Рекордная продажа картины «Супрематическая композиция» (1916) из легендарной серии Казимира Малевича на торгах аукционного дома Christie’s в мае 2018 года стала для нас поводом собрать воедино ценовые достижения продаж работ русских художников. Какие максимальные суммы заплатили в разные годы покупатели за работы Валентина Серова, Марка Шагала, Николая Рериха, Василия Кандинского, Натальи Гончаровой?
Накал страстей на торгах Christie’s был нешуточный. Помимо непосредственной борьбы за «Супрематическую композицию» искусствоведы и галеристы ждали, побьет ли работа Кандинского ценовой рекорд продаж русских художников, установленный работой Марка Ротко в 2012 году? Рекорд остался прежним: цена «вопроса» - разница в 1 миллион долларов.
1. Марк Ротко
Первое место в списке самых дорогих русских художников шестой год занимает знаменитый мастер живописи цветового поля Марк Ротко. Его полотно «Оранжевое, красное, желтое», написанное художником в 1961 году, было продано на торгах Christie’s 8 мая 2012 года за 86,88 миллиона долларов. Ценители искусства Ротко регулярно голосуют полновесным долларом за желание приобщиться к феномену этого загадочного художника. Картина «Оранжевое, красное, желтое» знаменита еще и тем, что стала самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.
Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое
1961, 236.2×206.4 см
2. Казимир Малевич
«Супрематическая композиция» (1916) из легендарной серии Казимира Малевича стала самым дорогим лотом на распродаже Christie’s, прошедшей 15 мая 2018 года. Таким образом, Малевич остался номером 2 в ТОП-10 самых дорогих русских художников: хотя цена самой дорогой его работы поднялась с 60 млн долларов на торгах в 2008 году до 85,8 млн долларов в 2018, и всего 1 миллиона не хватило, чтобы Малевич возглавил список.
Картину приобрела частная галерея «Леви Горви», установив новый ценовой потолок для работ русского абстракциониста.
Казимир Северинович Малевич. Супрематическая композиция
1916, 88.5×71 см
Появляясь на аукционах, работы Казимира Малевича всегда создают ажиотаж. Так было и в 2015 году, когда неизвестный покупатель приобрел на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке полотно «Мистический супрематизм» (1922). За картину, принадлежавшую наследникам художника, было заплачено 37,7 млн долларов.
Казимир Северинович Малевич. Мистический супрематизм
1922, 100.5×60 см
В том же 2015 году, 24 июня был побит предыдущий максимум, который платили за Малевича на открытых торгах. За картину «Супрематизм. 18-я конструкция» (1915), которую также продавали наследники Малевича, на торгах Sotheby’s в Лондоне неизвестный покупатель заплатил 33,8 млн долларов.
Казимир Северинович Малевич. Супрематизм 18-я конструкция
1915, 53.3×53.3 см
3. Василий Кандинский
21 июня 2017 года на торгах Sotheby’s «Картина с белыми линиями» Василия Кандинского была продана за 41,8 миллиона долларов. Она побила рекорд того же аукциона: за 20 минут до этого полотно «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом» (1909) «отца абстракции» было продано за 26,4 млн долларов. Эти две работы знаменуют переломные моменты как в творчестве художника, так и во всём искусстве XX века, и входят в небольшое число значительных картин Кандинского, остающихся в частных руках.
Василий Кандинский. Картина с белыми линиями
1913, 119.5×110 см
Василий Кандинский. Мурнау. Пейзаж с зелёным домом
1909
Рекорд по продажам картин Кандинского держался с 2012 года, когда его картина «Эскиз к импровизации № 8» была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 23 миллиона долларов.
Василий Кандинский. Эскиз для "Импровизации 8"
1909, 98×70 см
А до 2012 года самой дорогой картиной Василия Кандинского была «Фуга» (1914). За нее 17 мая 1990 года на торгах аукционного дома Sotheby’s заплатил 20,9 млн долларов швейцарский коллекционер Эрнст Бейлер.
Василий Кандинский
1914, 129.5×129.5 см
4. Марк Шагал
На вечерней распродаже произведений импрессионистов Sotheby’s 14 ноября 2017 года одна из ранних картин Шагала «Влюблённые» (1928) была продана за рекордные 28,5 млн долларов при эстимейте от 12 млн до 18 млн долларов. Война ставок между тремя претендентами длилась более десяти минут. На картине (Les Amoureux) художник изобразил себя со своей музой и первой женой Белой Розенфельд. Полотно было приобретено вскоре после завершения через парижскую галерею Bernheim Jeune & Cie. С и тех пор оно оставалось во владении одной семьи.
Марк Захарович Шагал. Влюблённые
1928
Предыдущий «потолок» для открытых торгов картинами Шагала был достигнут еще в 1990 году. Тогда на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке японский бизнесмен и рьяный коллекционер работ Марка Шагала, Хиронори Аоки, купил картину «Юбилей» (1923). Новая жемчужина коллекции японца (около 30 картин Шагала) обошлась ему около 14 млн долларов.
Марк Захарович Шагал. Юбилей
1915, 80.8×100.3 см
5. Хаим Сутин
11 мая 2015 года на торгах Christie’s в Нью-Йорке полотно Хаима Сутина «Бычья туша» («Le Bœuf»), написанное около 1923 года, было продано за 28,2 млн долларов, не превысив верхнюю планку эстимейта в 30 млн. Созданное в период с 1923 по 1925 год, полотно является одной из девяти картин с бычьими тушами, написанными Сутиным с натуры. Только три картины из этой серии находятся в частном владении.
Хаим Соломонович Сутин. Бычья туша
1923, 81×60 см
6. Алексей Явленский
На момент продажи картины Алексея Явленского «Шокко в широкополой шляпе» специалисты называли эту сделку «инвесторской удачей». Если в 2003 году картину приобрели на Sotheby’s за 8,3 млн долларов, то на торгах этого же аукционного дома 5 февраля 2008 года цена на «Шокко» взлетела более чем в 2 раза и составила почти 18,6 млн долларов. Тогда многие подчеркивали способность цен стремительно расти одновременно с интересом к творчеству художника. Возможно, после экспозиции в Русском музее, открывшей творчество Явленского широкой публике, интерес к его работам у русских коллекционеров вырастет еще больше.
Алексей Георгиевич Явленский. Шокко в широкополой шляпе
1910, 75×65.1 см
7. Валентин Серов
«Портрет Марии Цетлиной» (1910), написанный знаменитым русским живописцем, был продан на Christie’s 24 ноября 2014 года. Сумма, вырученная за картину - чуть более 14,5 млн долларов - стала рекордом специализированных «русских торгов», которые Christie’s регулярно проводит в Лондоне.
Валентин Александрович Серов. Портрет Марии Цетлиной
1910, 109×74 см
8. Николай Рерих
Продажа картины Николая Рериха «Мадонна Лаборис» (1931) стала рекордом продаж произведений русских живописцев аукционным домом Bonhams. 5 июня 2013 года в Лондоне этот лот ушел с молотка за 12 млн долларов. До того момента максимальная цена работ Николая Рериха составляла порядка 3,4 млн долларов (2007 года). И вот 6 лет спустя на торги Bonhams была выставлена очень известная, даже хрестоматийная вещь, которая с 1930-х годов была недоступна широкой публике. Несмотря на то, что уменьшенная копия «Мадонны Лаборис» выставляется в Музее Рерихов в Нью-Йорке, обладание оригиналом и история, провенанс работы, определенно повлияли на высокие результаты торгов.
Николай Константинович Рерих. Мадонна Лаборис (Труды Богоматери)
1931, 8.4×12.4 см
9. Наталья Гончарова
Единственное женское имя, попавшее в список десяти самых дорогих русских художников - «амазонка авангарда» Наталья Гончарова. На протяжении десяти последних лет ее работа «Цветы» (1912) остается самой дорогой среди картин русских художниц, реализованных на открытых торгах. Произведение было продано на аукционе Christie’s в Лондоне 24 июня 2008 года почти за 10,9 млн долларов, ненамного превысив верхнюю планку эстимейта.
Наталья Сергеевна Гончарова. Цветы
1912, 72.7×93 см
10. Николай Фешин
Завершает десятку самых дорогих русских художников Николай Фешин и его картина «Маленький ковбой». С результатом в 10,8 млн долларов полотно было продано на аукционе Macdougall’s в Лондоне 2 декабря 2010 года - самый дорогой лот русского искусства, когда-либо проданный этим аукционным домом. Вдобавок к этому, картина оказалась и топ-лотом всей русской недели того года в Лондоне. С верхним пределом эстимейта в 700 тысяч фунтов, «Маленький ковбой» вызвал огромный ажиотаж и был куплен коллекционером из России.
Николай Иванович Фешин. Маленький ковбой
1940, 7.6×5.1 см
Подготовлено по материалам публикаций artinvestment.ru, sothebys.com, christies.com, macdougallauction.com, bonhams.com, tass.ru, собственным публикациям Артхива. Титульная иллюстрация: коллаж из работ Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое» (1961), Казимира Малевича «Супрематическая композиция» (1916), Василия Кандинского «Картина с белыми линиями» (1913).
Творчество Василия Кандинского - это точное пошаговое отражение его жизненного пути. Все что чувствовал художник, внутренние переживания, восприятие жизненных реалий отображается в его картинах. С раннего детства у Кандинского были способности к живописи, однако он становиться юристом и удостаивается звания доцента с правом преподавать. Одно единственное событие переворачивает все его мировоззрение, и он решает стать художником. Будущий основатель собственного направления в абстракционизме, увидит творение Клода Моне. Он решает творить сам, изначально рисует в стиле импрессионизма. Самые известные картины Кандинского приведены ниже.
Постимпрессионистская работа художника посвящена его ученице и возлюбленной. Он нарисовал ее со спины, как она работает (рисует, творит) на фоне осеннего парка. Кандинский за всю свою творческую жизнь написал очень мало портретов, но свою возлюбленною изобразил в нескольких своих известных картинах. Лица Мюнтер не видно, но это не главное, внимание привлекает игра красок и как фигура художница ярко отличается от окружающего фона. Габриель Мюнтер сыграла одну из основных ролей в становлении Кандинского абстракционистом. Даже после расставания с художником из-за начала первой мировой войны она сохранила его работы, оставленные им в Германии в доме Мурнау.
Синий всадник
«Синий всадник». Довольно маленькое полотно художника (по сравнению с другими полотнами автора) относится к раннему периоду становления Кандинского художником. Но некоторые эксперты уже в этих работах видят предпосылки к абстракции, которая станет его стилем намного позже. Нечеткие очертания, вольные мазки передают идею автора, о не важности того, что изображено, главное что чувствует созерцатель картины. Это своеобразная философия художника переноситься на его рабы в стиле абстракционизма. Также как картина называлось творческое объединение, созданное вместе с Францем Марком. Но Кандинский никогда не связывал название объединения и своей знаменитой картиной.
Композиция VII
«Композиция VII». Как и более ранние полотна этой логической цепи Композиция VII посвящена теме апокалипсиса. Главной темой картины является – Страшный суд, однако отличает ее от Композиций V и VI обилие светлых красок. Картина отображает не угнетение, страх и ужасы, наоборот, высвобождение души из материального бытия в светлый, лучший мир. Судя по записям, Габриель Мюнтер она написана всего за четыре дня, однако подготовительный процесс, известного на весь мир полотна, занял много месяцев. Было сделано много набросков и точных планов, около 30 эскизов, кроме того множество набросков масло, акварелью, гравюры.
Несколько кругов
«Несколько кругов». Создание этого известного полотна приходится на самый плодотворный период в творчестве Кандинского. Это кульминация работ художника с кругами в стиле абстракционизма. В этом же году Кандинский выпускает книгу своих суждений и мыслей об абстракционизме. В книге он рассуждает о музыкальных и эмоциональных эквивалентах красок. Картина написана 1926 году, когда знаменитый «Баухауз» переехал из Веймара в Дессау. До 1933 года пока к власти не пришли нацисты, художник написал более 300 акварелей и 160 картин маслом. Но «Баухауз» закрыли и Кандинский спешно переехал в Париж. Многие работы, написанные в этот период, были уничтожены.
Капризный
«Капризный». Детство и юность Кандинского прошли в Одессе, в портовом городе. И во многих работах художника можно проследить морскую тематику. Данная картина явное тому подтверждение. На первый взгляд образы на знаменитой картине вполне понятные. В центре лодка или корабль, можно различить волны, рыб, команду и флаги, однако не стоит забывать, что это абстракционизм. Стоит немного по-другому взглянуть и это уже не морское судно, а космическое и элементы все похожи на космические тела. Для кого-то это похоже на фантастическую рыбу. Эта картина Кандинского считается немного юмористической, шутливой по отношению к остальным работам автора.
Композиция VIII
«Композиция VIII». Кандинский был глубоко верующим человеком, и это могло не отобразиться в творчестве художника. Являясь продолжением апокалипсической линии, создание картины пришлось на период, когда рациональное начало, строгость и логика преобладали в работах автора. Именно тогда он пишет свою знаменитую книгу «Точка и линия на плоскости», описывая психологическое значение каждой фигуры на картинах. Автор понимал, что для обывателя будет сложно понять всю глубину мысли, поэтому рекомендовал не заострять внимание на каждой детали. Художник советует попробовать провести через себя эмоции исходящие от картины, прочувствовать музыку в формах и линиях.
Двое на лошади
«Двое на лошади». Одна из ранних и известных работ Кандинского, на первый взгляд не имеет ничего общего с его более поздними работами и стилем. Но и здесь можно заметить предпосылки в виде ярких пятен и линий. Не четкое изображение лиц людей намекает, что их эмоции - это не главная идея. От картины веет спокойствием и умиротворенностью. Направление движения указывает, что всадники возвращаются домой, они не управляют конем, он везет их сам. Такие намеки дают широкий простор для философских размышлений. Протекающая рядом река также намекает на бренность жизни.
Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими кругами
«Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими кругами». Знаменитая картина художника является переходным моментом в творчестве Кандинского от хаотичности к строгой геометрии. Некоторым толчком в этом стала выставка его картин в 1912 году, холодно принятая критиками. Однако после выставки имя Кандинского стало известно во всем мире. 1913 году создается «Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими кругами». Художник начинает изучать отзывы зрителей относительно своих картин. Отмечает, какие фигуры и цвета оказывают на них положительные или отрицательные эмоции, какие ассоциации вызывает та или иная картина. Выявляет нюансы, не только радующие глаз, но и затрагивающие струны души.
Синее небо
«Синее небо». После вынужденного переезда из Германии в Париж Кандинский снова возвращается к фигурной живописи. Но назвать ее таковой довольно трудно, так как это смесь с абстрактным искусством. Фигуры, линии и цвета дают явный намек на абстракцию. Картины в этом периоде отличаются своей шутливой формой. Изображенные на известной картине «Синее небо» некие существа заставляют усомниться, что это небо. Может быть, это море с плавающими в нем рыбами, кальмарами и медузами. Автор не дает определения этим существам, тем самым оставляя простор для фантазий. Каждый зритель увидит то что ближе ему.
Вид Мурнау
«Вид Мурнау». Долгое время Кандинский прожил в Мурнау со своей возлюбленной Габриель Мюнтер. Среди работ художника множество известных картин с пейзажами, в которых он изображает свой дом и местную природу. Расположенный у подножья Альп, город и красота вокруг вдохновляли художника. В картинах, созданных в этот период творчества Кандинского, уже прослеживаются отступления от фигурного изображения, игра линий и пятен выходит на первый план. Именно в этом месте художник переосмысливает свое творчество и больше задумывается о беспредметном искусстве. Однажды он видит картину с удивительной игрой красок, но в сумерках не узнает свое картину, стоящую вверх ногами. Он понимает не важно, что изображено на картине, главное какие эмоции оно вызывает у зрителя.
В начале декабря 2011 года на русских торгах в Лондоне были установлены новые ценовые рекорды. Подводя итоги года, мы составили список самых дорогостоящих работ художников России по результатам аукционных продаж.
33 самые дорогие к. Источник: 33 самые дорогие к.
Если верить рейтингам, самый дорогой русский художник - Марк Ротко. Его «Белый центр» (1950), проданный за 72,8 млн. долл., вдобавок, занимает 12-е место в списке самых дорогих картин в мире вообще. Однако Ротко был евреем, родился в Латвии и уехал из России в возрасте 10 лет. Честно ли с подобной натяжкой гнаться за рекордами? Поэтому Ротко, как и других эмигрантов, которые покинули Россию, еще не став художниками (например, Тамару де Лемпицки и Хаима Сутина) мы из списка вычеркнули.
Автор «Черного квадрата» - слишком важная персона, чтобы его произведения часто встречались в свободной продаже. Вот и эта картина попала на аукцион весьма сложным путем. В 1927 году Малевич , собираясь устроить выставку, привез из своей ленинградской мастерской в Берлин почти сотню работ. Однако его срочно отозвали на родину, и он оставил их на хранение архитектору Хуго Херингу. Тот сберег картины в сложные годы фашистской диктатуры , когда их вполне могли уничтожить как «дегенеративное искусство», и в 1958 году, уже после смерти Малевича, продал их государственному музею Стеделек (Голландия).
В начале XXI века группа наследников Малевича, почти сорок человек, начала судебное разбирательство - потому что Херинг не являлся юридическим владельцем картин. В результате музей отдал им эту картину, и отдаст еще четыре, которые наверняка вызовут фурор на каком-нибудь аукционе. Ведь Малевич - один из самых подделываемых художников в мире, а происхождение картин из музея Стеделек безупречно. А в январе 2012 года наследники получили еще одну картину с той берлинской выставки, отобрав ее у швейцарского музея.
На аукционную цену произведения влияет его репутация. Это не только громкое имя художника, но и «провенанс» (происхождение). Вещь из знаменитой частной коллекции или хорошего музея всегда стоит дороже, чем работа из анонимного собрания. «Фуга» происходит из прославленного Музея Гугенхайма: однажды директор Томас Кренц вывел из состава музейных фондов этого Кандинского, картину Шагала и Модильяни , и выставил их на продажу. На полученные деньги музей зачем-то приобрел коллекцию из 200 работ американских концептуалистов. Кренца за это решение очень долго осуждали.
Это полотно отца абстракционизма любопытно тем, что установило рекорд в далеком 1990-м году, когда аукционные залы Лондона и Нью-Йорка еще не заполнили безрассудные русские покупатели. Благодаря этому, кстати, оно и не сгинуло в какой-нибудь очень приватной коллекции в роскошном особняке, а находится в постоянной экспозиции в частном музее Бейелеров в Швейцарии, где его может увидеть любой. Редкий случай для такой покупки!
Примерно 18,5 млн. долл. заплатил неизвестный покупатель за портрет, на котором изображена девушка из деревеньки под Мюнхеном. Шокко - это не имя, а прозвище. Модель, приходя в студию художника, каждый раз просила чашку горячего шоколада. Так за ней и прижилось «Шокко».
Проданная картина входит в его знаменитый цикл «Расея», изображающей отечественное крестьянство первой четверти ХХ века. И, право, изображающей с такими рожами, что смотреть страшно. Здесь в образе пастуха явлен крестьянский поэт Николай Клюев, предтеча Есенина. Среди его стихов есть такие: «На припеке цветик алый Обезлиствел и поблек - Свет-детина разудалый От зазнобушки далек».
Маковский - салонный живописец, известный огромным количеством головок боярышень в кокошниках и сарафанах, а также картиной «Дети, бегущие от грозы», которую одно время постоянно печатали на подарочных коробках шоколадных конфет. Его сладкие исторические картины пользуются стабильным спросом среди русских покупателей.
Тема этой картины - древнерусский«поцелуйный обряд». Знатным женщинам на Древней Руси не разрешалось покидать женскую половину, и только ради почетных гостей они могли выйти, поднести чарку и (самая приятная часть) позволить поцеловать себя. Обратите внимание на картину, висящую на стене: это изображение царя Алексея Михайловича, один из первых конных портретов, появившихся на Руси. Композиция его, хоть и была нагло скопирована с европейского образца, считалась необыкновенно новаторской и даже шокирующей для того времени.
Сын Николая Рериха покинул Россию совсем подростком. Жил в Англии, США, Индии. Как и отец, интересовался восточной философией. Как и отец - писал множество картин на индийские темы. Отец вообще занимал огромное место в его жизни - он написал более тридцати его портретов. Эта картина создана в Индии, где клан обосновался в середине века. Картины Святослава Рериха появляются на аукционах редко, а в Москве произведения знаменитой династии можно увидеть в залах Музея Востока , которому авторы их подарили, а также в музее музее «Международный центр Рерихов », который располагается в роскошной дворянской усадьбе прямо позади Пушкинского музея . Оба музея не очень любят друг друга: музей Востока претендует и на здание, и на коллекции Центра Рериха.
Главный русский пейзажист провел на Валааме три лета подряд и оставил множество изображений этой местности. Это произведение немного мрачновато и не похоже на классического Шишкина. Но это объясняют тем, что картина относится к его раннему периоду, когда он не нащупал свою манеру и находился под сильным влиянием дюссельдорфской школы пейзажа, в которой обучался.
Об этой дюссельдорфской школе мы уже вспомнали выше, в рецепте поддельного «айвазовского». « Шишкины» делаются по той же схеме, например, в 2004 году на Sotheby"s был выставлен «Пейзаж с ручьем» дюссельдорфского периода живописца. Он оценивался в 1 млн. долл. и подтверждался экспертизой Третьяковской галереи. За час до продажи лот был снят - это оказалась картина другого ученика этой школы, голландца Маринуса Адриана Куккука, купленная в Швеции за 65 тыс. долл.
Портрет мальчика с иконой Богородицы был найден в частной коллекции в Чикаго. После того, как его передали аукционному дому, эксперты начали исследования, пытаясь установить его происхождение. Оказалось, что картина была на выставках в 1922 и 1932 годах. В 1930-х работы художника ездили по Штатам в составе выставки русского искусства. Возможно, именно тогда владельцы и приобрели эту картину.
Обратите внимание на пустое место на стене позади мальчика. Сначала автор думал написать там окно с зеленым пейзажем. Это бы уравновесило картину и по композиции и по цветам - трава бы перекликалась с зеленой туникой Богоматери (кстати, по канону она должна быть синей). Почему Петров-Водкин закрасил окно - неизвестно.
Прежде чем навестить Шамбалу и начать переписываться с далай-ламой, Николай Константинович Рерих довольно успешно специализировался на древнерусской теме и даже делал балетные эскизы для « Русских сезонов» . Проданный лот относится к этому периоду. Изображенная сцена - чудесное явление над водой, которое наблюдает русский монах, скорей всего - Сергий Радонежский. Любопытно, что картина написана в том же году, что другое видение Сергию (тогда отроку Варфоломею), фигурирующее в нашем списке выше. Стилистическая разница - колоссальна.
Рерих написал множество полотен и львиную долю из них - в Индии. Несколько штук он подарил индийскому института сельскохозяйственных исследований. Недавно два из них, « Гималаи, Канченджанга» и « Закат, Кашмир», появились на аукционе в Лондоне. Только тогда младшие научные сотрудники института заметили, что их ограбили. В январе 2011 года индусы обратились в лондонский суд за разрешением расследовать это преступление в Англии. Интерес воров к наследию Рериха понятен, ведь есть спрос.
Любовь Попова умерла молодой, поэтому прославиться, как другая амазонка авангарда Наталья Гончарова, не сумела. Да и наследие у нее поменьше - поэтому в продаже ее работы найти трудно. После ее смерти была составлена подробная опись картин. Этот натюрморт долгие годы был известен только по черно-белой репродукции, пока не всплыл в частной коллекции, оказавшись самым значительным произведением художницы в частных руках. Обратите внимание на жостовский поднос - может быть, это намек на вкус Поповой к народным промыслам. Она происходила из семьи ивановского купца, занимавшегося тканями, да и сама создала много эскизов агитационного текстиля на базе русских традиций.
Лентулов вошел в историю русского авангарда запоминающимся изображением собора Василия Блаженного - не то кубизм, не то лоскутное одеяло. В этом пейзаже он пытается дробить пространство по похожему принципу, но выходит не так увлекательно. Собственно, поэтому «Василий Блаженный » в Третьяковской галерее , а эта картина - на арт-рынке. Все-таки когда-то музейщики имели возможность снимать сливки.
Продажа этого малоизвестного художника, пусть и любимого пейзажиста царя Александра III, за такие безумные деньги - симптом бешенства рынка накануне кризиса 2008 года. Тогда русские коллекционеры были готовы покупать даже второстепенных мастеров. Тем более, что первоклассных художников продают редко.
Возможно, эта картина отправилась в подарок какому-нибудь чиновнику: у нее подходящий сюжет, ведь Храм Христа Спасителя давно перестал быть просто церковью, и стал символом. И льстящее происхождение - картина хранилась в царском дворце. Обратите внимание на детали: кирпичная кремлевская башня покрыта белой штукатуркой, а холм внутри Кремля совершенно необустроен. Ну, а зачем было стараться? В 1870-х столицей был Петербург, а не Москва, и Кремль не являлся резиденцией.
Совершено нетипичная для Левитана работа была продана на том же аукционе, что и картина Боголюбова, однако оказалась дешевле. Связано это, разумеется, c тем, что картина не похожа на «левитана ». Авторство ее, однако, бесспорно, аналогичный сюжет есть в Днепропетровском музее. 40 тысяч лампочек, с помощью которых был украшен Кремль, зажгли в честь коронации Николая II. Через несколько дней случится ходынская катастрофа.
Знаменитый пейзажист написал три подобные картины. Первая находится в Третьяковке, третья - в Государственном музее Беларуси. Вторая, представленная на аукционе, предназначалась для князя Павла Павловича Демидова-Сан-Донато. Этот представитель знаменитой уральской династии жил на вилле под Флоренцией. Вообще, Демидовы, став итальянскими князьями, развлекались как могли. Например, дядя Павла, от которого тот унаследовал княжеский титул, был так богат и знатен, что женился на племяннице Наполеона Бонапарта , и однажды в плохом настроении ее высек. Бедная дама с трудом смогла добиться развода. Картина, однако, к Демидову не попала, ее приобрел украинский сахарозаводчик Терещенко.
Импрессионистам присущ очень «легкий», размашистый стиль письма. Коровин - главный русский импрессионист. Он очень популярен среди мошенников; по слухам, количество его подделок на аукционах достигает 80%. Если картина из частного собрания была выставлена на персональной выставке художника в знаменитом государственном музее, то ее репутация упрочняется, и на следующем аукционе она стоит намного дороже. В 2012 году Третьяковская галерея планирует масштабную выставку Коровина. Может быть, там будут работы из частных собраний. Данный абзац - пример манипуляции сознанием читателя на примере перечисления фактов, не имеющих между собой прямой логической связи.
Анненков сумел эмигрировать в 1924 году и сделал на западе неплохую карьеру. Например, в 1954 году его номинировали на Оскар как художника по костюмам за фильм «Мадам де...». Наиболее известны его ранние советские портреты - лица кубистические, граненые, но совершенно узнаваемые. Например, он неоднократно рисовал таким образом Льва Троцкого - и даже повторил рисунок много лет спустя по памяти, когда журналу Times захотелось украсить им обложку.
Изображенный на рекордном портрете персонаж - писатель Тихонов-Серебров. В историю русской литературы он вошел, главным образом, своей близкой дружбой с. Настолько близкой, что, по грязным слухам, жена художника Варвара Шайкевич даже родила от великого пролетарского писателя дочь. На репродукции не очень заметно, но портрет выполнен в технике коллажа: поверх слоя масляной краски здесь идут стекло и штукатурка, и даже приделан настоящий дверной звонок.
Еще один второстепенный пейзажист, почему-то проданный за рекордную цену. Одним из показателей успеха аукциона является превышение эстимейта («оценки» ) - минимальной цены, которую эксперты аукционного дома установили для лота. Эстимейт этого пейзажа был 300-400 тыс. фунтов., а продали его в 4 раза дороже. Как сказал один лондонский аукционер: «счастье - это когда два русских олигарха соревнуются за один и тот же предмет».
Богатыри стали визитной карточкой еще в 1870-х. Он возвращается к своей звездной теме, подобно другим ветеранам русской живописи, в годы молодой советской республики - и по финансовым соображениям, и чтобы снова почувствовать себя востребованным. Эта картина - авторское повторение «Ильи Муромца» (1915), который хранится в Доме-музея художника (на Проспекте Мира).
Второй нынеживущий художник в нашем списке (еще сказал, что для художника лучший способ поднять цены на свои работы - это умереть). , кстати, это советский Уорхол, подпольный и антикоммунистический. Он работал в жанре соц-арт, который был создан советским андеграундом, как наш вариант поп-арта. «Слава КПСС» - одно из самых знаменитых произведений художника. По его собственным объяснениям, буквы здесь символизируют решетку, загораживающую от нас небо, то есть свободу.
Серебрякова любила рисовать обнаженных женщин, автопортреты и своих четверых детей. Этот идеальный феминистский мир гармоничен и спокоен, чего не скажешь о жизни самой художницы, которая с трудом вырвалась из России после революции и потратила много сил, чтобы вытащить оттуда своих детей.
«Обнаженная» - не картина маслом, а рисунок пастелью. Это самый дорогой русский рисунок. Столь высокая сумма, отданная за графику, сопоставима с ценами на рисунки импрессионистов и вызвала большое удивление у Sotheby"s, которые начали торги с 150 тыс. фунтов стерлингов, а получили миллион.
Список составлен на основе цен, указанных на официальных сайтах аукционных домов. Эта цена складывается из чистой стоимости (озвученной, когда опускается молоток), и « премии покупателя» (дополнительного процента аукционного дома). В других источниках может быть указана «чистая » цена. Курс доллара к фунту часто колеблется, поэтому британские и американские лоты расположены относительно друг друга с приблизительной точностью (мы же не Forbes).
Дополнения и исправления нашего списка приветствуются.
Творчество Василия Васильевича Кандинского
(1866-1944)
Творчество Василия Васильевича Кандинского - уникальное явление русского и европейского искусства. Именно этому художнику, наделённому могучим дарованием, блестящим интеллектом и тонкой духовной интуицией, суждено было совершить подлинный переворот в живописи и создать первые абстрактные композиции.
Судьба Кандинского складывалась не совсем обычно. До тридцати лет он и не помышлял об искусстве. Закончив в 1893 г. юридический факультет Московского университета, он начал работать над диссертацией, участвовал в этнографической экспедиции на север России, а в 1896 г. получил приглашение из университета в Дерпте (ныне Тарту, Эстония) занять должность приват-доцента. Но в том же году Кандинский внезапно изменил свою жизнь. Поводом для этого послужило впечатление от картины «Стог сена» Клода Моне на Французской индустриальной и художественной выставке в Москве. Отказавшись от кафедры, он уехал в Германию учиться живописи. Кандинский обосновался в Мюнхене, который на рубеже веков был признанным центром немецкого модерна. Он занимался сначала в частной школе живописи, а позднее в Мюнхенской академии художеств у Франца фон Штука.
Живя в Германии, Кандинский почти каждый год приезжал в Россию и представлял свои работы на выставках Московского товарищества художников, Нового общества художников и др. В журналах «Мир искусства» и «Аполлон» появлялись его статьи об искусстве Германии, сыгравшем столь важную роль в формировании творческой личности живописца. В то же время Кандинского волновала и вдохновляла русская художественная традиция: иконы, древние храмы, сказочные персонажи. Все они часто присутствуют в его работах, что говорит о влиянии на него мастеров «Мира искусства».
Кандинский был прирождённым лидером. Уже с 1901 г., едва закончив обучение, он возглавил художественное общество «Фаланга», участвовал в его выставках и работал в созданной при нём школе. В 1909 г, мастер организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», а в 1912 г. - группу «Синий всадник».
В работах Кандинского 1900- 1910 гг. чувствуются разнообразные влияния: от немецкого экспрессионизма и французского фовизма («Вид Мурнау», 1908 г.; «Дома в Мурнау на Обермаркте», 1908 г.) до российского «Мира искусства» («Дамы в кринолинах», 1909 г.). Не без воздействия символизма Кандинский обратился к графике, создав цикл гравюр на дереве «Стихи без слов» (1903 г.).
В начале 10-х гг. ясно определилось главное направление творческих поисков Кандинского: он хотел сосредоточить все средства живописи на передаче сложной системы чувств и ощущений, которые живут в потаённых глубинах души художника и не зависят от материального мира. Теоретически мастер сформулировал эту проблему в книге «6 духовном в искусстве» (1911 г.), но практическое решение пришло к нему внезапно и необычно. Художник сам описал происшедший в его сознании переворот в работе «Ступени» (1918 г.): «Я... вдруг увидел перед собой неописуемо-прекрасную, пропитанную внутренним горением картину. Сначала я поразился, но сейчас же скорым шагом приблизился к этой загадочной картине, совершенно непонятной по внешнему содержанию и состоявшей исключительно из красочных пятен. И ключ к загадке был найден: это была моя собственная картина, прислонённая к стене и стоявшая на боку... В общем, мне стало в этот день бесспорно ясно, что предметность вредна моим картинам».
Наверное, в ту минуту потрясённый мастер вряд ли осознавал, что случайно поставленная на бок картина станет истоком нового направления в искусстве - абстракционизма. По Кандинскому, именно линия и цветовое пятно, а не сюжет являются носителями духовного начала, их сочетания рождают «внутренний звук», вызывающий отклик в душе зрителя.
Все абстрактные произведения Кандинского, по его собственным словам, разделяются на три группы (по степени отдаления от предмета): импрессии, импровизации и композиции. Если импрессия рождается как прямое впечатление от внешнего мира, то импровизация бессознательно выражает внутренние впечатления. Наконец, композиция - это высшая и самая последовательная форма абстрактной живописи. В ней нет прямых связей с реальностью. Цветовые пятна и линии образуют захватывающую дух стихию движения. Композиции Кандинского не имели индивидуальных названий - только номера (из десяти таких работ сохранилось семь).
Создавая абстрактные композиции, Кандинский фактически изменил природу живописи - искусства, тесно связанного с повествованием, - и приблизил её к музыке, которая призвана не изображать, а выражать наиболее сложные душевные состояния
Василий Кандинский - русский художник и теоретик искусства, ознаменовал начало драматического периода в творчестве Кандинского и стал предвестником появления абстрактного искусства. Он задумал новый стиль, известный в настоящее время как О духовном в искусстве ».
Баухауз
оказавший глубокое влияние на развитие современного изобразительного искусства. Он был тем, кто освободил картину от ограничивающего представления и создал основу для эволюции абстракционизма. Его огромное влияние на мир искусства навсегда изменило способ восприятия живописи. Работы художника основывались на философских положениях, которые неуклонно прогрессировали в картинные образы.
Кандинский, пожалуй, прежде всего, мыслитель, а затем художник. Он признавал лишь то направление, в котором может двигаться насыщенная конфигурация и неотступно его преследовал, подавая пример другим авангардным творцам. Суть абстракции Кандинского состоит в поиске универсального синтеза музыки и живописи, рассматриваемого как параллели с философией и наукой.
Василий Кандинский родился в Москве в 1866 году. С раннего детства его удивляло разнообразие цветов в природе, и он постоянно интересовался искусством. Несмотря на успехи в изучении экономики и права он отказался от многообещающей карьеры в области социальных наук, чтобы следовать творческому призванию.
Выставка Клода Моне, которую посетил молодой художник, стала решающим толчком, вдохновившим его посвятить себя изучению изобразительного искусства. Когда он поступил в художественную школу в Мюнхене, Кандинскому было уже 30 лет. Даже не будучи принятым с первого раза, он продолжил самостоятельное обучение.
Два года Василий Васильевич провел в художественной школе, после чего последовал период странствий. Художник посетил Нидерланды, Францию, Италию и Тунис. В то время он создавал картины под сильным влиянием постимпрессионизма, оживляя свое детство в России в творческих ландшафтах, имеющих идеалистическое значение для художника. Он поселился в городке Мурнау, возле Мюнхена и продолжил исследование пейзажей, наделяя их энергичными линиями и смелыми, жесткими цветами.
Кандинский размышлял о музыке, пытаясь передать ее абстрактные черты в других видах искусства. В 1911 году в Мюнхене сформировалась группа художников-единомышленников во главе с Кандинским. Они назвались «Синий всадник» - «Der Blaue Reiter ». Среди участников оказались такие известные немецкие экспрессионисты, как Август Маке и Франц Марк. Группа опубликовала альманах с собственными взглядами на современное искусство и провела две выставки, после чего распалась в начале Первой мировой войны в 1914 году.
Переход к использованию Переход к использованию основных изобразительных элементов ознаменовал начало драматического периода в творчестве Кандинского и стал предвестником появления абстрактного искусства. Он задумал новый стиль, известный в настоящее время как лирическая абстракция. Художник через рисование и черчение имитировал течение и глубину музыкального произведения, окрашенность отражала тему глубокого созерцания. В 1912 году он написал и опубликовал основополагающее исследование « О духовном в искусстве ».
В 1914 году Кандинскому пришлось вернуться в Россию, но он не переставал экспериментировать. Даже участвовал в реструктуризации российских художественных институций после революции. Но истинное значение его гениального новаторства стало очевидно лишь в 1923 году после того, как он вернулся в Германию и вступил в преподавательский корпус «Баухауз », где подружился с другим творческим авангардистом - Паулем Клее.
Кандинский работал над новой изобразительной формулой, состоящей из линий, точек и комбинированных геометрических фигур, представляющих его визуальные и интеллектуальные исследования. Лирическая абстракция сместилась в направлении к более структурированной, научной композиции.
После десяти лет плодотворной работы в 1933 году нацистские власти закрыли школу «Баухауз». Кандинский был вынужден переехать во Францию, где провел остаток своей жизни.
Последние одиннадцать лет русский гений посвятил постоянной погоне за великим синтезом своих абстрактных идей и визуальных находок. Он вернулся к интенсивному цвету и лирике, еще раз подтверждая свои оригинальные взгляды на истинную природу живописи. Великий художник принял французское гражданство и создал ряд известнейших произведений искусства на своей новой родине. Он умер в 1944 году в городе Нейи в возрасте 77 лет.
Новые нацистские власти в 1937 году провозгласили работы Василия Кандинского, как и произведения его современников Марка Шагала, Пауля Клее, Франца Марка и Пита Мондриана, «дегенеративным искусством», а два года спустя более тысячи картин и тысячи эскизов были публично сожжены в атриуме пожарной станции в Берлине. Тем не менее, убедительная сила культовых художественных работ Василия Кандинского не померкла под историческими тяготами и вышла победителем на сцене истории искусства.
1. «Последовательность», 1935 год
Это практически музыкальное произведение, отмеченное поздним периодом в творчестве Кандинского. Замкнутые поля с рассеянными элементами композиции, перетекающими в определенные формы. Художник вернулся к своим абстрактным истокам.
2. «Синий всадник», 1903 год
Эта картина послужила вдохновением для создания одной из самых влиятельных групп в истории современного искусства - Der Blaue Reiter. Эта ранняя работа написана на грани абстракции.
3. «Пляжные корзины в Голландии», 1904 год
Пейзаж, заимствованный из поездки в Нидерланды. В сцене предположительно влияние импрессионизма.
4. «Осень в Мурнау», 1908 год
Постепенный переход к абстракции отмечен экспрессионизмом в пейзаже.
5. «Ахтырка. Красная церковь», 1908 год
Русский пейзаж, в котором художник воскресил свою тоску по дому.
6. «Гора», 1909 год
Практически полностью абстрактный пейзаж с небольшими контурами, предполагающими холм и человеческие фигуры.
7. «Первая абстрактная акварель», 1910 год
Эта работа имеет историческую ценность, как первая полностью абстрактная акварель Кандинского.
8. «Импровизация 10», 1910 год
Импровизация в рисунке и цвете даёт подсказки, но полностью не раскрывает и не конкретизирует образы. Ранняя абстракция.
9. «Лирическое», 1911 год
В своей живописи художник часто опирался на музыкальные идеи, поэтому лирический характер его мазков пришёл естественным путем. Это одна из его «художественных поэм».
10. «Композиция IV», 1911 год
Есть история о том, что Кандинский думал, что завершил картину, но как только его помощник случайно повернул её другой стороной, изменилась перспектива и общее впечатление от полотна, что сделало его прекрасным.
11.«Импровизация 26 (Гребля)», 1912 год
Кандинский часто называл свои картины на манер музыкальных произведений - импровизации и композиции.
12. «Импровизация 31 (Морской бой)», 1913 год
Типичный пример лирической абстракции с сильным цветовым и эмоциональным содержанием.
13. «Квадраты с концентрическими кругами», 1913 год
Уже настоящая глубокая абстракция. Таким образом, Кандинский проводил исследование в области цвета и геометрии.
14. «Композиция VI», 1913 год
После обширной подготовки к написанию этой картины, Кандинский закончил её в течение трех дней, повторяя как мантру для вдохновения немецкое слово «uberflut», что означает наводнение.
15. «Москва», 1916 год
Во время пребывания в Москве за годы войны Кандинского поразила суматоха большого города. Это скорее портрет столицы, чем пейзаж, отражающий всю её мощь и турбулентность.
16. «Синий», 1922 год
Очередное изучение цвета в очень ограниченной геометрической форме.
17. «Черный и фиолетовый», 1923 год
Одна из картин, написанных после возвращения в Германию. Мы видим по-прежнему богатые цвета в композиции, но отчетливо острый геометрический поворот оттесняет лирические мазки.
18. «На белом II», 1923 год
Визуальное представление на двух основных нюансах - черном и белом. Две противоположности создают сильный контраст, сохраняя напряжение в живописи, которая имитирует борьбу между жизнью и смертью.
19. «Желтый, красный, синий», 1925 год
Как следует из названия, это в первую очередь изучение потенциала основных цветов, которые украшают геометрическую композицию.
20. «Композиция X», 1939 год
Эта картина также написана под влиянием музыки. Визуальные элементы пропорциональны музыкальным составляющим идеальной симфонии. Кандинский полагал, что это и есть секрет истинной живописи
Катрину «Гравитация» Василий Васильевич Кандинский написал в 1935 году. На темном фоне картины художник изобразил композицию из четких линий, кругов и квадратов. Центр полотна он разметил своего рода осью из одной горизонтальной […]
Полотно создано в период творческой подъема художника. Оно замечательно отражает его личность в то время. В одном из своих первых фундаментальных абстрактных холстов живописец употребляет черные штрихи на фоне яркого колорита, образуя […]
Полотно было создано в период, когда художник написал свои лучшие работы. После его возвращения в Германию он работал в обстановке оживления всех видов искусства и внимания к абстрактной живописи среди замечательных коллег, […]
Картина Василия Кандинского «Старый город» написана в период творческих исканий, в 1902 году и относится к ранним работам художника. Произведение создано в направлении югендстиль, отличающееся обобщенностью форм. Как и многие другие ранние […]
В период с 1900 по 1910 Василий Кандинский работал в журнале «Мир искусства», которое занималось изданием русского символизма. Основной тематикой для творчества символистов того времени, была культура русского дворянства 17 века и […]
Картина написана маслом на холсте в 1919 году, в период рассвета творческого пути Василия Кандинского. Искусствоведы сравнивают «Белый овал» с воплощенной в картину музыкой, проникнутой состоянием души автора, его глубокими чувствами. Такое […]
