экспонировалась в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все-таки юноша (вероятно, Караваджо позировал его знакомый художник Марио Миннити): на нотах перед музыкантом видна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Женщина вряд ли могла сделать такой выбор - это просто тяжело для горла. Кроме того, лютня, как и скрипка у самого края картины, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.
